「台北白晝之夜」自2016年舉辦，透過充滿爆發力的藝術文化活動體驗，探索夜晚臺北的各種魅力，每年吸引至少20萬民眾參與，創下街頭藝術活動新紀錄。第三屆的臺北白晝之夜，將於10月6日晚上6點至10月7日早上6點舉辦，選定中山北路一段至三段，以圓山周邊和南西商圈為北、南兩大活動範圍，包括響應串連活動預計將呈現至少70場演出與43處的夜間藝術裝置活動。

中山北路：反轉城市街道，走它七遍也不厭倦

今年「台北白晝之夜」邀請策展人胡朝聖擔任藝術總監，以「顛倒之城」為主要概念，邀請大家用一顆自由開放的心，觀看人事物的眼光，發現平日看不見的台北城市風景。而所選定的中山北路是台北最有故事的街道之一，它濃縮了大臺北各時期的繁華，從日本時期的官方大道建設、美軍駐臺時的娛樂貿易，到今日移工的多元文化，還有代表台灣經濟力的金融業、婚紗業、資訊業等等，都在這條街道上留下了足跡。

這條象徵臺灣百年來發展繁華縮影的街道，不管從歷史、地理、產業、文化、在地或國際的角度來看，都值得更多的凝視、理解和近身接觸，因此成為2018年臺北「白晝之夜」選定的展演區域。此次以「顛倒之城」為概念，就是要上上下下搞一場翻天覆地的城市探索，裡裡外外解放你我的視線和觀點；挖掘城市的豐富故事，將中山北路顛倒反轉成無牆美術館、城市舞台與街頭劇場，南南北北走它七遍也不厭倦！

顛倒之城：空間的解放解嚴，城市的重新定義

2018台北白晝之夜總計有來自臺灣、法國、加拿大、中國、日本、印尼、菲律賓等地的藝術創作者參與。多達43組參與的藝術裝置作品與70組表演節目，也都緊扣「顛倒」概念，提供不同的觀看角度，去探討黑夜和白天、內外和上下、傳統和當代、繁華和窳陋、移動和固著等等的相應關係，藝術家以不同方式，將公共空間私密化、私密空間公共化，把空間解放解嚴，將城市重新定義！

亮點的裝置作品包括臺灣藝術家王德瑜的〈第九十四夜〉，以布料與鼓風機，將白日的書店變身夜晚展演場。

蔡潔莘的大型雕塑裝置〈讓我們今天就擁抱吧!〉，在雙城兒童公園溫暖敞開雙臂，表達不分族群地接納、擁抱差異與多元。

陶亞倫的〈摩斯密碼〉以光束向天際投射民眾的訊息，將觀者的想像延伸於天與地之間。

加拿大藝術家利安摩根（Liam Morgan）大型雙向旋轉燈光裝置〈無題  單色一〉，以奇異近似催眠的視覺效果，介入夜間慶典現場。

中國藝術家馮嘉城與黃苑倍，高達10米的碩大月亮裝置作品〈月霾〉，可隨著空氣中的PM2.5值變化外觀，喚起環境的意識。

錄像類作品中，余政達拍攝菲藉臺灣媳婦的〈附身【聲】者: 梁美蘭與艾蜜莉蘇〉討論不同文化、語言、身份間的微妙關係。陳萬仁將在誠品R79通道播送〈泳者系列〉，在無聲中不斷出現的泳者，給人既平靜又因未知而不安的矛盾感受，

今年最大特色之一，則是台北與巴黎兩城市互相推薦藝術家：臺灣藝術家崔廣宇和陳萬仁兩人的創作，以跨越6個小時的時差，串連起臺法兩地的國際交流！崔廣宇將展出幽默諷刺的〈隱形的城市：台巴黎・約克〉，將臺灣城市中現存的異國符碼，化為影片中的異域風景，提問人們想像世界的荒謬與破碎。

70場多元演出

演出節目部分，野孩子肢體劇場與光能里社區居民共演，從中山地下街爵士廣場到花博舞蝶館開幕現場，以遊樂為白夜暖身；法國匿名者劇團（Compagnie des Quidams）的行動劇場《亞伯之夢》，將有超吸睛的四尊4公尺高，彷若燈泡發光體的人偶繞行花博舞蝶館周邊，在現實臺北上演如夢似幻的魔力旅程。

One Forty的《移工大人物》在舞蝶館帶來移工明星的音樂和走秀演出；白雪綜藝劇團集結臺灣跨世代扮裝天后、天團在台北當代藝術館前的《造反之夜──扮裝盛典》等。

由中華啦啦隊國家代表隊和跑酷特技表演者引導的《大人的運動會》，則將運動會搬到夜間馬路。晚上12點後，還有連續播放多部電影的《深宵影城》，以及明日和合製作所帶領觀眾一起夜宿臺北市立美術館大廳、台北當代藝術館和台北國際藝術村的《子夜服務》。

對聲音表演有興趣的民眾則別錯過聲音/影像雙人團體「電波接收器」，將在王大閎書軒進行聲音與視覺現場表演《噪型》。

還有再拒劇團於台新銀行營業部呈現的聲響劇場《年度考核協奏》，表演者將圍繞一張充滿機關的長桌，以各式辦公姿態動作發出聲響。

文學迷可前往光點台北二樓觀賞陳家聲工作室、慢島劇團、漂鳥演劇社的三齣女性議題讀劇演出，接著往臺北市立美術館大廳參加東南亞文學朗讀馬拉松。親子觀眾則可鎖定虎劇團於圓山站帶來扯鈴和溜溜球特技的《虎流》，還有光點台北一樓頑劇場和沙盒製作 X 黃士勛Finn的親子偶劇。

2018年的臺北白晝之夜從10月6日晚上6點開始至隔日早上6點，夜晚12點後的節目將散佈於各主要場館內，不管你是藝術迷、派對動物、運動狂，或只是想跟親友出門湊熱鬧，白晝之夜總有一個角落滿足你！

INFO | 2018臺北白晝之夜

時間：10月6日下午6:00到10月7日上午6:00

地點：中山北路一段至三段

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via / 白晝之夜

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？