旗津的海邊除了沙灘，今年秋天增加了藝術妝點，恰逢打狗城自西元1920年更名為高雄屆滿100周年，高雄市府觀光局邀請藝術家以相約及海洋為元素發想，並以「1920公尺的約定」作為策展主題，創作出7件作品，12日在旗津豐收廣場至星空隧道的「旗津藝術道」登場！

策展主題中所提及的「1920公尺」，是取旗津貝殼館旁「黃金海韻-海珍珠」大型戶外公共藝術至「星空隧道」間的距離。在這段海岸線中，藝術家將以公共藝術作品串連出了旗津藝術廊帶，本次藝術設置包括日本藝術家阿部乳坊以「守護」作為約定，結合旗津當地故事，創作出暖心的「海岸的守護者」木雕作品；高雄在地藝術團隊有用主張，則為孩童設計富有童趣，可看、可玩的「津鯨有約」，共同打造旗津藝術道，讓遊客與本地鄉親感受藝術結合海洋的魅力。

觀光局局長周玲妏表示，觀光局在今年已完成旗津海水浴場觀夕平台，設置豪華露營區，並重新開放水域遊憩範圍，帶動當地觀光產業。旗津藝術道第一期在老街底的豐收廣場，完成「風收、豐收」公共藝術作品，以此作為起點開啟藝術廊道設置的構想，加上1920公尺的約定策展計畫共計7件作品已完成設置。明年將持續往星空隧道作延伸，並與旗后商圈發展協會合作加入在地藝術創作，另外今年底經重新詮釋旗津傳統文化特色的觀光人力三輪車，也將搭配景區進行形象提升，藝術將蔓延整個旗津海岸。

旗津（后）是高雄的發源地，更是高雄港的發祥地，這次透過旗津藝術道的建置，周局長歡迎大家相約來旗津，見證打狗更名高雄歷久彌新的百年風華，並期待市民帶著歷史記憶，陪同高雄邁向下一個百年。

有用主張 津鯨有約

作品「津鯨有約」轉化鯨魚的型態，以簡明的結構線條勾勒出噴泉的意象，創造出充滿自然與活力的氣息；位於旗津海邊的基地環境讓人聯想到海洋，呼應鯨魚在大海中自由、勇往直前的模樣，讓人產生遨遊四海的嚮往。噴泉由兩組搖椅構成，前後角度分別傾斜30度時，線條交錯成心型。透過藝術裝置賦予環境無限的想像、帶來嶄新的氛圍。

林建志   海濱旗緣  

藝術家賦予作品一個奇幻的故事，大航海時代傳說的海洋之心，是人們的結識之物，看到它的人們相知相惜，永遠幸福，可是卻被海洋大盜魷魚哥偷走，於是海馬騎兵帶著弓箭，一路追趕到了旗津，作品結合座椅設計，讓民眾坐在作品旁拍照。希望大家一同協助海馬騎兵，守護海洋之心。

任大賢 相約小鹿

梅花鹿，台灣特有物種，以前被視為神物的鹿，象徵吉祥幸福與長壽。傳遞幸福溫馨的氛圍。盼生活在都市叢林中的大家，能夠停下腳步、重拾童心，思考人與自然間密不可分的關係，並喚起大家對生態保育及環境永續之重視。

伊祐・噶照  心的觸角

來自港口部落的阿美族藝術家伊祐・噶照，近年的創作手法以碎形的木條重複連接、堆疊的形式勾勒出流動姿態，呈現濱海生活中與海浪強烈關聯的線性語彙。心的觸角是一個外型像是章魚的木造裝置，開口框出一個海景或空景，讓人可以放鬆看海，靜下心來與自己對話，找回那個最初的自己，也表達藝術家對於環境議題的深刻體認。

阿部乳坊  海岸的守護者

走在旗津海岸，豎立一旁的義勇救人紀念碑，述說1993年五位學生手拉手捨己救人的義行。本作品象徵救人的勇氣，同時提醒注意海域危險；並向每位在海岸的救生員致敬。感謝他們守護著大家，讓我們能在此舒服的散步，與親朋好友一起相約在此遊憩，度過寧靜的時光。

蔡坤霖  津奇號

心內話如潛艇般佇內心波濤，透過津奇號幫恁講出來，找找彼方的聲音在哪裏。藝術家以「聲音」作為重要元素，打造潛水艇造型「津奇號」，作品上的水管都是傳聲筒。遊客可以傾聽水管傳來的聲音，兩人互動許下約定，用心感受周遭環境。

資料提供｜高雄觀光局

沐浴玻璃穹頂透進的日光當中，被壯麗的歷史壁畫環繞，眼觀水景、耳聽陶瓷撞擊的清脆聲響，自顧自墜入白日夢——這樣的夢幻體驗，現正於「巴黎證券交易所（Bourse de Commerce）」發生。法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot在這座私人美術館帶來大型裝置作品《clinamen》，將長期試驗的創作媒材「聲音」交織水景，邀觀者慢下腳步細細聆聽並感受場域，投入一場冥想。

壯麗穹頂下的藝術實驗場

自18世紀以來，巴黎證券交易所建築曾作為穀物貿易、期貨交易的據點，現則是「皮諾私人美術館（Pinault Collection）」的所在地。2017年，建築迎來由貿易場所轉生為藝文場館的大規模改造，日本建築大師安藤忠雄將其標誌性的清水模，與建築本身的富麗巴洛克式風格結合，揉古典和現代美學於一地。而館內的穹頂大廳，自開幕以來即是藝術家的實驗場，過去韓國藝術家金守子（Kim Soo-ja）曾在地面鋪上巨型鏡面，邀訪客漫步鏡上，以嶄新視角觀看建築。

水鏡映照天空，瓷碗碰撞成流動樂章

這次在皮諾私人美術館總監Emma Lavigne親自策劃下，法國藝術家Céleste Boursier-Mougenot帶來沈浸式裝置《clinamen》，這件作品延續他慣常的創作語彙，遊走在聲響、雕塑及表演的交界。在大廳正中央，藝術家設置了一座直徑達18公尺的巨大水池，藉這面「水鏡」映照穹頂外的巴黎藍天。水面上散落大大小小的瓷碗，它們隨水波緩緩漂移，當偶遇相撞時，便會發生清脆聲響，此起彼落的碰撞聲譜出流動樂章。

聲音自有生命

對Céleste Boursier-Mougenot來說，聲音是一種「有生命的材料」。音樂創作者將聲響「編排」成音樂，可他卻長期試驗將聲響「脫離人為控制」，讓其跳脫傳統音樂的框架，轉化為一套能自我調節、具有生命的有機系統，不需人為干預，自隨時間不斷變化。而巴黎證券交易所版本的《clinamen》，可說是這場藝術實驗的集大成之作。

至今規模最大的《clinamen》

過去《clinamen》曾於墨爾本維多利亞國立美術館（National Gallery of Victoria）、龐畢度中心梅斯分館（Centre Pompidou-Metz）展出，來到巴黎後，作品以空前的巨大規模呈現，其水池面積達到過去最大尺度的兩倍。龐大尺度並非盲目的追求，而是藝術家對巴黎證券交易所建築的回應。Céleste Boursier-Mougenot表示，每一座展場都像一個「模具」，他將自身裝置技術與美學灌注其中，孵化出每個場域專屬的限地版本。

慢下腳步，感受「不確定」的詩意

《clinamen》一名源自伊比鳩魯學派（Epicureanism）的哲學思想，其主張原子會產生隨機、不可預測的偏移運動。Céleste Boursier-Mougenot認為《clinamen》的運作邏輯巧妙對應此學說，它不僅關注水、瓷碗及聲響本身的「運動」，也探索著事件發生、物件排列（即水波推動瓷碗導致碰撞出聲）的千萬種可能。在無數可能中，觀眾無法預測將遇見哪一種，也難以預想瓷碗碰撞的音色，這種「不確定」成就的詩意正是體驗的核心。

也正因《clinamen》難以預測，觀眾僅能駐足、等待那份僅存於當下的體驗。在資訊爆炸、節奏極快的世界，Céleste Boursier-Mougenot邀人們慢下來，在靜止與流動、沈默與聲響、秩序與混沌，及水色和天光交織之間，暫時成為作品的一部分，悉心傾聽、墜入一回冥想或一場白日夢，暫離喧鬧世界。

資料來源｜Bourse de Commerce

臺北表演藝術中心串連藍盒子、大劇院的「超級大劇場」首度開放！首場演出迎來波蘭導演盧卡斯・塔沃柯夫斯基（Łukasz Twarkowski）作品《共和國》（Respublika），結合劇場、派對、社群實驗與空間遊牧，透過一場長達6小時的狂歡派對，質疑週休二日、朝九晚五等當代社會視為理所當然的生活模式，並邀觀眾打破場體制設限，沈浸體驗銳舞（Rave）文化，從中思索參與、工作、自由的可能。

真正的自由，存在狂歡的當下

《共和國》是一場橫跨建築、電子音樂、共食活動與自由行動的沉浸式社群實驗。作品場域內設有移動房屋、大廚房、桑拿房、太空艙樣貌的空間及大小舞台，邀觀眾穿梭其中自由參與、探索，不再只是觀眾席上的旁觀者。塔沃柯夫斯基表示：「我感到真正的自由，是在狂歡的當下。」這句話不僅是本作的精神核心，也傳達他對劇場形式與社群力量的重構與實驗。

復刻18世紀末短暫存在的「烏托邦」

「我想做一個實驗：如果一群人忘記工作一整年的話，會發生什麼事？」塔沃柯夫斯基這道提問，開啟了《共和國》的創作概念。作品部份創作靈感來自歷史上真實存在的「保拉瓦共和國（The Pavlov Republic）」，其誕生於18世紀末，由波蘭神父與800名農民共同創建，他們曾短暫實現自治社群的理想，擁有自己的軍隊、貨幣、學校與劇院。

儘管保拉瓦共和國未能久留，但仍為塔沃柯夫斯基與他的創作團隊提供了對理想社會、工作制度與共處模式的豐富想像。在當代社會面臨民主崩解、資本制度失衡與氣候危機的背景下，《共和國》藉此這段歷史重新思考工作與生活的界線，質疑週休二日、朝九晚五是否仍為人類最佳的生存模式。

從森林到劇場，從社會實驗到藝術實踐

2019年，塔沃柯夫斯基與演員、作曲家、DJ、服裝設計師等來自各領域的15位藝術家，一同走入立陶宛森林，在房車與移動住宅共居、一同創作，模糊了生活、工作、排練的邊界，同時設計一套社會實驗的脈絡引導成員，如每日舉辦電子音樂派對，讓「銳舞」成為新的信仰，且在實驗的終點開啟最初的提問——工作與收入對當代社會的意義是什麼？當許多人害怕沒有生產力的同時，這個在森林裡成長的「共和國」成了一種宣告：「我應得的，我需要它，剩下的都不重要。」

將森林裡的社會實驗復刻為宏大的沉浸式展演，《共和國》由3個部份組成：一開始觀眾可以在空間中遊覽、觀看，迷失在街道之中；一小時過去，表演揭幕，整場演出將不斷拆除牆壁並播放現場的影像，觀眾像是置身電影片場，能同時看到螢幕和現場正發生的事，織就多層次敘事；當牆壁逐漸被拆除，第三部份便剩下純粹的狂歡，演員和DJ將以舞蹈、音樂邀觀眾一起投入派對。

不只是配樂，Techno是反抗與療癒的象徵

電子舞曲Techno在《共和國》的演出中不僅是配樂，更是召喚與療癒的媒介。Techno誕生於1980年代的美國底特律，是這座工業城市邊緣青年反抗現實的聲音。柏林圍牆倒塌後，地下Techno派對如雨後春筍般湧現在東柏林的廢墟中，象徵自由的重新誕生。

塔沃柯夫斯基深受這段歷史啟發，對他來說，電子音樂有「昇華人性」的作用，「如果我需要建立某種暫時自治區，那就必須是銳舞。」他希望觀眾跟著同樣的節奏跳舞，成為群體，分享喜悅。因此他在《共和國》中注入了Techno的節奏與冰冷詩意，讓整場演出像是一場帶有社會意識的儀式，也是一次個人心靈的逃逸旅程。

歡迎登陸僅存在6小時的微型國度

《共和國》沒有明確的舞台和敘事框架，塔沃柯夫斯基認為整場演出更像是營造某種「共享經驗」，藉由視覺、聲音與身體交織，建立一個去疆界、反制度的藝術空間。「對我來說，劇場算得上是最官能的藝術形式之一，包含它所使用的身體、汗水、震耳欲聾的音樂，一切合而為一。」在資訊爆炸、節奏極快的時代，《共和國》提供一個讓人暫離現實、重新與人群與自我建立連結的可能。這不只是一場演出，而是一個暫存的微型國度，一個以藝術為基底、以狂歡為語言的自由實驗場。

北藝中心超級大劇場首演《共和國》

演出時間｜2025.06.04－06.07

場次及購票資訊請點此