2019 正式向我們道別，2020 以冬日暖陽之姿開啟新的步伐，或許與 2019 沒什麼不同，從早晨拉開窗簾透進房間的第一道陽光，在早餐店每天都重複吃的蛋餅，月亮逐漸爬上夜空的散步時光，而日常生活中的美確實是因為這日復一日、看似不變卻瞬息萬變的人事物所堆疊而成，讓人一輩子都看不膩。

先前介紹台灣攝影師黃柏雯的宮廟攝影作品，這次為各位介紹他使用手機，所拍宛如電影大片的日常風景照。黃柏雯所使用的手機型號為主要是以 Google Pixel 3 拍攝，少部分是用 Asus Zenfone 3 拍攝的。就讓我們一起細細品味，他攝影作品裡的生活脈絡與迷人之處吧！

河岸邊的日出時光，用風景洗滌身心靈

想想上次看陽光從雲朵後漸漸露出是什麼時候呢？有多久沒有來個健康的晨跑，聆聽鳥兒在樹梢清脆的耳語、吸收芬多精呢？找個悠閒地早晨到河濱公園沿岸跑跑步吧，享受日光灑落在身上的時刻，撥雲見日的曙光給人一種元氣滿滿的感覺，下次或許也可以試試看用手機紀錄身旁的美景。

用手機快門捕捉，台北城鎮的瞬息萬變 

台北盆地時常被烏雲籠罩，都市人的心情常常像是一塊潮濕的海綿，累積已久的濕氣和壓抑的身體需要被各種事物刺激和療癒才能得以紓解，但其實解藥就在近在眼前之處，走路或是搭捷運時不要在沉浸在網路世界，抬起頭來望向四周，說不定會有意想不到的發現，值得我們日後回味。

黃柏雯的這張攝影作品，由上往下的視角俯瞰捷運文湖線、大直美麗華，天空雖然多雲微陰，卻因一道橫跨天空的彩虹而畫龍點睛，照片氛圍給人一種電影《陽光普照》的感覺，微微陰鬱卻又帶有希望。

亮與暗的移動軌跡，讓靜止的瞬間產生流動感 

這張照片拍攝於下午時分的高鐵月台，想必攝影師現在正要啟程前往某個地方，或許是回家、或許是一段放鬆的小旅行，畫面有種日本電影的清新感，調一點淡化、降低對比度、增添一些橘色陰影，讓人彷彿置身日本的秋日場景，成為故事中的旅人即將發生一些意想不到的事情。而我最喜歡的莫過於這張光影的捕捉，陰影斜斜地安放在月台地板上，想像亮與暗之間的移動隨著時間而緩慢變動軌跡，即使照片是靜止的瞬間，卻讓人有一整串故事的流動感。

陰影溫柔的倒映在月台上，給人一種即將前往未知的期待感 

背光感受夕陽餘暉，感受務實與浪漫的共存 

第一眼看到這張照片就給我一種電影《大佛普拉斯》的感覺。只不過它不是黑白風格而是拍下了絢麗浪漫的彩霞風景，善用背光的技巧拍下充滿意境的照片，車窗外的天空像是一幅美麗多彩的油畫，橘紅色的傍晚餘光照射進車內，若隱若現描繪出車內大叔的輪廓。

大叔叼著菸、穿著吊嘎熟練地掌控著方向盤，回家的路線直接單一甚至有點無聊，但窗外的風景有時多雲有時晴， 就像人生一般，是場務實與浪漫的共存，千篇一律之中總會發現特別之處。

黃光與白光的對比，台北的夜晚兩樣情

這張照片用工地的一條柱子分隔成兩個世界，左邊是繁華熱鬧、燈火通明的台中市政路七期摩天大樓街景，無數的閃爍黃光讓夜晚依舊像白天般充滿活力，右邊則是尚未完成的施工地，警衛室的一顆白色日光燈負責撐起整個寂寥的夜晚。城市有它光鮮亮麗的一面，也有辛勞求生的一面，讓我聯想起電影《銀翼殺手 2049》cyberpunk 的氛圍場景，五光十色和殘破不堪可以並存，都市就是有這種魅力，讓人又愛又恨。

左邊為台中市政路七期大樓林立的黃光與右邊工地白光形成強烈對比，給人強烈的城市感 

看完黃柏雯如電影場景般的手機攝影，是否覺得十分不可思議？一般我們認為手機只能做到紀錄的功能，沒想到還能透過一些畫面的建構、陰影的捕捉……等等，去塑造出更強烈的故事感，讓日常的生活脈絡更加深刻入心，讓稍縱即逝的瞬間都能輕鬆拿起手機拍下、納入相簿裡珍藏。

陳綺貞在散文集《不在他方》曾說過：「日常生活的美，常是美在心甘情願的一再重複一件看似無趣卻樂此不疲的事情，在你的選擇之間，透露出你的性格和脾氣，也因為你所在城市的性格和脾氣，我們的回應也逐漸累積出這個城市的生活美學。」

新的一年隨著太陽升起和落下，一如往常地開始運作，今年別再讓生活每個值得記錄的時刻溜過了，或許你也可以試著用最方便的手機拍下屬於自己的日常，讓日子也能像電影般精采充實。

更多黃柏雯：Behance

台北徠卡之家推出台裔英國攝影藝術家Mavis CW個展《Somewhere Between Living and Dreaming》，集結24幅以紐約為背景的街頭攝影作品，藉黑白影像映現城市脈動與人性的光影交錯。

受布列松啟發投入街頭攝影

「街頭攝影充滿即興與不可預測性，每一刻都是獨特且無法重現的。黑白攝影是一種去除雜訊的語言，讓作品回歸光影與構圖的純粹本質，讓觀者更專注於影像的故事性。」Mavis說道，精準點出以街頭為背景、黑白影像為語彙創作的原因。然而，個人風格絕非短時間煉成。Mavis在倫敦帝國理工大學攻讀科學研究期間，意外開啟對攝影的熱愛，那時她專注於靜物和建築攝影，卻在接觸法國紀實攝影大師布列松著作《決定性瞬間》後，毅然投入街頭攝影。

「拍攝那一秒是充滿創造力的瞬間，你所建構和表達的是生活本身所賦予給你的，並且你必須憑直覺判斷何時按下快門。按下快門的那一瞬間，便是攝影師所創作的，就是那一瞬間！一旦錯過，它將不復存在。」——布列松（Henri Cartier-Bresson）

Mavis深受《決定性瞬間》啟發，她認為街頭攝影不僅能捕捉真實的情感與社會狀態，更具備強烈的紀實意義，同時也鍛鍊了自己對環境的的敏銳度與洞察力。「有時候，一個畫面只有在特定的光線或環境條件下才能成立。黃昏時的斜陽、霓虹燈下的剪影、街角瞬間閃過的一道光，或是突如其來的大雨，這些元素與場景中的人物與氛圍相互融合，便成為了按下快門的契機。」而每個按下快門的決定性瞬間，Mavis透過黑白畫面呈現。她認為，影像去除色彩的干擾後，觀者更能專注於其中的情感與故事，從光影中體會畫面的張力與層次。

在生活與夢想之間，有紐約

Mavis在台北徠卡之家的攝影展《Somewhere Between Living and Dreaming》，展出24幅以紐約為背景的街頭攝影作品，展名靈感來自一句話：「Somewhere between living and dreaming, there’s New York（在生活與夢想之間，有紐約）。」

紐約是Mavis除了長住的倫敦之外，最常拍攝的城市，在她眼中，「紐約是一座充滿對比的城市——現實與夢想交錯，喧囂與孤寂並存，每個街角都蘊藏著無數故事。」這座大都會多元文化交融、歷史與現代交織，且視覺豐富、生活節奏明快，像是一座流動的舞台，是無數創作者的靈感泉源，Mavis也不例外。

Mavis心中難忘的紐約街頭一幕

談及在紐約拍下最難忘的作品，Mavis選了《電話亭2019》，影像中一位在電話亭內掙扎的男子，與亭外好萊塢明星廣告看板交疊，形成現實與非現實的矛盾對比，也像庸碌生活與夢想成真的對照；然而自2022年起，電話亭正式退出紐約街頭，此景已成為歷史。

Mavis也分享了一段因徠卡相機而發生的美好邂逅。幾年前，她拿著徠卡M6在紐約街頭拍照，途中偶遇一位當地傳奇的街頭攝影師，兩人因彼此手中的相機而開啟對話，還為對方拍了張肖像；五年後，他們再度於紐約街角重逢，以初見面拍攝的肖像照為開場，再次為彼此留下了新的影像。這段奇遇，也讓《Somewhere Between Living and Dreaming》攝影展更添故事性。

不藏私分享！Mavis街拍的徠卡相機 X 鏡頭組合

Mavis與徠卡相機的緣分始於童年，她的母親擁有一台經典徠卡，紀錄了無數珍貴的家庭回憶。當她決定專注於攝影創作，母親送給她人生中的第一台徠卡相機——徠卡M6。現在，Mavis最常用的相機仍是徠卡M6和M7，搭配Summicron-M 35mm f/2 ASPH與Summilux-M 35mm f/1.4 ASPH鏡頭，這些設備讓她能在不干擾被拍攝者的情況下進行拍攝，捕捉最真實、自然的瞬間。

Mavis CW攝影展《Somewhere Between Living and Dreaming》

地點｜徠卡臺北畫廊（徠卡之家）

地址｜臺北市青田街6巷3號

展期｜即日起至2025年7月7日

開放時間｜週一至週日 11:00－19:00

日本攝影家杉本博司（Hiroshi Sugimoto）的創作圍繞時間、記憶與存在的本質，並以大畫幅相機的攝影技法來探索多元主題。現正於文心藝所展出的「杉本博司個展」，由文心藝術基金會與杉本博司工作室攜手策劃，展出《過去的存在》、《劇院與歌劇院》、《海景》、《偏光色》等4大系列影像，其中杉本博司不僅挑戰攝影作為記錄的功能，更讓影像成為探索感知與現象的途徑。

攝影是一種「儲存記憶」的系統

攝影留住了轉瞬即逝的時刻，將我們當下的視覺經驗轉化為具體的影像，杉本博司曾說：「攝影是一種儲存記憶的系統，就像是一部時光機，保存記憶，留住時間。」在他創作中，攝影不僅定格畫面，更是記錄與保存時間流動的方式，甚至成為超越時間的媒介。時間彷彿在他的影像中延續，模糊真實與虛構的界線，引發對記憶與感知的哲學思考。

模糊藝術名作輪廓，《過去的存在》思索經典之於當代的意義

2013年，杉本博司受紐約現代藝術博物館（MoMA）之邀參加一項攝影委託計畫，為中庭花園的週年紀念進行創作，在此他受賈科梅蒂《站立的女人》系列其中一尊雕塑啟發，創作出《過去的存在》系列作品。這組影像捕捉了西方藝術史中的經典雕塑與繪畫，刻意將圖像呈現模糊、失焦的狀態，原作的細節在朦朧之中，只留下輪廓與姿態。

過去熟悉的大師作品變得模糊，挑戰了觀者的視覺記憶，迫使人們去辨識、確認每一個物體，同時思索這些物體在當代的意義。藉此杉本博司拋出了關於影像記憶的提問：當作品脫離既定的聯想，我們還能憶起其最初的創作構想與本質嗎？

將電影壓縮的《劇院與歌劇院》

1976年，杉本博司在紐約一家電影院的後方架起相機，根據即將放映的電影設定曝光時間，最後將整部電影壓縮為一張靜態影像，銀幕化為一片耀眼的白光。

杉本博司曾說：「觀看一部兩小時長的電影，無非是觀看172,800幀攝影殘像。我想用相機拍攝一部電影，捕捉影像中的活力與動態，目的是為了將電影再次停格。」作品中央亮光奪目的白色銀幕成了唯一的光源，空蕩蕩的劇院散發出詭譎的氣氛，銀幕宛如刺眼的虛空，又像是閃耀的光輝，彷彿隱射電影觀賞這一集體儀式所代表的某種精神層面。

杉本博司隨後也在其他不同的電影放映與劇場場域，持續探索這樣的創作手法：在長時間曝光下，《汽車電影院》（1993） 捕捉到露天銀幕背後飛機與星辰的光跡；《歌劇院》（2014） 記錄了歐洲歷史悠久的劇院，給美國靈感仿造出電影宮殿的正是這些劇院；《廢棄劇院》（2015）則揭示美國經典電影院緩緩步入凋零的命運。

《海景》將內心海景投射於世界畫布

從1980年代至今，杉本博司持續在世界各地拍攝不同的海域，創造出海與天各半、看起來像是抽象畫的純粹畫面，《海景》系列消弭了地理環境與文化的差異，這些作品不僅描繪自然風景，更呈現一種超越時空的詩意圖像。為了拍出永恆的海景，杉本博司將大片幅相機架設於懸崖或高地，調整視角讓海與天各佔畫面的一半；構圖中不見飛鳥、船隻或遠方的海岸線等干擾元素，只聚焦於水、空氣及日月光影的交織。

《海景》如今已是杉本博司窮其一生的創作計畫，為什麼對大海如此著迷？杉本博司說：「海洋的變遷比起陸地可說是微乎其微。所以，當人類從獸類進化到智人，開始擁有自我意識時，海洋的景象或許已深深刻在人類的心靈之中。我能感知那樣的視覺經驗，也能對照自己的記憶與人類初次見到世界的美麗景象。」於是他設想：「有沒有可能，現代人能以原始人的目光觀看一處風景？」一幕幕詩意的天光海景，因此被凝鍊於雋永的黑白影像中。透過此系列，杉本博司不單用攝影描繪世界，也將內心的海景投射到世界這塊畫布之上。

藉《偏光色》提問：世界的色彩真的只有7種嗎？

受牛頓的劃時代著作《光學》（Opticks）啟發，杉本博司於2009年起展開對光的紀錄。《偏光色》是他首次探索彩色攝影的作品，延續他對時間與存在的關注，揭示色彩之間仍潛藏著人眼難以察覺的微觀層次，並引發對可見世界真實性的思考。

從牛頓棱鏡實驗中獲得靈感，杉本博司在東京的工作室裡設計了一套設備，組件包括一台老寶麗來相機、一個配有玻璃棱鏡與鏡子的裝置。用寶麗來拍攝的影像，色彩濃郁、鮮明而純粹，細究其中能發現變化無窮的微妙色調。杉本博司以此提出質疑：「我們的世界俯拾皆是繽紛的色彩，為何自然科學堅持只有7種？」提問的對象正是牛頓在《光學》中提出的論據，其推翻了當時普遍認為自然光為純白的看法，證明光實則由紅、橙、黃、綠、藍、靛、紫等7種獨立的色彩所組成；而在杉本博司眼中，「那些被忽略的細微色階，反倒讓我更真實地感受世界。」

《杉本博司 Hiroshi Sugimoto》

日期｜2025.04.12－08.31

時間｜10:30－18:30，每週二休館

地點｜文心藝所（台北市內湖區民權東路六段180巷10弄6號）