白鞋化身時尚怪獸、琥珀珍寶！《CAMPER TIMELESSNESS》12組台灣新銳藝術家跨界時尚創作亮相台北華山

眼前的白鞋，除了將它視為一雙擁有步履功能的工具外，在你心中，它還具有怎樣的功能？對藝術家來說，白鞋自然充斥無限可能，如同一張白色畫布，得以任你自由揮灑創意。由團團文創與西班牙品牌CAMPER聯合舉辦的《CAMPER TIMELESSNESS 台灣青年創作展》則邀來12位台灣在地新一代藝術家，透過時尚、工藝、影像等不同領域詮釋，展現世代間各異卻獨具能量的創作力與設計風格，彰顯自我主張外，也翻轉鞋履過往既定印象。

12組來自不同領域的創作者，包括植物裝置藝術家李霽、嘻哈音樂人汪庭蔚（T.I.G鐵巨人）、時尚產業工作者周筱筑Judy Chou、產品設計師吳孝儒、服裝設計師邱娉勻、刺青師孫士恩、視覺藝術創作者陳純虹、特效化妝師程薇穎、平面設計師彭冠傑與動態影像導演劉欣蓓、氣味設計師張葳、金工設計師蔡依珊、平面設計師盧奕樺等人，從音樂、氣味、植物甚至特效化妝等面向切入，分別針對主題「TIMELESSNESS」一詞演繹各自的想像，賦予CAMPER鞋款無窮活力，也許是鞋頭長了牙齒的小怪獸，也可能是沾染大自然芬芳精華的白靴，抑或是成為了當代畫作一部分的彩鞋，「時空永恆」如此抽象、看不著摸不透的意念，該用何種手法來證明其「存在」，賦予它嶄新的樣貌生命力，則考驗著每位創作者對「時間美學」的腦力激盪想像。

選在華山1914文創園區鍋爐室辦展，空間由擁有超過30年資歷的空間設計大師宋毅操刀，原先廢墟感逢閣的屋宅成了一處光亮通透的美術場域，12雙鞋子成了藝術展品，在各個角落獨自閃著光芒。對於同一個辭彙各自解讀，藝術家們笑稱就好像期末發表，直到最後一刻才知道大家葫蘆裡賣的是什麼藥，反思內省、自我投射還是對現下社會環境的一種怒吼，各自精采，至於12位藝術家又想藉著此次跨界設計闡述什麼，來看看他們怎麼用創作解答！

李霽《Monster》 

擅長運用植物作為藝術創作材質的李霽，這一回則讓CAMPER Brutus徹地大解構，化身為似岩石又似長滿植栽綠意的「Monster」鞋履。他表示鞋子對他而言，就像是不斷探索、找尋獵物的Monster，無論是跑步、爬山涉水，甚至走過極地環境，在不同時空狀態下，它會呈現怎樣的風貌，一直是他所好奇的。

因此他將原先擁有固定結構的鞋子拆解，位於前鋒位置的鞋頭成了齜牙裂嘴的野獸之口，充滿攻擊性的狀態，和兩旁有如從自然界萃取出來的植栽裝置，形成強烈對比，洋溢有機生命力的創作，正如它狂野卻帶有華美的一面，看見什麼吃什麼。

汪庭蔚（T.I.G鐵巨人）《HXRRIS01》 

年僅17歲、備受看好的台灣新生代嘻哈音樂人汪庭蔚（T.I.G鐵巨人），本次設計應主題「過去」+「未來」，取材了元素之一的"NEBULA"結合"CYBERPUNK"呈現「未來」製作了鞋體的大部分，鞋邊的迷幻七彩配色表達對未來的未知感，鞋底的配色則是模擬機械以及富有未來感的金屬色澤質感噴漆完成，鞋身反光材質則是取樣「未來」而做的設計。

周筱筑Judy Chou《MY TOXIC TRAIT IS BUYING A NEW OUTFIT FOR EVERY SINGLE EVENT ON MY LIFE.》

透明的箱子裡塞著滿滿衣服，這樣的光景想比你我都不陌生，然而時尚腳步越快，如此衣服垃圾山似乎也更為常見。快時尚浪潮席捲全球，流行快得讓人喘不過氣，購物欲望也跟著無限膨脹，身為時尚工作者的周筱筑Judy Chou，藉由此次創作重新檢視衣服跟自己本身的關係，她以超過三年以上沒穿過的二手白色衣物作為素材，通通塞入一個如被封存的時空膠囊箱子裡，然而塞進去的流失的時間，還是一時的快樂，且看你怎麼解答。

談及主題TIMELESSNESS，她表示單字本身除了永恆之意外，更有不受時間限制的意思，如同穿搭上也不要害怕而有所限制，自己喜歡怎樣的風格，就勇於嘗試，自己快樂才是最重要的事。

吳孝儒《剎那即永恆》

身為台灣設計界炙手可熱的設計師，吳孝儒這回帶來了具穿透性的透明鞋盒，然而近距離觀賞，這才發現鞋子像是化石般被凍結住般，巧妙呼應了展覽主題「永恆」結合過去與未來的語彙，取自琥珀歷經千百年淬鍊形成之意象，古老的歷史記憶彷彿時間暫停一般，被封裝著流連忘返至當代。不過要做到完美保存手法並不容易，他表示為了讓鞋體能夠保持完整性，前後總共花了三次注入樹脂動作，每一次都要特別小心，以防基體變形而前功盡棄。

邱娉勻《魚菜共生》 

水是萬物需要的泉源，魚要水，植物也要水，喜歡吃菜的人也要水。邱娉勻以生物鏈結合人體的需求思考人跟魚；植物跟魚之間的關係。以魚菜共生為主要視覺概念，將服裝語彙結合Camper的精髓行光合作用，在完成一套服裝的同時，像是缺氧的人類透過此視覺完成需要更多的呼吸。大自然是不會浪費的，即使在生命的終結也會餵養其他的生命。 

孫士恩《無極 . 無盡》

充滿「無極本無始‧無始方無盡」這是形容一種天地之間宇宙萬物渾然一體，既沒有開始也沒有結束，既沒有起點也沒有終點的狀態，是萬物的本源也是萬物的歸宿，也就是所謂的太極，刺青師孫士恩以此為題，並使用他的謀生工具與技巧，將概念烙印在鞋身上，創造過去、現在、未來的概念時間軸。 

陳純虹《The Woman and The Flower》 

在視覺藝術家陳純虹眼中，「TIMELESSNESS」是禁得起時間考驗，沒有受時間限制的美。基於此概念，她以永恆、無時間性為主體構圖繪製女性肖像畫。肖像畫主體畫面是女性和超現實的花，兩者之間有一種相較、相近卻又相輔的矛盾關係，探討雙方眼中的美麗或美麗的反向。 而色塊而主的畫作，CAMPER鞋款也成為其中一部份，運用錯視手法，讓其在某個特地位置，能完美與畫作融為一體。

程薇穎《時間•噬》 

以特殊化妝打開一片天的創作者程薇穎，此次則將其好技巧手法表現在鞋款上，讓原先CAMPER Rolling白鞋經過特化魔手幻化成了齜牙咧嘴、色彩鮮艷的怪物。有人覺得像是藤蔓植物，也有人覺得類似龍蝦怪物，但住在每個人心中的時間怪物，無論是哪一種形體模樣都得以成立。

被玻璃罩著的紅色怪物鞋體，彷彿和她本人都流著「反骨」血液，在優雅中展現兇猛一面。程薇穎表示在收到品牌TIMELESSNESS的概念後，想到了自己一直想做個「生物有機體」與「時間」的創作，剛好藉著這次機會盡情發揮。「當我們一直往前走，同時它也在吞噬著我們的生命。人們要被時間這個怪物吞噬多久，才會發現時間這個怪物從來不存在，永恆存在的是我們的意識，但我們卻一直讓自己生活在這個恐懼裡。」這正是本次創作的精神。

她運用不同矽膠去創造鞋子的牙齒、身體的斑點，再使用壓克力顏料創作怪物身體的色彩，並利用鞋帶展現張牙舞爪的飢餓貪婪，最後鋪上土壤象徵怪物剛從土裡生長出來，栩栩如生的作品，她表示若從上往下看，是最佳視野，彷彿自己也會被吞噬般。

彭冠傑、劉欣蓓《ROLLING》 

平面設計師彭冠傑與動態影像導演劉欣蓓，試圖透過動態影像建構一個虛擬空間，在這個空間裡，「ROLLING」指的是時間，也是一種不斷變化和推移的能量。重複播送的影像，從點延伸為線與面，又轉化為幾何圖形，在空間裡產生一次又一次堆疊與互動，也讓原有的時間被新的時間所覆蓋，充滿感官衝擊的體驗，週而復始，卻又持續向前邁進。

張葳《漫走在時間之外裡的山》 

曖曖。內含光氣味實驗室主裡人張葳，感性的她，此次帶來以漫遊足跡堆積出的創作，試圖探索山間生活所感受到的無時性。終日穿著白鞋在山區裡漫漫遊走，在廢棄的原始森林裡累積曾經踏足過印記如泥土、苔蘚、昆蟲的殼、花瓣枝葉、碎小的石頭。為了這場時間性的考驗，張薇也特別為「TIMELESSNESS」調製了一款香氛，至於是什麼氣味，且待你親赴展覽現場聞香找答案。

盧奕樺《978-986-97588-0-2》 

平面設計師盧奕樺在保有鞋子本身功能性、外觀完美的狀態下，將它更加個人化。作品名稱《978-986-97588-0-2》是她即將發表新書的ISBN碼，她表示實體書裡有著能夠觸發人類感官的細節，是無法透過完美的電子產品去感受。

「看一個人的品味，看鞋子便能略知一二。」她認為這是有趣的理論，那麼如果是書籍呢？因此她將書體縮小轉化成一份隨時能被看見的配件、工具，如同用書去品味一個人。

蔡依珊《旅程》 

對金工設計師蔡依珊而言，TIMELESSNESS是一段對未來想像的旅程，《旅程》中曾經走過的道路都是淬鍊現今自己的途徑。她將過程中對於未來的想像，是一條在旅程中曾經走過的道路，一條兩旁長滿樹的路。陽光從樹的間隙間灑落，地面上反映著深淺不一的光影。在這條路上，每個人的終點都不相同。伴隨著每一記步伐，兩旁不斷變換的風景，正是當下時間流轉的寫照，那沿途中過去的自己、現在的自己和未來的自己，都在每個生命旅程的足跡中，留下不可抹滅的印記。 

策展人馮亞敏表示台灣年輕創作勢力不可小覷，她認為需要整合並且凝聚這股鮮活的能量，找到屬於台灣在地文化的新態度與新節奏。發起《CAMPER TIMELESSNESS台灣青年創作展》集結12組藝術創作者，透過他們不同領域的專業去創造一股新的文化力量，也讓台灣的創意人才走向國際。

展覽資訊 

展期｜2019/04/25(四)-05/09(四) 

時間｜10:00-20:00 

地點｜華山1914文創產業園區 中5B館 鍋爐室（臨近華山光點）

Text：Ian Liu

via CAMPER

CHANEL 2026 秋冬系列由 Matthieu Blazy 延續與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」意象出發，重新拆解經典套裝、低腰輪廓與斜紋軟呢，並透過 Lurex 金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾工藝，在務實與幻想之間重新思考香奈兒式自由。

CHANEL仍在變動之中？

繼3月於巴黎大皇宮首度亮相，CHANEL 2026秋冬系列近日上市，也讓人得以近距離觀看 Matthieu Blazy 如何處理這個百年時裝屋最熟悉的設計語彙。從重新調整比例的斜紋軟呢套裝、1920年代低腰輪廓，到Lurex金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾交織出的材質變化，許多在伸展台上首先以輪廓留下印象的造型，近看更能發現藏在結構與工藝中的細節。

這也是 Matthieu Blazy 加入 CHANEL 後的第二個高級成衣系列，本季延續他與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」的比喻展開：一端是貼近日常生活的務實與安定，一端則是屬於夜晚的輕盈與幻想。兩種看似相反的狀態，共同構成他眼中的CHANEL。

未完待續的「施工現場」

回到今年3月的巴黎大秀，巴黎大皇宮（Grand Palais）內架起巨型起重機，紅、黃、藍色結構懸於空間之中，映照著帶有虹彩光澤的伸展台，彷彿是仍在施工、等待下一步發生的現場。這份「未完成感」也呼應 Matthieu Blazy 進入 CHANEL 後的工作方式。

斜紋軟呢套裝、山茶花、鍊帶、菱格紋等，CHANEL 擁有一套幾乎不需標誌就能被辨認的視覺語言。Matthieu 這一季沒有迴避這些經典，而是從輪廓、材質與比例著手，逐一檢視它們放在今天還能如何發展，即使已有百年歷史，CHANEL 依然是一棟持續施工的建築。

由白晝緩緩走入夜晚

Gabrielle Chanel 曾將時尚比作白日裡的毛毛蟲與夜晚旋舞的蝴蝶：「我既要有沉穩落地的裙擺，也要有隨風飛揚的裙角。」Matthieu 則曾用「悖論」形容 CHANEL。在他眼中，CHANEL可以務實，也可以充滿幻想；可以理性，同時保有誘惑力。看似相反的性格，其實從 Gabrielle Chanel 的年代便已存在。她從男裝與勞動者服飾汲取靈感，讓女性時裝擁有更符合生活的機能，另一方面也深知珠寶、晚裝與精緻工藝如何改變一個人的姿態。

2026秋冬系列將這兩面放在同條時間軸上，前段造型較為沉穩，隨著系列推進，質地愈來愈輕，色彩與光澤逐漸浮現，服裝也由白晝慢慢走進夜晚。

腰線下移　打破拘謹

備受矚目的，也包括 CHANEL 經典套裝中，熟悉的比例開始移動。Matthieu 讓造型從1920、1930年代流轉至1950、1960年代，再回到當下。大幅下移的腰線，腰帶落至臀部甚至更低的位置，上半身因此被刻意拉長，讓人想起1920年代盛行的 drop-waist 低腰洋裝。

從針織、長版上衣，到裙裝與套裝，低腰線搭配鬆弛剪裁後，也改變了傳統 CHANEL 套裝較端正的身體輪廓。斜紋軟呢圈圈紗被做成工裝襯衫，壓實處理的斜紋軟呢化為帶有男性氣息的布勞森外套，羅紋針織及1920年代風格的真絲針織更軟化原有結構。

探索材質　工藝賦予輕盈

本季除了經典斜紋軟呢，也加入合成纖維、Lurex 金銀絲、矽膠與天然薄紗。不同纖維彼此混合，使人熟悉的 tweed 表面出現透明、虹彩與閃爍效果，有些乍看仍保留傳統斜紋軟呢的紋理，靠近後才發現材質構成已經完全不同。這種「眼睛以為看到的材質，觸摸後卻是另一回事」的趣味性，也是 Matthieu 作品中相當迷人的部分。

CHANEL 同時為系列研發新的珠飾工藝，使細密珠飾加入針織套裝後，仍能保持輕盈與活動性。看似繁複、帶有重量的服裝，實際穿上身卻能自由移動；工藝的存在不只是增加華麗程度，也改變衣服與身體之間的關係。

包款迎來全新進化

後半場便逐漸進入蝴蝶的世界，大衣與禮服開始出現如絲緞般流動的虹彩，長度由及膝延伸至曳地；剪裁保持簡潔，表面卻隨著光線與身體動作產生細微變化。華麗並沒有帶來厚重感，長裙和外套反而隨步伐自然擺動。

「蝴蝶」存在於衣服的重量、動態與光澤中——人開始移動，蝴蝶才真正出現。包款則留下更多 Gabrielle Chanel 的個人記憶，米色麂皮口蓋包上的菱格紋，可追溯至她巴黎寓所中的沙發；系列另有鎖扣包，以及覆上虹彩琺瑯光澤的石榴晚宴包。歷史細節從室內家具、個人生活與品牌檔案被取出，再換成新的尺度與材質。

百年前，Gabrielle Chanel 曾從當時女性衣櫥以外的世界尋找材料與靈感；到了 Matthieu Blazy 手中，品牌自身歷史成為一座可以再次進入的素材庫。因此，巴黎秀場那幾座仍在工作的起重機，揭示CHANEL還沒有「完成」，最新版本仍在建造之中。

愛馬仕高雄漢神專門店迎來全新面貌，1996年進駐高雄至今，30年後由巴黎建築事務所RDAI重新操刀，以高雄港為設計線索，將磚砌建築、潮汐、貨櫃與港灣夕照轉化為材質、動線及色彩。從橡木貨櫃樓梯到海洋藍漸變夕陽橘的地毯，一覽店內值得細看的設計巧思。

1996年設立至今，這處品牌在高雄的重要據點經歷擴建與改裝，如今橫跨1樓與地下1樓，由長年與愛馬仕合作的巴黎建築事務所RDAI操刀，以高雄港灣風貌與城市建築為線索，重新構築空間。

沒有直接搬入船舶、浪花等具象港都符號，RDAI反而從城市中抽取磚牆、貨櫃、海水與夕照等元素，轉化為材料、動線和色彩。港口意象因此不只存在於視覺裝飾，而散落在兩層空間的行走經驗中。

從磚砌立面開始，捕捉高雄城市質地

走近店鋪，首先映入眼簾的是貫穿外立面與室內牆面的磚砌元素，靈感取自高雄歷史建築「打狗英雄領事館」，磚牆並非平整排列，而藉由深淺錯落的立體表面製造層次。隨著光線與觀看角度變化，牆面留下不同陰影，也讓原本厚實的材質多了一層輕盈感。

品牌以此呼應高雄的歷史底蘊與在地材質特色，並讓傳統材料進入更當代的空間語彙。

以潮汐為想像，1樓動線自在流動

步入1樓，可見愛馬仕經典Faubourg馬賽克地磚與標誌性的ex-libris藏書章圖騰，品牌熟悉的視覺線索之間，加入了來自高雄港灣的想像。絲巾與時尚珠寶首先出現在暖鏽色調之中，往內則進入皮件區，流線雕刻木質牆面勾勒出較為柔和的輪廓；珠寶與腕錶專區藏於同樣以「打狗英雄領事館」作為靈感的紋理牆面之後，以光線與尺度營造較私密的鑑賞氛圍。位於中央的香氛區則以較明亮的色彩點亮空間，整個一樓藉由材質與色調的變化自然銜接，讓行走本身成為探索空間的一部分。

貨櫃化身橡木樓梯，把港口記憶藏進建築

若說全店哪項設計最直接連結高雄港，答案或許是串聯兩層空間的橡木樓梯，這座樓梯的靈感來自港口常見的「貨櫃」。

RDAI並未原樣複製貨櫃的金屬材質與工業色彩，而是抽取其量體概念，再以溫潤橡木重新詮釋。原本屬於碼頭與物流產業的城市日常，因此轉變為一項真正承擔空間機能的建築元素。這也是此次翻新中相當有趣的一筆，讓高雄港巧妙藏進人們每天上下樓時實際經過的動線裡。

將港灣風景拆解成顏色，讓一天的光線鋪在腳下

順著樓梯來到地下1樓，空間氣氛隨之轉換。這一層以海洋藍與大地色為主調，並加入天然礦物般的表面質感。女仕成衣與鞋履從入口一側展開，男仕世界則與居家及馬術系列依序延伸。

其中最具畫面感的設計，是一張量身訂製的漸層地毯，色彩從海洋色調逐步轉為夕陽橘、繡紅色，如同高雄港從白晝進入黃昏時，水面與天空隨日光改變的色階，人在空間中行走，也像跟著一天的光線，從冷色慢慢走向暖色。而天然礦物表面、柔軟地毯與家具彼此交錯，讓地下樓層在精緻之外，仍保有較原始、自然的質地。

從海岸岩石到抽象色彩，藝術作品延續自然線索

空間裡的意象也延伸至藝術作品的選擇，店內陳列Émile Hermès收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列作品，皆由全球藝術總監Pierre-Alexis Dumas親自挑選，其中法國攝影藝術家Aurore Bagarry以鏡頭記錄英國康瓦爾海岸長年受到海水沖蝕的岩石。岩石表面的天然紋理，恰巧與店內磚牆、礦物材質產生呼應；哥倫比亞藝術家Francisce G. Pinzón的抽象畫作《Warm Grey 2》，則藉由色彩對比，補入不同於建築材料的觀看節奏……藝術品與材料、色彩以及自然景象共同構成店內氛圍。

從港口取材，重新描繪高雄

從外牆的磚、如潮汐的動線，到源自貨櫃的橡木樓梯，以及地下樓層從海洋藍走向夕陽橘的色彩，高雄港被拆解成許多細節，散落在空間之中。RDAI將港都熟悉的風貌景色、自然與光線轉譯成另一種語言，再與愛馬仕一貫的馬賽克、木作、家具及藝術收藏並置。此外，專為高雄店打造、限量6枚的Arceau Hermès Flagship琺瑯工藝限量腕錶，以及首度在台灣亮相的高爾夫球具，也成為此次漢神店重新開幕的熱議焦點。