忠泰美術館《聚變：AA倫敦建築聯盟的前銳時代》！亞洲首度公開Zaha Hadid、Rem Koolhaas等建築大師珍貴原稿

*7/15（四）更新

忠泰美術館自7/15（四）起恢復開館，並採線上預約制， 7/15(四)～8/15(日)凡成功預約平日參觀《聚變：AA倫敦建築聯盟的前銳時代》展覽，即可於成功報到後，享免票參觀優惠。更多預約參觀細節資訊，請參考忠泰美術館官網：https://tinybot.cc/jutbooking/ 

此外，因應疫情考量，為提供民眾更寬裕的看展體驗與時程安排，展期將延長至12/5（日）。 

忠泰美術館年度重點建築展《聚變：AA倫敦建築聯盟的前銳時代》從5/8開始至9/5止，呈現AA倫敦建築聯盟（Architectural Association School of Architecture，簡稱AA）前院長阿爾文．博亞爾斯基（Alvin Boyarsky）於1971至1990年掌舵期間，充滿前衛性的辦學理念，透過教學、展覽與出版品等計畫，讓AA一躍成為培育建築大師的搖籃。

展覽規劃六大主題，展出阿爾文．博亞爾斯基個人將近百件的珍貴典藏，包括繪圖作品、AA絕版出版品與紙本資料，其中包含雷姆．庫哈斯（Rem Koolhaas）及札哈．哈蒂（Zaha Hadid）等建築大師新銳時期的繪圖原稿，同時也是這些珍貴原稿首次在亞洲公開！期待透過回顧當時建築新銳們的建築繪圖創作，引領觀者從建築教育的創新與前衛性去探究建築與創作的本質。

AA前衛時代的紙上攻防戰：從建築繪圖、實驗策展，培育建築人才

「繪圖（Drawing）」一詞不僅是表達設計與形式的語言，更是傳遞思想與探索建築的重要媒介，同時也是1971年至1990年間擔任AA倫敦建築聯盟院長的阿爾文．博亞爾斯基所推崇的建築教育核心。《聚變：AA倫敦建築聯盟的前銳時代》與阿爾文．博亞爾斯基典藏（Alvin Boyarsky Archive）合作，透過展現這位將AA推上國際頂尖建築學府地位、培育出多名國際建築大師的關鍵人物，其辦學理念與紙上作品收藏，來剖析建築繪圖與創作本質的教育議題。

阿爾文．博亞爾斯基曾以「牆上作圖，我們作戰。」這句話，表達自己透過繪圖來反抗、變革建築教育的精神。在其擔任AA院長期間，十分推崇繪圖的藝術與概念，大動作拓展出版品定位，收錄當代建築師充滿前衛思潮的紙上創作。此外，由他開創的前衛教學制度「設計教學分組單元系統」（Unit System），要求各單位指導老師向院長「推銷」設計想法應聘成功後，再向學生「簡報」概念，並「募集」學生，篩選學生繪圖作品錄取單元學員後，才算正式開課。從教學方針變革，提供新銳建築師各自對話交鋒又充滿實驗性的合作交流平台，同時，繪圖的影響力也在手繪圖稿的傳播便利性、出版品蓬勃發展與課程系統的重要地位中，逐步擴大。

阿爾文．博亞爾斯基的兒子，同時也是這次共同主辦單位代表暨展品提供者的尼可拉斯·博亞爾斯基（Nicholas Boyarsky）提到：「這些繪圖作為一種『對話』交流，無償致贈給我父親。透過展覽中回顧我父親不同的人生階段，與建築師間長達數十年的對話，亦能看見他們作品的發展歷程。」

亞洲首展：從六個主題脈絡剖析建築大師原稿與AA絕版出版品

本展是繼2014年首度於美國聖路易華盛頓大學米爾德雷德．萊恩．肯帕藝術博物館（Mildred Lane Kemper Art Museum at Washington University in St. Louis），以及次年於普羅維登斯羅德島設計學院美術館（RISD Museum, Rhode Island School of Design, Providence）展出後，首次在亞洲展出。本次將呈現將近百件珍貴典藏，包括繪圖作品42件、AA絕版出版品16件與多件紙本資料等，透過展場中六個主題：「夏季學程」、「歐洲激進派」、「繪圖的氛圍」、「繪圖實踐」、「反思現代性」、「反思歷史」，從歷史記憶、當代文化、都市主義、新科技與新媒材的實驗，映照出當時風起雲湧的國際建築文化與AA獨特的學制下，建築師們如何透過手繪圖稿去述說他們對未來世界的想像。臺灣展覽顧問曾成德表示：「（展覽中的）前衛運動雖然停在了某個時刻，不過它也開啟我們對未來想像的可能，這也是希望本展能帶給大家的。」

展覽六大主題搶先看

夏季學程

阿爾文．博亞爾斯基在任職AA院長前開設的國際設計學院（International Institute of Design，簡稱IID）連續三個夏季舉辦的建築聚會，匯聚各種教學方法、理論與人物，架構起建築學術交流的全球網路，成為AA獨特學制的濫觴。

歐洲激進派

展品來自於阿爾文．博亞爾斯基夏季學程期間交流所得的藏品，展出活躍於60和70年代的歐洲激進派團體如：倫敦的建築電訊（Archigram）、維也納的藍天組（Coop Himmelblau）、佛羅倫斯的超級工坊（Superstudio），同時也是此次展品中創作年代最早的作品。

繪圖實踐

探討繪圖將概念視覺化後，帶來的交流與對話，展場以宛如「俱樂部」沙龍座談般的空間，再現AA學院小組制教學架構中充滿對話的學習場景，同時也展出多位建築師的手繪原稿。

繪圖的氛圍

本區展出阿爾文．博亞爾斯基擔任院長期間，積極推展的出版品計畫，從「盒裝」（Box）、「作品集」（Folio）、「大開本」（Mega）等系列，如同紙上展覽會的出版品中，能看見建築師們充滿前衛與實驗的紙上作品；其中的12套Folio與4套Box均為絕版珍藏，本次展場特別規畫部分AA出版品提供觀眾翻閱。

反思現代性

於本主題中，能看見建築繪圖對於推展及促進公共空間的全球討論，是一種極為有效的媒介，透過展示、出版或參加國際競圖，持續在現代主義中挖掘發展的可能性並與國際對話，比如巴黎拉維列特公園（Parc de la Villette）競圖所繪的圖稿，其中包含札哈．哈蒂（Zaha Hadid）以及大都會建築事務所（Office for Metropolitan Architecture，簡稱OMA）、伯納德．初米（Bernard Tschumi）等在現今都極具影響力的建築大師或團體的競圖創作。

反思歷史

本區聚焦建築師透過繪圖表述對城市、歷史記憶和社會反思的一面，成為宛如集體記憶或歷史開放資料庫般的存在。丹尼爾．李伯斯金（Daniel Libeskind）、約翰．黑達克（John Hejduk）在繪圖中，透過視覺反省20世紀所經歷的恐怖與災難事件。約翰．黑達克於1986年在AA校園廣場的臨時建築體《時間的崩塌》（The Collapse of Time）的模型，為其探討納粹大屠殺歷史《罹難者》系列作品之一，以真假虛實交錯的敘事方式，闡述創作與社會的關係；俄羅斯「紙上建築師」派（Paper architects）的亞歷山大．布羅德斯基（Alexander Brodsky）和伊利亞．烏特金（Ilya Utkin）的蝕刻版畫，則企圖重新捕捉被蘇聯的進步與標準化政策拒於門外的那段過往。

本展從建築教育探問出發，展覽期間也規劃多場活動，包括開展首日（5/8）的開幕講座，邀請本展策展人伊格爾．馬里亞諾維奇（Igor Marjanović）、簡．豪爾德（Jan Howard）、阿爾文·博亞爾斯基的兒子尼可拉斯·博亞爾斯基（Nicholas Boyarsky）及過去曾經在AA就學的台灣建築師現身說法，帶我們重返那個充滿活力及競爭氛圍的現場。展期間也預計在展場中舉辦四場「ADA新銳建築師對談：建築新銳的35/45」，邀請八組2020年ADA新銳建築獎得主，以輕鬆對談的方式，分享他們人生經歷，遙相呼應AA前銳時代的對話氛圍。

聚變：AA倫敦建築聯盟的前銳時代 

展覽地點｜忠泰美術館（臺北市大安區市民大道三段178號）

展覽時間｜2021/５/８ – 2021/12/５，週二至週日10:00-18:00（週一休館）

資料提供｜忠泰美術館

《藤本壯介建築展：原初．未來．森》海外巡迴首站落腳台北，本展透過雙展區、6大主題、逾百件建築計畫，梳理其30年來的建築創作。記者會上，藤本壯介也特別帶逛展場，帶我們走進他腦海內的森林。

日本東京森美術館在去（2025）年推出的藤本壯介建築展，創下逾23萬人次參觀紀錄，不僅是建築相關人士，也吸引了許多年輕人、家庭族群前來觀看。藤本壯介提到，當初在與森美術館討論建築展時，他希望不只是回顧他過去30年的創作軌跡，也能夠呈現他思考了什麼、有什麼前瞻性的內容，最後，「森」這個關鍵字便冒了出來。

從北海道森林走向世界

藤本壯介出生於自然資源豐富的北海道，自幼常見的雜樹林景觀，成為其理解空間與自然關係的原點。1994年自東京大學建築系畢業後，他未循一般路徑進入建築師事務所，而是展開長達6年的獨立探索，省思建築的原點，逐步形塑其建築哲學：模糊自然與人造物、室內與戶外、個體與群體的邊界，創造如森林般開放而富有包容力、得以容納多元關係共存的空間。

用建築連結人、自然與未來

藤本壯介補充，他們在「森」這個字裡面做了很多的想像，不只是自然的森林，人與建築物的關係，其實也是一種森林的意象。「森林裡面有很多不同的生物共存，形成豐富的多樣性，未來的建築物是否也能像一座森林，讓不同的人相聚共存，從多樣性中產生意想不到的連結，這也是我們對於未來建築與社會的想像。」

一踏入展場，牆面上所見的60多幅圖像，這些是藤本壯介從以前到近期的作品，人們能從縱觀的角度窺見它們雖然各自不同，卻又存在某些共同點；透過這面牆，大家可以了解藤本壯介這些年走過的路，其中包含一些實驗性的錯誤，但他也從中思考了許多多樣性與不同的可能性，並讓它們同時共存。

想像多元共鳴的未來城市

抬頭可見的懸掛裝置，則是藤本壯介對100或200年後未來都市的想像。他們想像人們住在一個個如泡泡的圓球中，裡頭也有許多綠意與公園，構成了包容各種多樣性且相互交融的生活空間。他說，在他想像的未來世界中，也許人們都有了可以在空中飛翔的裝置，因此住宅也打破了所謂的樓層限制，形成一個具有多樣性且交融在一起的自由空間。

思考多元共存與彼此連結的可能

來到「開放之環」主題展場，映入眼簾的是200分之1的大阪萬博大屋根模型，搭配牆面上藤本壯介的草圖，能更加了解他設計大屋根時的思考軌跡。藤本壯介說，圓環狀的大屋根雖然是建築，卻極具開放性；所謂的建築，既要接納大眾，又要具備保護與包容的功能，而要如何讓兩個同時並存，是他想要傳達的概念，因此在旁邊的牆面，也可見到體現「開放之環」這個理念的建築作品。

走進藤本壯介的「腦內森林」

匯集了藤本壯介30年來建築模型的「思想之森」展間，則將帶領大家走進他腦內的森林。從入口的早期作品到後方的近期、進行中的作品，主要分為3大創作脈絡：探討建築如何兼顧內部的包覆感，又能向外敞開的「展開與包圍」、思考許多局部如何共同組成一個整體的「眾中之眾」，以及打破空間只有單一用途想像的「未分化」，但這3個概念並非壁壘分明，也有很多交融之處，比如貝爾格勒的哈拉水岸中心（beton hala waterfront center）便展現出這3大主軸。另外，牌子上也特別設置了對應這些概念的壓克力小方塊，讓人們能夠透過顏色辨識每件作品所蘊含的設計脈絡。

思想、創造力是自由的

有趣的是，展間中除了專業的建築模型，也展示了藤本壯介收集的物件，像是包水果的保麗龍紙，呈現建築的通透感；捏碎的寶特瓶表達變形後的風貌，引領人們思考建築的外觀也可以有不同面貌；展出洋芋片模型，則是因他認為洋芋片透過某種堆疊、中間產生的縫隙也是所謂的空間，或許有可能被運用在建築上。藤本壯介說明，希望透過這些展示品，讓大家了解所謂的思想、創造力可以是很自由的，並能在這些自由的發想中找到樂趣。

回望30餘年的建築實踐

「軌跡之森」由建築史學家倉方俊輔兼修編纂，透過年表、手繪草圖、建築語錄與獲獎紀錄，串聯藤本壯介不同時期的代表作品。藤本壯介說，「藉由這次展覽，我才有機會重新回頭看過去的手稿，這些都要感謝我母親當年的細心保存。看到這些草稿時，我一方面感嘆當年自己真的很努力，另一方面也會覺得過去的自己還是有點不行啊。不過，看到這些手稿才發現原來我始終在思考同樣的核心命題，並在不斷的實驗與失敗中反覆鑽研。這些手稿不是為了展出而畫，它們就是我建築思考過程最真實的呈現。」

走進1:5大屋根模型

本次展覽一大亮點、位於衛星展區的5分之1的局部大屋根，則邀請大家穿過模型、用身體感受其中的空間感。藤本壯介補充，大屋根模型在森美術館展出時是靠牆的，在這裡則是可以360度的環繞觀賞、動線更加自由。值得一提的是，展場長達15分鐘的大屋根紀錄片，是藤本壯介在大阪萬博閉幕前一星期自費拍攝、去年底完成剪輯，影片中記錄下從早到晚的風景以及現場的聲音，讓人們即便不在現場，也能感受當時的空間與氛圍，尤其是這部影片沒有上傳到公開的平台分享，推薦大家靜下來欣賞影像，再次回味大阪世博的感動。

藤本壯介建築展：原初．未來．森
日期｜2026.8.15（六）-2027.1.3（日）；開放時間｜週二至週日 10:00-18:00（週一休館）
展覽地點｜主展區：忠泰美術館（臺北市大安區市民大道三段178號）、衛星展區：建國啤酒廠成品倉庫（臺北市中山區松江路25巷40號）
更多資訊可至官網查詢

坐落台南漁光島的藝術選物空間「森初．moricasa art」，即日起至9月5日推出日本工藝家五十嵐桃子（Momoko Ikarashi）個展《scenery．記憶瞬間》，邀你在一件件精巧的「窯鑄玻璃」作品中，窺見自然萬物的美好。

春日繁花、夏日綠意、秋日晚霞、冬日白雪，大自然的四季之美，在五十嵐桃子的巧手之下，化為可被「捧在」手中欣賞把玩的袖珍風景。她以玻璃為主要媒材，透過鑽研多年「窯鑄」技法，將自然景緻的迷人色調，封存於一件件生活器具、或如立方雕塑般的工藝擺件，兼具日常氣息和藝術感。

用「窯鑄技法」封存自然景緻

從就讀武藏野美術大學，到畢業後轉至金澤卯辰山工坊研修，十數年來，工藝家五十嵐桃子不斷精進工藝手作經驗，以「玻璃」為主要媒材，將大自然的美好景緻，透過獨特的「窯鑄技法」封存。

有別於常見的「口吹玻璃」所用的轉動吹製工藝，窯鑄技法需先在腦海中構思作品型態，製作石膏模並精算溫度，善用玻璃的可塑特性，讓其呈現如菓子般精緻、或如石頭般沉重的質感。透過窯鑄，五十嵐桃子將夕陽、冬雪、綠意等自然景色，凝結於霧面質感的幾何作品中。

樂趣來自未知

對五十嵐桃子來說，窯鑄玻璃像做實驗般有趣，為追求理想的質感表現，她不斷測試燒製溫度、調整加工方式，將不同大小的彩色玻璃顆粒與碎末，進行排列組合。更有趣的是，在等待玻璃燒結與降溫過程中，電窯內的作品無法直接看見及觸摸，因此每回打開窯蓋皆是驚喜，這對工藝家的技術和經驗來說也是一大挑戰。

從尺度、手感讓玻璃更貼近生活

創作過程中，五十嵐桃子持續思考著，如何讓玻璃更貼近生活：初步構想時，她在圖紙上繪製作品輪廓，再著手製作保麗龍模型，實際測試後調整型態與適合尺寸；完成窯燒後，將轉角處研磨成柔和邊緣，使日常使用時更加順手。她的作品靈感與色彩，多取材於大自然，但並非完全重現，而是發揮玻璃本身的發色效果，呈現媒材獨有的表情。

經典「蓋盒」系列呈現絕美漸層

五十嵐桃子最經典的代表作——「蓋盒 one day」系列，由她大學時期的課堂題目「盒子」延伸而來。此系列的有趣之處在於，作品由蓋、盒組成一體，工藝家以天空投射出的光線為靈感，將各種色彩的光「燒進」玻璃內，並巧妙讓內盒和外蓋形成漂亮的錯位漸層——兩者獨立看各自美麗，擺在一塊看更成風景，有時如湛藍天空交織澄黃晚霞，有時又如冬季時覆於大地上的霜白。

五十嵐桃子．玻璃個展《scenery．記憶瞬間》

展期｜2026.08.08－09.05

地點｜森初．moricasa art（台南市安平區漁光路113號）

開放時間｜週二至週六 13:30－17:00（預約制）