英國皇室也著迷！Dior史上最大規模時尚展 《Christian Dior：夢之設計師》亮相英國V&A博物館

由倫敦維多利亞與亞伯特博物館（Victoria & Albert Museum，簡稱V&A）策畫的Dior特展《Christian Dior：夢之設計師》（Christian Dior: Designer of Dreams）日前正式開幕，這不僅是英國境內籌備過最大型的品牌特展，也是Dior首次以展覽的形態，探索迪奧先生（Christian Dior）與英國之間的密切關係。

V&A《Christian Dior：夢之設計師》特展是以2017年Dior慶祝品牌成立70週年，在巴黎裝飾藝術博物館（Musée des Arts Décoratifs）舉辦的同名展覽為基礎，在策展時也特別強調Dior與英國的關係，除了原展覽展出的高級訂製服外，還添加了V&A的館藏以及從英國各處蒐集來的展品。

 

 

 

 

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Dior Official（@dior）分享的貼文 於 PST 2019 年 1月 月 30 日 下午 3:30 張貼

「迪奧先生承認自己非常喜歡英國，在自傳中，他細數自己是如何在21歲時來到英國練英語，以及他認為英國非常自由。」V&A時尚與織品策展人Oriole Cullen表示，「他還提到自己非常欣賞英國女性，以及她們所穿的毛呢套裝，還有他對瑪格麗特公主（Princess Margaret）成為品牌的客戶感到非常開心。」 

迪奧先生於1946年創立Dior，隔年2月他在巴黎首度推出高級訂製系列，其中包括被稱為「新風貌」（New Look）的Bar套裝，發表後立即造成風潮。 

迪奧先生1947年發表的Bar套裝（中），被認為是改變二戰後時尚的革命性作品。（圖／Dior）

同年秋季，他在倫敦薩伏伊飯店（Savoy Hotel）再次發表服裝系列，看秀嘉賓包括現任英國女王的母親，當時仍是王后的伊莉莎白王太后（Queen Elizabeth, The Queen Mother）、女王的妹妹瑪格麗特公主，以及多位王室女性；當時年僅18歲的瑪格麗特公主，對Dior留下深刻印象，之後數次拜訪品牌的巴黎沙龍，1951年她年滿21歲拍攝官方照片時穿著的禮服，正是迪奧先生設計的作品。

圖為瑪格麗特公主21歲生日時所穿的禮服，服裝上的刺繡是以亮片、莎草與麥桿構成。（圖／Dior）

 

 

 

 

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Lisa Armstrong（@misslisaarmstrong）分享的貼文 於 PST 2018 年 11月 月 17 日 上午 2:25 張貼

1951年，Dior在倫敦設立分店，迪奧先生在回憶錄《Christian Dior與我》（Christian Dior & moi）中寫道，「當我談到在倫敦開創的品牌時，並沒有感覺這是國外分部。這是我新的分店，也是我目前投入最多心血與精力的分店。」 

二代藝術總監Yves Saint Laurent於1958年造訪Dior的倫敦分店。（圖／Dior）

迪奧先生深受英國的文化吸引，作品經常以英國的事物命名，例如倫敦（Londres）、梅費爾（Mayfair）、切爾西（Chelsea）、狄更斯（Dickens）與牛津（Oxford）等，他在回憶錄中表示，「除了我的祖國外，世上沒有哪個國家的生活方式比英國更讓我喜歡的了。我愛英國的傳統、英國的禮貌、英國的建築。我甚至愛英國的食物。」

1954年，迪奧先生受馬爾堡公爵夫人（Duchess of Marlborough）邀請，在她的宅邸布倫海姆宮（Blenheim Palace）為英國紅十字會舉辦慈善時裝秀，瑪格麗特公主更在秀後頒發英國紅十字會榮譽終身會員的證書給他，1957年迪奧先生因心臟病驟逝，接任藝術總監的Yves Saint Laurent於1958年推出的第一個系列，也是在布倫海姆宮發表。

《Christian Dior：夢之設計師》特展圍繞著11個主題，邀請參觀者走進迪奧先生的私密世界，回顧他的童年與創立品牌前的人生經歷，以及各種曾啟發過他的事物，包括18世紀的巴洛克（Baroque）、洛可可（Rococo）藝術風格、20世紀初美好年代（Belle Époque）的文化氛圍、花卉與園藝，這些題材不僅在他作品中反覆出現，也為往後的繼任者提供許多靈感。

除了回顧英國與迪奧先生以及Dior的密切關係，《Christian Dior：夢之設計師》也展示品牌自成立至今的傳承與創新，歷代藝術總監包括Yves Saint Laurent、Marc Bohan、Gianfranco Ferré、John Galliano、Raf Simons，以及現任的Maria Grazia Chiuri的高級訂製作品，皆在展出之列，以全新的角度呈現在觀眾面前。

「Dior的風格有許多元素來自英國文化。」Maria Grazia Chiuri表示，「John Galliano的Harlequin洋裝讓我非常著迷，我先前看過這件衣服，但這裡展示的角度、燈光，讓它看起來好美、好脆弱，讓我覺得很想哭。」 除了依創作題材分類，展覽還特別開闢空間展示Dior的色彩藝術，這些由配件、帽飾、包款、畫作、迷你洋裝、唇膏及經典香水構成的美麗調色盤，將品牌彩虹般多樣的風貌，完整呈現在觀者眼前。

名為沙龍（le Salon）的展覽空間，則以上流社會的奢華晚宴為主題，展示華麗精美的洋裝，向Dior高級訂製工坊的精湛工藝致敬。

《Christian Dior：夢之設計師》特展即日起在倫敦V&A博物館展出，展覽至2019年7月14日為止。

資料來源：Dior、Victoria & Albert Museum、The Telegraph、LVMH、Dior

CHANEL 2026 秋冬系列由 Matthieu Blazy 延續與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」意象出發，重新拆解經典套裝、低腰輪廓與斜紋軟呢，並透過 Lurex 金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾工藝，在務實與幻想之間重新思考香奈兒式自由。

CHANEL仍在變動之中？

繼3月於巴黎大皇宮首度亮相，CHANEL 2026秋冬系列近日上市，也讓人得以近距離觀看 Matthieu Blazy 如何處理這個百年時裝屋最熟悉的設計語彙。從重新調整比例的斜紋軟呢套裝、1920年代低腰輪廓，到Lurex金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾交織出的材質變化，許多在伸展台上首先以輪廓留下印象的造型，近看更能發現藏在結構與工藝中的細節。

這也是 Matthieu Blazy 加入 CHANEL 後的第二個高級成衣系列，本季延續他與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」的比喻展開：一端是貼近日常生活的務實與安定，一端則是屬於夜晚的輕盈與幻想。兩種看似相反的狀態，共同構成他眼中的CHANEL。

未完待續的「施工現場」

回到今年3月的巴黎大秀，巴黎大皇宮（Grand Palais）內架起巨型起重機，紅、黃、藍色結構懸於空間之中，映照著帶有虹彩光澤的伸展台，彷彿是仍在施工、等待下一步發生的現場。這份「未完成感」也呼應 Matthieu Blazy 進入 CHANEL 後的工作方式。

斜紋軟呢套裝、山茶花、鍊帶、菱格紋等，CHANEL 擁有一套幾乎不需標誌就能被辨認的視覺語言。Matthieu 這一季沒有迴避這些經典，而是從輪廓、材質與比例著手，逐一檢視它們放在今天還能如何發展，即使已有百年歷史，CHANEL 依然是一棟持續施工的建築。

由白晝緩緩走入夜晚

Gabrielle Chanel 曾將時尚比作白日裡的毛毛蟲與夜晚旋舞的蝴蝶：「我既要有沉穩落地的裙擺，也要有隨風飛揚的裙角。」Matthieu 則曾用「悖論」形容 CHANEL。在他眼中，CHANEL可以務實，也可以充滿幻想；可以理性，同時保有誘惑力。看似相反的性格，其實從 Gabrielle Chanel 的年代便已存在。她從男裝與勞動者服飾汲取靈感，讓女性時裝擁有更符合生活的機能，另一方面也深知珠寶、晚裝與精緻工藝如何改變一個人的姿態。

2026秋冬系列將這兩面放在同條時間軸上，前段造型較為沉穩，隨著系列推進，質地愈來愈輕，色彩與光澤逐漸浮現，服裝也由白晝慢慢走進夜晚。

腰線下移　打破拘謹

備受矚目的，也包括 CHANEL 經典套裝中，熟悉的比例開始移動。Matthieu 讓造型從1920、1930年代流轉至1950、1960年代，再回到當下。大幅下移的腰線，腰帶落至臀部甚至更低的位置，上半身因此被刻意拉長，讓人想起1920年代盛行的 drop-waist 低腰洋裝。

從針織、長版上衣，到裙裝與套裝，低腰線搭配鬆弛剪裁後，也改變了傳統 CHANEL 套裝較端正的身體輪廓。斜紋軟呢圈圈紗被做成工裝襯衫，壓實處理的斜紋軟呢化為帶有男性氣息的布勞森外套，羅紋針織及1920年代風格的真絲針織更軟化原有結構。

探索材質　工藝賦予輕盈

本季除了經典斜紋軟呢，也加入合成纖維、Lurex 金銀絲、矽膠與天然薄紗。不同纖維彼此混合，使人熟悉的 tweed 表面出現透明、虹彩與閃爍效果，有些乍看仍保留傳統斜紋軟呢的紋理，靠近後才發現材質構成已經完全不同。這種「眼睛以為看到的材質，觸摸後卻是另一回事」的趣味性，也是 Matthieu 作品中相當迷人的部分。

CHANEL 同時為系列研發新的珠飾工藝，使細密珠飾加入針織套裝後，仍能保持輕盈與活動性。看似繁複、帶有重量的服裝，實際穿上身卻能自由移動；工藝的存在不只是增加華麗程度，也改變衣服與身體之間的關係。

包款迎來全新進化

後半場便逐漸進入蝴蝶的世界，大衣與禮服開始出現如絲緞般流動的虹彩，長度由及膝延伸至曳地；剪裁保持簡潔，表面卻隨著光線與身體動作產生細微變化。華麗並沒有帶來厚重感，長裙和外套反而隨步伐自然擺動。

「蝴蝶」存在於衣服的重量、動態與光澤中——人開始移動，蝴蝶才真正出現。包款則留下更多 Gabrielle Chanel 的個人記憶，米色麂皮口蓋包上的菱格紋，可追溯至她巴黎寓所中的沙發；系列另有鎖扣包，以及覆上虹彩琺瑯光澤的石榴晚宴包。歷史細節從室內家具、個人生活與品牌檔案被取出，再換成新的尺度與材質。

百年前，Gabrielle Chanel 曾從當時女性衣櫥以外的世界尋找材料與靈感；到了 Matthieu Blazy 手中，品牌自身歷史成為一座可以再次進入的素材庫。因此，巴黎秀場那幾座仍在工作的起重機，揭示CHANEL還沒有「完成」，最新版本仍在建造之中。

愛馬仕高雄漢神專門店迎來全新面貌，1996年進駐高雄至今，30年後由巴黎建築事務所RDAI重新操刀，以高雄港為設計線索，將磚砌建築、潮汐、貨櫃與港灣夕照轉化為材質、動線及色彩。從橡木貨櫃樓梯到海洋藍漸變夕陽橘的地毯，一覽店內值得細看的設計巧思。

1996年設立至今，這處品牌在高雄的重要據點經歷擴建與改裝，如今橫跨1樓與地下1樓，由長年與愛馬仕合作的巴黎建築事務所RDAI操刀，以高雄港灣風貌與城市建築為線索，重新構築空間。

沒有直接搬入船舶、浪花等具象港都符號，RDAI反而從城市中抽取磚牆、貨櫃、海水與夕照等元素，轉化為材料、動線和色彩。港口意象因此不只存在於視覺裝飾，而散落在兩層空間的行走經驗中。

從磚砌立面開始，捕捉高雄城市質地

走近店鋪，首先映入眼簾的是貫穿外立面與室內牆面的磚砌元素，靈感取自高雄歷史建築「打狗英雄領事館」，磚牆並非平整排列，而藉由深淺錯落的立體表面製造層次。隨著光線與觀看角度變化，牆面留下不同陰影，也讓原本厚實的材質多了一層輕盈感。

品牌以此呼應高雄的歷史底蘊與在地材質特色，並讓傳統材料進入更當代的空間語彙。

以潮汐為想像，1樓動線自在流動

步入1樓，可見愛馬仕經典Faubourg馬賽克地磚與標誌性的ex-libris藏書章圖騰，品牌熟悉的視覺線索之間，加入了來自高雄港灣的想像。絲巾與時尚珠寶首先出現在暖鏽色調之中，往內則進入皮件區，流線雕刻木質牆面勾勒出較為柔和的輪廓；珠寶與腕錶專區藏於同樣以「打狗英雄領事館」作為靈感的紋理牆面之後，以光線與尺度營造較私密的鑑賞氛圍。位於中央的香氛區則以較明亮的色彩點亮空間，整個一樓藉由材質與色調的變化自然銜接，讓行走本身成為探索空間的一部分。

貨櫃化身橡木樓梯，把港口記憶藏進建築

若說全店哪項設計最直接連結高雄港，答案或許是串聯兩層空間的橡木樓梯，這座樓梯的靈感來自港口常見的「貨櫃」。

RDAI並未原樣複製貨櫃的金屬材質與工業色彩，而是抽取其量體概念，再以溫潤橡木重新詮釋。原本屬於碼頭與物流產業的城市日常，因此轉變為一項真正承擔空間機能的建築元素。這也是此次翻新中相當有趣的一筆，讓高雄港巧妙藏進人們每天上下樓時實際經過的動線裡。

將港灣風景拆解成顏色，讓一天的光線鋪在腳下

順著樓梯來到地下1樓，空間氣氛隨之轉換。這一層以海洋藍與大地色為主調，並加入天然礦物般的表面質感。女仕成衣與鞋履從入口一側展開，男仕世界則與居家及馬術系列依序延伸。

其中最具畫面感的設計，是一張量身訂製的漸層地毯，色彩從海洋色調逐步轉為夕陽橘、繡紅色，如同高雄港從白晝進入黃昏時，水面與天空隨日光改變的色階，人在空間中行走，也像跟著一天的光線，從冷色慢慢走向暖色。而天然礦物表面、柔軟地毯與家具彼此交錯，讓地下樓層在精緻之外，仍保有較原始、自然的質地。

從海岸岩石到抽象色彩，藝術作品延續自然線索

空間裡的意象也延伸至藝術作品的選擇，店內陳列Émile Hermès收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列作品，皆由全球藝術總監Pierre-Alexis Dumas親自挑選，其中法國攝影藝術家Aurore Bagarry以鏡頭記錄英國康瓦爾海岸長年受到海水沖蝕的岩石。岩石表面的天然紋理，恰巧與店內磚牆、礦物材質產生呼應；哥倫比亞藝術家Francisce G. Pinzón的抽象畫作《Warm Grey 2》，則藉由色彩對比，補入不同於建築材料的觀看節奏……藝術品與材料、色彩以及自然景象共同構成店內氛圍。

從港口取材，重新描繪高雄

從外牆的磚、如潮汐的動線，到源自貨櫃的橡木樓梯，以及地下樓層從海洋藍走向夕陽橘的色彩，高雄港被拆解成許多細節，散落在空間之中。RDAI將港都熟悉的風貌景色、自然與光線轉譯成另一種語言，再與愛馬仕一貫的馬賽克、木作、家具及藝術收藏並置。此外，專為高雄店打造、限量6枚的Arceau Hermès Flagship琺瑯工藝限量腕錶，以及首度在台灣亮相的高爾夫球具，也成為此次漢神店重新開幕的熱議焦點。