矽膠、石膏味瀰漫的工作室，擺著人臉石膏頭像、斷掉的手臂、無數假皮，以及摺得整齊、卻血跡斑斑的活屍服裝；而角落跪地的一具焦屍，正是Netflix新劇《誰是被害者》中女星終結生命、火焰下消融的最後姿態。

「我是覺得如果要做就把它做得噁心一點。」回憶初與《誰是被害者》製作方接洽時，特效化妝指導儲榢逸（以下稱儲乃）表示，考量觀眾接受程度，起初導演並沒有要在屍體上做太複雜的設計，後來經過雙方討論，才決定放手一搏。「以往台灣影視作品在視覺效果上只講求恐怖、刺激，但現在的觀眾比較喜歡符合邏輯性的創作。」

《誰是被害者》除了工作室所看到的焦屍，特效團隊還必須製造出一具放置在浴缸內的溶屍。「沒有人看過溶屍，在Google上也完全找不到圖片，我們甚至還想過要買硫酸來試滴豬肉，看看效果怎麼樣。」為了符合邏輯，不讓觀眾有「出戲」的感覺，田野調查的漫漫長路，全仰賴鑑識專家所提供的各式素材，怪不得儲乃說：「我們跟法醫、葬儀社是長期配合的關係。」

《誰是被害者》中，飾演鑑識人員的張孝全飾，正在進行現場焦屍的採檢。

「上一輩都是用比較廉價的材質，例如血漿會用枇杷膏來呈現。」曾獲世界特效化妝大賽（IMATS）冠軍、操刀《返校》和《第九分局》等電影的特效化妝指導程薇穎表示，早年戲劇類的化妝師不大受到重視，連帶也不講究傷口細緻度，「只要有血就好。」即便曾有前輩遠至洛杉磯學習特效化妝技術，回台後也因為欠缺市場而投入美妝業。「沒有人想到特效化妝可以玩到這個地步，以前都被認為只能化傷妝、老妝。」儲乃表示，自2011年文化部推動類型片補助計畫、電影《紅衣小女孩》加入大量特效元素後，特效化妝開始受到重視，「很像踩著屍體往上爬，我們造星，造的是屍體或鬼魂。」

近幾年，許多新一輩的導演也會在劇本尚未定案前事先諮詢特效化妝師，「因為當編劇知道特效可以怎麼做時，會比較敢寫。」程薇穎說道。從《緝魔》、《返校》到《第九分局》 ，她與導演的腦力激盪，往往能把故事說得更加動聽，例如《第九分局》初版劇本只寫「眾多鬼」，程薇穎從詢問導演「你想要幾隻鬼」開始，最終成就了螢幕上新娘鬼、東西方殭屍等有趣搭配。

電腦特效席捲好萊塢

隨著歐美影視產業電腦特效技巧純熟，特效化妝比例正逐步遞減，且好萊塢的演員因合約限制無法在片場久待，因此連一個簡單的傷妝都用電腦特效取代。「好萊塢電影工業有一個非常完整的數據庫，裡面的顧問都是NASA等級的退休工程師，所以當今天導演想要一台跑車，或突然要在某個演員臉上加一道傷，都有數據可以立刻演算出來。」

自2010年的《阿凡達》之後，好萊塢電影已逐步過境至數位化的新紀元，目前僅有少數導演堅持運用人工的特效化妝技術；國外有一票專職的特效化妝演員，以改變外型為工作範疇，例如電影《水底情深》、《地獄怪客》和《羊男的迷宮》的特殊角色，其實都由同一位演員所扮演。

面對轉型命運，許多好萊塢特效化妝師開始製作工藝品，或以電玩業為職涯主場，進行電玩角色開發與設計。例如曾製作多部特效大片的雕塑專家王孫杰Steve Wang便曾為知名手遊巡迴展量身打造等身角色雕塑。整體而言，目前僅有台灣、日本、韓國、和泰國會大量使用特效化妝。儲乃認為，將「電影角色IP化」是未來特效化妝師可以發展的方向，「像紅衣小女孩就是仿照安娜貝爾的模式，她有自己獨立的智慧財產權。」如此一來，特效化妝師將能自行為角色延伸更多造型發想。

互助為首要的自學之道

溫哥華電影學院（Vancouver Film School）是程薇穎的母校，特效化妝的課程內容從好萊塢化妝歷史與代表人物、人體骨骼結構與臉型，到實作性質的彩妝教學，甚至連面具與矽膠假皮的製作，循序漸進組成完整的「好萊塢式教材」。回台灣後她發現，由於氣候、預算和製作時間都截然不同，原本該按部就班的方法，都必須另尋途徑完成。

程薇穎正在替演員上妝，製造電影《吃吃的愛》蜥蜴人的妝感。

曾在好萊塢歷練的儲乃認為，國外的教學系統的確適用好萊塢的標準化流程，然而台灣影視產業的預算因無法與歐美比擬，須具備高度應變能力，「台灣比較散打，材料的運用都要根據現場狀況予以調整，拼拼湊湊出成品。」回顧高中時曾在花莉特效化妝工作室當學徒、也加入葬儀社參與大體修復，而後進入劇組實戰，儲乃的「土法煉鋼」之路充滿挫敗，但也越挫越勇。

負責《誰是被害者》特化道具製作與現場特效化妝的形上團隊負責人徐千婷也笑稱自己為土法煉鋼者。她表示，網路資源豐富，自學並非難事，好比Youtube、Instagram等平台都有大量教學影片，甚至是私下傳訊息詢問國外的特效化妝師，對方都會很樂意分享技術，發展出亦師亦友的關係。而除了向外求援，台灣的特效化妝師們也成立Line群組互通有無；42人的群組，近來因疫情關係工作量銳減，還相約拍攝「隔空鬥毆」短片，這一秒撲克牌插入喉間、下一秒鮮血從口中流出，用苦中作樂的方式相互打氣。「有時候是隔天中午的班，凌晨還要整個打掉重來，但這就是有趣的地方，我們要有求必應。」製作期間無數個突發狀況、加上熬夜所累積的革命情感，讓徐千婷更加意識到合作的重要性，他們就像工作室附近的那家小北百貨，無論是鑿刀、一字螺絲起子等開模工具，或各種上色材料，通通都一應俱全、時時刻刻補齊需求。

廣告作品「自由女神像」中，形上團隊除了要製作頭套，也要為演員全身上妝。

大銀幕以外的「社會責任」

影視作品以外，特效化妝師還有一項神秘任務：和醫界合作。八仙塵爆過後，醫療界開始詢問特效化妝專業人員，是否願意參與救災演練，協助模擬傷口事宜。同為形上團隊負責人的賀芊瑜表示：「以往的演練都是印一張A4紙貼在身上，但對演練者來說，我就只是看到一張紙，跟實際看到傷口在身上是完全不同感覺。」根據醫院需求，形上團隊會前進各醫院，在醫護人員分辨或製作傷口時擔任協助，加強他們緊急處理的速度和應變能力；也會至家暴防治中心，協助第一線社工人員分辨不同鈍器所導致的傷口型態，同時增加民眾知識。

醫師的考場也是他們發揮專業的所在，例如儲乃曾協助規畫臺北醫學大學北區醫生的考試流程，「假設考題是要去清理一道傷口並分析病理狀況，那我們就會把傷口加重，讓它變得很難清。」有時也需要製作仿真假皮，以供考生縫合傷口用。另一方面，程薇穎也長期與眼科、義肢公司配合，協助製作各式輔具，「透過我們的技術，替患者解決配戴上的不舒服，這是我很喜歡做的。」除了運用專業，創造電影中的話題人物，特效化妝師也扛起社會責任；故事裡，現實裡，他們都在。

文｜曾智怡 

圖片提供｜形上娛樂有限公司、瀚草影視、ZFXSTUDiO

更多精彩內容請見La Vie雜誌 2020/6月號《推測未來的設計》 

「唯有投注誠實的時間，才能誕生作品。」來自濟州島的藝術家 Dahye Jeong 以馬毛為線，讓一門瀕臨失傳的朝鮮工藝重新走入當代視野。她於2022年拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位獲此殊榮的韓國藝術家，今年再獲選 M&O Rising Talents Awards，讓這項近乎失傳的地方工藝登上國際舞台。

在韓國歷史上，馬毛曾經是一門繁盛的工藝。自朝鮮時代起，它被編織為網巾、唐巾、四方冠與笠帽，陪伴著貴族男性的日常，也象徵著身分與禮制。然而隨著時代推進，這項工藝也漸漸淡出了人們的生活，只在盛產馬匹的濟州島零星存續。直到近年，1989年出生的藝術家 Dahye Jeong 重新拾起馬毛，以細膩、輕盈而堅實的創作語彙，為這門已有500多年歷史的工藝注入新的生命。

一段材料與人生的相遇

「我第一次接觸馬毛是在研究所時期。在此之前我主修雕塑，後來轉向纖維領域，也因此一直困惑於『自己究竟真正屬於哪裡？』就在那段時間，我參加了地方工藝發展計畫，並首次體驗到馬毛工藝。」

Dahye Jeong 分享，馬毛兼具雕塑的結構感與纖維的柔韌性，每一根都纖細脆弱，但當它們被一針一線交織起來時，卻能凝聚為堅固而具空間感的形體，並在光線照射下變得半透明，宛如自體發光。「過程中，我開始看見自己人生的投射——那些不確定、脆弱的時刻，隨著時間累積，也能凝聚成某種有重量的存在。」

而真正讓 Dahye Jeong 決定全心投入馬毛工藝的契機，源於2018年的一次嘗試。當時她在傳統文化產品開發研究室擔任研究員，創作了一件以馬毛為主的懸吊裝飾，試圖凸顯材質的透明與輕盈，沒想到作品獲得了出乎意料的正面回饋，也讓她意識到這條路或許不只是實驗或興趣，而可能成為自己的人生志業。「在那之前，我總是徘徊於追求藝術與維持生計之間，但因為馬毛，我開始看見一種可能性，讓我的創作與人生能由同一種材料共同支撐。」她回憶道。

以時間與耐心，連結歷史與當代

「時間與耐心是這門工藝中最重要的材料。」Dahye Jeong 分享，要完成一件馬毛工藝作品，首先要挑選品質優良的馬毛，再設計輪廓、製作木模，最後才以針線一點一點編織而成；小型作品往往需要數週，大則可能歷時數月。她解釋，編織的基礎技法雖然看似簡單，不過是將馬毛扭轉1～2次，但真正的難度在於依照作品的大小與形態，精準調整結點的間距與馬毛的粗細。「馬毛本身相當纖細脆弱，若間距過大就難以維持結構。」

Dahye Jeong 進一步說明，在反覆的編織中，手勁的控制同樣決定了作品的成敗。「右手負責引導穿著馬毛的針，左手則拉緊並固定已編織的線束；如果兩邊的力量失衡，結點就會失去一致性與強度。我花了好幾年才掌握這一點，直到現在仍可能因一時分心而導致形體偏移。」她也坦言，自己在創作初期總是努力讓每一縷馬毛在粗細與顏色上保持一致，但馬毛終究是天然材質，即使編織前看似均勻，成形後往往還是會顯現細微差異。「起初我很難接受這一點，但現在我反而將其視為材料本身獨有的特質。」在她眼裡，這些不規則的差異不再是瑕疵，而是時間與自然留下的印記。

談及作品的誕生，Dahye Jeong 表示自己並未以保存傳統的使命感作為出發點，而是將馬毛視為「生成形態的媒介」。「真正吸引我的是馬毛轉化為立體形態的過程，而我正好透過傳統工藝發現了這種魅力。」 她經常流連於博物館，從文物中汲取靈感。「其中，我特別被古代陶器所吸引，它們的造型簡單，卻帶有雙手直接塑造的痕跡。」而這些歷史的迴響，也在她手中化為新的語言。她的作品有時映照出陶器般的古老影子，有時則延伸為燈具與裝置的當代形貌，在過去與當下之間編織出一條細膩的連結。

這樣的思考，也體現在 Dahye Jeong 的代表作《A Time of Sincerity》中。2022年，她以該件作品拿下 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，作品靈感源自古代陶器的形制，並在腰身位置融入朝鮮時期四方冠的紋樣，耗時2個月才完成。「這種『以日復一日的真誠累積，築起堅實而獨立的人生』的修行，正是我創作的核心。」她補充道。

以真誠為線，編織自我與馬毛工藝的未來

回顧創作初期，Dahye Jeong 曾因現實考量製作小型飾品販售，但隨著創作逐漸深入，她才意識到自己真正追求的，是探索自我的過程，以及將思索化為作品的那一刻。如今，她將純粹創作放在首位，也樂於接受作品自然延伸至商業用途的可能性。「無論是商業還是藝術，我不再覺得需要刻意區分。真正重要的是，我是否能傾聽自己的內心，是否能合理解釋自己為何創作，以及作品是否能作為我生命時間的證據。」

展望未來，Dahye Jeong 希望馬毛工藝不僅僅被視為韓國傳統的一個分支，而能被認可為獨立的雕塑語言。她希望有朝一日能創造一個遠比自身更巨大的馬毛空間，讓觀者能走入其中， 親身感受光影與纖維交織出的沉浸氛圍，感受到「時間」正被編織在他們四周。而支撐她不斷前行的，正是一路以來的鼓勵與國際肯定。「當我獨自待在工作室裡編織馬毛時，我經常會懷疑自己是否走在正確的道路上——直到這些經驗提醒我，原來我正走在屬於自己的路上。」

Dahye Jeong

出生於濟州島，大學主修雕塑，後於韓國國立文化遺產大學取得傳統纖維工藝碩士。以馬毛為創作語言，將瀕臨失傳的朝鮮工藝轉化為當代藝術形式，作品跨越工藝與雕塑之界，展現時間、耐心與材料的張力。2022年獲 LOEWE FOUNDATION Craft Prize 首獎，成為首位得獎的韓國藝術家，並於2025年獲選 Maison&Objet Rising Talents Awards。

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜SOLUNA CRAFT}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/10月號《韓國設計特搜》

想一探芙烈達·卡羅（Frida Kahlo）的藝術養成，造訪墨西哥城除了藝術家故居「藍屋」之外，又多了新去處！2025年9月新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」改建自卡蘿家族曾持有、被暱稱為「紅屋」的宅邸，由家族成員參與策劃，探討「家庭」對芙烈達個人生活及創作生涯的影響。

20世紀藝術史的濃烈篇章

芙烈達·卡蘿（Frida Kahlo）是20世紀最具代表性的藝術家之一，她畫中鮮明的熱帶色彩與隱喻性符號，蘊藏著對自身根源——墨西哥和美洲印第安人文化——的深刻探討，乘載對政治和社會的理想，也交織著她對感情、苦痛和生命的感觸。幼時感染小兒麻痺、18歲遭逢嚴重車禍，讓芙烈達的青春有了與他人截然不同的寫照。她因病痛接受數十場手術，臥病在床時靠繪畫抒情也轉移注意力；長期獨處讓自畫像成了她主要的創作主題，她曾說：「因為『我』是我自己最了解的主題。」也因此濃眉、深邃雙眼、鮮豔唇色和稜角分明的臉龐，成了她深植人心的形象。

走進芙烈達故居「藍屋」，感受藝術家創作情境

造訪墨西哥城，芙烈達·卡蘿博物館（Museo Frida Kahlo）是旅人必訪之地。這棟「藍屋（Casa Azul）」陪伴芙烈達度過大半人生，最早她與家人同住於此，後來與藝術家迪亞哥·里維拉（Diego Rivera）墜入愛河後也在此共同生活和創作，接待墨西哥與來自世界各地的名人雅士。自1958年改為博物館揭幕後，藍屋展出兩人的畫作和藝術收藏，也留下照片、書籍、家具等生活痕跡，重現芙烈達當年生活的創作情境。

此外，藍屋也乘載了芙烈達的生命點滴：臥室那張四柱床，是她臥病在床時展開創作的起點；工作室的畫架與拐杖、藥品等，見證了她與病痛相伴的創作歷程；服飾與珠寶等個人收藏，體現了她對美的觀點與想像；廚房則保留墨西哥傳統家屋格局，濃縮昔日她與愛人共度的生活光景。

走進「紅屋」卡蘿之家，探尋家庭對芙烈達的深刻影響

那新開幕的「卡蘿之家博物館（Museo Casa Kahlo）」與藍屋有何區別？參與籌備的卡蘿家族成員接受《Wallpaper*》訪問時表示：「關於芙烈達的故事，長久以來由迪亞哥和其他家庭之外的聲音詮釋。我們想訴說的是，在她遇見迪亞哥之前，便受父親影響接觸藝術，並繼承了母親的堅毅和獨立。我們並非要『奪回』她的故事，而是想讓故事更加完整。」因此卡蘿之家著重於「家族」對芙烈達個人及創作生涯的影響，試圖挖掘她在藝術家及「受苦者」形象之外，更深層的面向。如果說藍屋是芙烈達以藝術家身份面眾的場所，那卡蘿之家則是她可以回歸自己、與家人共處，逃離紛亂並尋求慰藉的避風港。

卡蘿之家博物館所在建築本是卡蘿家族的宅邸，於1930年由芙烈達的父母購入，因其鮮豔的磚紅色外觀又被暱稱為「紅屋（Casa Roja）」，跟藍屋僅有幾個街區的距離。雖然芙烈達未長居於此，但她生前時常造訪紅屋，在地下室的隱密小房間裡作畫、寫字、聽聽音樂，那是專屬於她的私密宇宙。

卡蘿之家延續家屋格局改造，多件珍貴文物首度公開

2008年，卡蘿家族成員因故著手整理這棟家族宅邸，並在過程中發現許多珍貴物件，每個角落都是故事。像是芙烈達的父親留下的玻璃底片，他曾是建築攝影師，為墨西哥政府紀錄城市重要的地標和建築，同時也是一名畫家，啟發芙烈達透過藝術觀看世界的眼光。此外，廚房牆面還留有一幅壁畫，描繪著掛滿果實的葡萄柚樹枝，四周點綴白花、斑斕鳥群停駐，據說這是芙烈達唯一留下的壁畫作品，約在她20多歲時繪製。

這些發現，讓卡蘿家族深感將家屋轉化為博物館的使命，並在卡蘿基金會（Fundación Kahlo）主席Rick Miramontez的協助下獲得資助，展開長達近20年的籌備歷程。2025年9月，卡蘿之家博物館正式對外開放，展出許多從未曝光的文物，如芙烈達親筆寫下的家書等，另有她早期的素描作品、為迪亞哥作的肖像畫，還有傳統刺繡襯衫、古代墨西哥風格首飾、超現實主義設計大師Elsa Schiaparelli操刀的「Shocking」香水瓶等個人物品，體現她別具風格的美感。

除了展品之外，經重新設計的卡蘿之家也藏有許多巧思。美國建築師David Rockwell團隊保留了家屋令人感到親密、安定的尺度感，並從家族舊照汲取靈感，重現了建築原始的庭院。過去紅屋大門常對外敞開，隨芙烈達習畫的藝術學生也常自由出入。如今修復後的庭院致敬了卡蘿家族好客的傳統，並點綴來自墨西哥各地的工藝陶器和本地植物，長椅設計則令人聯想芙烈達常去的社區公園。

而芙烈達過去常自己待著的地下室房間，則以燭光營造靜謐氛圍，邀訪客放鬆在此細看藝術家的書信、手稿和收藏。廚房則靠氣味引領感官體驗，透過墨西哥傳統鍋煮咖啡中的肉桂香氣，帶人們重回芙烈達曾在紅屋度過的時光。

資料來源｜Museo Casa Kahlo、Museo Frida Kahlo、Rockwell Group