柏林Berl-Berl展覽重現千年前沼澤地貌！3D影像、環境音與自然標本構築奇幻世界

在歐洲城市中，柏林是個帶有奇異色彩而獨樹一幟的存在，雜揉過往分裂留下的故事感、日落後夜場傳來的電子樂音、崇尚自由與突破的現代精神，這座城市成為許多創作者的靈感溫床，更是高實驗性質藝術盛放的場域。近日，當地藝術基金會LAS攜手丹麥藝術家Jakob Kudsk Steensen舉辦「Berl-Berl」沈浸式展覽，在展演空間Halle am Berghain以3D影像、環境音效與自然標本交織出嶄新世界，引領觀者探索千年前仍是一片沼澤地的原始柏林。

Jakob Kudsk Steensen擅以3D影像、環境聲響打造沈浸式體驗

丹麥藝術家Jakob Kudsk Steensen擅長以3D影像、聲響與大型裝置營造沈浸式氛圍，並講述關於生態環境與歷史的故事，而為了讓自然現象與地景以最貼近真實的形象呈現，創作過程中總需耗時數月進行實地勘查。Jakob Kudsk Steensen的創作手法、作品畫風皆帶有難以言述的未來感，可有趣的是，其探討的可能是存在於千年之前的古老故事，這項特質也反映在本次在柏林舉辦的「Berl-Berl」展覽上。

Berl-Berl：獻給柏林的沼澤之歌

僅用沈浸式展覽來描述Berl-Berl似乎太過單薄，Jakob Kudsk Steensen透過3D影像、環境聲響、散落在場域中的螢幕裝置，與Halle am Berghain的鋼材與混凝土外觀巧妙互動，構築出帶原始風貌的自然虛擬世界。「這是一首沼澤之歌。」展覽主辦方LAS如此形容Berl-Berl，那為何藝術家會以沼澤為主題進行創作？原來柏林原是由萬年前冰川遺留下的沼澤地，在地景隨時間轉變、又經族群遷徙後才逐漸形成今日自然與人文樣貌，而「Berl」一詞正是斯拉夫語中沼澤的古字，同時也是柏林Berlin名中的前四個字母，巧妙以雙關寓意向城市的過去與現在致敬。

數月實地勘查、柏林自然博物館標本成就完整沼澤世界

為了呈現沼澤景觀，Jakob Kudsk Steensen在柏林與布蘭登堡（Brandenburg）一帶遺留濕地，展開為期數月的地景研究，過程中以微距攝影測量方法記錄濕地中的各個細節，即便只是一片葉子、一灘泥土這類小型量體，都會仔細拍下上百張，而後再將素材與渲染後的3D影像做結合，並運用Unreal Engine呈現最終近乎真實、讓觀者宛若身臨其境的自然景象。除此之外，柏林自然博物館（Museum für Naturkunde Berlin）中收藏的標本也被運用在展覽當中，而由聲響藝術家Matt McCorkle與歌手Arca協力創作的音效，潺潺流水、蟲鳴鳥叫、兩棲動物所發出的生物音，都將Berl-Berl創造的沼澤世界形塑得更為完整。

斯拉夫神話完整Berl-Berl世界觀

Berl-Berl不僅重現自然景觀，更將當時的人文背景融入其中，回溯柏林仍是沼澤地的久遠時代，此處為斯拉夫人定居之地，因此藝術家特意將民族傳說埋進展覽敘事當中，以神話中戰神特里格拉夫（Triglav）三頭形象所代表的寓意「Prav」（天堂）、「Yav」（地球）、「Nav」（冥界）為索引，將Berl-Berl中從天空、樹木、水灘遞嬗到灌木叢的景象與之呼應，構築一處擁有外在形象、內在意涵的完美虛擬世界。

盼Berl-Berl激發觀眾探索環境、歷史的好奇心

其實Jakob Kudsk Steensen想藉Berl-Berl傳達的概念，不僅止於展演形式上的突破，也盼以觀眾難以想像、少有機會體驗的視角，帶領他們回頭探究城市過往，並建立起現代與歷史間的橋樑，進而激發人們對環境、生態系統的好奇心與重視。歷史之所以被書寫，便是為了讓後世記起與追憶，也許，你我都該像Jakob Kudsk Steensen一樣，嘗試著透過藝術、科技或任何感到自在的方法，更深入的認識自己腳下的土地。

▶Berl-Berl展覽線上看

資料｜LAS

圖片｜LAS IG（by Timo Ohler & Juan Camilo Roa）、berlberl.world（by Jakob Kudsk Steensen & Timo Ohler）、jakobsteensen.com（by Hugo Glendinning）

2026創意台中以「WHIRRR：POWER CITY 動力城市」為題，將目光轉向臺中深厚卻相對隱形的製造產業，從機械、技術與歷史出發，以創意為媒介，思考文化如何與製造搭建起溝通的雙向橋樑。

對臺中而言，製造業是城市性格的一部分，不同於以大型企業或單一產業聚落為核心的城市，臺中長期累積出綿密的中小型製造網絡，從機械、金屬加工到工具機，彼此分工、相互支援，也在一次次客製需求中培養出面對問題、調整方法的能力。

當製造網絡遇上藝術文化，當創作者走進製造現場，兩個完全不同領域的碰撞，如何產生「觀測、對話、重組」？2026創意台中便以此為題，打造「WHIRRR：POWER CITY 動力城市」，讓設計創作者與製造工作者共同編輯一座城市的文化內容。

兩種不同的語言，嘗試開始對話

由臺中市政府文化局主辦的「創意台中」，自2024年開始發展的Design Hub概念；2026年，由擅長跨域整合的樸實創意延續操刀，將視線從人生活的地方轉向城市的原始動能。三年的路徑，從街區、聚落走向工廠，始終圍繞著同一件事：靠近城市，理解城市，然後重新編輯城市。

臺中的製造業非常發達，天心工業、以盛工業、仕興機械工業、台中精機廠、利茗機械、漢翔航空工業等許多精密加工、零件製造都從這座城市出發、走向世界，卻長期存在於一般人的視線之外；它們支撐著城市運轉，卻未必成為城市文化的一部分。因此，Design Hub所提出的「觀測、對話、重組」，便希望把製造現場往前推，讓它成為可以被觀看、被理解，甚至被重新想像的文化現場。

一場沒有主從關係的跨域實驗

一件作品的生成，是許多人共同編輯的結果；一座城市的製造力，也不是由單一個體完成，而是在彼此連結、分工與合作之中形成。臺中製造業特殊的地方，便在於數十年產業發展所形成的密集協作關係：一間工廠可能專注於某一道加工程序，另一間掌握不同材料與技術，彼此透過長期合作完成一件產品。材料如何處理、機器在什麼狀態下最穩定、一道工序該如何微調，往往都來自老師傅們長時間累積的經驗判斷。工廠裡可能同時存在「人的手感」與「機器的精準」，因此臺中的製造業很適合談新舊融合。

在Design Hub的實驗裡，創意實地走進了工廠，工廠也嘗試打破既有的框架，讓創作者提出想像。對創作者而言，工廠是一個陌生的世界；對製造企業而言，文化與藝術如何介入生產現場，同樣充滿未知。正因為彼此陌生，才可能產生新的觀看方式。

透過現地採集，與不同角色間的對話建立關係，最後以設計轉譯成文化內容。藝術與設計像是溫柔地替技術現場編織一件美麗的斗篷，展現在觀眾眼前，斗篷底下仍是那座擁有自己產業語彙的穩健網絡。策展團隊想做的，是將工廠、創作者與觀眾連結共享，讓彼此都成為一座座城市裡的Hub。

製造現場也可以成為藝術發生的地方

在這次展覽中，可以發現許多作品裡刻意保留著製造業的痕跡：原始機械、工廠空間、製造後的廢棄物、使用過的手套工具們，這些元素沒有被消除，反而成為展覽的一部分。當我們真正走進製造現場，會發現「製造」本身就存在創作性。創作者進入工廠後，取材的是製造現場裡原本容易被忽略的美：機械運作的節奏、材料的型態、空間裡的光線，或者職人長年累積於手上的經驗痕跡。這些平凡日常透過影像、設計與文學等方式被重新轉譯，於是製造開始與文化產生對話。

這樣的跨域實驗之所以適合在臺中發生，正因為製造深深嵌入居民的城市生活。工廠提供生產的動量，職人承載技術與經驗，創作者負責提出新的觀看方式，而市民則透過展覽與文化活動，重新認識一座城市原本隱形的力量。

一座仍在運轉的Design Hub

如果說過去的Design Hub是不同視角觀看城市的實驗，那麼今年的「WHIRRR：POWER CITY 動力城市」，則是進一步追問：一座城市究竟是如何被製造？答案不只存在於建築、街道與文化場館，也存在於工廠裡不停運轉的機械、職人的雙手，以及那些從臺中出發、卻鮮少被看見的技術。

藝術與製造，策展團隊讓兩條平行線開始有了交會點，或許這也是創意台中在今年最重要的轉變——不只把設計帶進城市，而是開始發現：城市本身就是一座持續製造、持續創作，也持續重新定義自己的Design Hub。

WHIRRR：POWER CITY 動力城市
𝟮𝟬𝟮𝟲 𝗖𝗿𝗲𝗮𝘁𝗶𝘃𝗲 𝗧𝗮𝗶𝗰𝗵𝘂𝗻𝗴 𝗗𝗲𝘀𝗶𝗴𝗻 𝗛𝘂𝗯

展覽日期｜ 2026.10.03 (六) — 10.18 (日) 

開放時間｜10:00 - 17:00

主展場｜臺中州廳 中山廳
衛星展區｜驛前社 / 繼光診療所 / 富興工廠1962文創聚落 / 樂田活版工房 / 民生路老宅56-3

更多資訊請見官網

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由藝術總監顏伯駿統籌創意與視覺方向，臺北時裝週SS27從80多年歷史的紅磚建築出發，讓當代時尚與城市文化展開新的對話。從姿態、光線、色彩與服裝，重新思考身體如何成為時尚與文化的載體。

邁入第9年的臺北時裝週，持續從時尚產業、創作與文化之間尋找新的可能。上半年AW26以回歸品牌、導入多元展演形式與強化產業輔導資源為方向，支持臺灣時尚品牌提升產製品質、拓展大眾市場。本季SS27則將於10月15日至18日首度移師空總國家文化基地，延續對當代時尚多元樣貌的探索。

取自空總國家文化基地紅磚建築的鮮明色彩，並轉化為影像中流動的紅色光譜，SS27系列視覺回到時尚最原初的載體——身體，透過光影、色彩與服裝探索身體；同時從傳統伸展台延伸至形象展演與風格展，集結13組品牌發表最新系列、53家設計師品牌參與展售，讓時裝週不只是展示創意的舞台，更成為連結產業與市場的平台。

從身體出發，看見時尚的不同輪廓

由藝術總監顏伯駿統籌創意與視覺方向，攜手攝影師周墨、造型師Poga完成的SS27主視覺，將身體視為持續變化的創作載體。服裝改變身體原有的比例與線條，身體則賦予服裝新的姿態與情緒；一次轉身、一個動作，都可能產生不同的視覺感受。

本季視覺創作將「觀看身體」作為重要命題，延續臺北時裝週近年持續強調的開放性與多元性，不同品牌、創作者與文化背景在同一平台匯聚。空總紅磚建築的鮮明色彩轉化為影像中的紅色光譜，讓光線穿梭於建築、身體與服裝之間，展現臺灣時尚具彈性與流動性的面貌。

13組品牌，從伸展台到沉浸式展演

SS27共規劃5場Runway與8場Presentation，13家品牌將以不同形式呈現最新系列。Daniel Wong、GIOIA PAN、INFDARK、INMORIES及JENN LEE將透過伸展台走秀，完整呈現服裝系列與品牌世界觀；AISH、CHARINYEH、Claudia Wang、JUST IN XX、oqLiq、Story Wear、WEITZUYUAN及Yentity則以形象展演登場，結合空間、影像、裝置與表演，打造更具故事性的觀看體驗。從伸展台到空間展演，服裝成為觀眾進入品牌創作語境的入口，也呈現臺灣時尚在設計、文化、科技與生活之間的多元樣貌。

除了品牌發表，本季首度推出「風格展」，於10月15日至18日在文化空總古蹟大樓1樓登場。集結53家具備品牌發展潛力的設計師品牌，分為當代生活、時尚客訂、風格配飾與時尚櫥窗四大類別，並導入自主策展方式，讓品牌依照自身定位規劃展示方式，呈現產品、風格與創作理念。

展期也開放一般民眾自由參觀與購買，相較於過去以產業交流為主的時裝週，SS27進一步加入B2C模式，讓觀眾看秀之餘，也能直接認識品牌、選購設計。同時，本季上線買家洽商與媒合系統，讓品牌與專業買家提前預約洽談，並與CLA Fashion Platform合作推出線上選購專區，從實體展會延伸至數位市場，讓臺灣設計進一步被看見、選擇。

打造更完整的時尚平台

延續AW26啟動的轉型方向，臺北時裝週SS27除了聚焦於服裝發表，也持續透過品牌培育、跨域合作與國際交流，支持臺灣設計走向更大的市場。當時尚進入文化基地，臺北時裝週逐漸成為串聯創作、文化與市場的平台；同時，也帶著全新的觀看方式：身體可以移動、服裝可以改變、文化可以混合，而時尚也始終在不同創作能量的交會之間尋找新的形狀。

臺北時裝週 Taipei Fashion Week SS27

展期｜2026.10.15～10.18

地點｜空總國家文化基地