專訪／數位時代裡的匠人魂！台灣動畫團隊「Bito甲蟲創意」用影像植下情緒種子

你可能還沒聽過動態設計，就已經先認識動態設計了。舉凡電影片頭、新聞片頭，都是動態設計的傑作。動態設計卓越的視覺體驗，也大量的被使用在廣告、MV、短影片、頒獎典禮之中。甚至可以這麼說，有影像的地方就有動態設計。而動態設計的溝通真諦和其優勢，就是在短短的幾分鐘內，激起觀眾們的情緒和感受。這也讓動態設計，成為新一代的溝通利器。

▲ 劉耕名自詡為數位匠人，企圖在每一支影片裡，都能夠展現出工藝般的內涵與層次。

曾經創作出著名的2017台北世大運《Taipei in Motion》短片、以及2019台北捷運《+1》形象短片的Bito甲蟲創意，創辦人劉耕名導演當初會走入動態設計幾乎是場意外。當時人在紐約攻讀電腦藝術創作碩士的他，原本只是想應徵一份網頁設計師的工作，沒想到在實習的過程中看到動態影像的作品，他一眼就愛上了。「在2000年那個年代，那時還叫動態圖像（Motion Graphics）是非常新穎的東西，我看到的時候整個嚇到：『哇！它的視覺衝擊力竟然可以這麼強！』」

當時，還多以實景影片為核心的廣告業和電視圈，隨著動態圖像技術愈趨成熟後，被大量採用到廣告、電視片頭上面，開始了動態圖像蓬勃發展的年代。在紐約的劉導乘著這股浪潮，一路參與非常多電視台頻道包裝、片頭、廣告、和時代廣場招牌等大型電子廣告看板的製作。而動態圖像在經過幾十年的演進與累積，以及越來越多優秀設計師的加入，這個行業也迎來了更多內在的自我探索和挖掘。

動態設計的三位一體：平面設計、動畫、電影

「現在我不太說它是Motion Graphics（動態圖像）了，我覺得更精準的名稱應該是Motion Design（動態設計）。」名稱的轉變，代表著動態設計不再只關心圖像能不能動得很漂亮、很酷炫的層次，而更專注於讓圖像怎麼動，才能傳遞出情緒、特色和價值。例如走路這件事，一個人可以走得很平穩，也可以走得很蹦跳，這些不一樣的走路方式，會賦予走路者個性和情緒。

▲ 捷運總運量百億人次，Bito捨棄以往台北捷運拍攝微電影的慣常手法，改以手繪的方式逐格打造長達3分多鐘的動畫影片，將5個族群所發生的小故事，串起整支動畫，述說著你我身旁的捷運故事。

從品牌的角度來看，這種差異就呈現出不同的風格和精神。耐吉（Nike）的LOGO要怎麼動，才能夠傳達它的品牌核心價值？愛迪達（adidas）的LOGO又該怎麼動，創造出有別耐吉的風格？這個「怎麼動」就是動態設計師們的動態思維。「以前的動態設計，設計的比重很少，它純粹就是會動，還動得很激烈。什麼東西都一直長，長花、長草，長到整個畫面滿出來。」劉導說，「但現在，我花更多時間在思考我要讓它怎麼動，才能引導觀眾感受到我想要傳遞的訊息。」

此外，動態設計亦從「平面設計」、「動畫」、「電影」三大領域中，各自借鑒了重要的設計思考。從平面設計裡，動態設計師學習如何安排佈局，以及色彩和字體的搭配；在動畫領域中，研究物體的物理表現，葉子會怎麼飄？人怎麼走路？球又會怎麼彈？而在電影領域，剪接、配樂、運鏡等知識，更為動態設計開拓更深更廣的可能。至今，動態設計不再只是會動的圖像了，而是形成了一個擁有自己知識體系和內涵的設計領域，讓動態設計師們得以運用這項技藝，向觀眾說出一個個好故事。

節奏、節奏、和節奏

2017年台北世大運的宣傳影片《Taipei in Motion》，就是Bito團隊說的一個好故事。當時他們的任務是，拍出一支以台北為主題的運動短片。劉導和他的團隊花了非常多時間去觀察台北呈現出什麼樣子的形象，最後「能量」兩字浮現在他們腦中。「台北或許不是個歷史悠久的城市、也很難算得上美輪美奐的城市，但它是很有能量的城市。去傳統市場看人是怎麼擺攤叫賣的，看我們的摩托車是怎麼鑽的，你就懂了。」於是，團隊透過流動的線條，以及運動員充滿張力的運動過程，將充滿動感的能量視覺化。接著，再藉由凸顯台北屋宇巷弄、樓樑橋柱間的幾何元素，將能量線編織於城市幾何之中，讓能量從都市地景裡呼之欲出。

在這個過度繽紛的時代，經過每天大量的資訊轟炸後，人們非常容易忘記他們看過什麼，但是他們不會忘記感覺到了什麼

這些線條和幾何構築了影片的骨肉，但影片的靈魂另有其人：節奏。劉導說明，在影像滿溢的時代，人們非常容易視覺疲乏。即使是一支效果滿分的影片，觀眾可能看了3、5秒後就累了。為了要抓住觀眾每一秒的注意力，團隊仔細地調配影片的節奏，讓影片每隔幾秒鐘就是一個轉折、一個亮點。隨時都有新的刺激和韻律等在後頭，引領觀眾跟著前進。「這就好比打籃球，快速運球切入之後突然一個急停，立刻拔地跳投，對手只能愣在那邊。我就是要創造出這種感覺。忽快忽慢、有時候有停頓、有時候又充滿前進的速度感。你永遠不知道下一秒會出現什麼。」

訊息僅只一瞬　感受卻長縈心中

為此，團隊花了非常多的時間進行測試和編排影片中的每個轉折跟速度，每個環節都以「秒」為單位進行檢視，雕琢出躍動般的節奏感。即使只差一秒鐘，只要感受不對，就是重頭來過。而這麼多的測試和調整，為的是在感官刺激和韻律節奏中，不動聲色地在每位觀者的心中植下一顆情緒的種子。

▲ 近年金點設計獎主視覺皆由Bito團隊操刀製作，2019年以「23：59的饗宴」為主題，延續去年環境永續的理想，進一步關心全球正面臨的議題。

劉導認為，在這個過度繽紛的時代，影片做得再漂亮也不一定有用。經過每天大量的資訊轟炸後，人們非常容易忘記他們看過什麼，但是他們不會忘記感覺到了什麼。「我都說我們是Design Feeling。現在是情緒的年代，我覺得這越來越重要。」所以，團隊精心設計影片中的步調和刺激，一步步催化出體驗與情緒。最終讓每位看完影片的人，都不會忘記它所帶來充滿張力和熱血的感受。

拿捏　是動態設計師最重要的功課

既然動態設計達到完美的境界是在觀眾心中培養出特定的情緒，那麼在創作時如何平衡而非炫技，就是動態設計的溝通精髓。一名熟練的動態設計師，可能有成千上百種表現技法，每一項都能吸引到觀眾的目光。但或許只有幾種形式，能符合最初任務的核心精神；不適合的說故事方式或畫面效果，都有可能使原本想要傳遞的感受摻有雜質；而每分每秒的編排，則會影響敘事節奏，進而讓觀眾的感受變質。動態設計的溝通哲學，就在「做與不做、動與不動」的選擇裡。

▲ 高鐵總旅運人次在突破6億之際，找來Bito團隊為「六億搭乘 好事加乘」活動設計6個角色，可愛活潑的影像，顛覆大家對高鐵向來嚴謹的商業形象。

「以前年輕的時候，很容易什麼事情都做到最滿、最大，每分每秒都在放大絕，用100種方式剝削你的眼球。但現在，如何『適切』地溝通變得非常重要，要懂得掌握平衡。」劉導進一步解釋：「平衡是說，當所有人都在使用大絕招的時候，我們要懂得什麼時候該放、什麼時候又該收。這是在這個數位時代裡，動態設計師最重要的責任。」

喧嘩翻騰的年代　更要好好地生活

要成為一名優秀的動態設計師，技術已經是基本功了，有沒有深厚的知識益顯重要。平面設計、動畫、電影這三個領域都有大量的知識可供挖掘之外，劉導更點出設計史的重要性：去學習歷史上有哪些厲害的設計大師，他們做了什麼樣的創新、思考和典範。「我覺得新一代的設計師有個很大的斷層，他們不知道很多設計語彙。評價作品、形容效果只停留在『很帥』、『很漂亮』、『很強』，但設計語彙是很精準的。」學習這些設計詞彙，能讓我們更清楚了解一個作品的特色、層次和思考。

當所有人都在使用大絕招的時候，我們要懂得什麼時候該放、什麼時候又該收。這是在這個數位時代裡，動態設計師最重要的責任

在創作上，由於影音速食的普遍，導致大家變得速食成癮。劉導建議，一名動態設計師要有意識地拒絕這種成癮。少上Pinterest、Vimeo網站、少看別人在做什麼。創作不是只改個形式。如果真的要找點子，應該要去看建築、看純藝術。試著從很遠的領域、甚至是不相關的東西，轉化到自己的創作中。

除此之外，在眾聲喧嘩的時代，更要好好生活。「我一直認為，好的設計來自於好的生活體驗。設計師們要持續投資自己的生活體驗和品質。如果你沒有好好生活過，五星級的飯店找你做品牌形象，你能怎麼體會到五星級生活的境界和細節？做動態設計的人很容易每天都被困在螢幕面前，但是我也想要提醒他們，好好生活也是從事這個行業的必備功課之一。」

數位時代裡的匠人魂

影像卓越的感染力、以及影音工具的普及，使得每一天都有大量影片被產出，成為看過即忘的娛樂零嘴。因此，劉導自詡為數位匠人，企圖在每一支影片裡，都能夠展現出工藝般的內涵與層次。「要做一個好的動態設計師，會有很多很多的犧牲。因為別人畫一張圖，你要畫24張，而且這樣才1秒！這就是為什麼你很少看到動態設計師在網路上出聲，因為他們都還在畫圖！」劉導笑說，「但就是要有這些犧牲，才能達到你心目中那完美的1秒。這種成就感是你做了之後才會感受到的，我相信所有動態設計師都會有共鳴。」

▲ 在製作一支動態影片時，Bito團隊除了透過圖像傳達核心價值外，更仔細調配影像的節奏、掌握每一秒的轉折與吸睛的亮點。

另外，隨著時代的演進，動態設計師的挑戰也越來越不一樣。繪圖軟體的推陳出新、電腦運算能力的進步，讓動態設計的技術門檻越來越低，以前一名動態設計師需要學習特定軟體、花大量時間進行訓練，但是現在社會裡的每個人都可以從手機App做出自己的特效影片。但好的想法、感動人心的故事，是AI沒辦法告訴我們的。因此當代的動態設計師，更需要花時間去琢磨一個好的創意。在即將（已經）邁進自動化和AI時代的設計師們，該如何找到自己的定位？劉導以思索如何說出一個好故事、追求逐格完美和生活體驗、在畫面和時間軸上雕琢情緒的匠人精神，給出了他的答案。

文｜許致中　

攝影｜林辰鍵　

圖片提供｜Bito甲蟲創意

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今年9月，德國頂級廚電品牌Gaggenau即將於台北信義區開設全新旗艦展示中心，成為繼上海、北京與雪梨之後，亞太市場第四座品牌旗艦空間。在台北據點正式揭幕前，La Vie也率先走訪位於上海靜安的全球最大旗艦店「嘉邸（The Gallery）」，從這座1930年代的老洋房出發，一窺Gaggenau如何將340多年來累積的工藝底蘊，結合建築、科技與包浩斯美學，重新定義當代廚居生活。

走在上海靜安區的威海路，很難想像這條緊鄰南京西路商圈的街道，還存在著如此濃厚的老上海風景。街道兩旁是梧桐綠蔭、歷史建築，以及近年陸續進駐的咖啡館、藝廊與設計選物店，城市的節奏依舊快速，卻又多了幾分散步的餘裕。Gaggenau上海旗艦店「嘉邸」就藏身其中。這棟四層樓的老洋房前身為興建於1930年代的道里官邸，德國建築設計團隊1zu33保留原有建築結構與磚石立面，並融入上海海派文化與Art Deco語彙，讓近百年的歷史建築延續昔日風貌，也多了幾分當代設計的俐落。

推開厚重的大門，城市的喧囂彷彿被留在身後，映入眼簾的是名為「The Difference」的沉浸式品牌空間。深色石材、木頭、金屬與玻璃交織出沉穩而內斂的氛圍，耳邊傳來規律的鍛鐵敲擊聲，空間中央則擺放著來自品牌發源地——德國黑森林運來的巨大松樹樹根。材質、光影與多媒體影像在此交錯，引領訪客循著品牌340多年的發展脈絡，走進Gaggenau的工藝世界。

340年的工藝進化：Vario Expressive重新定義當代廚房

Gaggenau的歷史可以一路追溯到1683年，從一間鍛鐵工坊起家，歷經340多年發展，逐漸成今日的頂級廚房家電品牌。1956年推出全球第一款全嵌入式廚房家電，更重新改變了現代廚房的配置方式。深受包浩斯「形隨機能（Form Follows Function）」理念影響，Gaggenau始終相信，好的設計應回應使用需求，而非流於裝飾；俐落克制的線條、耐久的不鏽鋼與玻璃材質，以及對細節與手感的講究，都延續著這樣的設計思維。

二樓的展示空間，則進一步勾勒品牌對奢華廚居生活的想像。這裡搶先亮相將於下半年上市的Vario Expressive系列冰箱與酒櫃，也是台北旗艦店未來的一大亮點。全系列涵蓋冷藏冰箱、冷凍冰箱、三門法式冰箱與酒櫃，並採用模組化設計，每件設備既能獨立配置，也能依不同空間需求自由組合。

延續品牌的建築思維，Vario Expressive系列將冰箱視為廚房空間的一部分，在材質、比例與光影之間，營造一致而俐落的空間秩序。深色短絲紋不鏽鋼、礦石黑鋁金屬與玻璃交錯出細膩的材質層次，暖白色抗眩LED燈則隨著環境光線與使用情境柔和變化；即使放滿各式食材，水平一致的層架設計，也讓內外視覺維持高度整齊。

除了外觀設計，Vario Expressive系列也將智慧科技融入日常使用情境。透過內建智慧感應器與專屬App，使用者可即時查看冰箱內的食材存量，不同保鮮區則可依肉類、海鮮或乳製品等食材特性，分別設定適合的保存環境。而這次最大的亮點之一，莫過於酒櫃系列搭載的侍酒師溫控程式，可依不同酒款自動調整至適飲溫度；搭配客製化層架配置與展示燈光，讓酒櫃兼具保存與陳列功能，打造更完整的奢華品飲體驗。

兩種設計語言，一套工藝思維：Expressive與Minimalistic烤箱系列

此次參訪的另一大亮點，則是品牌近20年來首度全面改款的Expressive與Minimalistic烤箱系列。兩個系列延續Gaggenau一貫的工藝精神，卻展現截然不同的設計語言：Expressive系列以「兩框一圓」（界定櫃體邊界的外框＋環繞煙燻玻璃的內襯框）勾勒鮮明輪廓，透過手工打磨的不鏽鋼材質，以及依循黃金比例（1：1.618）打造的懸浮式控制環，讓家電宛如空間中的雕塑；Minimalistic系列則以「兩線一圓」回歸極簡，捨去框體設計，提供鉑光銀與曜岩黑兩種面板選擇，幾乎與櫥櫃立面融為一體，在低調之中襯托建築與空間本身。

兩個系列皆搭載全新懸浮式不鏽鋼控制環，將隱藏於玻璃面板後方的數位介面，與保留實體旋鈕手感的操作方式結合，在科技與工藝之間取得平衡，也再次呼應品牌對細節比例與使用體驗的講究。

把「嘉邸」體驗搬進台北：Gaggenau台北旗艦店將於9月開幕！

此次實際走訪上海嘉邸後，除了驚嘆廚房科技如今所能達到的人性化程度，更令人印象深刻的是Gaggenau對每一處細節的講究。從材質、比例到光線配置，甚至控制環旋轉時的手感，都經過反覆推敲與上百次測試；就連烤箱內部的焊接處，也被打磨得彷彿一體成型。這些看似不起眼的細節，共同成就了更直覺而舒適的操作感受，也讓工藝自然融入日常生活與空間。

繼上海、北京與雪梨之後，Gaggenau即將於今年9月在台北信義區開設亞太第四座旗艦展示中心，並同樣由1zu33規劃設計，完整導入品牌最新展示概念與全系列產品。屆時，消費者也將有機會親身體驗這些藏在材質、工藝與操作手感中的細節，感受Gaggenau如何透過340多年的工藝積累，重新詮釋當代頂級廚居生活。

林宥嘉第7張專輯《Apples of Thy Eye》在去年7月數位上線，實體的液態黑膠則於今年4月底發行。如果你也是經過了漫長的預購等待，才拿到這張如藝術品般的專輯，不妨跟著設計師聶永真、陳聖智的分享，一探埋藏在「蘋果專輯」的設計細節。

2024年，林宥嘉推出睽違8年的專輯《王》。一年後，一首首釋出的新歌，也正式為第7張專輯拉開序幕。聶永真說明，剛開始開案時，專輯的名稱已經定下來，但他們花了滿多時間去釐清歌手的想法，最後才延伸出「每個人都是造物者眼中的蘋果，都是獨一無二且值得被珍惜的存在。」

延伸閱讀：設計師陳聖智、聶永真親解林宥嘉《王》專輯設計巧思

每一首歌，都是一個角色

而新專輯的每一首歌都代表著一個角色或群體，並以不同的蘋果作為單曲封面。比如以許多光點構成的〈歌迷〉，象徵演唱會現場歌迷揮舞手機的光；以性為主題的〈新郎〉，將蘋果做成類似帶著汗水的臀部輪廓；〈怪情歌〉的靈感則來自於MV畫面中的金髮與粉紅髮色。

當時他們先提出整體的視覺基調，確定走向後，便發展出現在所看到的「蘋果」造型，後續每首單曲的視覺也都在這樣的骨骼架構下進行製作。陳聖智補充，起初得知專輯將以單曲形式陸續釋出時，他們便認為這是個很特別的企劃形式，原本唱片公司沒有打算讓每首單曲封面都不一樣，「但我們覺得如果歌手本身這麼有企圖心，讓每一首歌都能單獨被檢視，那單曲封面也能依照企劃方向延伸，使視覺與歌曲的結合可以更完整。」

讓音樂載體化為可陳列、收藏的作品

至於為什麼是液態膠？陳聖智說，初期連是否推出實體專輯都不確定，但大家經過一輪討論後，認為仍需要一個可以收藏的物件。當時曾評估CD、卡帶、USB等形式，後來林宥嘉提出，希望這張音樂的載體本身能更具特殊性，同時也能如同一件作品般、被陳列於家中。因此，他們最終選定了液態膠，並重新設計了實體封面。聶永真說，他們當初提了許多版本，其中一個提案便是專輯中最直接且最代表性的兩個符碼——眼睛與蘋果，這也是林宥嘉一眼就選中的版本。

以「眼睛」與「蘋果」創造經典的封面視覺

聶永真表示，其實像封面有一個眼睛和蘋果，它的呈現方式可以有很多種，而這次他們以極度圖像化的方式來表達，也會讓專輯更具藝術性與經典感。「另一方面，以黑膠這個尺寸而言，一個眼睛與一個蘋果並行在一起，它的視覺張力非常的強。這也是當初我們會有這一版提案的原因。」另外也能發現，除了封膜上的貼紙，封面並沒有出現任何專輯名稱，他們希望透過具有辨識度的眼睛與蘋果，讓人們能直接得知「Apples of Thy Eye」這個名稱。

細看封面，還藏了一個小巧思。陳聖智說，蘋果旁的「A」符號，不僅代表Apple，轉個方向後，看來就像是側邊的眼睛；再轉向，則化為象徵林宥嘉（Yoga Lin）的「Y」。

翻開專輯內頁，可見從11首歌延伸而來的「眼睛」符號，長成一棵隱喻宇宙的基因樹，這也象徵著各式各樣的個體，在同一個環境下生長、彼此牽引且共生的關係；與之相對應的另一頁，則是將「Apples of Thy Eye」的英文字母圖像化後，組構出屬於人類的生命樹。

跳脫傳統黑膠配置，滿載細節的裝幀

而如果有在收藏黑膠的樂迷應該不難發現，相較主流黑膠以附上大海報、單張歌詞的形式，《Apples of Thy Eye》的裝幀方式較為少見，從亮膜封套、金色騎馬釘、多頁歌詞本、燙金、網版印刷等細節，都賦予了這張實體專輯如藝術作品般的收藏價值。除此之外，陳聖智提到，有些國外歌手的液態黑膠，無法直接收進封套，因此他們特別調整了封套的版型與厚度，使液態膠在收納後，即使平放也不會翹起。

世界上的每一個人都是重要的

回到液態膠本身，陳聖智分享，除了製作這張液態膠的壓片廠外，還需送往另一個工廠加工、打造出噴濺效果，也由於最終噴濺成型的樣貌無法預測，因此，每一張液態膠都是獨一無二的，這也呼應了專輯的核心概念——「世界上的每一個人都是重要的」。他補充，液態膠內的黑灰色液體也是特別訂製而成，讓音樂載體本身與數位封面上的眼睛有所連結。

而這張蘋果專輯的核心想法，也被收進最細微的地方。歌詞本中，「你」、「我」、「他」、「人」等字樣下方，那些看似只是點綴的小點點，其實都是一顆顆被極度縮小的蘋果，一再提醒著我們，每一個人都值得被看見與珍惜。