高美館《泛．南．島藝術祭》開展！海洋、島嶼、部落文化與當代社會的交融碰撞

高雄市立美術館夏季大展《泛．南．島藝術祭》於7/17～11/14正式開展，由館長李玉玲擔任總策展人，歷時近3年紮實的南島研究踏查，收攏高美館過去15年展演原住民文化的累積，並融合現行大南方South Plus多元文化、平行史觀的脈絡，將南島當代藝術的內容擴展延續。本展揉和「去邊界」、「多元性」及「海洋文化」三大內涵，匯聚出自7國、23組創作者的62件作品，以豐富媒材呈現兼具國際藝術視野、在地文化脈絡的跨域展演，更譜出獻給人際間、人與自然間重建關係的序曲。

高雄市立美術館《泛．南．島藝術祭》

｜展期：2021年7月17日～2021年11月14日

｜地點：高美館101-104展覽室與戶外園區

｜開放時間：週二至週日，上午9:30至下午5:30 （週一、除夕休館）

｜配合政府防疫管制，展覽採線上實名預約制，以分時分流方式入館。

｜票價：全票NT$90、優待票NT$45、高雄市民平日免費

高美館館長李玉玲策展，親揭《泛．南．島藝術祭》命名意涵

《泛．南．島藝術祭》除由高美館館長李玉玲策展，也邀請到紐西蘭戈維特—布魯斯特美術館館長Zara Stanhope，以及帕特迦藝術博物館館長Reuben Friend擔任國際策展顧問，並廣納來自台灣、澳洲、紐西蘭、韓國、日本、巴基斯坦、法國23組藝術家，所創作的62件涵蓋繪畫、攝影、錄像、雕塑、裝置作品，將展覽的國際視角、藝術敘事塑造得更為全面完整。

至於展覽命題中的泛、南、島所謂何意？「泛 Pan」代表著連結與去框架；「南 Austro」表達相對於北方的多元性；「島 Nesian」則涵蓋了不可或缺的海洋文化。而英文展名 Pan-Austro-Nesian Arts Festival 縮寫 PAN 恰巧使得「去框架」成為展覽重點中的重點。

「地理上，南方是相對於北方的存在，而《泛 • 南 • 島藝術祭》的『南』則加上了文化論述的南方，表達出帶有相較邊陲、非主流、政經弱勢之處的意涵。」總策展人李玉玲解釋道，「在這個層面上，與作為海洋城市的高雄更是契合，因此高美館加入對於『南』的論述是很有意義的。」而整場展覽則如同一有機整體，觀眾如航行海面的小船，藝術家作品則是大洋中的島嶼，各自有其豐富故事，等待觀眾親身登島親身經歷。《泛．南．島藝術祭》期盼激盪更靈活的觀點，包含土地記憶、信仰與傳承，也提出人與人、人與自然重建關係的潛在解方。

高美館生態園區重塑「有機地景」，劉哲安竹編作品注入在地特色

《泛．南．島藝術祭》有一特別之處在於，展覽場域出走至高美館極具特色的生態園區，並邀請建築師盧建銘帶領阿美族學生，以南島民族文化為指向重新規劃此地。盧建銘表示，本次並非以「工程」解決環境問題，而是以「文化」為工具作為生態恢復的方式，透過長時間與土地互動，進而呈現乘載想像、記錄過程的「有機地景」，而在文化增強的過程中，其從家庭、部落、隱形導向，轉變為公共、都市、顯性取向，最終吸引多方族群在此融合，將此處轉化為一處嶄新藝術基地，日後對於館方舉辦戶外、與水相關的展覽皆有極大加乘效果。此外，其中亦展示西拉雅族藝術家劉哲安現地創作的竹編作品〈Tuturu ki Pusul〉，讓植物從部落文化延伸至內惟埤塘畔，成為高雄富在地文化特色的地景藝術基地。

《泛．南．島藝術祭》三大子題、展區重點整理

《泛 • 南 • 島藝術祭》規劃三大主題展區「從已知到未知」、「暗黑島嶼」、「生生流轉」，傳遞文化從相遇到衝突，最後以溫柔豐富的互動呈現藝術與當代社會對話的可能性。館長特別分享，此展跳脫常見的白盒子（white cube）策展手法，展覽子題的過渡與區域的分別沒有明顯的界線，選擇以「灰色斜牆」強調「連通性」的巧思，呼應英文縮寫 PAN 的概念，更使得蘊含著兩種子題意義的作品成為展區之間的銜接。

｜從已知到未知

海洋浩瀚而神秘，自古人類便對其滿懷征服與探索慾望，第一子題「從已知到未知」將探討人類如何面對海洋。由日本當代藝術家杉本博司（Hiroshi Sugimoto）所拍攝的〈海景〉系列揭開序幕，帶領觀眾航向充滿力量的南方海洋；接著透過毛利詩人藝術家John Pule長達十公尺的壯觀油畫〈致所有初來乍到之人〉，穿梭在不同時空情境的歷史與虛構事件中；〈海不平面〉則是高雄獎藝術家張致中首次發表的創作，以投影片投影機（OHP）為媒介，討論暖化海面上升、大氣觀察、島嶼消失等社會議題；而張恩滿〈蝸牛樂園三部曲－啟航或終章〉重達近60公斤的玻璃船隻懸吊於天花，運用投影裝置追溯非洲大蝸牛的遷移路徑，開啟藝術家探討身份認同的旅程。

｜暗黑島嶼

「暗黑島嶼」子題著墨於異質文化衝擊，初入展區映入眼簾的是緩緩旋轉、高達2米、鋪滿金箔的巨大地球儀，其為活躍於台灣、法國兩地的藝術家組合邱杰森＆莫珊嵐為本展創作的〈雅加達事件簿〉，以16世紀《東印度水陸誌》為基底，結合文獻檔案、太空遙測影像、地圖等元素，構成跨歷史與跨媒介的全球化人文地理圖誌；王虹凱作品〈Fuengu〉則以鄒族音樂家高一生的生命故事與歌謠為文本，探測歷史、社會、政治事件的異響；澳洲藝術家Jonathan Jones透過樹木拓印結合聲景，為本展打造〈無題（達拉馬林）〉，回顧現代化過程中被漠視的土地記憶與部族傳統。另外，有「人間國寶——澳洲工藝大師」之稱的原住民藝術家蘿拉．葛里諾（Lola Greeno）也展出極具當代工藝設計代表性的編織貝殼項鍊，其以模糊現代與傳統界線聞名於世。

｜生生流轉

「生生流轉」作為匯流《泛．南．島藝術祭》的最終子題，以豐富而溫柔的互動，展示藝術與當代社會對話的可能性。將代表紐西蘭參展2022年威尼斯雙年展的Yuki Kihara帶來〈薩摩亞之歌〉，以海洋為主題，使用薩摩亞傳統樹皮布製作的5組華美日本振袖和服，回應藝術家自身的薩摩亞與日本血脈，此外，另一件呼應現下疫情時代的作品〈隔離島〉也獨步全球首次展出；紐西蘭毛利藝術家Ngahina Hohaia高達5米的裝置作品〈響徹天堂〉由160根傳統毛利打擊樂器「潑伊」（poi）組成，光線伴隨著鼓聲、咒語，呈現煙火般繽紛的同心圓；阿美族藝術家拉黑子．達立夫的作品〈站立之舞〉則立於美術館大廳，如同藝術家拾取著海邊漂流木的姿態，也是人與自然、與先祖、與他者共舞的姿態。

高雄市立美術館《泛．南．島藝術祭》前導片

文｜Izzie Pang、湯侑宸

資料、圖片來源｜高雄市立美術館

廚房那瓶清透的橄欖油，或墜入鍋裡與義大利麵交融、或淋在沙拉和麵包上注入一抹清香，理所當然地陪伴著我們的餐食日常。那你是否曾好奇，這我們習慣從超市貨架取下的食品，在抵達日常之前，經歷過怎樣的土地淬鍊與生產系統的運轉？

藝術家黃麗音走進西班牙第一線生產現場，蹲點尋找答案，並將收穫集結為個展《丘之粼粼》，其現正於台北藝廊TKG+展出。踏入展場，枝葉婆娑的採收聲響與落果影像鋪展開來，將分散於自然、勞動與資本之間的片段，重新組構成身體化的觀看經驗。在看似平靜的場景中，一場關於制度和價值的反思，正靜靜展開。

圍繞著「食物」展開的藝術實踐

從裝置、攝影到多媒材雕塑，黃麗音的作品多圍繞著生活中不可或缺的「食物」展開，她關注食物在全球化經濟中的生產、流通與消費，從市場、貿易、產業、生產勞動，延伸至消費、包裝與剩餘物，探索著跨文化、也跨時代的物質流通系統。2025年，黃麗音曾在北美館打造一間「小吃店」，那是她的個展《Lili Deli 麗麗食品》——展場內堆砌出日常飲食消費的微景觀，反思現代人追求廉價和效率，方便與實用至上的生活方式。

2026年來到TKG+呈現個展《丘之粼粼》，她將視線推向食品生產鏈的上游，進一步回到食品生產的源頭，從橄欖園到工業流水線，追問一瓶橄欖油如何在自然、勞動與資本的交織之中，成為我們熟悉的形式。

到西班牙橄欖園實地踏查

黃麗音走進西班牙南部的橄欖園，追溯橄欖成為日常食物之前，所經歷的土地、時間淬鍊和身體勞動。接著將生產背後不同尺度的現實，諸如土地與工廠、植物與機械、勞動與消費……重新組構，讓原本分散於生產鏈不同位置的事物被置於同一展場，使觀者得以從橄欖油出發，看見橄欖從土地走向市場的歷程。從果實到成品，橄欖並未發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

變的不是橄欖，而是⋯⋯？

橄欖在大地中歷經熟成與採收，進入以效率、速度、產量與標準化為核心的生產系統；來到TKG+台北生產階段中，也被賦予了不同的價值與意義。然而，有趣的是，從果實到成品，橄欖其實沒有發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

走進橄欖油的一生

走入《丘之粼粼》展場，先能隱約聽見橄欖採收時枝葉間接觸的婆娑聲響，像是從土地深處滲出。雙眼所見是黃麗音在田野調查時所拍攝的影像，被轉化為覆蓋展牆的壁紙。此外，掉落在地上的橄欖、散落的枝葉……這些作物生長的尋常痕跡，經歷從植物、攝影對象到空間表面的身分轉換，在展場中成為了身體化的觀看空間，重新連結了生產現場與展覽。那些原本不會出現在商品最終樣貌中的滿地橄欖與枝葉，經由藝術家的選擇，成為展覽中的視覺主體，使被生產過程排除在外的痕跡，重新進入觀看。

對現實的「重新組構」

自20世紀初「現成物」進入藝術實踐以來，物件的藝術身份便不再僅由其自身決定，展示場域、藝術制度與觀看關係也逐漸成為作品意義的一部分。黃麗音延續並轉化這項實踐，將屬於日常的橄欖油及其生產過程中帶入作品，讓它脫離原有的使用脈絡，同時保留材質、功能、價格，以及生產、消費與丟棄等社會痕跡，成為承載勞動與資本關係的具體物件。

對黃麗音而言，現成物的創作並非單純的拼湊，也不是對既存現實的再現，而是一種「組構」：藝術家透過選擇與配置，將分散於不同社會位置的生產、消費與勞動關係帶入同一觀看空間，使隱藏於日常物件背後的社會關係得以浮現。

《丘之粼粼》呈現了對「習以為常」發出的遲疑，當物件從原有的使用脈絡中被抽離，生產現場的聲音、影像與痕跡也隨之進入展場，使那些我們熟悉的日常物產生陌生感。在離開展場後，貨架上的瓶罐或許仍維持原來的模樣，但我們觀看它們的方式，已經有所不同。

《丘之粼粼》黃麗音個展

展期｜2026.09.19－11.14

地點｜TKG+ （台北市內湖區瑞光路548巷15號B1）

在台北，秋季是屬於藝術的季節。「2026台北藝術週」將於10月24日至11月2日登場，這段期間，各家美術館、畫廊等藝文機構將祭出特展響應，從北到南、由東至西，在城市間編織出一張得以映射內心、療癒精神的藝術之網。本篇編輯精選10場展覽，不妨趁此親訪觀展。

《露水幻夢》Benjamin Spiers X 曾建穎雙人展

📍TAO ART

《露水幻夢》由來自英國的Benjamin Spiers（班傑明．斯皮爾斯）與台灣藝術家曾建穎，攜手策展人陳若盈一同呈獻。兩位藝術家的創作根植於截然不同的繪畫傳統，卻同樣著迷於身體作為「蛻變」場域的可能性。展覽由此出發，探索「可見之物」和「內在感受」之間持續流變的感知狀態，讓不安的美與張揚的怪誕彼此交織，形成一場矛盾又超現實的視覺對話。

Benjamin Spiers的作品充滿原始生命力，亦可見幻想交疊的幻象。他擅長運用油彩，以驚人的寫實感刻畫出奇幻的形體，細膩的肌膚質感彷彿觸手可及，令人難以抗拒。

曾建穎則以墨、膠彩與礦物顏料於細緻的紙材上創作，從宗教圖像中汲取靈感，將繪畫視為精神性的容器，創造出新的人體圖式，並與既有文化脈絡對話。比如在桃形屏風〈仙果〉作品中，他在屏風正面描繪一顆熟桃，切開的缺口微微露出桃的內部，下方的舌狀葉片則暗示感官慾望和生命無常；另一面則是近距離重疊的後腦勺與臉龐，既可能是鏡子前的自我凝視，也可能是兩個人物之間的親密舉動——自我與他者之間的界線因而模糊。

《喜悅與棲所：捷克當代攝影聯展》

📍圓山別邸 MAISON ACME

一百年前的巴黎，曾是捷克前衛藝術家追尋自由與實驗精神的中心。如今，策展人Štěpánka Stein集結14位捷克當代攝影師，回應前人追尋藝術的精神，展開一場跨世紀的對話。展覽中，攝影師們透過鏡頭，在動盪而撕裂的數位世代，藉影像追問著喜悅從何來？哪裡才是讓我們安心的棲所？影像作品擺盪在虛與實、紀錄和擺拍之間，邀請觀者在其中找尋自己的答案。

《C-GRAPHIC/TAIPEI——2020年代台北平面設計展》

📍NOKE忠泰樂生活

由香港平面設計師毛灼然、日本編輯暨設計師後藤哲也共同策展。展覽源自後藤哲也主編的《C-GRAPHIC INDEX》一書，其中「C」代表「Chinese」，從漢字文化圈出發觀察當代華語平面設計；進入策展環節後，則進一步聚焦於使用繁體中文的城市「台北」，並選擇1980至1990年代出生的設計世代作為主要觀察對象。

展覽除了呈現海報、出版物、品牌識別與影像等作品，也試圖理解設計師如何學習、生活、受到什麼影響，以及這些創作如何與城市文化及社會脈絡相互交織。

《小日夢》寺倉京古個展

📍白石畫廊

以陶土為材，日本新銳藝術家寺倉京古常以「孩童」為創作主題，用陶捏塑出圓潤形體，重現孩子樸稚姿態，藉此捕捉日常生活中微小卻珍貴的希望，以及近乎被遺忘的純真。《小日夢》集結各式姿態的孩童雕塑，他們或靜靜沈睡、或乘著雲朵眺望，乘載著存於人們心中的細膩情感，也象徵著每個人「曾經擁有的自己」。

《銀河脈輪》

📍Bluerider ART 台北・微風廣場

在百貨公司也能看展！Bluerider ART位於微風廣場的據點，推出《銀河脈輪》藝術家群展，集結美國藝術家Carol Prusa、德國藝術家Eberhard Ross、捷克藝術家Jan Kaláb等多位國際藝術家之作，共同叩問一個古老而雋永的命題——宇宙秩序如何映照於身體與心靈之中。

展覽以卷軸雙面畫《奇異吸引子》為亮點，9米長的巨大尺度令人路過櫥窗很難不多看一眼。卷軸一面描繪人體脈輪、能量向外流動的軌跡，另一面則以詩句與物理方程式，描述宇宙均勻與空間擴展，使「內在」的脈輪能量線與「外在」的宇宙演化在兩面對望。

《丘之粼粼》黃麗音個展

📍TKG+

2025年曾於北美館推出個展《Lili Deli 麗麗食品》的黃麗音，長期關注食物在全球化經濟中的生產、流通與消費，創作從市場、貿易、產業到生產勞動，延伸至消費、包裝與剩餘物的重新組構。這次她在TKG+呈現的《丘之粼粼》，將視線推向食品生產鏈的上游，進一步回到食品生產的源頭，從橄欖園到工業流水線，追問一瓶橄欖油如何在自然、勞動與資本的交織之中，成為我們熟悉的形式。

她走進西班牙南部的橄欖園，追溯橄欖成為日常食物之前，所經歷的土地、時間淬鍊和身體勞動。接著將生產背後不同尺度的現實，諸如土地與工廠、植物與機械、勞動與消費……重新組構，讓原本分散於生產鏈不同位置的事物被置於同一展場，使觀者得以從橄欖油出發，看見橄欖從土地走向市場的歷程。從果實到成品，橄欖並未發生根本性的改變，改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

《無筆之繪》Dirk Salz個展

📍Bluerider ART台北・敦南

拋開傳統形式，不以畫布和畫筆作畫，德國藝術家Dirk Salz（迪爾克．薩爾茲）用油漆滾筒創作，並借助樹脂潑灑時的重力流動，讓作品跳脫傳統極簡主義的框架，持續展現並探索透明度、色彩張力，以及光線與空間之間的關係。

展名《無筆之繪》指向Salz不使用畫筆的創作方式。他將顏料調入樹脂，以油漆滾筒鋪展色層，再順應重力讓樹脂自然流淌、趨於平整；每一層須待固化後，方能覆上下一層，作品在反覆堆疊與等待中逐步成形。薄如玻璃的色層彼此交疊，光線在其間穿透、折射、反射，色彩不再停留於表面，而是從深處緩緩浮現。沒有筆觸，也沒有手繪痕跡，畫面由材料、重力與時間共同完成，模糊了真實與虛幻的邊界，正如他所言：「我想要創造的，是一個不能被詮釋的情境，一個觀者與作品之間無法言說的感受，姑且稱之為『魔法』的地方。」

《夜的日光》

📍Taipei Lumitree 敦南之森

「光」是藝術家謝鎮璘DAMONXART的靈感泉源。在敦南林蔭大道下的藝術光廊Taipei Lumitree，他結合錯視、光柵材質及風力驅動裝置，將你我熟悉的日月意象轉化為持續變動的視覺經驗，讓觀者在夜色中看見日光，閱讀太陽與月亮之間的對話，深刻感受光是如何改變雙眼所見的景象。

多年來，謝鎮璘持續從旅行與日常觀察中提取色彩，將天空、海洋與地平線的印象轉化為創作語言。在《夜的日光》中，他將這份觀察聚焦於日與月的關係——光如何從一個地方抵達另一個地方，又如何在反射、材質與觀看位置的變化之中，被感知為不同的形態。

《溫柔災變》女性藝術家聯展

📍T Space

作為首場公開展覽，T Space邀請亞紀畫廊負責人黃亞紀策展此檔女性抽象藝術家群展，《溫柔災變》集13位女性藝術家，她們各來自不同時代、地域和文化背景，作品在此展相遇交會，共同呈現女性力量如何探問持續變動的世界，以及藝術能為我們帶來什麼療癒與啟示。

展名所提的「溫柔」，並非脆弱或被動承受，而是藝術家讓感知和直覺保持開放，持續面對無法完全掌控的變化，容許自己進入流動、矛盾與未知，並反覆思辨的狀態。展覽在女性的敘事下，呈現出生命經驗的不同面貌——當女性經驗不再只由疼痛、承受與犧牲所定義，人們能否看見女性作為獨立的認知主體，如何理解自然、身體以及自己所處的世界？

《代理之窗》張書瑋個展

📍洪建全基金會

洪建全基金會自2015年起舉辦的「問問題計畫」，每年都會提出一道問題，探討社會、文化與生命內涵，並妥託藝術家透過創作對答。今年度計畫探討的是什麼？在科技以親切形象滲透日常的今天，人與機器早已互為義肢。只要算力足夠，AI就能化身成為密友、戀人、心靈導師，甚至是神明——這種「不需要對等，不需要協商，也不會有拒絕」的新關係，正在悄悄改變我們對情感的認知。

展覽由此切入，由藝術家張書瑋擔綱答題者，藉影像裝置、互動雕塑和錄像，探討AI與人類之間的「親密關係」。

展覽將「你＋我＋AI」共同建構的世界封裝成一個情感景觀，一段「親密關係」的模擬現場，一場由裝置、介面、系統、使用者自身的投射共同鋪設而成的遊戲。動線如同一道逐步深入的程序，映照出人與機器緊密互動之間，所產生的肉體或情感上的關係變化。看展過程中，親近與不適的感受並存，觀眾將能感覺到身體與意識逐漸被切片、解構，隨後迷失於遊戲之中。