自1983年開館以來，台北市立美術館在這35年間除了見證台灣當代藝術的演進與活躍外，也孕育了一批台灣優秀創作者，而作為從創始以來的美術館年度盛事，「2018臺北美術獎」也於日前揭曉，藝術家王連晟作品《閱讀計畫》從280件遞件作品中脫穎而出，成功榮獲本屆首獎！五組優選獎得主則分別為于軒、走路草農／藝團、林羿綺、張允菡、張紋瑄；而邱子晏、東冬．侯溫、鬼丘鬼鏟、陳呈毓、陳依純、郭俞平、賈茜茹、饒加恩八組藝術家則獲頒入選獎，14組藝術家的作品也將在北美館三樓展間亮相，讓藝術迷得以一窺新銳藝術家的創作能量！

對於本屆臺北美術獎表現，評審團指出：「今年臺北美術獎，除了創作者的實踐力、表現力之外，評審們皆高度重視作品所能展現的『觀念完整度』。獲獎及入選作品總體上反映了當代創作者游走在不同質材、媒介，以及多元、混搭呈現上的優異能力。創作者們不僅都具備高度移動力、知識掌握和資訊獲取的能力，並且擅於援用跨文化內容的材料。這代表著隨著時代改變，創作的觸角與思維向度都較以往大為擴增。王連晟和于軒的作品，技術性及物質形式精準地配合，作品予人細緻而溫暖的體驗，首獎《閱讀計畫》則將視覺聽覺融合一氣以表達出其內涵。

張紋瑄的《自殺技術基金會：年度發表》具有高度思辨性，觀念和形式相輔相成。張允菡巧妙運用空間和光線，將極地的氛圍成功融入個人性、親密性的文本中。走路草農／藝團和林羿綺，則都通過尋溯／考掘／再想像，共同交織出地方生活感的紋理和其中人文流動的精神。」。

得獎作品也將首度於美術館三樓空間舉辦，14組藝術家將以完整的個別展間呈現作品，展現不同於以往的展覽課題與格局。

首獎用自動翻書器 反思台灣教育

榮獲本屆首獎的王連晟，其作品《閱讀計畫》大概會讓你很有感，回想自己在求學期間是否就像是讀書機器般。23台自動翻書機器加裝的感應裝置，當人們靠近便會自動翻書，而所閱讀的正是象徵儒家思想的《論語》，將展間架構出不斷勞動、制式的閱讀空間，提出對台灣教條式教育的反思。

五組優選獎

于軒《克萊因‧赫茲－不存在的實驗》詮釋當記憶被留駐在斑剝凋零中，用藝術創作傳遞時間殘缺的美感，並將其生命之美在崩壞殘缺裡重新綻放。

走路草農／藝團《湖底田水上考古系列》紀念自身與已逝世祖父的陌生情感，視藝術為一種珍貴且有價值的勞動行為，重新拼組無可名狀的記憶碎片與情感連結。

張允菡《其實我們什麼也不是》將自身走訪北極的遊歷經驗，以凸顯北極白晝強烈光線的系列繪畫，與手抄寫的日記文字，彼此不互為解說的兩種形式及敘事性，共同描繪出北極的樣貌，回應在無人之境的場域下，個體存在之於社會化與全球化的反思。

林羿綺《信使計畫：返向漂流與南洋彼岸》企圖梳理複雜的歷史與文化積累，探索東南亞華裔家族現今所面臨的身份認同問題。

張紋瑄《自殺技術基金會：年度發表》擬造虛構機構「自殺技術基金會」，舉行由參賽者主導影響集體未來的自殺計畫，藉由書寫或演出形式，提出隱含「歷史書寫」的套層結構。

八組入選獎

邱子晏《小城故事》從自身客家經驗與處境出發，交織出電影影像與觀眾視角的想像空間，將原片中當時臺灣人民語言與生活被禁語的狀態重新填補，重新創造影像敘事的更多可能。

饒加恩《計程車》以一鏡到底的拍攝方式並置紀錄片與電影影像的語彙，藉由個體經驗，再製出場域空間複雜的歷史精神與心理地圖。

陳呈毓《雲氣平衡》以錄像散文的形式，描繪當代社會人們對於生產影像的慾望，以及對於雲端運算的依賴，從而反思現代人於雲端數據世界中，如何重新描繪出數據、影像生產與我們生活的地景間的關係。

陳依純《進入世界系：地球防衛少年》引用日本思想家東浩紀（Hiroki Azuma）對「世界系」的詮釋，以不具體的國家及社會的角色設定，重新詮釋一個模糊國家和社會界線的更巨大世界觀。

賈茜茹《「大勇街25巷，」》一系列關於家中之物的個展，製造出介於展場與樣品屋之間的場域，讓觀眾在現實與超現實中尋找藝術與生活間模稜的界線。

太魯閣銅門部落的藝術家東冬．侯溫結合行為表演、影像藝術、環境劇場等跨界藝術的創作形式《3M—三件正在發生的事》，講述部落信仰祭儀、語言正名、文化傳承等衝擊與隱憂。

郭俞平《我的胃裡沒有午飯，脖頸在尋覓陽光，腦子求索著愛情，靈魂裡有慌亂，心裡則有一股刺痛。》將跨國移動的內在情感及家屋的意象轉化為空間場景，從「缺」的角度探討「家」之於生命階段的意義與轉變，並且聯繫出藝術家自身回憶與自我存在的關係。

藝術團體鬼丘鬼鏟《近古代臨摹》一則模擬桑德爾蘭博物館（Sunderland Museum）民眾活動的館藏照，以各式罕有物件及生物建構出提供給盲童的觸感圖鑑；另一則以縮限觀者視線的方式進行行為藝術演出，重新探究現場藝術表演的真實性。

文字整理：Ian Liu

via 北美館

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」