時尚奧斯卡最浮誇主題！2019 Met Gala《敢曝：時尚筆記》揭17世紀至今怪美的Camp絢麗美學

繼2017年《川久保玲》特展（Rei Kawakubo/Comme des Garçons: Art of the In-Between）、2018年《神聖之軀：時尚與天主教想像》（Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic Imagination），每年都會舉辦時尚展覽的紐約大都會藝術博物館（The Metropolitan Museum of Art）服飾典藏館（Costume Institute），日前正式揭曉2019年、Met Gala大都會博物館晚宴年度主題《敢曝：時尚筆記》（Camp: Notes on Fashion），展覽以性別研究者蘇珊桑塔格（Susan Sontag）的著作《敢曝札記》（Notes on Camp）為基礎，探討自17世紀至現代充滿浮誇的「敢曝美學」對時尚文化的啟發及影響。(註：展覽名稱無官方中譯，或坎普：時尚筆記、浮誇：時尚筆記 。)

 

 

 

 

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The Costume Institute（@metcostumeinstitute）分享的貼文 於 PDT 2019 年 4月 月 17 日 下午 4:18 張貼

敢曝（Camp）一詞，依據牛津英語詞典（Oxford Dictionary）的定義，是指「男性的外貌或舉止過於女性化。」而蘇珊桑塔格於1964年發表的《敢曝札記》，則是她對男同志族群時尚品味的觀察心得，在這部著作中，她將敢曝形容為，「一種對非自然、人工、誇張風格的喜愛，為了造型而造型……也是雙性風的成熟面貌。」換句話說，「敢曝是屬於小圈子的風格，它是一種私密的語言，一種都會小群體中象徵身份的標誌。」

▶2019 Met Gala時尚奧斯卡男星「敢曝美學」！

   

正是因為這種非主流、挑戰視覺經驗極限的特色，歷來人們對這種風格的態度總是相當曖昧，過於顛覆性的特質，也使它在歷史上的重要性經常被刻意忽略。「我深深受敢曝風格吸引，但同時它嚴重地冒犯了我。」蘇珊桑塔格說，「敢曝可以說是對某種特色的藝術風格擁有強烈的偏好，例如服裝、家具，以及所有視覺性的裝飾。」

這種對特定「人工、非自然」裝飾的偏好，體現在許多藝術作品、流派、大眾娛樂，以及個人品味中，例如文藝復興藝術家卡拉瓦喬（Caravaggio）的作品、芭蕾舞劇天鵝湖、18世紀歐洲流行的中國風（chinoiserie）裝飾藝術，以及20世紀初的新藝術運動（Art Nouveau）作品，均可視為敢曝的展現。

 

 

 

 

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The Costume Institute（@metcostumeinstitute）分享的貼文 於 PDT 2019 年 4月 月 16 日 下午 2:30 張貼

近年來，隨著社會變得越來越多元開放，敢曝風格也逐漸躋身主流美學，「政治、酷兒、流行敢曝……它們是高級與平凡的結合，而且其中沒有太多原創性的元素。」服飾典藏館策展人Andrew Bolton表示，「不過，我認為一個人必須要有相當的見識，才可以完全理解敢曝風格。」

 

 

 

 

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The Costume Institute（@metcostumeinstitute）分享的貼文 於 PDT 2019 年 4月 月 10 日 下午 2:55 張貼

《敢曝：時尚筆記》特展，將敢曝的歷史追溯到17世紀，帶領參觀者從被稱為「坎普伊甸園」的凡爾賽宮（Versailles）開始，回顧「太陽王」路易十四（Louis XIV）宮廷中絢麗的時尚風格，當時敢曝（se camper）一詞指的是以大膽在衣著及舉止上表現得誇張且與眾不同；路易十四生前熱愛華麗、誇大的宮廷禮儀，他命令法國的貴族離開自己的城堡與領地，群聚居住在凡爾賽宮內鎮日參加舞會與各種娛樂活動，為此宮廷制定了非常繁複的儀式，貴族們為了吸引國王及同儕的注意，也開始在服裝上大作文章。 

為了讓觀眾理解當時法國宮廷禮儀的樣貌，Andrew Bolton特別在展覽中加入一尊羅馬時代的海克力斯（Hercules）雕塑，藉此展示17世紀貴族所模仿美學形象，這座採用對立式平衡（contrapposto）塑造的雕像，海克力斯將一隻手倚在腰上，正是法國上層階級效仿的典範，路易十四在肖象畫中也是採用這種姿態。

 

 

 

 

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Israel Fernando Moreno（@israfermoreno）分享的貼文 於 PDT 2015 年 4月 月 3 日 上午 6:25 張貼

到了19世紀，敢曝開始逐漸被用來形容男性舉止與外貌過於陰柔，1869年英國貴族亞瑟柯林頓（Arthur Clinton）在寫給同性戀人的書信中曾說，「我敢曝式的打扮無法得到它們應得的讚賞，不論我怎麼做，似乎都會惹上麻煩。」亞瑟柯林頓的情人佛雷由帕克（Frederick Park）綽號叫作芬妮（Fanny），是當時知名的變裝人士，曾與另一位情人因為在公開場合穿女裝而遭送法辦。

到了1909年，一本紀錄英國俚語的書籍中，敢曝被定義為「想要引起注意的人刻意採取的行為或姿態。」由於當時同性戀被視為刑事犯罪，英國的男同志為了躲避處罰，經常會使用秘密符號及語言來彼此溝通，並且在穿著打扮上加入各種暗示自己是同志的元素，例如，在外套鈕釦孔裡插上康乃馨、穿上棕色麂皮鞋、過緊的服裝，或是繫上紅色領帶，均是彰顯自己同性戀者身份的穿搭。

到了一九六〇年代，隨著社會漸漸開放，敢曝一詞逐漸出現在公眾視野之中，普普藝術家安迪沃荷（Andy Warhol）更依據蘇珊桑塔格的著作，於1965年拍攝了電影《敢曝》；1969年同志反抗政府迫害的石牆暴動（Stonewall riots）爆發後，敢曝風格在時尚及文化界的能見度再度大增。

Andrew Bolton認為，敢曝的關鍵要素，是一種不經意的特質，也就是並沒有刻意要標新立異，只是為了表現自己而創造出與常規不同的風格，例如Cristóbal Balenciaga於1957年發表的娃娃裝（Baby Doll dress），或是法國設計師Jean-Charles de Castelbajac於1988年秋冬系列中發表的泰迪熊外套。

 

 

 

 

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The Costume Institute（@metcostumeinstitute）分享的貼文 於 PST 2018 年 12月 月 25 日 上午 10:12 張貼

「敢曝具破壞性的特質，使得主流社會經常忽略它對現代美學的顛覆性，這次的展覽將揭露它在精緻藝術及流行文化中深遠的影響力。」大都會藝術博物館執行長Max Hollein表示，「透過追溯它的演變歷程、展示具重要性的美學元素，這次展出將這種大膽風格的諷刺性的具體呈現，挑戰傳統對美與品味的認知，並且確立這個獨特的風格類型，在藝術史及時尚界的關鍵地位。」 《敢曝：時尚筆記》特展於2019年5月9日在紐約大都會藝術博物館第五大道（Fifth Avenue）館址的Iris & B. Gerald Cantor展廳亮相，展出日期至2019年9月8日為止。

※本文由 BeautiMode 提供，未經授權，請勿轉載

CHANEL 2026 秋冬系列由 Matthieu Blazy 延續與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」意象出發，重新拆解經典套裝、低腰輪廓與斜紋軟呢，並透過 Lurex 金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾工藝，在務實與幻想之間重新思考香奈兒式自由。

CHANEL仍在變動之中？

繼3月於巴黎大皇宮首度亮相，CHANEL 2026秋冬系列近日上市，也讓人得以近距離觀看 Matthieu Blazy 如何處理這個百年時裝屋最熟悉的設計語彙。從重新調整比例的斜紋軟呢套裝、1920年代低腰輪廓，到Lurex金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾交織出的材質變化，許多在伸展台上首先以輪廓留下印象的造型，近看更能發現藏在結構與工藝中的細節。

這也是 Matthieu Blazy 加入 CHANEL 後的第二個高級成衣系列，本季延續他與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」的比喻展開：一端是貼近日常生活的務實與安定，一端則是屬於夜晚的輕盈與幻想。兩種看似相反的狀態，共同構成他眼中的CHANEL。

未完待續的「施工現場」

回到今年3月的巴黎大秀，巴黎大皇宮（Grand Palais）內架起巨型起重機，紅、黃、藍色結構懸於空間之中，映照著帶有虹彩光澤的伸展台，彷彿是仍在施工、等待下一步發生的現場。這份「未完成感」也呼應 Matthieu Blazy 進入 CHANEL 後的工作方式。

斜紋軟呢套裝、山茶花、鍊帶、菱格紋等，CHANEL 擁有一套幾乎不需標誌就能被辨認的視覺語言。Matthieu 這一季沒有迴避這些經典，而是從輪廓、材質與比例著手，逐一檢視它們放在今天還能如何發展，即使已有百年歷史，CHANEL 依然是一棟持續施工的建築。

由白晝緩緩走入夜晚

Gabrielle Chanel 曾將時尚比作白日裡的毛毛蟲與夜晚旋舞的蝴蝶：「我既要有沉穩落地的裙擺，也要有隨風飛揚的裙角。」Matthieu 則曾用「悖論」形容 CHANEL。在他眼中，CHANEL可以務實，也可以充滿幻想；可以理性，同時保有誘惑力。看似相反的性格，其實從 Gabrielle Chanel 的年代便已存在。她從男裝與勞動者服飾汲取靈感，讓女性時裝擁有更符合生活的機能，另一方面也深知珠寶、晚裝與精緻工藝如何改變一個人的姿態。

2026秋冬系列將這兩面放在同條時間軸上，前段造型較為沉穩，隨著系列推進，質地愈來愈輕，色彩與光澤逐漸浮現，服裝也由白晝慢慢走進夜晚。

腰線下移　打破拘謹

備受矚目的，也包括 CHANEL 經典套裝中，熟悉的比例開始移動。Matthieu 讓造型從1920、1930年代流轉至1950、1960年代，再回到當下。大幅下移的腰線，腰帶落至臀部甚至更低的位置，上半身因此被刻意拉長，讓人想起1920年代盛行的 drop-waist 低腰洋裝。

從針織、長版上衣，到裙裝與套裝，低腰線搭配鬆弛剪裁後，也改變了傳統 CHANEL 套裝較端正的身體輪廓。斜紋軟呢圈圈紗被做成工裝襯衫，壓實處理的斜紋軟呢化為帶有男性氣息的布勞森外套，羅紋針織及1920年代風格的真絲針織更軟化原有結構。

探索材質　工藝賦予輕盈

本季除了經典斜紋軟呢，也加入合成纖維、Lurex 金銀絲、矽膠與天然薄紗。不同纖維彼此混合，使人熟悉的 tweed 表面出現透明、虹彩與閃爍效果，有些乍看仍保留傳統斜紋軟呢的紋理，靠近後才發現材質構成已經完全不同。這種「眼睛以為看到的材質，觸摸後卻是另一回事」的趣味性，也是 Matthieu 作品中相當迷人的部分。

CHANEL 同時為系列研發新的珠飾工藝，使細密珠飾加入針織套裝後，仍能保持輕盈與活動性。看似繁複、帶有重量的服裝，實際穿上身卻能自由移動；工藝的存在不只是增加華麗程度，也改變衣服與身體之間的關係。

包款迎來全新進化

後半場便逐漸進入蝴蝶的世界，大衣與禮服開始出現如絲緞般流動的虹彩，長度由及膝延伸至曳地；剪裁保持簡潔，表面卻隨著光線與身體動作產生細微變化。華麗並沒有帶來厚重感，長裙和外套反而隨步伐自然擺動。

「蝴蝶」存在於衣服的重量、動態與光澤中——人開始移動，蝴蝶才真正出現。包款則留下更多 Gabrielle Chanel 的個人記憶，米色麂皮口蓋包上的菱格紋，可追溯至她巴黎寓所中的沙發；系列另有鎖扣包，以及覆上虹彩琺瑯光澤的石榴晚宴包。歷史細節從室內家具、個人生活與品牌檔案被取出，再換成新的尺度與材質。

百年前，Gabrielle Chanel 曾從當時女性衣櫥以外的世界尋找材料與靈感；到了 Matthieu Blazy 手中，品牌自身歷史成為一座可以再次進入的素材庫。因此，巴黎秀場那幾座仍在工作的起重機，揭示CHANEL還沒有「完成」，最新版本仍在建造之中。

愛馬仕高雄漢神專門店迎來全新面貌，1996年進駐高雄至今，30年後由巴黎建築事務所RDAI重新操刀，以高雄港為設計線索，將磚砌建築、潮汐、貨櫃與港灣夕照轉化為材質、動線及色彩。從橡木貨櫃樓梯到海洋藍漸變夕陽橘的地毯，一覽店內值得細看的設計巧思。

1996年設立至今，這處品牌在高雄的重要據點經歷擴建與改裝，如今橫跨1樓與地下1樓，由長年與愛馬仕合作的巴黎建築事務所RDAI操刀，以高雄港灣風貌與城市建築為線索，重新構築空間。

沒有直接搬入船舶、浪花等具象港都符號，RDAI反而從城市中抽取磚牆、貨櫃、海水與夕照等元素，轉化為材料、動線和色彩。港口意象因此不只存在於視覺裝飾，而散落在兩層空間的行走經驗中。

從磚砌立面開始，捕捉高雄城市質地

走近店鋪，首先映入眼簾的是貫穿外立面與室內牆面的磚砌元素，靈感取自高雄歷史建築「打狗英雄領事館」，磚牆並非平整排列，而藉由深淺錯落的立體表面製造層次。隨著光線與觀看角度變化，牆面留下不同陰影，也讓原本厚實的材質多了一層輕盈感。

品牌以此呼應高雄的歷史底蘊與在地材質特色，並讓傳統材料進入更當代的空間語彙。

以潮汐為想像，1樓動線自在流動

步入1樓，可見愛馬仕經典Faubourg馬賽克地磚與標誌性的ex-libris藏書章圖騰，品牌熟悉的視覺線索之間，加入了來自高雄港灣的想像。絲巾與時尚珠寶首先出現在暖鏽色調之中，往內則進入皮件區，流線雕刻木質牆面勾勒出較為柔和的輪廓；珠寶與腕錶專區藏於同樣以「打狗英雄領事館」作為靈感的紋理牆面之後，以光線與尺度營造較私密的鑑賞氛圍。位於中央的香氛區則以較明亮的色彩點亮空間，整個一樓藉由材質與色調的變化自然銜接，讓行走本身成為探索空間的一部分。

貨櫃化身橡木樓梯，把港口記憶藏進建築

若說全店哪項設計最直接連結高雄港，答案或許是串聯兩層空間的橡木樓梯，這座樓梯的靈感來自港口常見的「貨櫃」。

RDAI並未原樣複製貨櫃的金屬材質與工業色彩，而是抽取其量體概念，再以溫潤橡木重新詮釋。原本屬於碼頭與物流產業的城市日常，因此轉變為一項真正承擔空間機能的建築元素。這也是此次翻新中相當有趣的一筆，讓高雄港巧妙藏進人們每天上下樓時實際經過的動線裡。

將港灣風景拆解成顏色，讓一天的光線鋪在腳下

順著樓梯來到地下1樓，空間氣氛隨之轉換。這一層以海洋藍與大地色為主調，並加入天然礦物般的表面質感。女仕成衣與鞋履從入口一側展開，男仕世界則與居家及馬術系列依序延伸。

其中最具畫面感的設計，是一張量身訂製的漸層地毯，色彩從海洋色調逐步轉為夕陽橘、繡紅色，如同高雄港從白晝進入黃昏時，水面與天空隨日光改變的色階，人在空間中行走，也像跟著一天的光線，從冷色慢慢走向暖色。而天然礦物表面、柔軟地毯與家具彼此交錯，讓地下樓層在精緻之外，仍保有較原始、自然的質地。

從海岸岩石到抽象色彩，藝術作品延續自然線索

空間裡的意象也延伸至藝術作品的選擇，店內陳列Émile Hermès收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列作品，皆由全球藝術總監Pierre-Alexis Dumas親自挑選，其中法國攝影藝術家Aurore Bagarry以鏡頭記錄英國康瓦爾海岸長年受到海水沖蝕的岩石。岩石表面的天然紋理，恰巧與店內磚牆、礦物材質產生呼應；哥倫比亞藝術家Francisce G. Pinzón的抽象畫作《Warm Grey 2》，則藉由色彩對比，補入不同於建築材料的觀看節奏……藝術品與材料、色彩以及自然景象共同構成店內氛圍。

從港口取材，重新描繪高雄

從外牆的磚、如潮汐的動線，到源自貨櫃的橡木樓梯，以及地下樓層從海洋藍走向夕陽橘的色彩，高雄港被拆解成許多細節，散落在空間之中。RDAI將港都熟悉的風貌景色、自然與光線轉譯成另一種語言，再與愛馬仕一貫的馬賽克、木作、家具及藝術收藏並置。此外，專為高雄店打造、限量6枚的Arceau Hermès Flagship琺瑯工藝限量腕錶，以及首度在台灣亮相的高爾夫球具，也成為此次漢神店重新開幕的熱議焦點。