人們醒著的時間裡有80%是坐著的，因此，椅子不僅僅是椅子，是我們每天接觸最頻繁的一種生活道具。在台灣產業發展中，「椅子」的製造與設計，歷經農業手工藝時期、輕工業代工模仿時期，近年走向設計與風格塑造之路，可見坐具文化深植於台灣人生活底蘊，但究竟台灣設計的特色是什麼、美學脈絡又該何處尋呢？

為了喚醒大眾對坐具設計的關注與重視，加強設計教育與建構美學脈絡，台灣設計研究院邀請知名工業設計團隊「東海醫院設計工作室」，合作策劃主題特展—「坐座做．做座展」，自3月10日至7月5日於台灣設計館06展區展出。本展從「坐、座、做」三個軸線呈現椅子的故事，趣味性的諧音雙關語，也強化了設計的韻律與空間的詩意。

策展人徐景亭認為，「坐是一種姿勢，座是一種象徵，而做是一種行動！」椅子除了是產業趨勢發展的指標外，更是具有文化象徵的產品，從這個想法延伸規劃出三大展區，並設置觀眾動手做的學習場域。

從「坐」的姿態，看到台灣工藝史詩

甫走入展場，將看到逾50張台灣椅陳列於平台上，猶如在地設計躍上伸展台。策展人用心梳理跨越一世紀的設計脈絡，依創作年代作為敘事軸線，讓觀眾一次飽覽經典工藝與當代創意。前半世紀的經典代表，是由館藏中精選展件，包含：1930年代農業社會的竹製家具、1950年代輕工業時期的塑膠製鬱金香椅、及1960年代太空時期的「圈椅」等，每一把椅子都是一個時代的文化標誌，也是每個人成長過程的集體記憶。

其中，最具指標性的館藏作品為日治時期顏水龍所創作的竹製家具。當時手工藝是穩定農村經濟的力量，匠師們運用竹、木等原生材料之美，佐入人文巧思，經過雙手逐一修整，打造出舉世無雙的手工椅；坐在竹椅上，就可以感受整座竹林的沁涼。顏水龍認為台灣具備足以誇耀世界的優秀性與特色，適合發展生產性工藝，發揮使用的價值及機能；因此引進德國包浩斯學校的教育概念，期待推動工藝美術教育，被後世譽為「台灣工藝之父」。在本次展覽中，策展人將顏水龍作品與包浩斯代表作品「紅藍椅」並置呈現，從這個巧妙的安排，讓同一個年代裡，產生了竹材/木材、意象/完形、東方/西方的設計對話，而組裝結構上的簡約美感也是兩者間的共通性。這是台灣展覽中難得一見的切入觀點，試圖以台灣原創精神為美學坐標，重新詮釋國際設計史觀。

從「坐」的進化，看到當代詩意空間

近年來，幾乎每年都可以看到台灣設計師身影在世界舞台發光發熱，本展除了展現經典工藝，也將策展視角延伸至當代趨勢，邀集13位當代設計師，包含王俊隆(竅門設計)、許向罕(向罕設計)、周育潤、徐景亭(東海醫院)、林曉瑛、林靖格(格子設計)、陳奕夫(路力家器具)、黃涵宜(祥業工業)、吳俊儒、吳孝儒(無氏製作)、高寶惠、賀仁瑋(PISTACCHI DESIGN)、Kenyon Yeh等人展出精彩作品。

展件中，有傳統工藝的延續與創新，例如周育潤以台灣特有的「五角編」技法，組成極具當代設計感的「泡泡沙發」，當年被法國媒體評選為最令人心動的作品。此外，由設計師王俊隆與竹藝師聯合製作的「作繭計劃-蠶絲竹編沙發」，巧妙應用農村養蠶智慧，結合自然生態與人文藝術，將椅子引領至永續發展的美學層次，吸引世界各地專業人士的讚嘆不斷；這件作品亦在國立臺灣工藝研究發展中心的共襄盛舉之下，首度借展至台灣設計館與民眾見面。

另外，也有科技巨輪之下產生的坐具新趨勢。例如許向罕的「X多元模組家具系統」，以仿生造型、數位列印技術，打造出獨特的模組化設計；透過更換局部零件創造產品新的功能與價值，進而達到使用週期的延長，是解決當今環境課題的永續設計。從中可以窺見，台灣當代創作者已從上一代所累積的豐富資源中，尋找到屬於自我的文化基因，並淬煉出符合當代需求的美學新觀念。

從「座」的材質，看到台灣的文化演進

第二個展區展現生活坐具的材質實驗，精細介紹竹、木、金屬、複合媒材等材質的特性與製作過程。座椅的製作與生活演進有密切關聯，例如從竹材工藝，發展到加入機具生產製作的木材傢俱，再到金屬加工與塑料射出成型；西元2000年之後，由於個人意識與在地自覺的萌芽，激迸出設計與工藝跨界合作，大膽嘗試各項新穎材質與工程技術，從這個展區中將可一次窺見材質進化與文化演進。

從「做」的經典，看到人體工學的秘密數字

第三個展區探討的是「人體工程」。此區呈現館藏之一，同時也是20世紀現代家具的經典代表—伊姆斯夫婦(Eames)於1956年發表的單人躺椅。這張躺椅不僅是MoMA、龐畢度中心等多家美術館的永久典藏，同時也讓蘋果電腦創辦人賈伯斯、微軟創辦人比爾‧蓋茲爭相擁有。半世紀以來，被譽為蘊含著沉睡魔力的工藝結晶，其價值之所以屹立不搖，其中一個原因便是人因工程學的秘密數字：「15°」。

伊姆斯夫婦當年測試了各種角度，找出最符合人體工學的關鍵數字，讓躺椅微微向後「15度角」傾斜；這完美的角度除了提供舒服的靠背，還讓胸部處於平緩、無壓的姿勢，創新的技術徹底跳脫當年傳統座椅形式。為了讓觀展者理解「伊姆斯躺椅」坐起來如此舒適的原因，策展人設計了一面動態投影牆，將乘坐的一瞬間以科學視角來呈現：例如背靠和座墊之間的角度可調整為105度至135度，乘載使用者下半身脊椎的重量，使乘坐姿勢不會過於壓迫。

伊姆斯夫婦被選為20世紀最具影響力的設計師，在二戰後物資匱乏的年代，他們透過大量地材質實驗與製作，引導出革命性的觀點，因此該經典作品也成為整個展覽的點題之作，烘托出「做」的核心思想，從此處鼓勵觀眾動手玩設計。

展覽摺頁藏有立體巧思 自己的椅子自己設計

延伸人因工程概念，第三個展區亦設置了三種高度的平台，策展人期待觀眾透過乘坐體驗，從中了解最適合自我身型的坐姿，進一步親手設計自己的座椅！而整體展場的線性規劃，其實是一種設計教育的引導，期許每位觀眾遊逛前面三個展區後，在最後一個場域，將所學到的知識加以融合、貫串，接著利用展覽摺頁的特殊設計，動手繪製出理想的座椅。

這次展覽的摺頁饒富巧思，將工程圖學慣用的「格線系統」融入其中，提供觀眾精準繪製椅子的造型與高度，再透過紙材特性進行摺疊與撕割，便能立即從平面紙張造出立體感的椅子！這精心的設計，讓大人和小孩都能盡情享受做椅子的樂趣，所有天馬行空的靈感信手拈來，每位觀眾都能成為下一位設計大師。

椅子，不只是一種工藝，而是台灣人的生活方式，台灣設計館透過椅子的設計脈絡，尋找台灣美學的基因，自2020年3月10日至7月5日於台灣設計館06展區展出「坐座做．做座展」。本展透過精心的展場設計，梳理出跨越一世紀的設計脈絡，囊括傳統經典與當代創意，並導入了人體工學理論，淬煉出最具台灣味的「坐座做」美學。展覽期間，將陸續辦理專題講座與教育工作坊，歡迎有興趣的民眾共同參與這場設計饗宴！

Info | 坐座做．做座展｜SIT DOWN PLEASE 

時間 | 2020/3/10~7/5 每週二至週日09:30 - 17:30
地點 | 台灣設計館06展區 (松山文創園區松菸口)
票價 | 150元(全票)/100元(學生票、團體票、松菸口會員票)
主辦 | 經濟部工業局
執行 | 台灣設計研究院
策展 | 東海醫院設計工作室
視覺 | 形容事物所

via / 台灣設計研究院

2025京都ACK藝術博覽會於11月14～16日登場，La Vie編輯直擊現場，從主展場國立京都國際會館，到寺廟等京都市內衛星展區，帶看本屆展出亮點與有趣的策展方式，以及藝術如何透過不同形式融入城市。

11月的日本藝術場景熱鬧的。東京藝術週（ART WEEK TOKYO）率先於11月5～9日登場，以非定點的展出形式，串聯並打開東京全城的藝術場域。緊接著京都藝術博覽會（Art Collaboration Kyoto，ACK）於11月14～16日展開，核心緊扣「合作」，兩大代表性展區：「Gallery Collaborations」規定日本藝廊須與海外藝廊組隊策展同一展位、「Kyoto Meetings」將展會呈現方式與京都文化結合，加乘藝廊與藝廊之間、京都與國際之間的交流，成為藝博會中的獨特存在。

2025年邁入第5屆的ACK，共有來自19個國家與地區的72間畫廊，其中25家為首次參展，可謂至今規模最大且國際多元性最高的一屆。講者陣容也相當豪華，包括今年在臺北市立美術館舉辦巡迴展《你的好奇旅程》的藝術家Olafur Eliasson、TeamLab創辦人猪子寿之、2025大阪世博女性館和Panasonic館建築師永山祐子等人皆親臨現場。值得注意的是，ACK自2022年獲得「保稅展覽」資格，讓國際參展單位得以免除需於銷售前課徵的10%消費稅，而今年也依舊維持此形式。

強調合作的ACK，今年首度攜手曼谷文化機構「Bangkok Kunsthalle」，推出獎助金計畫「Bangkok Collaborate Kyoto Fellowship」，最終由墨西哥藝廊「kurimanzutto」的王水（WangShui）、日本藝廊「Anomaly」的玉山拓郎獲選。兩位除了能獲得金援支持，還將前往曼谷駐村並舉辦展覽。評審團表示，評選標準是希望能尋找與Bangkok Kunsthalle和ACK理念相符的藝術家——具備實驗性、療癒，以及對文化系統的重新想像。而王水的作品結合了影像、演算程序和電影語彙，將科技與精神性以近乎儀式感的方式融合並呈現；玉山拓郎則能將經常被忽視的空間，轉化為令人意想不到的多重感官世界。

在2025年的此刻，ACK以「2050—凝視未來」（2050—Gaze Toward the Future）作為企劃主題，一方面回顧了這個世紀前1/4的歷程，也從此開始思索下一個1/4的世界樣貌。以下盤整今年展出亮點，看藝術與京都激盪出了哪些火花？

① 京都式的展場氛圍

藝博會的氛圍很大一部分由展場定調，有別於一般方正的白色間隔，ACK邀請建築師周防貴之操刀會場設計，運用原木牆拼接成一格格木製展間，各展位不規矩的位置設置，走逛其中，宛如置身於京都的迷宮巷弄間。許多展位也將作品擺放方式結合木格展間，看各藝廊怎麼和木格展間互動，也成為逛展的樂趣之一。

主展場國立京都國際會館的建築亦相當值得一看，這座於1966年開館的建築，由師從日本建築巨擘丹下健三的大谷幸夫設計，室內設計則由劍持勇操刀，可謂日本近代建築的重要作品。11月的ACK展期也正值楓葉季，在1樓展場觀展之餘，也相當推薦到2樓眺望國立京都國際會館周遭景緻，可見紅色楓葉與綠意、建築交織。

② Gallery Collaborations藝廊如何合作？

本屆「Gallery Collaborations」展區，共有29間日本畫廊與30間國際畫廊共同合作展出。其中，代理非洲藝術家的東京藝廊「space Un」，聯手奈及利雅首都阿布加藝廊「Retro Africa」，展出多位非洲藝術家作品，探討物質與身分、動態與靜止之間的關係。日本老字號畫廊「思文閣」，與在聖保羅、布魯塞爾、紐約、巴黎皆有據點的「Mendes Wood DM」合作，呈現拉丁美洲藝術家與日本戰後抽象與前衛書法的創作交流。

東京的「Taka Ishii Gallery」則攜手維也納的「Galerie Martin Janda」，呈現墨西哥藝術家Mario García Torres與斯洛伐克藝術家Roman Ondak的雙人展。其中擅長重構日常物件的Roman Ondak，其大型樓梯裝置〈Leap〉在展間相當吸睛。

東京藝廊「Mitochu Koeki Co.」和倫敦藝廊「Annely Juda Fine Art」的合作相當有趣，前者帶來4位日本女性陶藝家稲崎栄利子、波多野亜耶、服部真紀子、Aizawa Rie的作品，後者則帶來繪畫大師David Hockney於2021年以iPad創作的《20 Flowers》系列作品，呈現一場媒材迥異的展出。而David Hockney的3件作品，也各自以1,500～3,000萬日圓的高價出售。

③ Kyoto Meetings亮點藝廊聚焦

今年共有13間日本及國際藝廊參與「Kyoto Meetings」。墨西哥藝廊「kurimanzutto」帶來王水個展，展出多件以水墨與油彩在鋁板上作畫的作品，方正的畫框中，可見道道強勁而抽象的筆觸。且在預展日結束時，展位已有75%的作品售出，每件作品的成交價落在30,000～55,000美元間。

來自釜山的「Johyun Gallery」也相當值得一看，展出了李培（Lee Bae）、金澤相（Kim Taek Sang）、李光鎬（Lee Kwang-Ho）與墨西哥藝術家Bosco Sodi的作品。展間同時呈現了4位藝術家迥異的媒材特性：炭墨的焦痕、水的沉積色調、超寫實的形象、土質顏料的觸感，引人探索物質與感知的全新維度。

京都本地的「KANEGAE」則用藝術回應環境與社會問題：當鹿肉進入市場後，鹿皮與鹿骨因難以處理而被丟棄。因此KANEGAE開啟了藝術計畫，由藝術家將鹿角與鹿骨轉化為雕塑與陶藝，並從鹿皮提煉出用於繪畫的黏合劑。但他們注意到，光憑藝術無法提供實質解方，因此今年ACK，KANEGAE聯手時尚品牌「T.T」，用鹿皮製作外套與鞋子，試圖開啟新的商業可能。另外也推薦造訪KANEGAE位在大徳寺總門的藝廊，細品工藝的多重面貌。

④ 公共藝術不可錯過

會場除了各藝廊的展位，更有策展人Martin Germann、木村こころ（Kimura Kokoro）策劃的「公共計畫」（Public Program），以「共生：藝術與我們共同生活的世界」（Symbiosis: Art and Common Grounds）為題，邀請10位日本與海外藝術家，在會場內外各處展出作品。會場外可見德國－越南藝術家Phung-Tien Phan的裝置〈ersatzteile〉，將寶特瓶、燈具、收音機等日常可見的工業物件錯置組合，煙霧也不時冒出，隱喻對社會身分的真實性的質疑。

場內亦可見日本藝術家木村友紀翻玩日常物件，作品〈Des Treize〉讓透明球形機器人緩緩穿梭展間，基於數據運算的運動軌跡，會隨著機器人和環境的物理條件差異而慢慢偏離預設，呼應木村友紀長期關注的「物質與非物質存在」之間的關係。

日本藝術家遠藤利克的大型裝置〈Void–Blackening〉，將木、鐵、水泥、焦油炙燒成一顆偌大球形，延續藝術家一貫擅長轉化空間感受的紀念性雕塑脈絡，讓國立京都國際會館一角添上靜謐與神祕氣息。

⑤ 在寺廟遇見藝術

有趣的是，ACK也將展覽延伸到京都市內的寺廟、文化機構等，看藝術家們如何讓作品與空間、歷史互動，也成為到京都看展的獨特樂趣。兩足院由在紐約、洛杉磯擁有據點的藝廊「David Kordansky」，帶來日本藝術家日下翅央（Shio Kusaka）、美國藝術家Jonas Wood夫妻檔的雙人展。日下翅央的陶藝呈現了寺廟內部空間一角的景色，David Kordansky的繪畫則融入寺廟窗景，其筆觸亦呼應了日下翅央的陶藝紋理。

由「Kiang Malingue」代理的美國藝術家Carrie Yamaoka，則於曼殊院展開首次日本個展《Inside Out / Outside In》。在曼殊院這個室內禁止攝影隱密古蹟，Carrie Yamaoka的作品也靜靜隱身寺廟各處，讓旅人如解謎般探索，不斷轉換遠／近、外／內的視線欣賞作品。部分作品甚至直接暴露於自然環境中，隨著天氣、光線、時間的變化，作品將與空間、觀眾交織出不同變化，讓每一次的造訪，都是此刻僅有的體驗。

廣誠院則有倫敦藝廊「Sadie Coles HQ」舉辦的義大利藝術家Isabella Ducrot個展《Incongruous》，這也是這位1931年出生的藝術家，自1990年以來於日本的首次展覽。此次展出了《Bella Terra》與《Incongruous》2大以紙材創作的系列：前者意指「美麗之地」，透過樹木、水面、月亮3個基本元素，以自然的不斷嬗遞，隱喻生命的韻律；後者則展出於2樓，以花瓶、茶壺、桌子等家庭元素為核心。當日光從窗戶穿透紙面，作品也與窗外楓葉景致一同映入眼簾，亦巧妙回應了藝術家對自然與生命規律的叩問。

Art Collaboration Kyoto
時間：2025.11.14～16
地點：國立京都國際會館（ICC Kyoto）
＊2026年確定將於11.7～9舉辦！

_{文、攝影｜張以潔
圖片提供｜各單位}

台中勤美術館邀請台灣跨域藝術團隊 何理 WHYIXD 策展，以《Input > Unknown》為題，打造一場以「感知場域」為核心的沉浸式多感官體驗，以光影為主題，融合科技、感知與想像力，邀請觀眾穿越光影矩陣，重新看見隱藏的資訊如何於城市與日常之間流動、生成與綻放。

由日本建築大師隈研吾設計的「勤美術館 CMP INSPIRATION」於去年12月正式開幕，首展邀請日本設計師nendo團隊帶來《OUTLINES IN BETWEEN》，奠定展館「靈感能量」的創意基調；第3棒由首次登台的歐洲藝術團隊Numen/For Use，展出《Net & String Taichung》，延續對城市空間與感知的探索。今年冬季，第3棒展覽由台灣跨域藝術團隊何理 WHYIXD接手策展，回應勤美草悟長年累積的靈感脈絡，以及勤美術館「打開想像」的核心理念。

以身體與感官作為「輸入」

展覽靈感源自電腦程式語法的命令提示符「Input >」，象徵等待輸入的未知狀態。在這場展覽中，觀眾不再只是觀看者，而是以身體與感官作為「輸入」，親身參與一場關於「未知（Unknown）」的感知運算。展覽由何理 WHYIXD策展與創作，並攜手德國聲音藝術實驗室KLING KLANG KLONG、台灣視覺設計團隊HOUTH，以及藝術家莊志維，共同構築一場融合光、聲、風與數據的多感官體驗，探索數位時代的「真實感」與感官邊界。

觀者化身參與世界生成的「玩家」

在《Input > Unknown》的展覽現場，觀者是參與世界生成的「玩家」。何理 WHYIXD表示，此次展覽透過觀者的參與性互動，讓科技藝術不再只是被觀看，而是成為每個人都能親身介入的感知場域。真實不只是一種結果，而是一種持續被生成的過程。當你改變觀察的角度、重新檢視習以為常的界線，世界也會回應你以另一種樣貌。展覽共分為4個展區：啟動、運算、渲染及沙盒模式，也象徵未知世界生成的4階段。

以偏光鏡啟動未知的光影世界

展覽自1樓入口〈Hello World〉啟動，觀者能拿起本展入場通行證——現場特製「偏光鏡」，親手解碼隱藏於牆面光影之間的訊息。隨著鏡片旋轉，光的偏振方向改變，潛藏的線條與色層逐一顯現，人們彷彿化身為指令輸入者，透過手勢與視角開啟個人化的光影界面。〈Hello World〉走廊以電腦語言與互動機制設計，透過每日投票「Accept／Deny」參與展覽程式，感受思考轉化為光的瞬間。

在7公尺高「像素矩陣」行走

順著階梯走入地下一層，壯闊的〈像素力場Dynamic Field〉以流動光影迎面而來。由偏光鏡面、旋轉機構與燈光交織而成的巨大裝置，構築出可步入的7公尺高「像素矩陣」，隨著觀眾的移動與視角改變，潛藏色層與反射光譜層層顯現。靜止的結構在觀看中流動，鏡面折射出觀者與環境的互動，使「身體」成為影像生成的一部分。讓光成為媒介、感知成為動力，模糊了虛擬與真實的界線，開啟一場關於影像與自我之間的沉浸對話。

在光與聲中聆聽數據的呼吸

從視覺宇宙轉入暗黑場域，〈海境：回溯 Tender Soul of Ocean: recall〉由何理 WHYIXD攜手德國聲音實驗室KLING KLANG KLONG共創，以勤美術館戶外的氣候資料與人流數據為素材，轉譯成流動的光影與聲音。觀眾步入作品，如同進入被風與海洋訊號編織的波光之境。光線隨氣候與人群移動而閃爍，聲音在空氣中震盪，如潮汐般呼吸。觀者不再只是旁觀者，而是環境節奏的共構者。〈海境：回溯Tender Soul of Ocean: recall〉以溫柔卻深刻的方式提醒我們：氣候、聲音與人並非分離的存在，而是一場持續共鳴的動態生命場。

以眾人之手生成詩性色譜

展覽最終章〈白色彩虹Spectrum of White〉由藝術家莊志維創作，運用偏光鏡獨特的折射特性，邀請觀眾以手指觸碰、留下痕跡，親身參與作品的生成過程。隨著每位參與者的指印與動作不斷堆疊，原本純白的偏光片逐漸映現出繽紛光譜，從透明到彩色、從個體到群體，最終形成一道由人共同構築的「彩虹」。作品象徵著當代人際網絡的連結——每一個獨立行為都能匯聚成共感的意識場。這件裝置成為展覽的尾聲，也是一場凝聚的儀式：當觀眾離開，光線仍在轉動，留下的是眾人共創的光譜印記，映照著人與人之間持續流動的生命力與連結感。

勤美術館 《Input > Unknown》
展期時間｜2025.11.22（六）－2026.03.01（日），週一休館
第一階段展期 2025.11.22(六) − 2026.01.04(日) 13:00−21:00
第二階段展期 2026.01.06(二) − 2026.03.01(日) 10:00−18:00
地點｜勤美術館 CMP INSPIRATION（台中市西區館前路79號）  
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_{資料提供｜勤美術館、文字整理｜Adela Cheng}