高雄市立美術館夏季大展《泛．南．島藝術祭》於7/17～11/14正式開展，由館長李玉玲擔任總策展人，歷時近3年紮實的南島研究踏查，收攏高美館過去15年展演原住民文化的累積，並融合現行大南方South Plus多元文化、平行史觀的脈絡，將南島當代藝術的內容擴展延續。本展揉和「去邊界」、「多元性」及「海洋文化」三大內涵，匯聚出自7國、23組創作者的62件作品，以豐富媒材呈現兼具國際藝術視野、在地文化脈絡的跨域展演，更譜出獻給人際間、人與自然間重建關係的序曲。

高雄市立美術館《泛．南．島藝術祭》

｜展期：2021年7月17日～2021年11月14日

｜地點：高美館101-104展覽室與戶外園區

｜開放時間：週二至週日，上午9:30至下午5:30 （週一、除夕休館）

｜配合政府防疫管制，展覽採線上實名預約制，以分時分流方式入館。

｜票價：全票NT$90、優待票NT$45、高雄市民平日免費

高美館館長李玉玲策展，親揭《泛．南．島藝術祭》命名意涵

《泛．南．島藝術祭》除由高美館館長李玉玲策展，也邀請到紐西蘭戈維特—布魯斯特美術館館長Zara Stanhope，以及帕特迦藝術博物館館長Reuben Friend擔任國際策展顧問，並廣納來自台灣、澳洲、紐西蘭、韓國、日本、巴基斯坦、法國23組藝術家，所創作的62件涵蓋繪畫、攝影、錄像、雕塑、裝置作品，將展覽的國際視角、藝術敘事塑造得更為全面完整。

至於展覽命題中的泛、南、島所謂何意？「泛 Pan」代表著連結與去框架；「南 Austro」表達相對於北方的多元性；「島 Nesian」則涵蓋了不可或缺的海洋文化。而英文展名 Pan-Austro-Nesian Arts Festival 縮寫 PAN 恰巧使得「去框架」成為展覽重點中的重點。

「地理上，南方是相對於北方的存在，而《泛 • 南 • 島藝術祭》的『南』則加上了文化論述的南方，表達出帶有相較邊陲、非主流、政經弱勢之處的意涵。」總策展人李玉玲解釋道，「在這個層面上，與作為海洋城市的高雄更是契合，因此高美館加入對於『南』的論述是很有意義的。」而整場展覽則如同一有機整體，觀眾如航行海面的小船，藝術家作品則是大洋中的島嶼，各自有其豐富故事，等待觀眾親身登島親身經歷。《泛．南．島藝術祭》期盼激盪更靈活的觀點，包含土地記憶、信仰與傳承，也提出人與人、人與自然重建關係的潛在解方。

高美館生態園區重塑「有機地景」，劉哲安竹編作品注入在地特色

《泛．南．島藝術祭》有一特別之處在於，展覽場域出走至高美館極具特色的生態園區，並邀請建築師盧建銘帶領阿美族學生，以南島民族文化為指向重新規劃此地。盧建銘表示，本次並非以「工程」解決環境問題，而是以「文化」為工具作為生態恢復的方式，透過長時間與土地互動，進而呈現乘載想像、記錄過程的「有機地景」，而在文化增強的過程中，其從家庭、部落、隱形導向，轉變為公共、都市、顯性取向，最終吸引多方族群在此融合，將此處轉化為一處嶄新藝術基地，日後對於館方舉辦戶外、與水相關的展覽皆有極大加乘效果。此外，其中亦展示西拉雅族藝術家劉哲安現地創作的竹編作品〈Tuturu ki Pusul〉，讓植物從部落文化延伸至內惟埤塘畔，成為高雄富在地文化特色的地景藝術基地。

《泛．南．島藝術祭》三大子題、展區重點整理

《泛 • 南 • 島藝術祭》規劃三大主題展區「從已知到未知」、「暗黑島嶼」、「生生流轉」，傳遞文化從相遇到衝突，最後以溫柔豐富的互動呈現藝術與當代社會對話的可能性。館長特別分享，此展跳脫常見的白盒子（white cube）策展手法，展覽子題的過渡與區域的分別沒有明顯的界線，選擇以「灰色斜牆」強調「連通性」的巧思，呼應英文縮寫 PAN 的概念，更使得蘊含著兩種子題意義的作品成為展區之間的銜接。

｜從已知到未知

海洋浩瀚而神秘，自古人類便對其滿懷征服與探索慾望，第一子題「從已知到未知」將探討人類如何面對海洋。由日本當代藝術家杉本博司（Hiroshi Sugimoto）所拍攝的〈海景〉系列揭開序幕，帶領觀眾航向充滿力量的南方海洋；接著透過毛利詩人藝術家John Pule長達十公尺的壯觀油畫〈致所有初來乍到之人〉，穿梭在不同時空情境的歷史與虛構事件中；〈海不平面〉則是高雄獎藝術家張致中首次發表的創作，以投影片投影機（OHP）為媒介，討論暖化海面上升、大氣觀察、島嶼消失等社會議題；而張恩滿〈蝸牛樂園三部曲－啟航或終章〉重達近60公斤的玻璃船隻懸吊於天花，運用投影裝置追溯非洲大蝸牛的遷移路徑，開啟藝術家探討身份認同的旅程。

｜暗黑島嶼

「暗黑島嶼」子題著墨於異質文化衝擊，初入展區映入眼簾的是緩緩旋轉、高達2米、鋪滿金箔的巨大地球儀，其為活躍於台灣、法國兩地的藝術家組合邱杰森＆莫珊嵐為本展創作的〈雅加達事件簿〉，以16世紀《東印度水陸誌》為基底，結合文獻檔案、太空遙測影像、地圖等元素，構成跨歷史與跨媒介的全球化人文地理圖誌；王虹凱作品〈Fuengu〉則以鄒族音樂家高一生的生命故事與歌謠為文本，探測歷史、社會、政治事件的異響；澳洲藝術家Jonathan Jones透過樹木拓印結合聲景，為本展打造〈無題（達拉馬林）〉，回顧現代化過程中被漠視的土地記憶與部族傳統。另外，有「人間國寶——澳洲工藝大師」之稱的原住民藝術家蘿拉．葛里諾（Lola Greeno）也展出極具當代工藝設計代表性的編織貝殼項鍊，其以模糊現代與傳統界線聞名於世。

｜生生流轉

「生生流轉」作為匯流《泛．南．島藝術祭》的最終子題，以豐富而溫柔的互動，展示藝術與當代社會對話的可能性。將代表紐西蘭參展2022年威尼斯雙年展的Yuki Kihara帶來〈薩摩亞之歌〉，以海洋為主題，使用薩摩亞傳統樹皮布製作的5組華美日本振袖和服，回應藝術家自身的薩摩亞與日本血脈，此外，另一件呼應現下疫情時代的作品〈隔離島〉也獨步全球首次展出；紐西蘭毛利藝術家Ngahina Hohaia高達5米的裝置作品〈響徹天堂〉由160根傳統毛利打擊樂器「潑伊」（poi）組成，光線伴隨著鼓聲、咒語，呈現煙火般繽紛的同心圓；阿美族藝術家拉黑子．達立夫的作品〈站立之舞〉則立於美術館大廳，如同藝術家拾取著海邊漂流木的姿態，也是人與自然、與先祖、與他者共舞的姿態。

高雄市立美術館《泛．南．島藝術祭》前導片

文｜Izzie Pang、湯侑宸

資料、圖片來源｜高雄市立美術館

「萬坪綠帶、交匯軸線」是這次2025創意台中——摺疊市——主打的口號，從宜居的生活樣貌開始思考，將街廓打造成為一座可以被閱讀的城市模型，並將展覽延伸到公園、書店、捷運站與旅館等六個節點，透過散步走讀看見在台中生活的全新想像。

「創意台中」作為臺中市年度的設計活動，持續以不同的方式回應城市生活樣貌。延續 2024 年「Design Hub 設計中」的設計擾動，由嶺東科技大學策展團隊執行，今年將臺中市想像為一個可摺疊、可展開、可閱讀的城市。

Design Hub 2025 新提案：摺疊市

策展團隊從日常行為出發，觀察臺中在不同年代所形成的生活輪廓：早期城市以低密度、水平展開的街廓為節奏，巷口雜貨店與騎樓攤位是鄰里交流的中心；隨著垂直建築增加、生活密度提升，人們也許住得更近了，卻也更少相遇。那些曾經自然發生的共享時刻，悄悄摺進了生活中名為疏離的縫隙。

策展人許哲瑜與郭中元以「摺疊市」提出一種重新閱讀城市的方法，將展場選址於同時擁有「城市理想」與「城市現況」雙重面貌的南屯「黎明新村」，這裡曾承載著一代人的理想家居藍圖，然而走出周邊，高樓林立的都市結構立刻讓尺度轉變，彷彿行走於城市年代的斷面，從水平延展跨入垂直堆疊，這種「內外對比」使黎明新村成為天然的展場。

主視覺以臺中獨特的地景結構為起點——山線、海線與屯區三種地貌被轉化為抽象的層次與色塊，水平延伸拉展，再垂直堆疊成一座抽象的城市地景。像地形、像建築，也像被反覆翻閱的城市文本。當這些色彩元素在畫面中層層交會，就像書頁一樣被摺起、展開，呈現「堆疊中的流動」。

展覽旗幟上的三句文案，「萬坪綠帶／交匯軸線／相遇於黎明光隙」，為視覺增添了另一層敘事。「萬坪綠帶」呼應臺中充滿風與陽光的城市氣候；「交匯軸線」帶有都市計畫語彙，卻同時暗示今年策展關注的相遇動線；而「相遇於黎明光隙」則以詩意語氣悄悄指向展覽所在地：黎明新村。這三段文字既像城市對自己的描述，也像日常中隨處可見、略帶誇飾的建案口號，為展覽注入一絲幽默，在嚴肅的城市語彙裡藏下一個輕巧的轉折。

從圖書館進入，觀看摺疊市的生活樣貌

「摺疊市」以一座圖書館為主展場，並串連六個衛星展區——三座公園、一間獨立書店、一座捷運站與一家青年旅館，讓展覽沿著生活動線自然蔓延。觀眾能以步行的方式穿過住宅街廓、綠地與轉角，依序遇見作品、裝置與文本，街道成為觀看的延伸，日常則是城市變化最直接的顯影。而「摺疊市」裡的每一位市民，都像是一座小型的 Design Hub，以自身的路徑回應城市、分享生活。在摺與展之間，看見再次相遇的可能。

作為今年的主展場的李科永紀念圖書分館，策展團隊刻意維持館內的閱讀節奏，不搭建大型結構，而是以「最輕的介入」放入展覽內容。在這裡，城市資訊被轉化為插畫設計，悄悄嵌入讀者視線；在陪同孩子閱讀、翻找書籍、走向電梯的途中，觀眾會意外看見一段臺中數據或城市圖像。

策展團隊以「一天的節奏」作為索引，從城市的甦醒、運轉、到熄燈，蒐集並整理出「100 個在城市走跳的理由」。這 100 句文字，來自不同職業、不同時間、不同面向的在地生活觀察，呈現臺中市民對城市最直接、也最真實的感受。這些理由被安置在書架內側、階梯踏面、甚至低頭找書才看得見的地板上。希望觀眾在翻書、走動或尋找資料的過程中，以最自然的方式「遇見」這些文本。

同時，本次展覽也穿插呈現十組「摺疊市居民」影像訪談，象徵城市生活的不同橫截面。這些生活者來自獨立書店、咖啡烘焙、茶文化、音樂選物、設計品牌與建築實踐等不同領域。他們的影像與「100 個理由」相互呼應，使抽象的日常語句得以落實在真實生活紋理上，呈現臺中城市由多元生活者共同編織的面貌。影像裝置以木構框架呈現，彷彿被夾入圖書館書架的一本城市立體書，將十組生活者的姿態、手勢、空間細節被凝成片段，象徵城市不是單一敘事，而是多種生活節奏交織而成。

十組居民包括：
草不草生活聚落／BLACK Design／青林檎 ao.ringo／感傷唱片行／Kind of Blue Records／SUMUGAGA Coffee／兆兆茶苑／TaiTai LIVE WILD／本冊圖書館／黃文彬建築師。

衛星展區延伸至黎光公園、黎明公園等多個戶外節點

在黎光公園，「伊德設計」涂以仁和「與木製研」陳建同共同以輕量木構建構出雙層空間，使公園具備同時可停留、可上升的使用方式。一樓提供遮蔭與休憩區域，樓梯以精巧構法銜接至二樓，形成尺度友善的動線轉換；二樓則呈現更為私密的植物花園，讓觀眾在高度變化中感受光線、風向與場域氛圍的轉折。透過精準調整坐椅、踏階與樓高的比例，回應「水平與垂直之間的空間摺疊」。

而在黎明公園，藝術家 Mike He以金屬與木構結合的形式，打造出由花形展開的休憩座椅。作品以臺中晴朗天空作為靈感來源，座面與結構在光線下呈現不同的反射層次，使觀眾在坐下的瞬間同時看見天色、雲影與周遭環境。透過開放且具雕塑性的造型，裝置在公園動線中形成一處可停留、可相望的節點，呼應展覽創造城市相遇的核心概念。

除了黎光公園、黎明公園等多個戶外節點，摺疊市也在夜間展開城市線索——誠星青年旅館 × STAR CAFÉ，誠星以「Foldy 的回聲線索」呈現角色從草圖、立體造型到實體公仔的完整開發歷程，讓觀眾得以在夜晚看見角色如何逐層成形。

此外，STAR CAFÉ 亦推出主題聯名特調，以展覽主視覺色系為靈感開發，提供觀眾在完成七大展區集章任務後兌換。從露台的尋找遊戲到特調的兌換方式，夜間活動延伸了展覽「製造相遇」的核心理念，使城市在夜晚呈現有趣的互動。

今年的特殊設計，是主展場與多個衛星展區的即時直播裝置。在圖書館的閱讀桌前，觀眾能看見公園裡的閱讀景象；在公園的木構裝置前又能看見市政府捷運站動線的流動。每一個節點都成為另一個節點的「觀景框」，人的行為也在影像的同步性中形成新的交會。不同材質、不同節點與不同觀看方式，因此被串成一張能互相回應的城市網絡：木構收集光影，金屬反射天空，連線打開場景的界線，讓相遇不只發生在同一個地方。

由「Foldy 摺摺」引路，走進一座開放式城市模型

由插畫家阿蕉創作的年度 IP ——〈Foldy 摺摺〉——角色設定源自策展團隊對城市性的觀察：臺中是一座不斷摺疊、延展、重構的城市，從山線、海線、屯區到都會區，每一層都是生活的摺痕。阿蕉以此為基礎，將角色設計為能自由轉換形體的幾何結構，像積木般可摺合、可展開，展現臺中特有的創意與共生能量。

〈Foldy 摺摺〉的出現方式並不喧嘩，而是以輕巧的尺度散落在主展場與六個衛星展區，初遇於黎新公園的設置大型充氣裝置，Foldy 作為視覺指引，隱身在裝置或動線之中，從視覺語彙延伸至街廓，彷彿引路人帶領觀眾一同進入「摺疊市」。

展覽的摺頁ＤＭ也以 Foldy 為靈魂人物，將角色拆解成數個部位並散落於七個展區之中；觀眾在翻閱摺頁、走進場域、踏查城市的過程中，會逐步收集到這些構成角色的線索，完成七枚章印後，Foldy 的身體也在摺頁上被拼湊成形，完成集章即可兌換限量 Foldy 小禮物，使城市探索形成一條完整的體驗路徑。

展覽期間也於黎明新村舉辦三場不同主題的市集，三個週末、三種節奏，使展覽從空間洞察延伸到生活現場，成為十二月最柔軟的一段城市篇章。

▍第一週｜疊疊城市（12.06–12.07）
以戶外風格、露營選物到手作器物構成十二月最自由的一段節奏。

▍第二週｜層層生活（12.13–12.14）
以香氣、木作、紙本與花藝堆疊生活細節，讓草地成為自然停下的日常場景。

▍第三週｜花宅好朋友 × 散步黎明（12.20–12.21）
以「散步」為生活起點，攤位結合植物、家飾與手作物件，呈現冬季午後特有的明亮與溫度。

「2025 創意台中」即日起至 12 月 21 日展出。展覽期間除了主展場與六個衛星展區，亦規劃多場講座、城市走讀與限定工作坊，從閱讀、步行到夜間探索，帶領民眾以不同方式重新感受城市的節奏。更多活動資訊與報名方式，請至「創意台中」官方網站及 Facebook 粉絲專頁查詢。

「摺疊市」
創意台中，進行中　𝟮𝟬𝟮𝟱 𝗖𝗿𝗲𝗮𝘁𝗶𝘃𝗲 𝗧𝗮𝗶𝗰𝗵𝘂𝗻𝗴 𝗗𝗲𝘀𝗶𝗴𝗻 𝗛𝘂𝗯

展覽日期｜2025.12.04 (四) ～ 2025.12.21 (日)

開放時間｜週二～週日 10:30 - 17:30 (週一休館)

主  展  場｜臺中市立圖書館李科永紀念圖書分館

衛星展區｜黎新公園 / 黎光公園 / 黎明公園 / 市政府捷運站 / 干城194有機書店 / 誠星青年旅館

_{文字整理｜Sunnie Wang}

在多數人的記憶裡，博物館總與白晝綁定，早晨開館、沿著展櫃靜靜移動、閱讀標示、保持安靜。但當夜幕低垂，空間氛圍悄然轉換，是否也能讓我們重新定義「博物館」的可能性？第四屆《館前一號所》，即是以這樣的想像展開。

位於臺中的國立自然科學博物館一夜限定的實驗場域中，三項亮點活動—劇場演出《恐龍重生》、角色導覽《躺平木乃伊》，以及一年可限定進入的複刻北宋水運儀象臺裝置《水運登頂》，不只是主題節目，更各自承載不同的觀展節奏與身體參與方式。觀眾不單走進展場，更是踏入情境、扮演角色，或親歷機械運作的結構現場；以一場重新佈局的文化設計，從敘事順序到感官觸發，打開夜間的博物館，成為一種新的觀看與感受格式。

夜間不是延長，而是轉換—三大亮點活動構築文化節奏

「我們想打破大家對『博物館＝嚴肅學習的地方』的印象」國立自然科學博物館館長黃文山如此定義《館前一號所》的核心概念。他強調，文化場域的角色應隨時間流轉而生成多重樣貌：「夜間開放是一種新的空間使用方式，讓大家用不同的節奏重新認識博物館。」他接著說：「博物館本身就有一種魔法，只要你願意踏進來，不需要任何知識背景，也不一定要帶走什麼知識，只要『來』，就能開啟你心中的那個魔法盒。」

本屆活動透過三張獨立票券，對應三條感官動線，構築一場限定三小時的沉浸式城市夜行。首先登場的《恐龍出沒》，從燈光投影下的骨架，到恐龍穿梭人群的瞬間，就抓住各方目光，引領觀眾一路由恐龍廳，進入「必可飛」劇場的《恐龍重生》沉浸式展演；打破傳統觀展框架，在劇場氛圍釋放空間張力，也讓知識與想像以更流動的方式發生。接著，《躺平木乃伊》透過塔羅與角色扮演，抹去導覽員與觀眾的界線，將古文明轉化為互動敘事。最後，《水運登頂》限定開放的天文裝置「水運儀象臺」，觀眾得以親自登梯、俯瞰、探索，在移動中體驗知識的立體感。

這三大亮點活動，構成《館前一號所》的核心動線，也讓夜色成為文化節奏的背景：觀眾跳脫觀看者，成為穿越劇情、參與展演的主體，於黑夜中展開屬於自己的博物館體驗敘事。

科技、解謎與導覽的沉浸感官設計

除了三大主軸外，今年活動亦安排四項關鍵節點，進一步拉開觀眾的感知層次。首先，《實境解謎 × XR互動體驗》透過行前下載 App，讓觀眾在展場內完成特定觀察任務，將科普知識與解謎遊戲交織為一場具參與感的科技探險；另一側，《萬物之森搜救隊》則將 XR 擴增實境融入任務，營造出具節奏與故事線的沉浸情境，讓展演從平面資訊跳脫至多面向的互動。

「我們發現觀眾在夜晚的參與方式更開放，互動比預期還要積極。」活動主要負責人之一、科博館營運典藏與資訊組主任蔡雪玲這麼說道，「無論是實境解謎還是 XR 搜救隊，我們都不希望只是單向灌輸，而是打造可以主動選擇的參與場域。」她也提到，像策展人夜間導覽這樣的經驗設計，反而更需要調整語氣與節奏：「語調要更像對話，少一點輸出，讓觀眾感覺自己是在被陪伴，而不是上課。」

最後，《恐龍派對》呈現了另一種感官參與形式，觀眾得以自由穿著、化身不同角色，在燈光與音樂中盡情徜徉展廳，在節奏感強烈的重拍間，於空間與身體之間找回主動權。

夜間博物館，能不能是城市文化生活的一部分？

除了上述的主題設計外，現場其實還有更多活動點綴整場夜行：從「防災職人公仔拍照盒」、易經卜卦與魔術方塊等互動攤位，到橢圓型廣場的夜間市集與音樂演出，以及社群展品投稿與限時拍照任務……這些看似零散的活動，實則構成了一種流動式參與節奏，讓每個觀眾能根據自身興趣，完成一場獨特的「夜間策展」。

在黃文山館長眼中，本次三項亮點設計不僅讓空間敘事更具延展性，也成功轉化觀展方式，讓觀眾在感官與知識之間找到新的接點。 「我們希望這不是特定時段的活動，而是長期打開文化空間的一種可能性。」他補充道。

無論是否走進劇場或登上水運儀象臺，《館前一號所》真正想打造的，是一種關於文化共感與時間解放的全新想像。

_{文 | 邵瀠萱    圖片攝影 | 李明宜}