紐約大都會博物館《關於時間：時尚與存續》亮點！160件服裝遇上吳爾芙文學探討時尚奧秘

原定5月7日開展的《關於時間：時尚與存續》（About Time: Fashion and Duration），不僅是每年美國紐約大都會藝術博物館（Metropolitan Museum of Art）的年度時尚大展，今年更逢創館150周年。一樣由大都會博物館服裝學院院長Andrew Bolton操刀策展，在時間緯度中精準卻深刻地剖析時尚。儘管今年因疫情影響，時尚奧斯卡Met Gala被迫取消，而展覽延期至10月29日才開幕，我們仍可從策展脈絡中一窺策展人的思索切入點。

每分鐘以兩件服裝為單位

今年是大都會博物館成立 150 年紀念，服裝學院以《關於時間：時尚與存續》為題，追溯 1870 年起迄今共 150 年的時尚史。引用法國哲學家亨利柏格森（Henri Bergson）的「綿延理論」（la durée），亦即時間的延續性，來探討服裝如何貫穿過去、現在和未來，並產生連結，透過「瞻前顧後」來呈現時尚的線性發展與週期性。「展覽著重在時尚轉瞬即逝的特質上，運用倒敘與快轉的方式，展現時尚可以同時是線性的，也可以是循環的。」大都會博物館館長Max Hollein表示。

歷年來操刀服飾典藏館特展的策展人Andrew Bolton表示，時尚與時間有著不可分割的關係，尤其在這高速的數位年代，時間議題在時尚界引起熱議，包括設計、生產、運送、消費等環節的瘋狂加速，大大影響了時尚產業，因此本次展覽將以歷史角度審視。「時尚不僅反映時代精神，也隨著時代變遷、發展，成為一種精準的計時工具。這次的展覽透過年表，利用延續的概念來分析時尚史的轉折。」

 

 

 

 

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The Costume Institute（@metcostumeinstitute）分享的貼文 於 PST 2019 年 11月 月 7 日 上午 6:00 張貼

至於策展靈感則是來自英國19世紀女作家維吉尼亞吳爾芙（Virginia Woolf）的作品《奧蘭多》（Orlando），講述一位永生不死的變性詩人的故事，Andrew Bolton解釋，在1992年莎莉波特（Sally Potter）執導同名電影《美麗佳人歐蘭朵》中，「有一場蒂妲絲雲頓（Tilda Swinton）穿著18世紀法式女裝跑進一個迷宮裡，跑著跑著她的衣服就變成19世紀中期的樣式，最後來到1850年代的英格蘭，這就是展覽的靈感來源。」 ，而維吉尼亞吳爾芙正是這場時尚大秀無形的敘述者，「我喜歡吳爾芙對時間的理解，因為她的概念展現了時間的連動性，它沒有起點、過程，或終點的分別，只有無止盡的過程，我對時尚的感受也是這樣，時尚反映的是當下。」 

 

 

 

 

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Retales de un idilio（@retalesdeunidilio）分享的貼文 於 PST 2019 年 11月 月 7 日 上午 10:38 張貼

展覽將有160件服裝，以黑色衣服為主調，多是大都會博物館時裝學院的館藏。在兩個相連的展廳中，多媒體藝術家Es Devlin將模擬一個巨大的錶面和「時尚時間」，如同圍繞著60分鐘時尚理念（a study of 60 minutes of fashion），每分鐘以兩件服裝為一個單位，一件代表時尚的線性，另一件代表時尚週期性，這兩件作品可能在輪廓、材質、圖紋或裝飾上互相呼應，以突顯亨利柏格森「過去與現在並存」的理論，也證實時尚除了足以通過時間的考驗，更足以放慢，甚至暫停、捕捉時間。而展廳中的旁白也將朗讀吳爾芙從首本創作《船出》（The Voyage Out）到最後一本創作《幕間》（Between the Acts）之中與時間有所相關的文字。

舉例來說，1870 年晚期的黑色絲質羅 緞 洋 裝 和 Alexander McQueen1995 年 的 超 低 腰 牛 仔 裙 並 列；或1890 年中期的巨型蓬蓬袖黑色絲綢 洋 裝 對 比 Comme des Garçons2004 年的解構式作品。既然展覽探討時尚的過去、現在與未來，自然不會排除 2020 年的新品，只要符合可追溯性和永續性，足以定義未來的時尚，也會一併收入。而展覽也會以2020年少量服裝作為結尾，這些服裝將持續深究0時間的概念與多元包容性，並延伸至服裝可持續、追溯和其壽命，進而思考時尚下個十年與其他議題間存在的辯論，而對比2020年疫情衝擊的現下，原先失速的時尚圈，如今腳步暫緩，正好也緊扣展覽對「時尚時間」的探討與想像。

除了上述兩位設計師，各年代的設計大師作品也含括其中，像Charles James 、Azzedine Alaïa、Cristóbal、Balenciaga、Thom Browne、Tom Ford（Gucci 時期）、John Galliano（Maison Margiela 和 Dior 時期）、Gabrielle Chanel 等等。這些連結了不同歷史、文化、風格的時尚，勢必又引起全球媒體與時尚迷的關注。

而與大都會博物館展覽綁在一起的時尚慈善晚會Met Gala，原先照慣例訂在每年五月的第一個星期一，然而如今展覽延期，活動也可望於10月中再登場；本年度活動共同主持人，除了多年來策畫晚宴的Anna Wintour之外，還包括艾瑪史東（Emma Stone）、梅莉史翠普（Meryl Streep）、音樂人米蘭達（Lin-Manuel Miranda），以及Louis Vuitton女裝創意總監Nicolas Ghesquière，屆時晚宴紅毯上會出現什麼經典造型，讓我們拭目以待。 

《關於時間：時尚與存續》（About Time: Fashion and Duration）

時間：2020.10.29-2021.02.07

https://www.metmuseum.org/

文：陳立凡、Ian Liu

圖片來源：VOGUE US

照片提供：Metropolitan Museum of Art

彷彿一塊正慢慢融化的薄荷冰磚，MVRDV為珠寶品牌Tiffany & Co.設計的北京旗艦店，為三里屯街區添了份浪漫而靈動的氣息。建築立面如流水般延展的玻璃帷幕，不僅在色彩上直觀呼應Tiffany & Co.標誌性的「蒂芬妮藍（Tiffany Blue）」，也透過線條與造型，向傳奇珠寶設計師Elsa Peretti設計的「Bone Cuff」手鐲致敬。

回顧MVRDV X Tiffany & Co.特色店鋪

2025年底開幕的北京三里屯旗艦店，是Tiffany & Co.五度與荷蘭建築事務所MVRDV共創之作，過去雙方曾攜手打造品牌位於中國、新加坡、德國等地的店鋪建築。在上海前灘太古里，門店立面由6,988顆手工打造的「玻璃鑽石」構築，璀璨奪目，呼應Tiffany & Co.引以為傲的鑽石珠寶；在新加坡樟宜機場，店鋪被珊瑚造型的3D列印外牆包覆，靈感源自品牌珠寶作品中常見的植物元素。

將經典「骨頭手鐲」化為建築線條

視線轉至北京，MVRDV從Tiffany & Co.經典手鐲「Bone Cuff」汲取靈感，為品牌構思旗艦店建築。Bone Cuff誕生於1970年，出自義大利珠寶設計師Elsa Peretti之手。她受童年參觀羅馬古老地下墓穴的旅程啟發，融合對建築鬼才高第（Antoni Gaudí）作品的觀察，賦予手鐲不規則的流動線條，更特別的是，她也根據人體骨骼調整手鐲結構，使其得以完美貼合配戴者手腕線條。從創作思考到實品，此作都可謂珠寶界最具顛覆性的傳奇作品之一。

如夢似幻的「蒂芬妮藍」玻璃帷幕

MVRDV如何將手鐲線條轉化為建築元素？團隊利用一系列弧形玻璃肋狀結構，為建築搭起高達20公尺、如波浪般起伏的半透明帷幕，並善用門店位在十字路口的位置優勢，讓帷幕面向街邊處尤向外凸出，讓立面與街區在視覺上形成更活潑、有趣的互動關係。色彩則以介於藍、綠之間的「蒂芬妮藍（Tiffany Blue）」優雅色調呈現，為門店增添一抹空靈之感。

玻璃帷幕隨日光流動、觀者移動而產生的變幻視覺效果，也是MVRDV欲強調的設計巧思，對此合夥創辦人Jacob van Rijs表示：「從側面看，密集排列的層疊玻璃片會放大光影的變化，從而凸顯立面的曲線形態。當觀者靠近建築，還能從玻璃片之間隱約看見店內展示的珠寶。」透過這樣的設計，MVRDV盼能讓門店像是「如夢似幻的存在」，彷彿遊走於幻境和現實之間，在喧鬧的城市鬧區顯得格外脫俗。

精品如何將奢華化為一種能夠被細看、觸摸和停留的細節？香奈兒台北 SOGO 復興精品店以全新面貌重新開幕，這座橫跨 3 層樓、占地約 280 坪的全台最大門店，透過精心策劃的生活美學空間，演繹一場關於香奈兒風格如何被建構、被行走、被感受的展演。

➣本文選自La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》，更多精彩內容請點此

走進香奈兒台北 SOGO 復興精品店，會發現 1～3 樓氛圍由開放漸轉為私密，從大氣的迎賓客廳，到 2 樓如主人與親密好友共享的溫馨餐廳，3 樓則是主人享受 me time 的靜謐臥室，就如同置身香奈兒大宅。

空間的整體設計靈感，依舊回到嘉柏麗．香奈兒位於巴黎康朋街 31 號的傳奇寓所，那是香奈兒美學的起點，也是品牌精神最重要的空間原型。品牌長期合作的建築師 Peter Marino 的設計思維，是將藝術融入建築，以黑、白、米、金等品牌經典色調為基礎，透過純粹線條、層層遞進的材質關係，以及當代藝術與設計收藏，重新建立一種專屬香奈兒的感官秩序。

重新定義優雅的移動體驗

店內設有兩座電梯，其中一座為香奈兒亞洲店鋪首座透明電梯，由於 SOGO 復興館本身具有特殊挑高結構，讓顧客在移動中依然保有視野的延展感，感知整個精品店的開闊尺度與垂直層次。另一座金色電梯則近乎一件移動中的藝術品，每層的電梯門片圖騰皆不同，皆由 Peter Marino 邀請設計師於美國量身打造後專程運抵台灣。內部由全金色特殊凹凸紋理金屬面板包覆，金屬表面的光影、手感與色澤在近距離中格外迷人，短短數 10 秒的移動，也像一段被精緻設計過的沉浸式體驗。

步入傳奇寓所般的 3 層風景

1 樓主要展示包款、配飾與腕錶高級珠寶空間，是整座精品店最直接與品牌經典符碼對話的起點，透過材質對比、比例安排與光感控制，建立一種既洗鍊又從容的迎賓氛圍。店內專屬腕錶與高級珠寶區，則讓 COCO CRUSH、N°5、J12、Première 等作品，在更靜謐的空間節奏裡發光。

Peter Marino 也特別挑選立體織紋地毯，這種地毯因為養護難度高，在一般商空中極少見，卻讓人在步行其上時感受到近乎「回到家」般的柔軟與包覆感。更耐人尋味的是，地毯的立體流蘇細節，也被視為向現任時尚總監 Matthieu Blazy 致意，令人聯想到他在設計中對斜紋軟呢織紋與材質肌理的創造性發揮，牆面與地毯之間彼此呼應，形成近似雕塑表面的立體紋理。

豐富多元的沙龍表情，工藝細節隱藏於牆面及試衣間

2 樓以藝術家 Nancy Lorenz 的金箔鏡面作品作為視覺焦點，其不規則圓形鏡面以金箔、石膏與鏡面材質構成，散發出帶有手工感的細緻光澤。Nancy Lorenz 擅長將東方工藝與當代藝術結合，抬頭可見由 Goossens 金銀工坊製作的水晶吊燈，以鍍金鏈條與水晶組成華麗但節制的光源裝置，再次提醒人們，香奈兒對工藝的重視從服裝延伸到了整體空間的每一處細節。

步上 3 樓，高級時裝空間的氛圍更顯私密，可見 Julian Lethbridge 的抽象石版畫、Frank Thiel 的建築攝影、Agnes Martin 的極簡幾何作品與 Minjung Kim 的韓紙創作，共同構成最深刻的藝術背景。它們分別從層疊、秩序、結構與材質出發，呼應香奈兒在服裝世界中對版型、比例、表面與工藝的持續探索。

家具配置也同樣講究，Aaron Poritz 的拋光青銅雕塑座椅、Thierry Leproust 的幾何造型桌、Christophe Côme 以石材、金屬與玻璃打造的訂製咖啡桌，都不只是被放進空間裡的物件，而像是將香奈兒經典語彙轉化為立體形式的媒介。尤其 Côme 的作品中可見近似珍珠裝飾的細節，更巧妙呼應品牌歷史中極具代表性的珠寶語彙。

全亞洲唯一的 CHANEL & Moi Salon

這次空間更新中極具象徵性的，還有全亞洲唯一的 CHANEL & Moi Salon，以溫暖的金色布面牆、柔和的小圓桌與沙發構成，營造出安定、放鬆且帶有親密感的氛圍，像是香奈兒將「照顧」納入空間設計的一種方式。它不再只是販售精品的場域，更是一個讓關係得以被維繫與深化的地方。

若再繼續細看，會發現牆面與更衣室的細節，掛衣桿後方牆面的立體壁紙，帶有近似雕塑般的表面起伏。部分更衣室牆面上的繃布，遠看猶如石牆或建築材質，實際上卻是布料本身；某些區域甚至直接以斜紋軟呢布料包覆牆面，將時裝材質真正帶入建築之中。更衣室門板則同樣為特別訂製後自美國直運來台，每一扇都是全台唯一、不可複製的作品，勃根地酒紅色與立體織紋般的造型，傳遞品牌一貫的色彩記憶與工藝氣質。更值得一提的是，更衣室牆面上的立體山形紋圖騰，甚至由工匠現場手繪完成，使試衣空間本身也成為一種可被閱讀的表面藝術。

香奈兒台北 SOGO 復興精品店不僅蒐羅了多件藝術與設計作品，更清晰呈現一個品牌如何透過空間，將自身的歷史、工藝與美學價值轉化為可被感知的經驗。從動線安排、材質紋理到藝術收藏與細部裝飾，這裡所建構的，是一座在城市中心被重新打開的香奈兒美學居所，讓人在行走、停留與凝視之間，讀出品牌優雅而細膩的精神世界。

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》

_{文｜張瑋涵　圖片提供｜CHANEL}