台灣東部有一種魔力，能夠讓人感受到無形的能量，帶來舒緩、療癒與修復，或許源自於舟車勞頓、翻山越嶺之後看見遼闊大地的富饒，彷彿可以瞬間戳中每個人內心的原始召喚，而如此感受在台東尤甚。全球知名的線上旅遊品牌Booking.com於2017年底公布2018年10大新興旅遊城市，台東便是其中之一，與美國文青之城波特蘭、澳洲布里斯本、日本北海道札幌齊名。

近年來城市印象與好感度大幅提升的台東，或許可將原因歸功於天然景觀的壯美、文化藝術深耕多年，以及最重要的：居民自主意識參與與地方認同。台東人熱愛大地，感謝山林與海洋的贈與，從台東漫活的步調中，可以感受到大大小小對於生活的自適與豁然，更能看見山林、海洋如何牽引著東部人的一呼一息，尤其是深入探究原住民與大地相處的方式，比起藉由現代科技導向，更多的是順應、理解，並且更加感到謙卑、渺小。來到台東，你接收到的生活觀和認識世界的方式將大大反轉。

台灣被全世界南島語民族稱為「母親之島Mother Island」，是許多生物種類和人類民族的根源，長久以來不遺餘力向下掘出生長的歷史根源，是時候該開花結果了。已連續四年舉辦的《東海岸大地藝術節》，或許可說是正在綻放中的其中一抹紅──從台東這片沃土生長茁壯，出落地耀眼動人，仍歸屬於大地。

行駛於台11線公路上，左右兩側伴隨著山海，從北台東綿延168公里的大地美術館裡，東海岸大地藝術節以《島群之間》為主題，傳遞著在台東這塊土地上「生活即是藝術，藝術就是生活」的哲思與智慧。而搭配首屆南迴藝術計畫《南方以南》，從台九線公路串接起南北台東的文化氣息，共同將後山的自然與人文風景揮灑地淋漓盡致。因此今年夏天，台東有著前所未有的話題熱度，繼台南平凡而美好的生活方式引發移居潮後，台東的獨樹一格也成為國內外人士旅遊及生活的嚮往所在。

東海岸大的藝術節策展人李韻儀也提及，「台灣東海岸因保存了最原始的海岸與山脈交會自然景觀以及海洋民族生活文化，近十幾年來吸引無數國際人士漂洋渡海而落腳於此，最關鍵的原因，即人與海洋的親密感在台東是如此渾然天成。」這個宛如祕境一般地存在，不只會因大山大海震懾，就連面對生活的態度也令人稱羨。

當深耕在地早已成為基本時，東海岸大地藝術節最大的亮點，莫過「不撤展」的「共存」概念。邁入第４年，藝術家在此創作的大型裝置作品已累積將近20件，只要能在風吹日曬、颱風地震等自然外力下屹立不搖，這些藝術品將永久與東海岸的自然生態共同呼吸、存在。藉由以永續與文化紮根為前提，作品多數以自然材質打造，而創作理念也源於部落耆老的傳說故事、與地域的關係，以及擁抱自然的心境。

就如幾件因東海岸大地藝術節而創作的裝置來說，若仔細探究創作故事，可以發現東海岸藝術創作不只有型體之美，反而讓物件更增添了親切感。

位於加路蘭遊憩區的《艷陽下的綻放》公車亭，由藝術家饒愛琴以漂流木、馬賽克及磚頭打造而成，被譽為台灣最美公車亭的它，在公車班距較長、當地人戲稱有9顆太陽的台東，希望減緩等車者的不奈，藉由藝術陪伴在地生活。

而地名加路藍其實源自原住民對此處的稱呼kararuan，意指「洗頭髮的地方」，因為附近溪流富含礦物質，洗髮後自然潤濕亮麗而得名，原住民青年藝術家拉飛‧邵馬便以漂流木創作出如髮絲浸潤於水中甫出浴的頭像，巧妙訴說地方的歷史。

台東最北端的長濱鄉樟原橋遊憩區，正是東海岸大地藝術節的起點，在不到100公尺的範圍內便有三道橫跨水母丁溪的老、中、青代樟原橋，彷彿具象化了「時間」的概念，藝術家林鴻文以竹子、木頭為材料，在日據時代建造的橋上創作了《時間的暱語》，如同蟲蛹一般的外觀形狀，與日月、山川、海洋潮汐一同蛻變，也提醒著駕車的旅人，到了台東，節奏得再調慢一些了！

都歷處本部則可說是東海岸大地藝術節的大本營，配合古時此處為「熊出沒的地方」，入口處由藝術團隊「蟲眼計畫」創作的《公元5390的凝望》便以熊作為代表，想像每年向南移動15公尺的北迴歸線，在千年後移至都歷處時立下的紀念碑。

國際知名的港口部落原住民藝術家拉黑子也在都歷處本部創作了《島嶼之影》，拉黑子藉由長年在太平洋邊蒐集的漁網海廢作為創作素材，除了呼應以往阿美族長者在海邊撿拾採集的生活方式，更帶著環境保護的反思，纏繞塑造出象徵部落8個階級的人形，望向海洋，猶如與自然共生的意象。

豐富的東海岸大地藝術節內涵可不僅如此，在6月到8月間舉行的重頭戲之一「月光海音樂會」與市集也不容小覷，在滿月之際，月光倒映在海上，面對如此景觀，聽著來自部落與台灣知名音樂人的表演入耳，可說是生活中最浪漫的饗宴，就算表演中途遇上風吹雨淋，也是大自然的一部分。而如此場景不禁讓人回憶起「為什麼古希臘圓形劇場總是在海邊？」的命題，在得到「因為就算悲劇再怎麼苦，只要仰望遠方的那片海洋，還是能感受到美好。」的豁達解答後，想起相似的泰然生活哲學，彷彿在台東也可見。

台東有三分之一的人口組成為原住民，在原住民的觀念裡，一個部落就相當於一個國家，擁有不同的習俗與文化，因此來到台東，除了壯麗的地景，你絕對有著探索不完的當地人自豪的人文風景。英國哲學家培根曾言：「深窺自己的心，而後發覺一切的奇蹟在你自己。」而台東便是那個奇蹟，是不被外物攪擾、勇敢做自己的城市。或許就是這點，所以我們喜歡上台東。

Text / Diane Tang

via / 東海岸大地藝術節

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

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_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}