「我叫李霽，霽是雨過天晴的意思，代表植物吸收了水分養分開始長大。」似乎是就為植物而活。質物霽畫，「質物」代表著自然間的物質都能回歸到最原始的本質，每種物質都是獨特的存在；「畫」，則有創作的意涵。從「建築」到「植物」、「藝術創作」跨界「品牌經營」、近期又化身「極限馬拉松跑者」，斜槓似乎成了他的代名詞。不害怕犯錯、不畏懼外界眼光，24小時頭腦不停運轉，這是藝術家李霽「焦慮恐慌症」的日常。

藝術，質物霽畫的核心

不是遵循企業管理者的經營SOP創立公司，而是透過好奇心探索的過程中，讓質物霽畫更符合世代的需求。現階段，藝術創作對李霽而言是工作也是興趣，身為品牌主理人，要對員工與客戶負責，以及花大量時間思考每一件作品：用什麼材料去表達，作品才能長久保存收藏。在質物霽畫創立初期，李霽碰到許多經營上的難題，從決策模式到品牌經營，當李霽意識到這些問題後，才開始一點一滴重構質物霽畫的品牌深度，「身為品牌主理人，沒有一件事可以置身事外。」說來不容易，但也因為這樣的心路歷程，讓李霽找到最適當的方法，平衡藝術家與經營者雙重身分，這些都還只是當前工作層面。

「藝術創作才是質物霽畫的核心，永遠不會讓品牌經營把創作吞噬掉。」承載著品牌核心，將創作理念具象化，帶出質物霽畫背後象徵建築、學堂、植物、藝術、生活、事件、器具、地圖的品牌八大精神，這是他心中的藍圖，夢想夠大，才能走得遠。

主流意識外的啟發與共鳴

聊到參與設計師方序中《查無此人─小花計畫展》的作品《大樹小花》，李霽表示，對於現代人無法接受的「消失」，不管是陪伴Hush的芒果樹、親人的離開，以及感情的離別，每個人都有不同的方法保存或維持想珍惜之物，透過裝置藝術的冰箱中若有似無的樹根，表達出物品不再是原本自然的狀態。

不久前，質物霽畫的個展《無機體》，也同樣探討城市裡的自然議題，為了表達城市中90%以上都是人造的環境，所以個展中的作品只有10%的植物素材，「人類在許多層面上的生產結構和使用方式，都是持續性地在消耗地球資源。」李霽對環境議題的看法，在《無機體》的展覽中完整呈現出來。 

每位藝術家都有著受矚目的期待心理，但李霽則表示，他從來不去在意這些，因為，藝術創作若被主流意識的框架限制住時，創作的本質，就蕩然無存。李霽透過作品、演講、教課的方式，連結靈感、環境、時節與品牌精神，縫合現實的藝術，讓觀者找到啟發與共鳴，對李霽而言，這才是藝術家的責任。

潛藏內在的「極限馬拉松」基因

2016年李霽開啟了一個新身分「極限馬拉松跑者」，建築師的理性思考與藝術家的感性，加上他用來平衡以及舒緩多重身分倦怠的跑步，帶出更完整狀態的斜槓人生。「因為想體驗不同的極地氣候下的路跑，讓思考的層次更豐富，面對世界的感受更真實」，談到極限馬拉松，李霽像個童心未泯的大男孩。第一次參加的馬拉松路跑，就是馬拉松好手林義傑所舉辦的，如此初生之犢不畏虎的「勇氣」，似乎驗證訪談一開始，李霽提及的品牌核心是「勇於挑戰」。雖然，每次的馬拉松路跑強度都比李霽平時訓練高很多，跑到最後，都是靠意志力平衡身體、控制呼吸。

回想起橫越內蒙古沙漠的經驗，就算腳底起了水泡，在護理師處理好傷口後，還是整裝再出發，「如果把想做的事情與自己之間的意義想清楚，就不會輕易放棄，也不會覺得辛苦了。」李霽也坦言，雖然，練習時間較職業跑者少，但從來沒想過放棄。開始極限馬拉松後，李霽才聽到旁人用「斜槓」一詞形容自己，在每一個身份的轉換，對李霽而言，都只是實踐原本潛藏在自己DNA裡的基因。

「不務正業」的才華？

大眾在定義「才華」時，容易與藝術家、音樂家作連結，但李霽則表示，「商業人士」的管理與專業度，也是才華的一種，「能夠洞察到三年到五年的變化，這也是管理的藝術。」問及有些人或長輩認為「斜槓人生」過於理想不切實際，將「斜槓」視為「不務正業」，李霽笑著平反，每個人與生俱來的才華都不盡相同，白領族的房地產投資以及股票基金，也能被定義為「斜槓人士」，或許有人眼中的藝術家是過度浪漫的職業，但每個工作其實都肩負著社會責任，每個領域都有埋頭苦幹的人，端看你站在哪個觀景窗看世界。

莫忘初衷 方得始終

「如果這件事，會使你感動、願意奮不顧身，那就該秉持著初衷做到底。」李霽想對那些站在人生交叉路口思考的斜槓青年說。身為一位跨時代成功的斜槓人，不論是何種身分，都秉持不變的初衷，「放大感官，傾聽世界的人事物，用一種謙虛的態度跟世界共處。」李霽對自己沒有框架的限制，嘗試不同的挑戰，以及展現最真實的樣貌，在一次次試錯後，組合出最完美狀態的斜槓人生。

設計師交流之夜 PechaKucha Night Vol.40

時間：2019/08/31 （六） 19:40-22:00（19:00開放入場）

地點：學學舞台XUE XUE STAGE 

票 價：網路購一般票NT330，當日現場票NT400

（每張票價均包含NT30回饋至 PechaKucha Global Fund）

更多活動資訊請至官網 連結點此

文字：Vicky Kao

照片提供：李霽

攝影：張藝霖

「唯有投注誠實的時間，才能誕生作品。」來自濟州島的藝術家 Dahye Jeong 以馬毛為線，讓一門瀕臨失傳的朝鮮工藝重新走入當代視野。她於2022年拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位獲此殊榮的韓國藝術家，今年再獲選 M&O Rising Talents Awards，讓這項近乎失傳的地方工藝登上國際舞台。

在韓國歷史上，馬毛曾經是一門繁盛的工藝。自朝鮮時代起，它被編織為網巾、唐巾、四方冠與笠帽，陪伴著貴族男性的日常，也象徵著身分與禮制。然而隨著時代推進，這項工藝也漸漸淡出了人們的生活，只在盛產馬匹的濟州島零星存續。直到近年，1989年出生的藝術家 Dahye Jeong 重新拾起馬毛，以細膩、輕盈而堅實的創作語彙，為這門已有500多年歷史的工藝注入新的生命。

一段材料與人生的相遇

「我第一次接觸馬毛是在研究所時期。在此之前我主修雕塑，後來轉向纖維領域，也因此一直困惑於『自己究竟真正屬於哪裡？』就在那段時間，我參加了地方工藝發展計畫，並首次體驗到馬毛工藝。」

Dahye Jeong 分享，馬毛兼具雕塑的結構感與纖維的柔韌性，每一根都纖細脆弱，但當它們被一針一線交織起來時，卻能凝聚為堅固而具空間感的形體，並在光線照射下變得半透明，宛如自體發光。「過程中，我開始看見自己人生的投射——那些不確定、脆弱的時刻，隨著時間累積，也能凝聚成某種有重量的存在。」

而真正讓 Dahye Jeong 決定全心投入馬毛工藝的契機，源於2018年的一次嘗試。當時她在傳統文化產品開發研究室擔任研究員，創作了一件以馬毛為主的懸吊裝飾，試圖凸顯材質的透明與輕盈，沒想到作品獲得了出乎意料的正面回饋，也讓她意識到這條路或許不只是實驗或興趣，而可能成為自己的人生志業。「在那之前，我總是徘徊於追求藝術與維持生計之間，但因為馬毛，我開始看見一種可能性，讓我的創作與人生能由同一種材料共同支撐。」她回憶道。

以時間與耐心，連結歷史與當代

「時間與耐心是這門工藝中最重要的材料。」Dahye Jeong 分享，要完成一件馬毛工藝作品，首先要挑選品質優良的馬毛，再設計輪廓、製作木模，最後才以針線一點一點編織而成；小型作品往往需要數週，大則可能歷時數月。她解釋，編織的基礎技法雖然看似簡單，不過是將馬毛扭轉1～2次，但真正的難度在於依照作品的大小與形態，精準調整結點的間距與馬毛的粗細。「馬毛本身相當纖細脆弱，若間距過大就難以維持結構。」

Dahye Jeong 進一步說明，在反覆的編織中，手勁的控制同樣決定了作品的成敗。「右手負責引導穿著馬毛的針，左手則拉緊並固定已編織的線束；如果兩邊的力量失衡，結點就會失去一致性與強度。我花了好幾年才掌握這一點，直到現在仍可能因一時分心而導致形體偏移。」她也坦言，自己在創作初期總是努力讓每一縷馬毛在粗細與顏色上保持一致，但馬毛終究是天然材質，即使編織前看似均勻，成形後往往還是會顯現細微差異。「起初我很難接受這一點，但現在我反而將其視為材料本身獨有的特質。」在她眼裡，這些不規則的差異不再是瑕疵，而是時間與自然留下的印記。

談及作品的誕生，Dahye Jeong 表示自己並未以保存傳統的使命感作為出發點，而是將馬毛視為「生成形態的媒介」。「真正吸引我的是馬毛轉化為立體形態的過程，而我正好透過傳統工藝發現了這種魅力。」 她經常流連於博物館，從文物中汲取靈感。「其中，我特別被古代陶器所吸引，它們的造型簡單，卻帶有雙手直接塑造的痕跡。」而這些歷史的迴響，也在她手中化為新的語言。她的作品有時映照出陶器般的古老影子，有時則延伸為燈具與裝置的當代形貌，在過去與當下之間編織出一條細膩的連結。

這樣的思考，也體現在 Dahye Jeong 的代表作《A Time of Sincerity》中。2022年，她以該件作品拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，作品靈感源自古代陶器的形制，並在腰身位置融入朝鮮時期四方冠的紋樣，耗時2個月才完成。「這種『以日復一日的真誠累積，築起堅實而獨立的人生』的修行，正是我創作的核心。」她補充道。

以真誠為線，編織自我與馬毛工藝的未來

回顧創作初期，Dahye Jeong 曾因現實考量製作小型飾品販售，但隨著創作逐漸深入，她才意識到自己真正追求的，是探索自我的過程，以及將思索化為作品的那一刻。如今，她將純粹創作放在首位，也樂於接受作品自然延伸至商業用途的可能性。「無論是商業還是藝術，我不再覺得需要刻意區分。真正重要的是，我是否能傾聽自己的內心，是否能合理解釋自己為何創作，以及作品是否能作為我生命時間的證據。」

展望未來，Dahye Jeong 希望馬毛工藝不僅僅被視為韓國傳統的一個分支，而能被認可為獨立的雕塑語言。她希望有朝一日能創造一個遠比自身更巨大的馬毛空間，讓觀者能走入其中， 親身感受光影與纖維交織出的沉浸氛圍，感受到「時間」正被編織在他們四周。而支撐她不斷前行的，正是一路以來的鼓勵與國際肯定。「當我獨自待在工作室裡編織馬毛時，我經常會懷疑自己是否走在正確的道路上——直到這些經驗提醒我，原來我正走在屬於自己的路上。」

Dahye Jeong

出生於濟州島，大學主修雕塑，後於韓國國立文化遺產大學取得傳統纖維工藝碩士。以馬毛為創作語言，將瀕臨失傳的朝鮮工藝轉化為當代藝術形式，作品跨越工藝與雕塑之界，展現時間、耐心與材料的張力。2022年獲 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位得獎的韓國藝術家，並於2025年獲選 Maison&Objet Rising Talents Awards。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜SOLUNA CRAFT}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/10月號《韓國設計特搜》

想一探芙烈達·卡羅（Frida Kahlo）的藝術養成，造訪墨西哥城除了藝術家故居「藍屋」之外，又多了新去處！2025年9月新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」改建自卡蘿家族曾持有、被暱稱為「紅屋」的宅邸，由家族成員參與策劃，探討「家庭」對芙烈達個人生活及創作生涯的影響。

20世紀藝術史的濃烈篇章

芙烈達·卡蘿（Frida Kahlo）是20世紀最具代表性的藝術家之一，她畫中鮮明的熱帶色彩與隱喻性符號，蘊藏著對自身根源——墨西哥和美洲印第安人文化——的深刻探討，乘載對政治和社會的理想，也交織著她對感情、苦痛和生命的感觸。幼時感染小兒麻痺、18歲遭逢嚴重車禍，讓芙烈達的青春有了與他人截然不同的寫照。她因病痛接受數十場手術，臥病在床時靠繪畫抒情也轉移注意力；長期獨處讓自畫像成了她主要的創作主題，她曾說：「因為『我』是我自己最了解的主題。」也因此濃眉、深邃雙眼、鮮豔唇色和稜角分明的臉龐，成了她深植人心的形象。

走進芙烈達故居「藍屋」，感受藝術家創作情境

造訪墨西哥城，芙烈達·卡蘿博物館（Museo Frida Kahlo）是旅人必訪之地。這棟「藍屋（Casa Azul）」陪伴芙烈達度過大半人生，最早她與家人同住於此，後來與藝術家迪亞哥·里維拉（Diego Rivera）墜入愛河後也在此共同生活和創作，接待墨西哥與來自世界各地的名人雅士。自1958年改為博物館揭幕後，藍屋展出兩人的畫作和藝術收藏，也留下照片、書籍、家具等生活痕跡，重現芙烈達當年生活的創作情境。

此外，藍屋也乘載了芙烈達的生命點滴：臥室那張四柱床，是她臥病在床時展開創作的起點；工作室的畫架與拐杖、藥品等，見證了她與病痛相伴的創作歷程；服飾與珠寶等個人收藏，體現了她對美的觀點與想像；廚房則保留墨西哥傳統家屋格局，濃縮昔日她與愛人共度的生活光景。

走進「紅屋」卡蘿之家，探尋家庭對芙烈達的深刻影響

那新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」與藍屋有何區別？參與籌備的卡蘿家族成員接受《Wallpaper*》訪問時表示：「關於芙烈達的故事，長久以來由迪亞哥和其他家庭之外的聲音詮釋。我們想訴說的是，在她遇見迪亞哥之前，便受父親影響接觸藝術，並繼承了母親的堅毅和獨立。我們並非要『奪回』她的故事，而是想讓故事更加完整。」因此卡蘿之家著重於「家族」對芙烈達個人及創作生涯的影響，試圖挖掘她在藝術家及「受苦者」形象之外，更深層的面向。如果說藍屋是芙烈達以藝術家身份面眾的場所，那卡蘿之家則是她可以回歸自己、與家人共處，逃離紛亂並尋求慰藉的避風港。

卡蘿之家博物館所在建築本是卡蘿家族的宅邸，於1930年由芙烈達的父母購入，因其鮮豔的磚紅色外觀又被暱稱為「紅屋（Casa Roja）」，跟藍屋僅有幾個街區的距離。雖然芙烈達未長居於此，但她生前時常造訪紅屋，在地下室的隱密小房間裡作畫、寫字、聽聽音樂，那是專屬於她的私密宇宙。

卡蘿之家延續家屋格局改造，多件珍貴文物首度公開

2008年，卡蘿家族成員因故著手整理這棟家族宅邸，並在過程中發現許多珍貴物件，每個角落都是故事。像是芙烈達的父親留下的玻璃底片，他曾是建築攝影師，為墨西哥政府紀錄城市重要的地標和建築，同時也是一名畫家，啟發芙烈達透過藝術觀看世界的眼光。此外，廚房牆面還留有一幅壁畫，描繪著掛滿果實的葡萄柚樹枝，四周點綴白花、斑斕鳥群停駐，據說這是芙烈達唯一留下的壁畫作品，約在她20多歲時繪製。

這些發現，讓卡蘿家族深感將家屋轉化為博物館的使命，並在卡蘿基金會（Fundación Kahlo）主席Rick Miramontez的協助下獲得資助，展開長達近20年的籌備歷程。2025年9月，卡蘿之家博物館正式對外開放，展出許多從未曝光的文物，如芙烈達親筆寫下的家書等，另有她早期的素描作品、為迪亞哥作的肖像畫，還有傳統刺繡襯衫、古代墨西哥風格首飾、超現實主義設計大師Elsa Schiaparelli操刀的「Shocking」香水瓶等個人物品，體現她別具風格的美感。

除了展品之外，經重新設計的卡蘿之家也藏有許多巧思。美國建築師David Rockwell團隊保留了家屋令人感到親密、安定的尺度感，並從家族舊照汲取靈感，重現了建築原始的庭院。過去紅屋大門常對外敞開，隨芙烈達習畫的藝術學生也常自由出入。如今修復後的庭院致敬了卡蘿家族好客的傳統，並點綴來自墨西哥各地的工藝陶器和本地植物，長椅設計則令人聯想芙烈達常去的社區公園。

而芙烈達過去常自己待著的地下室房間，則以燭光營造靜謐氛圍，邀訪客放鬆在此細看藝術家的書信、手稿和收藏。廚房則靠氣味引領感官體驗，透過墨西哥傳統鍋煮咖啡中的肉桂香氣，帶人們重回芙烈達曾在紅屋度過的時光。

資料來源｜Museo Casa Kahlo、Museo Frida Kahlo、Rockwell Group