台北信義區化身無牆美術館！邁入第12屆、2019粉樂町（Very Fun Park）當代藝術展正式登場，從3月19日開始為期兩個月的展覽活動，並邀來台灣、丹麥、香港、義大利與法國，包括Emmanuelle Moureaux、Jeppe Hein、Philip Giordano、李承亮、洪易、黄小橘、游文富與劉小康等8位藝術家共襄盛舉，以10件藝術創作，搭載信義區百貨商圈與廊道，讓週邊街區散發以往不同的藝術氣息！

 10件「席、息相關」藝術展品

將粉樂町定調為一座走進城市裡的無牆美術館，今年策展主題「席、息相關Chair • Present」大玩同音異字，藉由隱喻主題，邀藝術家們以各自的視角詮釋「位置」與「氣息」的存在和關聯，反思你我位置的存在與關聯。

今年展品場域從去年串聯信義區商圈的2.3公里空橋，移動到空橋循線的地面通廊空間與綠地中，各藝術作品分佈在10大展點中，從倒掛天空的羽毛牆、顛覆公共空間想像的互動座椅，到隨春風輕搖擺蕩的100種色彩布條，每款作品各具特色，不僅為城市妝點，更讓參觀者可以循線親身感受藝術與城市的連結。

1、李承亮《巨人的很多椅子》 

地點：台北松菸文創綠地

若你從台北松菸文創園區作為起點，亮相台北文創大樓旁的文創綠地，則將看見台灣新生代藝術家李承亮所帶來的巨大雕塑作品《巨人的很多椅子》。

喜歡蒐集各種老舊物件，透過重新組裝，賦予物件新生命的李承亮，此次作品則將來自新莊棒球場回收而來的摺疊椅延伸出藝術想像，以鐵板切割、彎折出一片片的材料，組合成一座臥躺的巨人型體。參觀者可自由穿梭於作品之中，享受藝術家所創造的奇幻空間。

2、7 Jeppe Hein《與藝術互動 —改良式社交椅》

地點：忠信廣場（信義12號廣場）、松壽廣場（信義14號廣場）

安置在忠信廣場與松壽廣場周圍的一系列大型雕塑，是知名丹麥當代藝術家Jeppe Hein作品，他以公園裡隨處可見的長椅為創作發想，藉由改造它們平凡無奇的造型，為「坐」這個動作創造不同的意涵與身體經驗。他希冀讓觀眾去解讀它的使用性，用身體探索和作品之間的關係，作品以紅、白為主要顏色，在設計上也刻意強調座椅所在位置的不同景觀與視覺高度，靜置於空間如同雕塑，而當有互動時，則能發現其具玩樂的一面。

3、游文富《微風‧微風》

地點：微風信義走廊

擅於利用大量重複性質材創作的台灣藝術家游文富，此次則用帶浪漫氣息的裝置藝術作品點綴台北城中風景。他選用其作品中常見的羽毛當作創作素材，希望藉由作品《微風・微風》白羽翩翩的意象，扭轉民眾對微風信義時尚大道既有的想像。

長廊頂部一根根雪白的台灣竹羽，密植成如芒花般綿延的白色浪潮，每當微風吹拂，觀眾除了可「看見」氣流的存在，聽見竹羽間的沙沙聲響，更能進一步感知人與環境、自然間生生不息的流動關係。

4、劉小康《思考的堆疊》

地點：信義誠品3樓

香港設計師暨藝術家劉小康，透過大量日常觀察與長年思考累積，淬煉出《椅子戲》系列作品。劉小康認為椅子不止乘坐著軀體，亦乘載著每個人不同的想法訴求與位階權力，透過《椅子戲II》巧妙的造型設計，具體表達人們對於地位與權力的追求，在不安困惑的搖晃過程中，雙方需要經過溝通、妥協，方能取得最佳關係。

5、李承亮《時光旅行者》

地點：微風松高廣場

台灣藝術家李承亮深受科幻電影的影響，此次他持續以充滿太空特色的旅行艙創造對於宇宙的想像。企圖於商業氣息濃厚的信義商圈，打造一座穿梭時光的精神載具。參觀者能一邊聆聽環境音樂，一邊觀看投影在艙體周圍的影像變化。李承亮希望藉由空間中顏色、光影與周圍聲音的改變，提供觀者一個與記憶、想像對話的探索空間。

6、Emmanuelle Moureaux《一百種顏色100 colors》

地點：微風南山廣場

自2013年開始進行「100 Colors 一百種顏色」計畫而聞名全球的法國建築師暨設計師Emmanuelle Moureaux，對她來說，彩虹是他創作的最佳武器。她以日本傳統空間元素創造「色切 (shikiri)」概念，以100種顏色來標的色彩可能性。

致力讓色彩成為城市的主角，Emmanuelle Moureaux在環境中強化和展現色彩的存在，也經由顏色的層次改造了人與空間的關係。此次，她的作品成為剛開幕不久的微風南山廣場前一大亮點，隨風搖曳擺盪的色彩布條，在高聳大樓之間進行顏色演繹，觀賞者也能盡情地與這漂浮的色彩雕塑互動，走進她所構築的獨特彩色空間。

8、洪易《拉長狗》

地點：信義廣場

台灣藝術家洪易，以特殊塗料不銹鋼鍍鈦創作有機動物造型拉長狗，讓三隻造型各異的《拉長狗》作品散發獨特金屬光澤，鏡射出民眾與環境的對話。

9、黄小橘 《十二宮狂想》

地點：四四南村

台灣新銳藝術創作者黄小橘，結合傳統剪紙工藝與擴增實境（Augmented Reality，簡稱AR）技術，讓四四南村跳脫以往傳統樣貌。他選在充滿舊時光印象的四四南村場，讓傳統剪紙工藝對應著科技和未知的宇宙星象，而富含專屬個性的卡漫造型角色，則在擴增實境中現身。

10、Philip Giordano《一個星球，同一命運，一起漫長的旅程》

地點：富邦A25圍籬

繼去年引起民眾廣泛討論與喜愛的Maya Barkai小綠人計劃後，今年在信義區A25外圍籬邀請到多次入圍波隆那插畫獎的義大利插畫家Philip Giordano，多彩的創作為平時混亂的施工場地，換上讓人好心情的外衣。

延續去年「全球化」的設計主題，Philip Giordano以鮮豔的色塊、大膽的線條及擬人化的動物角色，為總長逾400公尺的外牆，披上嶄新的新衣。藝術家將這些擁有豐富表情與肢體動作的動物們，巧妙地以「牽手」做為串連，象徵地球上各種生物間的共通性與相互依存關係。

減紙計畫 導入AR導覽系統

今年粉樂町推出極具話題性的AR導覽APP，可透過AR科技與藝術作品產生互動，導覽APP裡，具備了AR拍照、藝術家與展品介紹、地圖、活動資訊等功能，透過趣味化與情境式的設計，讓參與粉樂町時，以科技互動加深對於藝術作品的理解。另外，更難得地邀請夜光家族的光禹進行中文語音導覽配音，在欣賞作品時，也能一同沉浸在光禹迷人嗓音裡。

2019粉樂町當代藝術展《席、息相關》

展期：2019.3.19-2019.5.19

展點：A25、忠義廣場、松壽廣場、信義廣場、信義公民會館（四四南村）、微風松高、微風信義、微風南山、誠品書店信義店、臺北文創

更多資訊可洽官網

文字整理、照片：Ian Liu

via 富邦基金會

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」

高橋一生和小朋友玩在一起的畫面會不會太美好！東京國立新美術館即日起呈獻為期11天的「學展」，其中將夾帶兩件從今年首登場的藝術計畫《想像他者的四天》中生成的多人共創畫作，本屆頒獎典禮更將放映導演二宮健於4天工作坊期間所記錄孩子們揮灑創意的珍貴影像。從培養共感力與想像力的角度出發，此項目所回應並試圖溫柔改變的社會現況發人深省。

第75屆學展（Gakuten）推出實驗性影像製作企劃《想像他者的四天（他者を想像する四日間）》，邀來演員高橋一生，協同7名從本屆參展者中選出的國中小學生完成兩幅大型畫布作品，並隨學展其他作品於2025年8月7日至17日在東京國立新美術館公開展出。而由電影導演二宮健同步拍下創作全過程的特別影像，則將於8月9日舉行的得獎者表彰典禮上限定放映，供得獎者及相關人員觀賞，循作品本身和紀錄片兩種途徑見證其中軌跡。

學展是什麼？

藝術教育人士西田信一（Nishida Shinichi）在1950年創立的「學展」，是日本第一個全國性學生油畫比賽；70餘年來由日本學生油畫會興辦，無參賽資格限制，亦接受來自海外的國際作品，現正於全球範圍內致力發掘年輕世代的藝術才能。評選項目涵蓋繪畫、插圖、工藝、攝影、數位創作等多元領域，且從幼稚園到大學的不同年齡層創作者都能報名。比賽核心自歷史案例中承襲而來，堅信「優秀的藝術不受年齡、國籍或名聲所限制」的精神，至今持續將才華橫溢的作品推向世界舞台；近年不僅廣邀各界知名人士擔任評審，大獎作品亦得機會於巴黎展出。

▼ 每屆學展於東京國立新美術館進行公開展出

實驗企劃《想像他者的四天》首登場

高橋一生主導、二宮健側拍，「即興」培養共感力與想像力

作為今年學展首次實施的藝術計畫，《想像他者的四天》旨在培養孩子「想像他者的能力」（意近中文「共感能力」所指涉，可能包括從他人視角看待事物，抑或經由共創形式對他人的表達有所共鳴等）。此理念發想自當代社會中人們「想像他者」能力普遍稀缺的現況，讓參與者透過肢體表達、即興演出、交流對話和揮灑作畫等環節，反覆加深「設想眼前的人、甚至於某個不存在對象」這樣的共感經驗。

在為期四天的工作坊中，高橋一生並非以導演或演出指導的角色參與，而是單純扮演從旁陪伴、覺察和承接孩子內心轉折變化的「伴行者」角色，構建出一個自由且深刻的創作空間，最終引導他們繪出兩幅「想像的藝術」作品。而將此場景具象化的正為導演二宮健，他詳實記錄7位小朋友4日體驗的側拍影片，將打開交織現實和創意的敏銳視角，靜靜喚起觀眾的想像力。

台灣觀眾對高橋一生肯定都不陌生，其別具感染力的演技與親切形象，為此類藝術教育項目盡心力自在想像之中。而擔任共同企劃兼導演的二宮健，早被認為是風格辨識度極高的日本新生代創作者。10多歲開始影像創作，就讀於大阪藝術大學期間即獲得京都國際學生影視節（KISFVF）大獎肯定，現年僅33歲已憑《裸睡美人》、《吉娃娃羅曼死》、《午夜少女戰爭》等多部代表作為觀眾所認識，亦曾在2017年作品中與高橋一生合作。此次他充分發揮個人尤擅長的實驗性手法，大膽而細緻地捕捉了孩子們朝氣蓬勃、充滿生命力的表情和創作歷程。

《想像他者的四天》紀錄片雖不開放一般觀眾觀賞，不過未來10天人正好在東京的讀者們，走過路過國立新美術館倒可逛進展廳，一覽高橋一生和小藝術家們帶來的兩大件畫作及第75屆學展的完整展出。

第75屆學展特別影像企劃《想像他者的四天》

【作品展覽】

• 時間：2025年8月7日至17日
• 地點：國立新美術館2D學展展示室

【影像放映】

• 時間：2025年8月9日
• 地點：國立新美術館講堂（僅限得獎者及相關人員入場）

資料來源：學展