「法餐為了維持高級感，座位總不能給它塞滿滿，但如果是居酒屋就要塞爆；或是坐吧台，你跟左邊的人是朋友，右邊本來不認識，但有時候會不小心聊起來，這些都有可能。」沒有絕對、視業態而定的餐廳空間設計學，隱藏哪些眉角？設計師說給你聽。

說到現在餐廳空間設計少不了的，就是打卡牆，通常設在靠近吧台或門口處，「你今天拍了這個logo、造型、材質或圖像，人家就知道是哪家店。」隱室設計主理人白培鴻說，為了方便顧客與這面牆合照，打卡牆最避諱頂光、霓虹燈，「霓虹燈很好看，但跟它拍照人會黑掉，所以後來盡量用冷光條，因為拍起來比較均勻。」要設計出一間「貼心」的餐廳，一切都是經驗累積。

餐廳試營運期也是吸取經驗值的好時機，由於這期間店家不會招收太多客人，正好有餘裕檢視軟硬體的合適程度，例如在客人容易摸到處，可改成不易髒的材質；「酒吧性質的店，椅墊會選用防潑水布料（防止失態酒醉者），想要視覺感比較好的話，可以用絨布。」亦或是需要增加插座、光源等，而燈光又分成食物和氣氛照明兩種，後者多打在牆壁上，以塑造相應的用餐氛圍。洋洋灑灑眉角之多，以下繼續揭曉。

機能優先，風格先緩緩

「風格不是最優先，一開始會先考慮的都是平面配置。」本事空間製作所（後稱本事團隊）這說法，打破大家的印象──比較成熟的餐廳業主會根據營運模式，意即從客單量來估算需要投資多少裝潢成本，「那回本要幾年，就跟客桌數有關，也就會影響動線規畫，所以要懂得在客桌數和動線之間抓平衡。」例如「詹記」敦南店便是以熄燈的南京店作為參考模型，內外場比例為1：2，並在新店址140坪的空間中，切分出1/7作為倉儲、領檯、洗手間、候位等空間，比例掌握極為精準。平面圖確立之後，便能瞄準餐廳機能細節。

例如顧客稱之為沙發區、包廂區的「卡座」設計，是近年常見的餐廳座椅形式，多為一整排、倚靠背牆，且包含特殊造型設計，像是選用的燈具較為華麗、椅墊材質為反光絨布等；但事實上，卡座設置目的並不是發揮美觀作用，而是在於方便併桌。白培鴻說：「比如居酒屋，如何讓空間發揮到最大效益？假設現在來2位，請他們往吧台坐；如果今天來8個人，結果包廂滿了，那在卡座把桌子拼起來、他們一樣坐得下，甚至你要再多塞幾個人、坐對角也ok，畢竟一群人都認識。」桌椅組合的多樣化，是業主的共同目標，誰都樂見高朋滿座。

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從結帳方式，也可以獲得空間規畫的線索。本事團隊分析，若點餐、付錢同步發生，效率的確比較高，「可是假設餐點有狀況，因為客人吃完就走，他就有可能留下負評。」反之若為後結帳形式，收錢時只要老闆多補一句「今天餐點如何？」，客人當場給回饋，或許就能少去一則低星級評論。結帳細節和空間設計雖無直接關係，卻是決定結帳台位置的重要變因，「如果店員結帳時習慣跟客人哈拉一兩句，結帳櫃台就不能太靠近門口，因為容易塞車；或是當結帳和點餐都在同一個櫃台時，動線規畫可能就要像Uniqlo那麼長，搭配2∼3個點餐口。」此外，若餐廳品牌本就熱門，設計師也會預先設計完善的排隊區，例如詹記入口的模擬電梯處便有此作用，也分開設置帶位台和結帳櫃台，有效舒緩人流。

風格越明確，越好辦事

詹記不只平面配置需求明確，連所欲呈現的店面風格都具體無比。「講到火鍋用餐環境，從鼎王、輕井澤可以發現『昏暗的用餐氛圍等於火鍋店』的趨勢，但業主第一次見面就說要全白光，早期鄉下、夜市火鍋店的那種白光。可是因為全白光麻辣鍋看起來很不好吃（笑），所以最後打在桌上的燈，我們用白黃光搭配，當然整個環境還是白光為主。」燈光之外，舉凡磨石子地板、牆面白磚、洗手間塑膠門等，也都完整還原最原汁原味的台式印象，視覺效果令人驚艷。

不同於這樣的俗美台味，本事團隊近期操刀的台南天下大飯店「圓頂西餐廳」便是揉合台、西式韻味的餐廳作品，「這是台南第一家西餐廳，在老台南人裡面是很有記憶的，連七八十歲的阿公阿嬤都會去吃，受眾很廣，同時要吸引年輕人，也要顧到老顧客，所以空間營造不能很新式，因為會有距離感，一定要抓出懷舊感，但也不能太老舊，空間氛圍就是在這些抽象的說法中慢慢摸出來的。」目標客群、品牌歷史、所處地域環境等，通通是設計線索。

整體來說，店面風格多半和業主個人成長、生活經驗相關，給予的風格越明確，設計與工程執行就越順遂。若業主本身較無想法，「那我們就會問，你有沒有很喜歡什麼電影，你想要的美式餐廳是Fridays，還是影集裡頭很常出現的，店員才剛煎好蛋，某個警探還沒吃完就跑去追犯人，有大面玻璃窗的那種餐廳？」透過這樣的方式勾起業主的圖像記憶，將有效幫助設計師聚焦設計命題。

至於餐廳空間大小是否會影響風格展現？「就像寫文章，50個字的篇幅要用字精簡，但如果是長篇，就可以有起承轉合，設計也是一樣的道理；大空間可以用10個部位去湊成一家店的樣子，而小空間就要能精準抓出業主想呈現的的核心，難度可能還更高。」例如位於台南的小吃店「糯夫米糕」，起初為了儲米空間傷透腦筋，幸好最後以懸吊米桶華麗結案。

當設計師和業主目標一致

「看一個地方就是看廁所跟電力，如果沒有特別注重電力設備，家用電就夠，通常超過30坪就要額外向台電申請用電。」以隱室設計所操刀的「通庵熟成咖哩」為例，台北店因為店面小，家用電就足夠；但11月底開始試營運的台中店就有不同策略考量，「雖然以空間大小來說，家用電也夠，但因為地點就在審計新村對面，附近也沒什麼吃的，加上座位數比較多，就跟業主建議要另外請電，因為我覺得生意會很好，而且在前期就把電力增加，也比較不會影響到後續裝潢。」白培鴻回憶和業主是在酒吧相識，如今一起合作第2家店，兩人早已從客戶關係升級為話家常的友人。

而回顧台北店緣起，由於店面狹小，其實一開始主打的是外帶咖哩，沒想到迴響極佳，人流超過原本預設的3倍，因此全新台中店早早就確定以內用為主，「咖哩飯吃很快，一個人大概20分鐘就吃完，所以其實也不用太大，20個座位剛剛好，再大就要更多人力。」店內以業主指定的日式風格為基底，在吧台上方垂掛一整排稻草，運用米的意象妝點空間氛圍，靈感來自咖哩飯重點食材—越光米。有趣的是，一般都是向園藝店訂製進口稻草，「但業主剛好有認識的，在人家稻米收割時，他們去割了一些，哈哈。」各種資源助攻，都是為了能更加貼近心中夢想店舖的模樣；當設計師和業主的目標一致，餐廳絕對超有個性！

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文｜曾智怡 

圖片提供｜本事空間製作所、隱室設計、瑪黑家居

更多餐廳空間美學與品牌經營之道，請見La Vie 2021/1月號《拆解一家餐廳》

從零打造新建物耗費資源，修復、改造正成為重要潮流。兩位曾獲 ADA 建築新銳獎肯定的建築人，分享他們為建築、為城市進行的「微創手術」，令空間更開放、更包容。

「我5分鐘就決定去台東了。」2018 年，陳哲生選擇讓事務所落腳在島嶼之東，或許是受自然環境的開闊以及與原住民族交融的人文氛圍影響，「台東有種自由包容的感覺，對事物的接受度較高，好像可以做任何想做的事。」他始終在思考建築的公共性。同樣地，這份關懷也涵納在工二建築「在地再現」的理念之中。負責人胡靖元說明，「在學術訓練中，一直強調在建築設計之外，很大一部分跟我們要盡的社會責任相關。」約莫在 2019 年，在過去實踐大學老師林聖峰的引介下，他們由新竹開始介入公共領域。

如同許多發展中的建築人，翻新案成為他們經常面對的挑戰。「既有空間思考的尺度源於過去的設計語言，要套入新尺度時就會很不容易。」胡靖元提到這關乎社會成本，現在許多案件提倡依循舊的建物進行反思，就如同近年台灣設計研究院的「學美．美學」、「工業區再設計」計畫等。「我還滿喜歡改變舊東西，讓它好像有了不同時間的堆積，形成新舊對比的張力、創造不同的時間質感。」陳哲生坦言，打造全新建築比較容易，但「以這時代來說，過往台灣房子已經快被蓋完了，翻新的確越來越成為主流。」

陳哲生｜在時間疊層上進行微創手術

「過去的時代氛圍比較拘謹，重視規律與形式，忽略人與自然的連 結。」陳哲生分享「海端鄉初來國小圖書館改建」（2023）中，當時面對由兩間教室合併而成的多功能空間，他觀察到布農族孩童非常活潑，便決定突破原有的局限感。「看到他們被關在像鴿籠般的嚴肅空間，我就想引進地景元素，創造流動性。」他融入山巒造型、運用簡約夾板設計，打造可攀爬結構與閱讀角落，小朋友可以自由延伸肢體，閱讀也成為自然輕鬆的體驗。

隨著網路資訊傳播發達，博物館開始更強調生活與體驗。像是獲ADA新銳建築獎肯定的「國立史前文化博物館建築景觀再造計畫」（2023），這座由美國著名建築師Michael Graves設計、啟用僅 20 多年的建築，展示中庭雖想營造「城市廣場」的理念，卻因動線阻隔、光線不足而未能實現。此外，建築也不符合台東氣候與在地人的需求。陳哲生表示，「南島議題在過往設計中容易被忽略，其中蘊含許多人與人、人與自然關係的哲學，然而原建築是一個封閉、局限在宮廷式紀念性很強的空間。」為解決這些問題，從地面層的山之廣場、售票大廳，他設計寬達12公尺的廊道，連接地下的展示大廳、教育空間，直至後方的景觀花園，巧妙串聯起原本各自獨立的5大主空間。他重新閱讀並強化Michael Graves的設計語彙，展示大廳同時拆除坡道與裝飾性的玉玦造型裝置，採用大面光膜模擬自然光的照拂、適度引入天光，令動線更加簡明流暢，空間也少了些肅穆、多了分明亮的親近感。

在朋友的引薦下，他也投入「建和書屋增改建」（2024）。「孩子的書屋」創辦人陳爸（陳俊朗）驟逝後，團隊決心延續這份使命，著手修建由部落耆老贈與、最初那棟40年的起家厝。陳哲生說明，他在這2層混凝土家屋一旁，以鋼構增建更具穿透感的空間，不僅創造新舊對比的趣味，材質也更符合迎向未來的永續理念。

新書屋整個90度翻轉開口面西，朝向130公尺外的Palakuan（卑南族青年聚會所），建立起書屋與部落成長祭儀的精神連結。老房2樓連通新棟，成為孩童活動的寬敞平面；1 樓規劃為中央廚房，新棟也遮蔭出半開放小廣場，歡迎社區民眾自由活動。「這更符合書屋未來20年的願景，小朋友之外，更要能照顧整個社區、孩子的家長與鄰居。」3樓則重新調整窗戶方向與觀景台，能夠遠眺到綠島。「我們特別在那裡留出一個小小空間，來紀念陳爸。」

工二建築｜「在地再現」為城市建築針灸

意外地，工二是從深具平面設計色彩的「指標系統」開始。這些物件看似尺度小，如建築理論中提到的都市針灸（Urban Acupuncture）概念，重新梳理城市的文化歷史、扮演系統性的角色，更服務新竹內外近百萬人口。他們從城市與動物園指標系統、公車站牌設計到路牌桿，學會在溝通美學與通用性之間尋求平衡。不過，從事公共案在理想與收入之間的拉扯，也迫使他們在2021年迎來重要轉折點。不同設計尺度的廣泛經驗，令他們漸漸歸納出「在地再現」的論述。胡靖元說明，「這即是用關懷的心讀懂在地精神，然後轉化成整體空間的具體表達。」即便是私人委託，他們也貫徹服務周遭環境的思考。

「新竹市體育館雨庇及館前廣場之增生」（2021）改造前，便曾經淪為家具展場。胡靖元說明，過去建築常未細想便興建，使機能很快過時。經過討論激盪，他們逐步拓展改造的邊界，從梯廳延伸增設寬廣雨棚，並將停車場轉為人行廣場，最後增加近1/3可用面積。「原本車行空間還回人本空間後，場館又活絡起來了。」此外，他們移除室內空間冗餘的元素，打開了天花板並輕羅上擴張網，讓民眾的視線可穿透至觀眾席階梯座位下方的構造，彰顯體育空間特質。他指出，公部門場館常用貼壁紙、加層覆材等方式想快速改變空間，但這只改變了表象。關鍵在於閱讀空間原本的身分，就像體育館，「我們不需要再花10億重建，只需花幾千萬就能改善這裡的品質，讓整個新竹公園成為絕佳的城市連接體。」

延續當年的規劃，「富禮國中射箭場館增建工程」與「朝山國小操場工程」（2024）已完工，成為工二目前規模最大的公共領域作品。他說明增建的射箭場採用木構，不僅是環境友善的選擇，其材質特性與輕盈的視覺效果正也呼應射箭運動。圍牆外便是濱海公路與大海，他以成型金屬浪板打造棚頂，如同摺紙般飄逸，回應在地海洋與風的意象。「浪板呈現海浪般的紋理，借用了周遭環境元素，創造出整個區域的延伸感。」這設計手法連結了他過去在「山海城串聯計畫」中的「基隆希望之丘防空洞」（2022），當時入口立面採用紅棕色魚鱗板，靈感便源自港口貨櫃吊車與船殼被海水鏽蝕的視覺印象。他們將信二防空洞比作市街內的燈塔，巧妙連接都市與山林的關係。

開放空間也開放社會

陳哲生注重空間的「打開」與「流動」，但他補充這些都是方法，「核心還是在於建立更開放性的社會，透過一個建築能夠對這個社會有影響、衝擊，然後邁向更好的模樣。」他自2018年開始參與火車站遷移後的「舊站特區」都市設計，包括「台東之眼」（2020）與進行中的鐵道市集、新生廣場「三部曲」，將過往被月台與草皮破碎區隔的空間與不同使用族群串聯起來。「公共性不是屬於特定族群，是屬於每一個人的。」 其中，他正將台東大學舊校區閒置籃球場翻新為「台東原民劇場」，並在特區西南隅從零打造「臺東縣全民運動館」，作為台東公園的門戶。他透露自己對集合住宅的開放潛力很有興趣，「當居住變得有品質且容易取得時，社會才會邁向下一個階段，變得更靈活、更自由。」

談到建築的開放性，工二建築打造的「濱海加油站」（2023）雖為國營事業私人加盟站，卻具有公共性，從建物到軟裝、標語字體等視覺元素都呈現低調簡練的美學，「這裡緊鄰魚塭，旁邊又是海邊，整體的視覺要怎麼融入地景，是我們思考的重點。」胡靖元認為，「在地再現」是這世代建築人共同面對的課題，提出這想法並不特別，但令他們更能清晰思考，無論公共或私人空間，時時與地方真誠對話。

胡靖元

工二建築負責人及軟寓旅宿創辦人。2012年畢業於實踐大學建築設計學系，2014年共同創立工二建築，目前工作室落地於台北、新竹、台南三地，以人為出發點，專注於都市景觀、建築室內及策展，設計理念強調空間與環境協同發展的「在地再現」理念。獲多項獎項，包括2022 ADA新銳建築獎、TID新銳設計師獎、金點設計獎、iF DESIGN AWARD及Good Design Award。

陳哲生

2018於台東創立陳哲生建築事務所，擔任建築師暨負責人。台北人，畢業於成功大學建築系、紐約Cooper Union建築碩士。曾任職紐約、東京與台灣田中央聯合建築師事務所建築師，曾參與雲門之家、羅東文化工場與新竹關埔國民小學等設計案。成立事務所後陸續完成台東之眼（2020）、海端鄉初來國小圖書館改建（2023）、建和書屋增改建（2024）等案，並以國立史前文化博物館建築景觀再造（2023）入圍2024 ADA 新銳建築獎。 

_{文｜吳哲夫　攝影｜丰宇影像、牧童攝影_羅慕昕}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/6月號《2025大阪世博設計攻略》

時尚品牌店鋪通常寬敞而別具風格，稱之為小小藝廊亦不言過。在如今這個實體店比起「商品銷售」、反愈加著眼「形象展現」的年代，將文化元素融入店鋪，對品牌本身、藝術家乃至消費者而言，無非都是拓寬眼光的絕佳途徑。這回由倫敦設計工作室Studio Ashby將5位女性藝術家的多媒材創作帶進COS倫敦本地、巴黎及赫爾辛基門市，成就了作品與空間的3段感性對話。

有喜好，就有潮流。然潮流卻是一種集體揣想、相互仿作，總體而言粗略而曖昧的趨勢，不見得可謂為真正具備底蘊的美學。舉凡穿著打扮、吃喝玩樂、生活風格乃至建築空間的設計都存在潮流，它漲得快退得也快；服飾退了流行事小，家裡的裝潢若三五年也所謂「退流行」了，那得多讓人無所適從。

不受潮流桎梏，實現豐富美學——倫敦室內設計工作室Studio Ashby

倫敦室內設計工作室Studio Ashby所秉承的，即是一種不受潮流桎梏、兼容並蓄的美學。由創辦人兼創意總監Sophie Ashby領銜，以「為每個設計專案注入真實感」為旨，致力打造獨特空間——其理念不僅在家具、燈具和藝術品的選擇上可見一斑，更體現在材質自然色調和紋理的運用上。無論打開Sophie Ashby私人社群抑或Studio Ashby官方社群，皆能感受到這位設計師如何通過古典和當代風格的交織、明豔和柔和色彩的相成，將多元美感帶進不同案場，並融匯自身對古董、攝影、現代主義家具和世界藝術的熱愛，為有限的室內空間做出豐富而不滿溢的鋪排。

鍾情具故事性的物品，創造富凝聚力的空間

顯而易見地，各樣藝術作品（尤其畫作），幾乎出現在了Studio Ashby所承攬的每一個場域，且都具有相當的存在感和點睛之效。2025年，工作室攜手同樣出身倫敦的時尚品牌COS，在位於倫敦攝政街、巴黎Tronchet街，以及芬蘭新開幕的赫爾辛基亞歷山大街的3間門市，推出煥然一新的店鋪設計，呈獻來自世界各地5位女性藝術家的精選作品。

Sophie Ashby表示：「我非常高興能與COS合作，為品牌門市策劃這次藝術展覽。支持女性藝術家一直是我的心之所向，這次能將我鍾愛的藝術家引介進COS的靈感世界，對我來說是一段珍貴的經驗。我也很期待看到作品在每個空間牆面上所呈現的效果。」當然，之於長久以來始終從當代文化中汲取靈感的COS而言，此次展出亦深化了品牌和其源泉之間的連結。同時，空間內家具和家飾，從義大利Paper Factor手工製作的微型紙材與夾板桌，到以剩餘紗線訂製的Kasthall羊毛地毯，每一項選品的點綴都與COS服裝系列相得益彰。

5位女性藝術家 x 3間COS店鋪的感性對話

在倫敦攝政街門市，芬蘭藝術家Milla Vaahtera帶來一件結合大膽玻璃造型與細緻黃銅材質的燈飾裝置，透過當代美學重新詮釋傳統工藝。在巴黎Tronchet街門市，英國藝術家Alice Neave的畫作探索各種材質、色彩與紋理的表現方式，南非藝術家Erin Chaplin則聚焦討論自然與人造的關係。在芬蘭赫爾辛基門市，英國藝術家Anna Ilsley深刻描繪母性複雜情感的油畫、Dalia James表現色彩與幾何動態互動的織品則各居一牆，以截然不同的題材共同為暖調空間添上一道冷色筆觸。以下讓我們逐一欣賞5位的創作。

Milla Vaahtera｜倫敦攝政街店

來自芬蘭波爾沃的藝術家兼設計師Milla Vaahtera，以其《Dialogue》系列動態雕塑及雕塑燈具聞名。她熱衷於復興傳統工藝，將大膽的玻璃和細膩的黃銅進行當代演繹。Milla Vaahtera的藝術根植於對話與即興——這是她在2017年與Nuutajärvi玻璃村的玻璃吹製工匠共同開發的創作方法，而玻璃與黃銅之間的互動關係也賦予了每件作品獨特個性。

Alice Neave｜巴黎Tronchet街店

來自英國倫敦的藝術家Alice Neave，擅運用紡織品、染料與顏料創作柔軟而意象模糊的風景畫。她以棉布、帆布或回收布料作為畫布，讓材質本身成為畫面的一部分，並經由觸感與觀者建立物理上的聯繫。而其作品的多層次構圖通常始於單色印刷，再逐層疊加顏料與染料，創造出豐滿質感。

Alice Neave的虛構世界源自情感和超越日常覺知的感知——藝術家潛意識中滲透的元素，甚或創作過程中從染料裡浮現的元素，如夢境般透過一種難以言喻的內在邏輯展開，充斥朦朧的場面和敘事。

Erin Chaplin｜巴黎Tronchet街店

Erin Chaplin出生於南非德班，現居開普敦。其創作富含反思性，聚焦自然與人工之間的對比，好比描繪鮮果與花朵腐敗的過程時，藉以低飽和色彩與看似矯揉造作的色調激發視覺張力，將觀者引入令人驚喜的構圖之中，並善用厚塗技巧（Impasto）進一步強化這種張力，呈現出人類經驗中的原始與脆弱。

Dalia James｜赫爾辛基店

來自倫敦的藝術家兼設計師Dalia James專注於織品創作，透過對色彩與幾何圖形的細緻探索，展現編織者與布料之間的深層連結。受英國紡織設計師William Morris和畢生致力於色彩研究的美國藝術家Josef Albers著作影響，Dalia James從20世紀初的設計風格與藝術運動中汲取靈感，融歷史元素於當代工藝。

Anna Ilsley｜赫爾辛基店

來自英國薩福克的藝術家Anna Ilsley，創作除發想自各時代、各文化的神話和典故，亦經常從自身經驗的混亂和喜悅中取材，並利用畫布本身的物理限制作為結構，從而描繪出肉體豐腴，既被擁抱又受壓迫、既性感又怪異的人物。作品尤探討身為「母親」對身體與情緒的影響，並對那些塑造「女性與自身身體關係」的文化和政治力量，展現強烈的反抗意念。

這些藝術家創作從選材、用色到型態的取決，皆與門市空間和諧相扣。如Milla Vaahtera的不規則垂墜燈具吊掛在挑高的樓梯間、Anna Ilsley描繪母性的畫作飾於有鏡子倒映的試衣間，巧妙塑出時尚與藝術互為靈感的共融氛圍。5件作品現同步展示於全球3間門市，後續將成為COS店鋪收藏的一部分。