「我叫李霽，霽是雨過天晴的意思，代表植物吸收了水分養分開始長大。」似乎是就為植物而活。質物霽畫，「質物」代表著自然間的物質都能回歸到最原始的本質，每種物質都是獨特的存在；「畫」，則有創作的意涵。從「建築」到「植物」、「藝術創作」跨界「品牌經營」、近期又化身「極限馬拉松跑者」，斜槓似乎成了他的代名詞。不害怕犯錯、不畏懼外界眼光，24小時頭腦不停運轉，這是藝術家李霽「焦慮恐慌症」的日常。

藝術，質物霽畫的核心

不是遵循企業管理者的經營SOP創立公司，而是透過好奇心探索的過程中，讓質物霽畫更符合世代的需求。現階段，藝術創作對李霽而言是工作也是興趣，身為品牌主理人，要對員工與客戶負責，以及花大量時間思考每一件作品：用什麼材料去表達，作品才能長久保存收藏。在質物霽畫創立初期，李霽碰到許多經營上的難題，從決策模式到品牌經營，當李霽意識到這些問題後，才開始一點一滴重構質物霽畫的品牌深度，「身為品牌主理人，沒有一件事可以置身事外。」說來不容易，但也因為這樣的心路歷程，讓李霽找到最適當的方法，平衡藝術家與經營者雙重身分，這些都還只是當前工作層面。

「藝術創作才是質物霽畫的核心，永遠不會讓品牌經營把創作吞噬掉。」承載著品牌核心，將創作理念具象化，帶出質物霽畫背後象徵建築、學堂、植物、藝術、生活、事件、器具、地圖的品牌八大精神，這是他心中的藍圖，夢想夠大，才能走得遠。

主流意識外的啟發與共鳴

聊到參與設計師方序中《查無此人─小花計畫展》的作品《大樹小花》，李霽表示，對於現代人無法接受的「消失」，不管是陪伴Hush的芒果樹、親人的離開，以及感情的離別，每個人都有不同的方法保存或維持想珍惜之物，透過裝置藝術的冰箱中若有似無的樹根，表達出物品不再是原本自然的狀態。

不久前，質物霽畫的個展《無機體》，也同樣探討城市裡的自然議題，為了表達城市中90%以上都是人造的環境，所以個展中的作品只有10%的植物素材，「人類在許多層面上的生產結構和使用方式，都是持續性地在消耗地球資源。」李霽對環境議題的看法，在《無機體》的展覽中完整呈現出來。 

每位藝術家都有著受矚目的期待心理，但李霽則表示，他從來不去在意這些，因為，藝術創作若被主流意識的框架限制住時，創作的本質，就蕩然無存。李霽透過作品、演講、教課的方式，連結靈感、環境、時節與品牌精神，縫合現實的藝術，讓觀者找到啟發與共鳴，對李霽而言，這才是藝術家的責任。

潛藏內在的「極限馬拉松」基因

2016年李霽開啟了一個新身分「極限馬拉松跑者」，建築師的理性思考與藝術家的感性，加上他用來平衡以及舒緩多重身分倦怠的跑步，帶出更完整狀態的斜槓人生。「因為想體驗不同的極地氣候下的路跑，讓思考的層次更豐富，面對世界的感受更真實」，談到極限馬拉松，李霽像個童心未泯的大男孩。第一次參加的馬拉松路跑，就是馬拉松好手林義傑所舉辦的，如此初生之犢不畏虎的「勇氣」，似乎驗證訪談一開始，李霽提及的品牌核心是「勇於挑戰」。雖然，每次的馬拉松路跑強度都比李霽平時訓練高很多，跑到最後，都是靠意志力平衡身體、控制呼吸。

回想起橫越內蒙古沙漠的經驗，就算腳底起了水泡，在護理師處理好傷口後，還是整裝再出發，「如果把想做的事情與自己之間的意義想清楚，就不會輕易放棄，也不會覺得辛苦了。」李霽也坦言，雖然，練習時間較職業跑者少，但從來沒想過放棄。開始極限馬拉松後，李霽才聽到旁人用「斜槓」一詞形容自己，在每一個身份的轉換，對李霽而言，都只是實踐原本潛藏在自己DNA裡的基因。

「不務正業」的才華？

大眾在定義「才華」時，容易與藝術家、音樂家作連結，但李霽則表示，「商業人士」的管理與專業度，也是才華的一種，「能夠洞察到三年到五年的變化，這也是管理的藝術。」問及有些人或長輩認為「斜槓人生」過於理想不切實際，將「斜槓」視為「不務正業」，李霽笑著平反，每個人與生俱來的才華都不盡相同，白領族的房地產投資以及股票基金，也能被定義為「斜槓人士」，或許有人眼中的藝術家是過度浪漫的職業，但每個工作其實都肩負著社會責任，每個領域都有埋頭苦幹的人，端看你站在哪個觀景窗看世界。

莫忘初衷 方得始終

「如果這件事，會使你感動、願意奮不顧身，那就該秉持著初衷做到底。」李霽想對那些站在人生交叉路口思考的斜槓青年說。身為一位跨時代成功的斜槓人，不論是何種身分，都秉持不變的初衷，「放大感官，傾聽世界的人事物，用一種謙虛的態度跟世界共處。」李霽對自己沒有框架的限制，嘗試不同的挑戰，以及展現最真實的樣貌，在一次次試錯後，組合出最完美狀態的斜槓人生。

設計師交流之夜 PechaKucha Night Vol.40

時間：2019/08/31 （六） 19:40-22:00（19:00開放入場）

地點：學學舞台XUE XUE STAGE 

票 價：網路購一般票NT330，當日現場票NT400

（每張票價均包含NT30回饋至 PechaKucha Global Fund）

更多活動資訊請至官網 連結點此

文字：Vicky Kao

照片提供：李霽

攝影：張藝霖

「對我而言，創作不會總是有很強烈的意圖。」一開口，陳姝里如此輕描淡寫，卻正好道出她在藝術創作之路上「自然而然」轉向陶藝的關鍵。過去十餘年，她穿梭在插畫與平面設計之間，也因此在插畫界中闖出一番成績。只是，日復一日，面對形形色色的客戶需求，她漸漸無法沉浸在「純創作」的心流之中。「會去捏陶，就像是一種自然轉換的過程，因為當時的我，很需要自己的空間，不僅是實體的空間，心理也是……」

創作的起點

日光穿過半掀的調光簾透進屋內，落在工作桌上散落的色紙碎片。這些看似「無用」的東西，偶然被陳姝里收了起來，並衍生出她的創作系列：《拾獲物》（found object）。

「這些色紙碎片是剪紙過程中剩餘的材料，本來應該要被丟進垃圾桶的，但我覺得這些造型不一的圖形，其實更吸引我。於是我就把喜歡的碎片變成新的創作素材，拼貼出《組合》這系列作品。」

偶然出現的碎紙片，意外帶給陳姝里更純粹、單純的創造樂趣。平時面對繁雜的平面設計與插畫工作，容易使她陷入過度的計畫與目的性。然而在這些碎紙片面前，心思卻能回到最初的空白。「這些剪紙碎片構成的創作，我叫它們『小雕塑』。某一天，我突然有個想法，如果把這些平面的紙片，變成立體的作品，可以怎麼呈現？」

可以說是記憶使然，陳姝里立刻想到一種既熟悉又陌生的創作手法：陶作。原來，陳姝里的舅舅是陶藝家，小時候陳姝里在過年時會去舅舅的工作室玩陶。大學也修過一學年的陶藝課，所以捏陶對陳姝里來說並不陌生。

捏陶，也是在捏塑自己的心

捏陶看似閒適，但她苦笑說自己其實沒什麼時間可以閒下來，大部分時間被工作填得密不透風。後來有了小孩，時間又被分割得零零碎碎。「以前我可以每天工作十個小時，但自從女兒出生，人生又多了一種角色和責任。生活一直處在停不下來，不斷忙碌、擔心的狀態。」

漸漸地，她感覺快被外界的人事物塞滿，內心沒有了自己的位置⋯⋯「我喜歡創作，但成為媽媽之後，時間變得很破碎，加上疫情嚴重的那年，我24小時育兒，一天也許只有30分鐘的空檔。但我還是想創作，我需要創作。我內心知道，若再不撥一點時間給自己，我會失控。」

在這個掙扎的時刻，陳姝里接觸到陶藝，摸到陶土的那一刻，她感到一股似曾相識的感覺。「我以為自己已經忘了，但觸覺帶我回到小時候，在家門口玩泥巴，把泥土捏成球。手中握著泥球，我好滿足。而捏陶的時候，我又感受到那種純粹的快樂。」

放下執念，享受不可控

對陳姝里而言，不論是紙片創作、插畫，或是後來的雕塑、捏陶，本質都相通。她喜歡組合與拼貼，就像剪紙的碎片可以重新拼出新的造型；陶土也是如此，需要一塊一塊地塑造、連結，再進窯燒製。

然而，創作不總是順利。偶爾作品會在燒製過程中出現意想不到的變化，或是不如預期。但她並不懊惱，反而樂於接受這種「不可控的成果」。「把錯誤留給媒材」是她打破完美、走向自由的一步。

一邊說，一邊拿出一樣作品。陳姝里試著把那個作品立起來，但隨即就倒下去：「這是一個立不起來的作品，我取名為《水平》。它也是我把剪紙碎片立體化的成果，本來想把陶土實心的部分挖除，讓作品平衡站起，沒想到作品還是無法站立。由垂直站立的狀態變成只能水平擺放。似乎是要我放下執念，接受它最後的狀態。」

她笑笑地繼續說：「所以這是一個失敗的作品嗎？我不這麼認為。或許對有些人來說，這是失敗品。但我卻因此看到，它有其他呈現方式。不只《水平》，我也有其他作品燒完後乍看不喜歡，但時間一久卻慢慢能夠欣賞它美的地方。」

陳姝里在大眾認知的「失敗」與「錯誤」中找到了另一種未曾想像的美。特別是當陶藝作品最後出窯時，會帶來無預期的驚喜或驚訝。她脈脈望著層架上的陶盤說道：「我好像也能更坦然面對生活中的不可控了呢！」

文字 / 洪孟樊

攝影 / 林家賢

Olafur Eliasson熱愛音樂。他認為音樂如同鏡子一樣映照出他的心情，承接並映照出他日常中忽視、未被滿足的情緒與需求。他也持續進修、閱讀，避免自己陷入知識的盲區——他永遠好奇還有什麼自己不知道的事物。在這裡，Olafur親身分享他私藏的歌單與書單。

➤ 延伸閱讀：深度專訪藝術家奧拉弗．埃利亞松Olafur Eliasson：世界沒有理所當然，唯有展開你的好奇心

Olafur歌單4+1：承接你的心緒

❶ 《In Waves》

Jamie xx｜2024

睽違9年，相較前張個人專輯的繽紛，這英國電音鬼才交出的作品更顯憂鬱複雜，卻眼望舞池的純真快樂。

❷ 《Lahai》

Sampha｜2023

生於西非獅子山裔移民家庭，英國非裔音樂人Sampha第2張專輯冠以祖父之名，揉合電子與靈魂樂，探索自己成為父親後的內省與溫暖。

❸ 《Enjoy the Silence》

Naima Joris｜2025

這位疫情期間因社群翻唱而備受注目的比利時爵士歌手，回歸初心重新詮釋曾療癒她的歌曲。

❹《Go》

Jónsi｜2010

這是Sigur Rós主唱Jónsi的首張個人專輯與個人的華麗冒險，夢幻假音飄盪， 在後搖與更流行的樂種間嬉玩。

同場加映：《I Hear You》

Peggie Gou｜2024

因藝術收藏而相識，Olafur為活躍柏林的韓國DJ Peggy Gou首張完整專輯《I Hear You》設計專輯封面，她穿戴的作品便是〈Psychoacoustic empathy amp〉（2023）；Olafur也執導單曲〈1+1=11〉MV，並將場景設定在他的柏林工作室，親自獻上一舞。

Olafur書單×6：餵養你的靈感

❶ 《Is a River Alive?》

Robert Macfarlane｜2025

土地是否能擁有人格權？Olafur觀察到台灣也正處理這議題，賦予河流或山脈人格權，自然界便也有了自我保護的法理基礎。

❷ 《Conflict Is Not Abuse》

Sarah Schulman｜2016

資深酷兒運動者直面當代痛點：我們太快將不適貼上受害標籤？這部挑釁之作解構二元對立思維，呼籲重新思考責任與修復。

❸《山之生》

Nan Shepherd｜1977（中譯版－新經典文化｜2019）

手稿沉睡30年後，這位蘇格蘭女作家畢生的登山札記才問世。她以詩人之眼凝視高地荒原，成為自然書寫的經典。

❹ 《The Discovery of Slowness》

Sten Nadolny｜1983

海軍傳奇在冰天雪地中尋找西北航道，天生行事緩慢卻屢建奇功，挑戰效率至上的現代迷思。

❺ 《心靈的傷，身體會記住》

Bessel van der Kolk｜2014（中譯版－大家出版｜2017 ）

這本書顛覆創傷研究的既有認知， 認為痛苦不只存在腦海，更銘刻在 身體之上，重新思考療癒的定義。

❻ 《The End of Nature》

Bill McKibben｜1989

在氣候變遷尚未被關注之時，McKibben便已提出獨立於人類之外的「自然」已不存在，我們需要重新審視與環境的關係。

奧拉弗．埃利亞松 Olafur Eliasson

冰島－丹麥藝術家，1967生於丹麥哥本哈根，工作室位於柏林。作品探索藝術與世界的廣泛連結。自1997年起，他的個展陸續於世界各大美術館展出，創作形式涵蓋裝置、繪畫、雕塑與攝影，以其挑戰感知並強調環境共創的展覽與公共裝置，在國際藝壇享有盛譽。2003年，他在倫敦泰德現代美術館的渦輪大廳創作《The weather project》，以迷霧籠罩的巨大發光「太陽」創造沉浸式體驗。2008年，他在曼哈頓與布魯克林沿岸建造了四座大型人工瀑布，呈現於《The New York City Waterfalls》計畫中。埃利亞松亦透過藝術探索氣候變遷的議題，例如2014年，他將格陵蘭冰川的碎冰帶至哥本哈根市中心，隨後2015年在巴黎、2018年於倫敦再次展出此《Ice Watch》計畫，讓路過的民眾得以親手觸摸來自格陵蘭的冰川碎片，見證冰川融化消逝的脆弱過程。2012年，創立社會企業「小太陽」（Little Sun），並持續參與其發展至2024年。2014年，他與Sebastian Behmann共同成立Studio Other Spaces，這是一間專注於藝術與建築的創作機構。

_{更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》}