一張照片的力量，不僅限於視覺美感，更在於畫面背後的想法。2019 索尼世界攝影大獎（Sony World Photography Awards）台灣首獎吳永森，以水下攝影記錄海洋之美，用一張張精彩照片，對世界述說海平面下的故事。

2019年2月，索尼世界攝影大獎區域國家獎揭曉，水下攝影師吳永森以太平洋紅鮭洄游為題的作品《Intense》，奪得台灣首獎殊榮。這也是繼國際水下攝影大賽（World Shoot Out）廣角組冠軍後，再度獲國際攝影獎項肯定。

自學7 年、 6500 罐氣瓶的攝影實驗

從2012年開始潛水、隔年首度嘗試水下攝影的吳永森，2015年來便是國際攝影賽常勝軍。從未上過一堂攝影課的他毅力驚人，用盡6500罐氣瓶反覆練習，才有了今日這番成就。「我平時在越南經營旅行社，公司上軌道後有很多空餘時間，便到泰國學潛水。但是海底下的東西，很難用言語向我太太表達，才想藉攝影讓她了解。」吳永森笑道，「在此之前，我完全沒碰過照相機。當時挑了自己覺得不錯的照片給她看，從太太的回應，我才知道原來自己拍得很爛！」

恰好當時吳永森註冊了臉書帳號，透過網路看到更多水下攝影作品，才發現水下世界可以被詮釋地這麼美，進而好奇攝影師如何辦到。然而，當時水下攝影中文資訊不足，吳永森只好土法煉鋼，每天潛水8次，身體力行實驗各種拍攝角度和技法。「差不多拍了一年後，攝影同好鼓勵我參加比賽，我連續投了一年卻入圍0件，正感挫折時，偶然認識一位日本水下攝影大師，他告訴我，照片不能只是自己喜歡，更要站在大眾角度看，我聽完後修正拍攝方向，才終於獲獎。」

四年一度紅鮭洄游的美麗瞬間

2015年至今，吳永森累積超過40座攝影獎肯定；然而，攝影大師到了海底世界也沒有特殊待遇，每張照片背後依舊艱辛。以得獎作品《Intense》為例，鮭魚洄游的美麗照片，其實是天時地利和個人毅力的結晶。「2017年時，贊助廠商跟我說，明年加拿大Adam River適逢四年一度鮭魚洄游，可以申請拍攝。我想這場拍攝水深不過膝，應該不會太難。」吳永森回憶，「沒想到真正拍攝時，我浸在攝氏6度冰水中，過了1小時身體麻木，有時想著『按快門！』手卻僵到動不了。再加上水勢湍急，我體重82公斤、器材30公斤，仍常被河水沖倒，滾到淺水處才停下，每天滾個7、8次，全身瘀青。」就像上天給攝影師的獎勵，拍攝第4、5天，連月烏雲終於散去，讓吳永森捕捉到藍天、黃葉、紅鮭、白浪同框的美麗瞬間。

對大海的深情 讓照片更動人

現在聽來，仍可想像拍攝過程的艱辛，究竟水下攝影有何魅力，讓人願意頂著痛楚、背負凶險，一次次潛進未知世界？對此，吳永森表示，「一開始迷上攝影，是因為發現自己做起來得心應手。但是拍著拍著，我發現海裡面都是垃圾，也知道很多鯨魚誤把垃圾袋當水母吞下，胃裡堆積太多塑膠袋就死了。這才開始想，海洋這麼美麗，卻又這麼脆弱，那我們是不是可以做一些事情來保護它？」

「我過去拍攝風格比較黑暗、有張力，近年則越來越明亮歡樂，其中一個原因，便是想讓大家看到海洋的美好、想要親近它，進而願意保護它。」吳永森解釋。正如英國攝影師Peter Adams所言，「對偉大的攝影作品來說，重要的是情深而非景深。」或許正是吳永森對於大海的無比深情，讓他的作品不只顯影出構圖和色彩，更閃爍出無比動人的光芒。

台灣冠軍吳永森 得獎真心話

吳永森：「我這次報名索尼世界攝影大獎公開賽『自然生態與野生動物』類組。不僅陸上、水下攝影一起比，評審也看重畫面美感勝於過程難度，對我來講，是對作品美感的大挑戰，得獎意義也格外重大。」

攝影冠軍　拍攝配備大公開

吳永森表示，自己水下拍攝時常使用Sony α7RIII相機，以機種輕巧、高畫質、自動對焦的特性，因應瞬息萬變的水底世界，以及近距離拍攝的需求。

吳永森

2012年 開始潛水

2013年 接觸並自學水中攝影

2014年 菲律賓現場水攝比賽獲獎，首次水攝獲獎

2016年、2017年「WORLD SHOOTOUT」最佳5照片組第二名

2018年 「WORLD SHOOTOUT」廣角組第一名

2019年 Sony索尼世界攝影大獎台灣首獎

文 ｜郭慧 

圖片提供 ｜吳永森、索尼世界攝影大獎

2025大阪世博於4月13日～10月13日登場，為期半年的展期，無疑是今年極具規模與吸睛度的國際盛事。而大家前往世博勢必會拍照留念，但在人潮眾多、天氣不可控等狀況下，該怎麼克服？面對各個場館，又要如何找到自己的獨特視角？這次攝影師蔡耀徴親自前往現場取材，不藏私分享拍攝經驗與技巧！

若問2025大阪世博是否「好拍」？答案為是，但也不完全是。以設計「大屋根」的藤本壯介為首，到獲普立茲克建築獎的伊東豊雄、坂茂、SANAA，再到隈研吾、平田晃久、Foster + Partners、Lina Ghotmeh等一線建築師，每一座場館映寫在相機裡都獨具特色。

但世博現場人潮眾多，天氣亦不可控，實則考驗拍攝者的現場應變與取景技巧。加上根據世博官方規定，會場不得攜帶大型行李（以600mm×400mm×900mm為限），且有輪子的行李箱、相機腳架皆被禁止。然而現場值得拍攝的畫面非常多，舉凡場館、表演、世博大景等等，白天與夜晚亦有不同景致，因此在能帶入的攝影器材有限的狀況下，設備的選擇就得非常精準。

世博拍攝的行前準備

此次蔡耀徴選擇以Sony α7R V作為主力機身，其具備雙卡槽、高畫素等特點，能給予專業攝影師穩定支援；加上AI對焦、防手震、四軸多角度翻轉螢幕等多元功能，亦讓取景更靈活。鏡頭則以3種不同焦段搭配使用：16-25mm的廣角鏡頭，可以同時容納展館和人潮，呈現世博各場館的氣勢與張力；中長焦選擇70-200mm，能壓縮景物作為畫面的前景或點綴；而針對現場的多變狀況，40mm的定焦鏡機動性高，且定焦鏡的特性能凸顯被攝主體，成為拍攝細節的好幫手。

拍攝展館前，先觀察建築特性

來到世博，每個人首先想拍攝的莫過於「場館」。蔡耀徴觀察，本屆世博許多場館色系都偏白、灰，甚至選用鏡面材質，這類顏色與材質的建築會反映天空色調，善加運用則能拍出不單調的場館照。例如「泰國館」就有一面偌大鏡面，彷彿建築與天空融合在一起，就算遇到陰雨，也能在不同的天空顏色映照下，形成晴天拍不出的氛圍。他也補充，這張照片拍攝於傍晚，快門非常慢，此時相機的防手震功能就很重要。

而在拍攝「韓國館」時，為呈現外牆上裸視3D的震撼效果，他選用16-25mm的廣角鏡頭，且蹲在地上拍攝，運用翻轉螢幕得以輕鬆取景。

在展館拍攝上，蔡耀徴也建議，「視線不要只放在單一場館，可以試著將周圍元素放入構圖。」同樣以「泰國館」為例，他在拍攝途中發現鏡面在某個角度下，可以反射出旁邊的「西班牙館」，因此有了這張「看似後製、其實是實拍」的兩館合影。

靜態展覽與動態表演的不同技巧

進到展館室內，展覽又是另一項拍攝重點。蔡耀徴此次在展場內多搭配40mm的定焦鏡，他解釋，介於廣角與中長焦之間的40mm焦距，很適合在有限的室內空間裡發揮，且不會容納太多不必要的資訊。「定焦鏡的特性還能使物件的邊緣更為銳利，使主體更容易地被聚焦、凸顯。」他說，拍攝「瑞士館」展覽時，裝置藝術的光線就在定焦鏡下粒子分明。

場館裡面可不只有展覽，在世博主場館「EXPO Hall」亦有表演可以預約欣賞，各國家館也會不時在戶外空間展演，成為走逛世博的驚喜。若想捕捉表演者的畫面與動作，蔡耀徴建議可以開啟相機的AI對焦功能。此次他就在「EXPO Hall」欣賞演出時，就在台上眾多舞者中，快速對焦到主角。

巧妙運用人潮與前景，創造氛圍大景

除了將眼光放在各個場館，來到這個5年一度的國際展會，勢必會想拍下屬於世博現場氛圍的照片。蔡耀徴說，世博現場免不了人群眾多，若想拍出熱鬧但又不雜亂的大景，建議在會場尋找制高點，並使用70-200mm的中長焦鏡頭容納整體視野。

蔡耀徴也強調，不需要一味地把人潮當作「需要避開」的劣勢，善加利用反而能為畫面加分。其中，讓人群變成「剪影」就是個好方法。例如他運用「電力館」的純白外觀，與黑色人群剪影形成對比，以廣角鏡頭呈現人潮走逛世博的有趣畫面。

而最能代表本屆世博的建築「大屋根」，除了單純拍攝其木構之美，蔡耀徴此次使用中長焦鏡頭壓縮景物，讓大屋根通透的木頭結構成為前景，造就獨特視角。

夜晚拍攝要注意什麼？

最後不可錯過的是夜晚，開放到晚上10點的世博，幾乎每個場館都有針對夜晚設計燈光，且戶外空間也固定會有水舞秀演出。蔡耀徴說，拍攝夜景時，機身的對焦需要精準，且拉高ISO後畫面品質也要維持水準；加上夜拍經常需要透過後製調整，因此相機的性能十分重要。善用器材加上現場觀察，就能讓世博迷人且多樣的夜晚姿態，以照片的形式定格留存。

_{文｜張以潔　攝影｜蔡耀徴}

「Vero」是義大利語中的「真實」，攝影師Vero Chen以此為名，透過攝影重新對焦並思考自己與眼前世界的距離。Vero時常透過街頭物件創造獨特的「框景」和「濾鏡」，鏡子、窗框、欄杆扶手、小販的防塵塑膠膜……遇上按下快門的瞬間，定格一幅又一幅模糊攝影師與被攝者之間的曖昧畫面——注視的目光被中間物件稀釋，兩者存於一地，卻像是兩個世界。

從「若凡」到「Vero」，探索名字與符號的意義

台灣人多有數個「名字」：出生時家人取的，可能源自家族傳統、算命或父母對孩子的想像和期許；上學後有了朋友們取的綽號、老師取的英文名，或自己依喜好為自己取的小名。每個名字，各有意涵和象徵，悄悄影響我們看待自己與他人的方式。

台灣出身的Vero本名陳若凡，若凡二字乘載祖父的期許，深植於其文化與家庭的根脈之中；赴歐美求學之際，他想為自己取個新名，偶遇義大利文中代表真實的「Vero」一詞，被其中蘊含的真誠和力量深深吸引，便以此為名，作為新生活象徵性的起點。

Vero早年在電機與機械領域建立理性思維，卻在異地求學的過程中，因質疑體制與所學方向，轉而以攝影作為探索世界的方式。從台灣到加拿大，再到英國Kingston University攻讀攝影，Vero的旅程在技術與感性之間穿梭，逐步尋找屬於自己的影像語言。

以光影製造邊界，用街頭物件創造框景

在攝影集《Another Name》及同名個展中，Vero進行一場對名字的拆解、一次身份的置換實驗，亦是一段從「陳若凡」到「Vero Chen」的視覺轉譯。Vero流連於倫敦、羅馬、羅馬等歐洲城市，拿著底片相機拍建築、街景也拍人物，相較於工整構圖，他更常利用建築、街頭物件、光影製造「邊界」，創造近乎破碎的畫面。

畫面殘缺的輪廓，彷彿影像中人與物的「名字」變形後的痕跡，也為攝影視角賦予了種「窺視」的意味——相機的兩側，分別是專注卻疏離的注視，和不被叨擾仍自顧自的生活步調，正如城市與生活其中的人們內在總承載著矛盾，美麗絢爛與破敗混亂共存。

Vero在城市中觀察、融入、對抗，透過非常態構圖，挑戰觀者對於日常的認知；也在無數次的凝視與反射之間，重新思考名字與符號的意義，過程中「Vero」成了他在陌生世界中觀看、認識自己與他者的新方式，正如哲學家John Berge於《觀看的方式》中所說：「我們注視的從來不只是事物本身，我們注視的永遠是事物與我們之間的關係。」

Vero Chen攝影個展《Another Name》

展期｜即日起至2025.05.14（三）13:00－20:00

地點｜Stairs Space（台北市松山區八德路三段74巷96號）