是現實也是超現實，吉田Yuni（吉田ユニ）獨一無二的奇幻世界觀，擄獲了渡邊直美、星野源、Perfume 等個性派名人的心，更是迪士尼、UNIQLO、Laforet 百貨等流行產業爭相合作的對象。這次特別專訪吉田Yuni，聽聽她是如何塑造其可愛幽默的魔幻創作風格。

步入吉田Yuni位於東京原宿的工作室，映入眼簾的是厚實溫潤的大面木桌和造型各異的復古木椅。初夏應景的繡球花束及吊掛在樑上的鹿角蕨散發出靜謐氣息，和她本人的印象同樣內斂安靜，一時之間無法和那些充滿奇思異想的作品連結在一起。但聽她談起自己的創作時，可以感受到那文靜表象下蘊藏著對廣告設計最純粹執著的玩心。

廣告設計，沒有正確答案的解謎遊戲

吉田Yuni小時候喜歡畫畫和動手創作，最常玩的是用掏耳棒後面的棉球假裝採集指紋，定睛尋找各種「證據」的「鑑識現場」遊戲。在母親的支持下，中學時進入有美術專科課程的女子美術大學附屬中學。升上高中後主修油畫，奠定了人像及靜物描繪的基礎。大學時在設計師長谷川好男的課堂上接觸到廣告設計，就此深深愛上了這個領域。她分享自己投身廣告設計的理由：「廣告有一個說好也不好的特性，就是它有很多『限制』。像是破解一個沒有正確答案的謎題一樣，必須絞盡腦汁、抽絲剝繭，蒐集各種線索後找出既能滿足需求又能展現創意的平衡點，在種種制約中將自己的想法發揮到極限的過程非常有趣。」

大學畢業後，吉田Yuni進入知名廣告創意設計師大貫卓也的事務所，這段經歷奠定了她日後對創作的堅持。她回憶道：「大學的自己有很多想法，一有靈感就急著動手執行，不太計較過程，只要腦海中的畫面能夠成形就心滿意足。但在大貫設計師的拍攝現場學到了將發想可視化的執行過程更為重要，所有枝微末節的質感都必須謹慎琢磨，才能將想法真正反映出來，也才能達到完美效果。」而在大貫卓也事務所修行3年半後，她轉入同是女子美術大學出身的鬼才設計師：野田凪的宇宙country事務所。

真實物件的力量

她的名字「Yuni」，其實是當時大貫卓也送給她的餞別禮物，兼具了unique的發音與意義。而她也的確在2007年獨立接案後，以不靠後製、全實物拍攝的超現實風格，在廣告界樹立了獨一無二的個人招牌。問到她如何形塑這樣的創作手法時，她的回答是：「我不使用電腦特效並非追求『原來沒有靠後製？！』的驚嘆，只是單純希望從頭到尾都能親自參與。除了確保每一個細節都能表現到位，虛體構想轉化成實體成果的過程太有趣，最後若是靠後製特效，我就無法參與了。至於堅持實體物件拍攝，是因為物件的真實性可以為整體畫面增加視覺感知的厚度與溫度。特別是花卉、水果這些自然的產物，雖然都是花，但沒有完全相同的花，這種獨一無二、無可取代的真切與存在感很有力量。」

問及如何獲取靈感時，她有點不好意思地回答：「我其實很愛宅在家或工作室，也不太會看很多的設計雜誌或展覽⋯⋯應該都是靠對生活周遭的觀察和聯想吧。像在街上跟著主人散步的狗群很可愛，看著看著就看出牠們一隻隻都是同色系卻又各有差異的漸層感，因而發展出LOWRYS FARM 2018年的宣傳視覺。我不會特別把靈感記錄下來，而是一直看一直看，這些實際出現過的畫面和當下所做的聯想在發想時就會自己跑出來。我也會看搞笑節目、恐怖故事，也喜歡找歌手的悲傷作品，或是像畢業驪歌、舒伯特的〈魔王〉這類有點幽暗傷感的歌曲來聽。雖然自己並沒有刻意將這些部分投射在作品中，但多多少少有所影響吧。」

一枚繪，單一畫面的力量

創作時習慣手繪草圖，再掃描進電腦製作定調色彩與質感的彩色草稿，此時的視覺概樣已鮮明完成，最後就是在攝影時將細節推至極限。吉田Yuni的拍攝現場都很不簡單，像是雜誌《裝苑》的連載作品中，演員村上虹郎為了「流體領帶」倒了快100次的咖啡；2019年個展《Dinalog》海報中模特兒頭髮斜切至沙發、盆栽的斷面角度喬了近8個小時。她分享她的拍攝現場樣貌：「花卉會漸漸枯萎、水果會漸漸變色、泡泡會漸漸消失，每次都是跟時間賽跑，必須趁新鮮的時候完成，把那個最精確的瞬間捕捉下來。」她的作品經常出現錯視手法，將人物或花、食物、水果等道具，堆砌成經典卡通人物形貌，「如果是米奇米妮這種家喻戶曉的卡通人物，對形狀的準確度要求嚴謹，必須花很多時間去推敲微調。」一個一個細節的堆疊成就了畫面的層次與深度，吉田Yuni以其堅持與專注力將單一畫面的力量發揮到極致。而她合作的對象大都是個人色彩強烈的明星，受眾對被攝者的既定印象是否會阻礙畫面設定的故事性呢？她倒不這麼認為，「難得他們願意參與拍攝，所以我都盡量發掘或強化這些明星們平常不太外顯的部分。而且往往是因為他們的個性夠鮮明才接得住我在畫面中安排的設定，而不會被那些充滿聯想或違和感的道具所淹沒。」

其實不想被認出來是吉田Yuni

身處高度競爭的日本廣告創意界，她認為現在社群網路發達，每個人都在看、每個人都在創作，單純的感官錯覺是無法吸引大眾目光的。「所以我會加一些不尋常的違和感、似乎有點好笑的幽默感等辛香料在作品中。最重要的是，只想著做可愛有趣的東西是不夠的。廣告有其目的性，還有預算、商品形象、時代感等各種條件都必須滿足才可以『破關』。身為藝術總監，除了設計還需要綜觀、掌握整個案子的推進。單純做出吸睛的視覺，卻沒有把商品或人物推進受眾心中的話，也難以稱之為一個優秀的藝術總監。」但就連她自己也覺得有點矛盾，「每次聽到『這個一看就知道是吉田Yuni的作品』時，雖然感覺被肯定很開心，但同時也會有一種『居然被認出來了』的小小挫敗感。我希望可以一直推陳出新，持續創造出各種新穎的變化與想法，以這樣的姿態繼續全力衝刺下去。」

吉田ユニ（Yuni Yoshida）

生於1980年。女子美術大學畢業後歷經大貫設計事務所、宇宙country事務所後，於2007年獨立。設計範圍含括廣告、唱片封面、影像與書籍裝幀。2019年在Laforet Museum原宿的個展《Dinalog》創下17天展期3萬6,000次進場的紀錄。曾獲2016年東京ADC賞、2019年每日設計獎。2016年起於時裝雜誌《裝苑》發表創作連載單元PLAY A SENSATION至今。

IG：yuni_yoshida

文｜高綺韓　　圖片提供｜Yuni Yoshida

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN