將文字劇本視覺化的魔術師!金獎電影美術指導黃文英的考究美學

電影美術指導,景框之外的美學觀照

電影是一門綜合的藝術,美術指導不只是畫出美美的設計圖,而是從閱讀劇本到還原故事的時空,從設計圖到落實成場景、服裝、物件,挑戰的不僅是將劇本視覺化的詮釋,更是場時間、預算、意外狀況頻繁之下,對整合及應變能力的考驗。

 

近日才剛結束於摩洛哥的拍片工作返國,黃文英閒聊時談起前一晚的夢境,竟是夢到自己忘了把某件戲服做舊。常有演員說,戲拍完了之後遲遲未能脫離角色,原來,美術指導也是。這跟累積了多少年的工作經驗無關,而是對每一部戲的投入程度有多深。「簡單來說,美術指導是把文字視覺化,重新架構故事的時間和空間。你對劇本的研究要非常透徹,因為風格最先是來自於劇本。」

 

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風格從何而來?
黃文英認為,電影最動人之處來自人的情感,會有情感是因為故事,而故事來自於生活,要還原故事裡的時空,必得深入生活。「每一個劇本都是一個世界,你要重新去研究,累積許多資料,然後消化、吸收、沈澱,自然會形成風格。」有時,風格來自於角色。以他擔任美術監督、由馬丁·史柯西斯執導的電影《沈默》(Silence)為例,「角色是17 世紀耶穌會的傳教士,他可能是葡萄牙背景,而後來到遠東,先在澳門做停留,然後要偷渡到日本去傳教。而17 世紀時的日本,是德川幕府剛剛開始統治的禁教時代。」對於角色的個性、人物歷程,所處的歷史背景、活動內容、人際關係、社會地位,甚至其宗教的精神和內涵都要了解。

 

有時,風格與選擇有關。根據劇本和研究資料,美術指導對於故事有自己的詮釋,對空間、顏色、搭景方式的選擇,會讓更進一步的細節具體成形。「我的個性會想要做不一樣的。」黃文英談到念研究所時,最常做的是莎士比亞的戲,例如:《馬克白》、《暴風雨》等已被搬演過上百次的戲,可能來自歐洲的同學選擇把馬克白放在文藝復興時期,黃文英則是把故事搬到二次世界大戰時的中國北京。「同樣的一齣戲,它的精彩會來自於你給了一個不同的時空背景。你要用自己的方式去詮釋,才能突出。還原故事的時空背景,你要去思考要給它什麼樣的視覺,盡量是獨特的。」

 

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執行與整合能力才是真正考驗

拿到劇本之後,美術指導必須先估出預算。「通常會有15 ∼ 20%的落差,因為一開始可能不知道會在哪搭景,如果是人跡罕至之處,執行時間會拉長。通常設計圖出來之後,預算會更明確,這時你會知道導演想要的細緻程度。細節是最花錢的,如果導演講究到工藝,講究到要符合歷史考據,都會影響預算及製作時間。」

 

一般而言,好的片子會給12 週的設計期。拿到劇本後,先組成美術設計團隊,判斷哪些要搭景哪些不用,了解需要製作的清單,然後深入劇本做資料研究,畫出設計圖。黃文英提到,《刺客聶隱娘》跟《沈默》比較特殊,因為兩位導演拍片的方式比較不是一般電影工業化的體系,講究細節,給的籌備時間也較長。例如《沈默》,馬丁·史柯西斯二、三十年前就想拍,做了很深入的研究,黃文英收到劇本時,伴隨著的是灌滿2TB 雲端儲存空間的各種資料。單是閱讀劇本和資料,就花了半年時間。

 

設計圖畫出來之後,才是真正的考驗,因為設計跟落實是兩回事。電影美術分的很細,執行牽涉的層面很廣,例如:攝影師會怎麼拍攝,想要什麼樣的光,會牽涉到景要怎麼搭,還有組成團隊的執行能力、監製或製片給的預算多寡、可執行的時間、搭景的地點和天候⋯⋯,更遑論開始執行時各式各樣的意外和狀況,每天搭景領班、各個美術設計組會隨時報告情況,總是會有意料之外的狀況發生,必須及時應變跟整合。

 

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「例如,原本勘查好的景,要挖地搭景時,對方說這裡不能挖,你得臨時找別的地方;或是一挖下去地下水冒出來,要怎麼處理;有時,勘好景的地需要先做地塊整合,得尋求政府協助;有時搭景的地方人跡罕至,光是要把建築材料運到那裡,就要走一兩公里,工期延長,人工也增加;或是可能這個景下個禮拜就要拍,但還沒搭完,一個工班來不及,你要調五個工班一起做⋯⋯。一個景delay 一天,可能是兩、三百人在等(拍攝),壓力很大。」

 

美術指導必須懂得控制經費跟人力,判斷哪些人能做哪些事,善用其優點。開始執行之後陸續會有很多狀況,需要美術指導折衷協調,如果遇到要追加經費,必需要向監製或製片解釋原因,「有時候他們會怪你為什麼要追加那麼多預算?為什麼跟一開始估的不一樣?他會挑戰你的專業。」

 

一路聽下來,電影美術指導其實是個勞心勞力、精神壓力超大的工作。「要做電影美術,你真的要熱愛,要不怕挑戰,不服輸,要有一點憨膽,也許你不知道你的final picture 在哪裡,有時候我拿到劇本也不知道該怎麼弄,讀完時腦中沒有畫面。但是隨著你做很多的資料研究,願意不斷走下去,在過程中想法就會慢慢成形,慢慢沈澱出來。」

 

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黃文英 人物檔案
 大學主修劇場設計,擁有劇場製作碩士學位、藝術碩士學位,曾於紐約擔任CHARLES MCCARRY DESIGNS 設計工作室服裝及舞台設計師。年輕時因為喜歡侯孝賢的電影,毛遂自薦,奠定日後合作基礎。

 

從1995年的《好男好女》開始,一路合作至今。電影的美術作品包括《沈默》、《刺客聶隱娘》(榮獲金馬獎最佳造型設計)、《好男好女》(榮獲1996 年亞大影展最佳美術指導)、《南國再見,南國》、《海上花》(榮獲亞大影展最佳美術指導、金馬獎最佳美術設計),以及《千禧曼波》監製暨美術指導。

 

最有成就感的時刻?

覺得自己眼光不錯時。通常拍一部片,你會組織自己的團隊,有時候你會看到這些同事想的比你快,或是他的想法與你同步,那時就會覺得很有成就感。不是因為我做了什麼,而是因為覺得自己眼光不錯,找到這個人。或是有時候自己的想法跟導演同步,或是看事情的眼光一致時,也會帶給我很大的快樂。

 

Text / Stephie Chiu 

Photo/ Terry Lin

圖片提供/黃文英    

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史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡

史上規模最大的David Hockney登陸巴黎路易威登藝術基金會(Fondation Louis Vuitton),匯聚近70年藝術生涯、超過400件作品,從加州時期以泳池為題的一系列作品,到近年以iPhone與iPad創作的數位繪畫,展現David Hockney對於創作與創新的執著不懈。

史上最大規模的David Hockney特展

這場展覽由David Hockney親自參與策劃展覽敘事與空間配置,並與他的伴侶兼工作夥伴Jean-Pierre Gonçalves de Lima共同構思。展覽除了聚焦其過去25年的創作,也同時回顧David Hockney早期的代表性作品,帶領觀眾走進他多元且持續進化的藝術世界。他表示:「《David Hockney 25》是我有史以來規模最大的展覽,連我現在正在創作的畫作也會展出,我想這一定會非常精彩。」

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
《David Hockney 25》展覽現場(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

持續帶來創新與驚喜的藝術旅程

自1960年代初嶄露頭角以來,David Hockney一直是英國當代藝術的重要代表。活躍藝壇至今超過六十年,他的創作生涯豐富且多產,無論媒材或技法皆持續創新,從未停下腳步。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
David Hockney(圖片來源:Fondation Louis Vuitton)

David Hockney著迷於各種風格的藝術語言,並從自身的觀察、記憶與想像中汲取靈感。《David Hockney 25》首先以1950至1970年代的重要創作揭開序幕,像是1960年代David Hockney移居美國洛杉磯,以當地明媚的陽光、泳池與自由氛圍創作出的《更大的水花》與《藝術家的肖像(泳池與兩個人像)》等作品,以及《我父親的肖像》、雙人肖像系列如《克拉克夫婦與貓》等。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Portrait of an Artist (Pool with Two Figures)(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Christopher Isherwood and Don Bachardy(圖片來源:David Hockney)

1980至1990年代,David Hockney轉而描繪自然景觀,並持續挖掘風景畫的可能性。本展將呈現該時期代表作如《更大的大峽谷》等。

展覽的重點部分,則聚焦David Hockney近25年回到英國,於約克郡、諾曼第與倫敦的創作。在這段時期,他以色彩明亮、視角大膽的自然主題畫作為主,像是描繪春日山楂叢盛開的《五月的白花灌木》,以及巨幅冬景《沃特附近較大的樹》等,都展現了他對季節與光線變化的敏銳觀察。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
May Blossom on the Roman Road(圖片來源:David Hockney)

這些畫作後來也成為David Hockney數位創作的基礎。新冠疫情期間,他以iPhone與iPad捕捉春日與重生意象的景色,透過科技筆觸描繪生活的希望,持續為人們帶來充滿驚喜的作品如《220 for 2020》系列。同時,他也持續以iPad和壓克力媒材為親友繪製肖像,並以傳統畫框裝裱數位畫作,產生時空交錯的視覺效果。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Full Bloom, 27th March 2020, No. 1(圖片來源:David Hockney)

來到展覽的尾聲,則將揭曉David Hockney自2023年7月搬至倫敦後的最新作品,其創作過程深受孟克與布萊克等人啟發,畫中結合天文、歷史、地理等元素。除此之外,David Hockney更將在此帶來他最新的自畫像,為這場規模空前的回顧之旅收尾。

史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
After Munch: Less is Known than People Think(圖片來源:David Hockney)
史上最大David Hockney展覽現身巴黎!400+作品齊聚路易威登基金會,一次看盡70年創作軌跡
Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Age Post-Photographique(圖片來源:David Hockney)

David Hockney 25

展覽日期|2025.4.9 - 2025.8.31
展覽地點|Fondation Louis Vuitton

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TAO ART推藝術家Ana Karkar台灣首展!《Pipe Dream》以流動女體挑戰對情色和親密的既定想像
(圖片提供:TAO ART)
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(圖片提供:TAO ART)

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(圖片提供:TAO ART)

在卡卡的藝術宇宙裡,身體是承載慾望、私密記憶與心靈轉化的容器,神聖又脆弱,蘊含著人類存在的神秘想像。她透過畫作揭開一場深層的心靈召喚,引領觀者在幻象與現實之間,重新凝視身體與存在的關係,想像蛻變的可能。

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《Pipe Dream》探索女性形態與意識的流動

此次個展《Pipe Dream》展出的最新作品,持續探索女性形態與意識的流動性。如〈Emergence畫中濃綠與青藍色調,喚起水與生命誕生的意象,與火的元素形成對比,象徵重生與轉化的力量。畫中的赤裸女體形象,神秘而無法被定義;她內心彷彿燃燒著渴望,只為蛻變成那最真實、最自由的自己。

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另一邊,〈Scales畫中女人的臉龐被飄逸頭髮所環繞,形態如火焰、煙霧或盤旋的蛇,白與紫的色彩對比空靈而神秘,營造近乎神話般的場景。

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藝術風格受維也納分離派、實驗電影啟發

卡卡的創作深受維也納分離派的影響,也受到地下電影與實驗電影的啟發。她筆下的裸體畫作中,糾纏扭曲的身體構成一場如死亡之舞般的景象,強烈筆觸令人聯想到埃貢·席勒(Egon Schiele);激情而自由的氛圍、裝飾性與感官性兼具的視覺語彙,則呼應了克林姆(Gustav Klimt)的《吻》。畫中的敘事風格靈感來自多位導演,從寺山修司、布萊恩·狄帕瑪(Brian De Palma)到達利歐·阿基多(Dario Argento),以及眾多當代攝影師與她私人收藏的情慾圖像。

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(圖片提供:TAO ART)

不論是技術上的探索還是角色的奔放張狂,都讓卡卡的繪畫像是一種「解放性的表達行動」,延續了舊金山迷幻藝術對維也納分離派的再詮釋。這樣鮮明的個人風格,根植於卡卡的生活背景,她出生並成長於舊金山,從舊金山藝術學院、巴黎索邦大學、巴黎國立高等美術學院畢業後,曾進入Louis Vuitton總部工作,於影像製作和數位媒體部門任職7年,現定居於巴黎。舊金山與巴黎的人文風貌、科班出身及工作經歷,皆深深影響她的創作。

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在畫中創造「心裡空間」

瑪戈畫廊共同創辦人Vanessa Guo認為,「卡卡畫的不是單純的身體,而是一種不斷變化的狀態——她的每一幅畫都像是一場關於慾望、轉變,還有被看見時那種既興奮又不安的夢。她用一種流動的女性視角,創造了一個心理空間,在那裡,身體不再是固定的,而是不斷變化、彼此交織,充滿了慾望、神話和記憶的張力。」

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(圖片提供:TAO ART)

Ana Karkar台灣首展《Pipe Dream

展期|2025.05.0707.12

開放時間|週二至週六 11:0019:00

地點|TAO ART(台北市內湖區洲子街79-18樓)