製作專屬自己的浮世繪！日本《The UKIYO-E 2020》集結三大浮世繪美術館455幅作品

你也能當浮世繪大師！長久以來浮世繪常用於商業、藝術品以及生活用品設計，鮮明畫風繪出了日本江戶時期的日常風景，道盡人生百態，因此不僅是重要的藝術遺產，更是珍貴的歷史紀錄。今年日本東京都美術館為了讓民眾參與創作浮世繪的樂趣，在舉辦浮世繪收藏大展《The UKIYO-E 2020 ― 日本三大浮世絵コレクション 》同時，也推出線上互動遊戲「浮世繪產生器」（浮世絵ジェネレーターUKIYO-Enerator），讓你我只要動動手指發揮創意，就能成為當代浮世繪大師！

世界最高水準的浮世繪特展

為期兩個月展期的《The UKIYO-E 2020 ― 日本三大浮世絵コレクション》 ，展覽集結了日本三大浮世繪蒐藏機構—太田記念美術館、日本浮世繪博物館、平木浮世繪財團旗下約450件藏品，其中包含了3件日本重要文化財、115件重要美術品，作品出自浮世繪始祖菱川師宣、喜多川哥麿、東洲齋写楽、葛飾北斎、歌川豊国、歌川広重、歌川国芳等60位知名繪師，歷史橫亙17至19世紀之久，也讓本次展覽被譽為是世界最高水準的浮世繪特展。

從初期浮世繪、錦繪的誕生、美人畫、 浮世繪多樣畫表現到自然界描繪等主題著手，看一次展覽就儼如閱覽完整浮世繪史。起源於延寶年間（1673~81）的浮世繪，早期多是以美人為中心的風俗畫與風景畫，並逐漸開始擁有墨色、丹繪、紅繪、紅摺繪等色彩表現技法； 像是繪師石川豊信以紅繪技法的經典作品《花下美人》便是融合了上述技法的漆繪來創作。

（左起）石川豊信《花下美人》、鈴木春信 《風流うたひ八景 紅葉狩夕照》

隨後進入18世紀，浮世繪主題開始變得多元，蔚為風潮的錦繪（彩色印刷的木版畫）也在此時期誕生。人物繪畫風格也發生變化，由原本虛幻人偶風格轉趨寫實。緊接著的美人畫改良風潮吹起，鳥居派代表鳥居清長與當時專畫楚楚可憐少女風格的鈴木春信不同，他吸取北尾重政的特色，將美女改為修長玉立、寫實健康的女性形象，具備開朗華美神韻。同時期的喜多川歌麿也以纖細高雅的筆觸繪製了許多以面部為主的美人畫。

鳥居清長《六郷渡船》

歌川豐國所繪的《役者舞台之姿繪》歌舞伎全身圖系列也在此時期受到矚目，他與弟子更一躍形成浮世繪最大畫派「歌川派」。而後，葛飾北齋 (葛飾北斎) 《冨嶽三十六景》系列、歌川廣重《東海道五拾三次》等大作則確立了浮世繪中「名所繪」風景畫風格，更進而對近代西洋藝術史造成直接影響，引起Japonisme旋風。而本次展覽另一看點則是將同時展出三大浮世繪系列逸品，包括鈴木春重《雪月花》、東洲斎写楽《曽我五郎と御所五郎丸》以及歌川国芳《蛸の入道五拾三次》。 

葛飾北斎《冨嶽三十六景 神奈川沖浪裏》

由於機會難得，預計將會吸引不少人潮前往。為了控制人流，確保觀賞品質，主辦單位謝絕現場購票，如欲參觀一律採取網路購票。票價為800日圓至1,600日圓不等，詳情可至官網查詢。

用浮世繪產生器打造自己的浮世繪畫作

當然，浮世繪創作世界博大精深，為了讓一般人快速了解浮世繪魅力，展覽主辦也開發「浮世繪產生器」，只要動動小巧思，就能在短時間創建一幅專屬自己的浮世繪巨作！

進入浮世繪產生器頁面，便能看到主辦單位將多張知名浮世繪拆解成背景、人、動物、鬼怪、其他、文字等元素，讓大家可以隨心所欲選擇元素的組成和擺放位置。產生器還支援了元素放大、複製、鏡射、多種字體與自選顏色等功能，對於設計與編排版面而言相當自由。完成帶有自我風格的獨特浮世繪後，也能夠下載兩種尺寸的圖片，並分享到Twitter和Facebook，邀請更多朋友一起同樂。製作浮世繪點此進

The UKIYO-E 2020

展期：2020.07.23（四）～2020.09.22（二）

地點：東京都美術館（東京都台東區上野公園8-36，上野動物園旁）

開館時間：開館日09：30～17：30

https://ukiyoe2020.exhn.jp/

文／Mei Chi

編輯／Ian Liu

資料來源／ukiyoe2020

2026北美館X-site計畫由「做白工作室」作品《鏡・亭・山：相看兩不厭》獲得首獎，即日起至7月26日展出。本作結合鏡面、涼亭、山形3大元素，以「掀起地表」為核心意象，利用鋼板和懸索結構，在北美館廣場創造出一片完全穿透、不靠柱和牆支撐的自由場域，邀訪客在此停留、感知和參與，讓藝術之旅在入館前就啟程。

把「經過」轉化成一種參與行動

「廣場」如城市裡的留白，為人們提供歇息之處，也在訪客抵達目的地之前，有片過渡地帶得以轉換情緒——但除了「經過」，我們還可以從廣場中獲得什麼樣的感知體驗？臺北市立美術館（北美館）邁入第13屆的「X-site計畫」，正是從這道提問出發，以館前廣場為基地，每年透過公開徵件，邀不同創意團隊透過建築、藝術、設計等方式介入，為人們開啟體驗北美館廣場的新路徑。

在北美館廣場掀起一座鏡面小山

2026 X-site計畫首獎得主——做白工作室，是以「創造有意義的空白」為核心概念的跨領域設計團隊，這次他們透過對基地脈絡的細膩閱讀與材料語彙的深入研究，將《鏡・亭・山》視為一種介入環境、重構人與廣場關係的行動實踐。

做白工作室以鋼板和懸索結構為主要材料，在廣場創造一片不靠樑柱和牆支撐的穿透場域，且作品未錨定於既有地坪，巧妙形成地表被「掀起」的視覺效果。像這樣透明而公開的結構，不僅讓訪客得以一覽作品結構組件之間的相互關係，也為人們在廣場上的停留時光注入更多遊逛、探索的趣味。

「鏡・亭・山」各有何涵義？

《鏡・亭・山》具有3種不同層面的解讀意涵，各個層面都讓「經過」成為一種參與：「鏡」反射空間下的動態互動，更在特定角度中映照出周遭自然、北美館建築等環境現況；「亭」意指傳統上遮蔽或供人停留的空間，也代表「從地表拉起的結構」所形成的新空間；「山」則可連結至雙向掀起的屋頂與地板共同構成的休憩空間，訪客可在此歇息，也能自由穿梭其中。

聲音裝置、蛇紋磚片藏彩蛋

本作更有由環境發想延伸的「可觸碰發聲互動裝置」與「蛇紋磚板片」。團隊將抵抗風浮力的鋼纜，進一步結合為互動裝置，其猶如樂器中被繃緊的琴弦，當「弦」被觸碰時，便會發出自基地蒐集而來的日常聲響，包含展間中的低聲交談、觀者行走於建築內的腳步聲，揭露潛藏在美術館之中、平時不易被察覺的細微聲音。

而對於蛇紋磚板片，團隊表示：「塞尚晚年反覆描繪聖維克多山，不只是繪畫練習，更是一種追索真理的實踐。此次作品屋頂上的蛇紋磚板片，便是以此為靈感，並將自第1屆X-site舉辦以來的廣場衛星空拍圖作為像素，重新組構成蛇紋石地磚圖案。」北美館廣場的蛇紋石地磚，不僅是場域的重要視覺特徵，也承載著觀眾造訪美術館的共同記憶。

《鏡・亭・山》展出期間，亦規劃團隊座談及多項公眾活動，涵蓋現場演出、參與行動、聲音、文學與工作坊等，邀請觀眾在人與環境、內與外之間，與環境共同感受那片「有意義的空白」。

2026 X-site《鏡・亭・山：相看兩不厭》

展期｜2026.05.16－07.26

地點｜臺北市立美術館 戶外廣場

呼應夏日的燠熱暑氣，綠美圖之臺中市立美術館（中美館）推出《熱暑人》特展，展期自5月中旬延伸至8月底，在台灣烈日炎炎的時節，以「熱／暑的文化和當代藝術」為主軸，匯聚來自16國的33組藝術家，透過繪畫、雕塑、錄像、聲音裝置等媒介，展演熱帶氣候如何影響人們的生活和身體感受。

3國聯合呈獻「熱文化」的多元面向

《熱暑人》是中美館開館以來首次串聯國際館舍的展覽，由台灣、菲律賓、巴拿馬3國機構聯手呈獻。展覽以台中作為首站，後巡迴至菲律賓、巴拿馬，並結合國際駐村計畫，邀國外藝術家來台駐地創作，勾勒出台中與其他熱帶地域的關聯，邀觀者以藝術為窗口，發掘熱帶國家與「熱文化」的多元面向。

展覽內容涵納熱帶醫學史、民俗療法、氣候地理、跨域文化等面向，回應「熱」如何在日常身體感受與殖民歷史脈絡中被理解與建構，並在不同文化與生態環境中，衍生出多樣的生命經驗與藝術表達。回應策展命題，參展藝術家透過田野調查與跨地域研究，以氣候、身體、記憶與自然為關鍵線索，描繪台灣與熱帶國家之間彼此呼應的生活圖譜。

《熱暑人》亮點作品搶先看！

▌台灣在地的熱暑記憶

《熱暑人》回扣台灣在地文化記憶，展出中美館典藏的王守英油畫〈夏日時光〉、廖瑞芬膠彩作品〈夏晨〉，透過畫作對光線、空氣與時間的細膩描繪，再現台灣夏日的日常景象與身體感受。這2件作品不僅呈現燠熱氣候下的生活樣態，也讓「熱」成為一種帶有情感溫度的記憶媒介，令觀者憶起與暑氣共度的生活片段。

▌在暑氣之中，聽見社會的節奏

在國際藝壇享有高知名度的巴拿馬藝術家Donna Conlon與Jonathan Harker，這次帶來〈熱帶鋅鳴曲〉及〈飲酒歌〉2件錄像作品，取材自巴拿馬日常物件與街頭聲響，透過節奏編排與幽默的視覺轉化，將日常轉化為對國族認同、身份與集體經驗的隱喻，呈現「熱」如何滲透於生活細節之中，並成為築起社會結構的線索。

▌用藝術表達「與熱共處」的生活知識

藝術家也從身處熱帶與亞熱帶地區的生活經驗出發，展現「與熱共處」如何成為一種順應自然、且深植於文化之中的實踐與知識系統。

巴拿馬藝術家Andrea Santos的〈太陽雨〉系列作品，透過錄像、繪畫與雕塑方式呈現，轉化加勒比海與拉丁美洲流傳的諺語：「太陽雨，是老太婆談戀愛！」在陽光與雨水同時存在的矛盾情境中，構築魔幻的視覺語言，並延伸出對身份認同、情感投射與土地關係的想像。

菲律賓藝術家Costantino Zicarelli經常結合史實與虛構，反思神話、身分與文化記憶的建構。這次展出的油畫作品，將菲律賓熱帶叢林的自然紋理，與影像製作中的「綠幕」機制並置，呈現方式呼應在地電影工業的綠幕概念。

▌氣候變遷，熱成了全球共同面對的現實

當氣候暖化帶來的衝擊逐一影響全球時，「熱」也從個體身體的感知，轉變為當代社會共同面對的環境現實。南方國家長期發展的避暑與解熱方式，不僅回應環境條件，也蘊含面對環境壓力時的生命韌性。

台灣藝術家蔡宗祐以獨特的當代水墨風格呈現〈拔罐圖〉、〈刮痧圖〉及〈針灸圖〉，表現應對中暑的民俗療法，描繪令台灣人會心一笑的「背部圖騰」，使身體成為文化書寫的載體。

設置於綠美圖大廳的作品〈It’s too late to give up〉出自克羅埃西亞藝術家Neli Ružić，她為台灣特別設計中文版燈光文字作品〈來不及放棄〉，其作品名原文被翻譯成多種語言，透過光讓一句文字在公共空間中形成可被理解的訊號，既指涉當代社會的壓力與臨界狀態，也隱含保有力量、繼續前行的希望。

▌熱竟也影響殖民歷史、地緣政治？

展覽也進一步觸及「熱」與殖民歷史及地緣政治之間的關係。台灣、菲律賓與巴拿馬都曾經歷殖民統治，殖民政權所引發的政治衝突，以及以利益為導向發展的「熱帶醫學」，在當前全球地緣局勢變動之際，透過歷史文獻與當代影像的並置，提供觀眾重新理解歷史並反思當代議題的契機。

策展團隊特別與國家攝影文化中心、台大醫院合作，展出醫療防疫史上珍貴的儀器與影像，揭示「熱帶醫學」在公共衛生發展與殖民治理之間的雙重角色。

以紀實攝影關注社會的台灣藝術家張乾琦，隻身前往坦尚尼亞，於混亂危險的現場拍攝錄像作品〈邦戈熱〉，記錄當地毒品氾濫及傳染病問題，呈現「熱」在社會失序與生存壓力的意涵。

邱子晏的錄像作品〈高砂深山鍬形蟲〉，回望日本殖民時期的科學研究與知識建構，揭示其中隱含的權力關係與意識形態，映照台灣在歷史轉換中，身份拉扯的矛盾。

葉忠宜以「熱扭曲影像」為主軸設計主視覺

展覽主視覺由設計師葉忠宜操刀，畫面呈現熱擾流造成的熱扭曲影像，像是滾水蒸氣、炎夏模糊街景、海市蜃樓……各種日常熱感的物理表徵。視覺概念直觀地以紅色熱浪為主題，搭配冷藍底色形成強烈冷暖對比，讓扭曲光影更具層次和深度，引導觀者藉此感受熱暑的體感晃動。

從台中出發，連結世界的藝術行動

《熱暑人》不僅是一檔展覽，更是一項跨國藝術行動。本展推動2組國際駐村計畫，邀請國外藝術家深入台中在地進行創作：菲律賓藝術家Corinne de San Jose與東海大學合作，從城市環境聲音出發，建構與地方節奏相關的聲音作品；瓜地馬拉藝術家Edgar Calel則與台中在地鯉魚藝廊合作，呈現瑪雅文化與傳統儀式，使文化記憶在跨地域的交流中重新被感知與理解。

《熱暑人》

展期｜2026.05.13－08.30

地點｜綠美圖 臺中市立美術館

門票資訊｜全票100元／臺中市民、兒童及樂齡族群享優惠票50元