一張照片的力量，不僅限於視覺美感，更在於畫面背後的想法。2019 索尼世界攝影大獎（Sony World Photography Awards）台灣首獎吳永森，以水下攝影記錄海洋之美，用一張張精彩照片，對世界述說海平面下的故事。

2019年2月，索尼世界攝影大獎區域國家獎揭曉，水下攝影師吳永森以太平洋紅鮭洄游為題的作品《Intense》，奪得台灣首獎殊榮。這也是繼國際水下攝影大賽（World Shoot Out）廣角組冠軍後，再度獲國際攝影獎項肯定。

自學7 年、 6500 罐氣瓶的攝影實驗

從2012年開始潛水、隔年首度嘗試水下攝影的吳永森，2015年來便是國際攝影賽常勝軍。從未上過一堂攝影課的他毅力驚人，用盡6500罐氣瓶反覆練習，才有了今日這番成就。「我平時在越南經營旅行社，公司上軌道後有很多空餘時間，便到泰國學潛水。但是海底下的東西，很難用言語向我太太表達，才想藉攝影讓她了解。」吳永森笑道，「在此之前，我完全沒碰過照相機。當時挑了自己覺得不錯的照片給她看，從太太的回應，我才知道原來自己拍得很爛！」

恰好當時吳永森註冊了臉書帳號，透過網路看到更多水下攝影作品，才發現水下世界可以被詮釋地這麼美，進而好奇攝影師如何辦到。然而，當時水下攝影中文資訊不足，吳永森只好土法煉鋼，每天潛水8次，身體力行實驗各種拍攝角度和技法。「差不多拍了一年後，攝影同好鼓勵我參加比賽，我連續投了一年卻入圍0件，正感挫折時，偶然認識一位日本水下攝影大師，他告訴我，照片不能只是自己喜歡，更要站在大眾角度看，我聽完後修正拍攝方向，才終於獲獎。」

四年一度紅鮭洄游的美麗瞬間

2015年至今，吳永森累積超過40座攝影獎肯定；然而，攝影大師到了海底世界也沒有特殊待遇，每張照片背後依舊艱辛。以得獎作品《Intense》為例，鮭魚洄游的美麗照片，其實是天時地利和個人毅力的結晶。「2017年時，贊助廠商跟我說，明年加拿大Adam River適逢四年一度鮭魚洄游，可以申請拍攝。我想這場拍攝水深不過膝，應該不會太難。」吳永森回憶，「沒想到真正拍攝時，我浸在攝氏6度冰水中，過了1小時身體麻木，有時想著『按快門！』手卻僵到動不了。再加上水勢湍急，我體重82公斤、器材30公斤，仍常被河水沖倒，滾到淺水處才停下，每天滾個7、8次，全身瘀青。」就像上天給攝影師的獎勵，拍攝第4、5天，連月烏雲終於散去，讓吳永森捕捉到藍天、黃葉、紅鮭、白浪同框的美麗瞬間。

對大海的深情 讓照片更動人

現在聽來，仍可想像拍攝過程的艱辛，究竟水下攝影有何魅力，讓人願意頂著痛楚、背負凶險，一次次潛進未知世界？對此，吳永森表示，「一開始迷上攝影，是因為發現自己做起來得心應手。但是拍著拍著，我發現海裡面都是垃圾，也知道很多鯨魚誤把垃圾袋當水母吞下，胃裡堆積太多塑膠袋就死了。這才開始想，海洋這麼美麗，卻又這麼脆弱，那我們是不是可以做一些事情來保護它？」

「我過去拍攝風格比較黑暗、有張力，近年則越來越明亮歡樂，其中一個原因，便是想讓大家看到海洋的美好、想要親近它，進而願意保護它。」吳永森解釋。正如英國攝影師Peter Adams所言，「對偉大的攝影作品來說，重要的是情深而非景深。」或許正是吳永森對於大海的無比深情，讓他的作品不只顯影出構圖和色彩，更閃爍出無比動人的光芒。

台灣冠軍吳永森 得獎真心話

吳永森：「我這次報名索尼世界攝影大獎公開賽『自然生態與野生動物』類組。不僅陸上、水下攝影一起比，評審也看重畫面美感勝於過程難度，對我來講，是對作品美感的大挑戰，得獎意義也格外重大。」

攝影冠軍　拍攝配備大公開

吳永森表示，自己水下拍攝時常使用Sony α7RIII相機，以機種輕巧、高畫質、自動對焦的特性，因應瞬息萬變的水底世界，以及近距離拍攝的需求。

吳永森

2012年 開始潛水

2013年 接觸並自學水中攝影

2014年 菲律賓現場水攝比賽獲獎，首次水攝獲獎

2016年、2017年「WORLD SHOOTOUT」最佳5照片組第二名

2018年 「WORLD SHOOTOUT」廣角組第一名

2019年 Sony索尼世界攝影大獎台灣首獎

文 ｜郭慧 

圖片提供 ｜吳永森、索尼世界攝影大獎

台北徠卡之家推出台裔英國攝影藝術家Mavis CW個展《Somewhere Between Living and Dreaming》，集結24幅以紐約為背景的街頭攝影作品，藉黑白影像映現城市脈動與人性的光影交錯。

受布列松啟發投入街頭攝影

「街頭攝影充滿即興與不可預測性，每一刻都是獨特且無法重現的。黑白攝影是一種去除雜訊的語言，讓作品回歸光影與構圖的純粹本質，讓觀者更專注於影像的故事性。」Mavis說道，精準點出以街頭為背景、黑白影像為語彙創作的原因。然而，個人風格絕非短時間煉成。Mavis在倫敦帝國理工大學攻讀科學研究期間，意外開啟對攝影的熱愛，那時她專注於靜物和建築攝影，卻在接觸法國紀實攝影大師布列松著作《決定性瞬間》後，毅然投入街頭攝影。

「拍攝那一秒是充滿創造力的瞬間，你所建構和表達的是生活本身所賦予給你的，並且你必須憑直覺判斷何時按下快門。按下快門的那一瞬間，便是攝影師所創作的，就是那一瞬間！一旦錯過，它將不復存在。」——布列松（Henri Cartier-Bresson）

Mavis深受《決定性瞬間》啟發，她認為街頭攝影不僅能捕捉真實的情感與社會狀態，更具備強烈的紀實意義，同時也鍛鍊了自己對環境的的敏銳度與洞察力。「有時候，一個畫面只有在特定的光線或環境條件下才能成立。黃昏時的斜陽、霓虹燈下的剪影、街角瞬間閃過的一道光，或是突如其來的大雨，這些元素與場景中的人物與氛圍相互融合，便成為了按下快門的契機。」而每個按下快門的決定性瞬間，Mavis透過黑白畫面呈現。她認為，影像去除色彩的干擾後，觀者更能專注於其中的情感與故事，從光影中體會畫面的張力與層次。

在生活與夢想之間，有紐約

Mavis在台北徠卡之家的攝影展《Somewhere Between Living and Dreaming》，展出24幅以紐約為背景的街頭攝影作品，展名靈感來自一句話：「Somewhere between living and dreaming, there’s New York（在生活與夢想之間，有紐約）。」

紐約是Mavis除了長住的倫敦之外，最常拍攝的城市，在她眼中，「紐約是一座充滿對比的城市——現實與夢想交錯，喧囂與孤寂並存，每個街角都蘊藏著無數故事。」這座大都會多元文化交融、歷史與現代交織，且視覺豐富、生活節奏明快，像是一座流動的舞台，是無數創作者的靈感泉源，Mavis也不例外。

Mavis心中難忘的紐約街頭一幕

談及在紐約拍下最難忘的作品，Mavis選了《電話亭2019》，影像中一位在電話亭內掙扎的男子，與亭外好萊塢明星廣告看板交疊，形成現實與非現實的矛盾對比，也像庸碌生活與夢想成真的對照；然而自2022年起，電話亭正式退出紐約街頭，此景已成為歷史。

Mavis也分享了一段因徠卡相機而發生的美好邂逅。幾年前，她拿著徠卡M6在紐約街頭拍照，途中偶遇一位當地傳奇的街頭攝影師，兩人因彼此手中的相機而開啟對話，還為對方拍了張肖像；五年後，他們再度於紐約街角重逢，以初見面拍攝的肖像照為開場，再次為彼此留下了新的影像。這段奇遇，也讓《Somewhere Between Living and Dreaming》攝影展更添故事性。

不藏私分享！Mavis街拍的徠卡相機 X 鏡頭組合

Mavis與徠卡相機的緣分始於童年，她的母親擁有一台經典徠卡，紀錄了無數珍貴的家庭回憶。當她決定專注於攝影創作，母親送給她人生中的第一台徠卡相機——徠卡M6。現在，Mavis最常用的相機仍是徠卡M6和M7，搭配Summicron-M 35mm f/2 ASPH與Summilux-M 35mm f/1.4 ASPH鏡頭，這些設備讓她能在不干擾被拍攝者的情況下進行拍攝，捕捉最真實、自然的瞬間。

Mavis CW攝影展《Somewhere Between Living and Dreaming》

地點｜徠卡臺北畫廊（徠卡之家）

地址｜臺北市青田街6巷3號

展期｜即日起至2025年7月7日

開放時間｜週一至週日 11:00－19:00

日本攝影家杉本博司（Hiroshi Sugimoto）的創作圍繞時間、記憶與存在的本質，並以大畫幅相機的攝影技法來探索多元主題。現正於文心藝所展出的「杉本博司個展」，由文心藝術基金會與杉本博司工作室攜手策劃，展出《過去的存在》、《劇院與歌劇院》、《海景》、《偏光色》等4大系列影像，其中杉本博司不僅挑戰攝影作為記錄的功能，更讓影像成為探索感知與現象的途徑。

攝影是一種「儲存記憶」的系統

攝影留住了轉瞬即逝的時刻，將我們當下的視覺經驗轉化為具體的影像，杉本博司曾說：「攝影是一種儲存記憶的系統，就像是一部時光機，保存記憶，留住時間。」在他創作中，攝影不僅定格畫面，更是記錄與保存時間流動的方式，甚至成為超越時間的媒介。時間彷彿在他的影像中延續，模糊真實與虛構的界線，引發對記憶與感知的哲學思考。

模糊藝術名作輪廓，《過去的存在》思索經典之於當代的意義

2013年，杉本博司受紐約現代藝術博物館（MoMA）之邀參加一項攝影委託計畫，為中庭花園的週年紀念進行創作，在此他受賈科梅蒂《站立的女人》系列其中一尊雕塑啟發，創作出《過去的存在》系列作品。這組影像捕捉了西方藝術史中的經典雕塑與繪畫，刻意將圖像呈現模糊、失焦的狀態，原作的細節在朦朧之中，只留下輪廓與姿態。

過去熟悉的大師作品變得模糊，挑戰了觀者的視覺記憶，迫使人們去辨識、確認每一個物體，同時思索這些物體在當代的意義。藉此杉本博司拋出了關於影像記憶的提問：當作品脫離既定的聯想，我們還能憶起其最初的創作構想與本質嗎？

將電影壓縮的《劇院與歌劇院》

1976年，杉本博司在紐約一家電影院的後方架起相機，根據即將放映的電影設定曝光時間，最後將整部電影壓縮為一張靜態影像，銀幕化為一片耀眼的白光。

杉本博司曾說：「觀看一部兩小時長的電影，無非是觀看172,800幀攝影殘像。我想用相機拍攝一部電影，捕捉影像中的活力與動態，目的是為了將電影再次停格。」作品中央亮光奪目的白色銀幕成了唯一的光源，空蕩蕩的劇院散發出詭譎的氣氛，銀幕宛如刺眼的虛空，又像是閃耀的光輝，彷彿隱射電影觀賞這一集體儀式所代表的某種精神層面。

杉本博司隨後也在其他不同的電影放映與劇場場域，持續探索這樣的創作手法：在長時間曝光下，《汽車電影院》（1993） 捕捉到露天銀幕背後飛機與星辰的光跡；《歌劇院》（2014） 記錄了歐洲歷史悠久的劇院，給美國靈感仿造出電影宮殿的正是這些劇院；《廢棄劇院》（2015）則揭示美國經典電影院緩緩步入凋零的命運。

《海景》將內心海景投射於世界畫布

從1980年代至今，杉本博司持續在世界各地拍攝不同的海域，創造出海與天各半、看起來像是抽象畫的純粹畫面，《海景》系列消弭了地理環境與文化的差異，這些作品不僅描繪自然風景，更呈現一種超越時空的詩意圖像。為了拍出永恆的海景，杉本博司將大片幅相機架設於懸崖或高地，調整視角讓海與天各佔畫面的一半；構圖中不見飛鳥、船隻或遠方的海岸線等干擾元素，只聚焦於水、空氣及日月光影的交織。

《海景》如今已是杉本博司窮其一生的創作計畫，為什麼對大海如此著迷？杉本博司說：「海洋的變遷比起陸地可說是微乎其微。所以，當人類從獸類進化到智人，開始擁有自我意識時，海洋的景象或許已深深刻在人類的心靈之中。我能感知那樣的視覺經驗，也能對照自己的記憶與人類初次見到世界的美麗景象。」於是他設想：「有沒有可能，現代人能以原始人的目光觀看一處風景？」一幕幕詩意的天光海景，因此被凝鍊於雋永的黑白影像中。透過此系列，杉本博司不單用攝影描繪世界，也將內心的海景投射到世界這塊畫布之上。

藉《偏光色》提問：世界的色彩真的只有7種嗎？

受牛頓的劃時代著作《光學》（Opticks）啟發，杉本博司於2009年起展開對光的紀錄。《偏光色》是他首次探索彩色攝影的作品，延續他對時間與存在的關注，揭示色彩之間仍潛藏著人眼難以察覺的微觀層次，並引發對可見世界真實性的思考。

從牛頓棱鏡實驗中獲得靈感，杉本博司在東京的工作室裡設計了一套設備，組件包括一台老寶麗來相機、一個配有玻璃棱鏡與鏡子的裝置。用寶麗來拍攝的影像，色彩濃郁、鮮明而純粹，細究其中能發現變化無窮的微妙色調。杉本博司以此提出質疑：「我們的世界俯拾皆是繽紛的色彩，為何自然科學堅持只有7種？」提問的對象正是牛頓在《光學》中提出的論據，其推翻了當時普遍認為自然光為純白的看法，證明光實則由紅、橙、黃、綠、藍、靛、紫等7種獨立的色彩所組成；而在杉本博司眼中，「那些被忽略的細微色階，反倒讓我更真實地感受世界。」

《杉本博司 Hiroshi Sugimoto》

日期｜2025.04.12－08.31

時間｜10:30－18:30，每週二休館

地點｜文心藝所（台北市內湖區民權東路六段180巷10弄6號）