北美館《現代驅魔師》開展!10組藝術家探索從人類過渡到「後人類」的真義

北美館《現代驅魔師》開展!10組藝術家探索從人類過渡到「後人類」的真義2

即日起至2022年3月6日,《現代驅魔師》於臺北市立美術館一樓正式展出,展覽由資深策展人蕭淑文策劃,主題圍繞在「後人類」所體現的一連串思想,並重新思考現代人類在科技召喚下的處境。「今天如果『科技』扮演了『驅魔師』的角色,對人類進行全面『優化』,那麼傳統意義下的『人之本質』仍會存在嗎?」是策展人蕭淑文透過本展提出的叩問,而展覽也邀集10組藝術家自此提問開展,共同探索從人類過渡到後人類的真義。

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《現代驅魔師》主視覺

10組藝術家呈現人類社會面臨的混沌現世

在技術中介、凡事建立在「科技─工業」設置基礎的時代,歷史進程給人一種大雜燴的印象,人類開發一套更複雜的技術,包括賽博格、基因改造、數位化的身體系統、無形實體的信息網絡等,而21世紀的新科技不僅解構人文主體、讓人類失去中心位置,更把掌控權交到演算法、生物科技、人工智能手中,呈現後人類一種令人恐懼與不安的佈局。

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Pakui Hardware,《下腹》(局部),複合媒材、裝置,現地製作,2019

參與本展的10組藝術家/團體的共通點是,企圖在跨學科實踐、後人類主義風潮下,找出和藝術世界的關聯,並透過混合了物件、裝置、聲音、影像(包含靜態展示)和臨場表演的表現形式,呈現自身對人類社會正面臨混沌變局的感知。

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Cécile B. Evans,《心之所欲》,HD影像裝置,彩色有聲,尺寸依空間而定,41分5秒,循環播放,2016。

《現代驅魔師》作品搶先看!

立陶宛雙人創作組合Pakui Hardware所打造的巨型裝置《下腹》,藉由人造材料形構類人類器官來描述物的擬態,以生物科學理論和技術人造物,表達一種後人類的文化涵義和信息迴路。

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Pakui Hardware,《下腹》(局部),複合媒材、裝置,現地製作,2019

瑞士藝術家Stefan Kaegi╱里米尼紀錄劇團在《聖殿》中,章魚成為表演性作品的主角,經由觀察與學習的能力,創造了生物系統,營造與觀眾不同以往的互動體驗。

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Stefan Kaegi/里米尼紀錄劇團,《聖殿》(影像截圖),演出紀錄,56分30秒,2021。圖像由藝術家提供 © Philippe Weissbrodt

英國藝術家Kate Cooper的三頻道影像裝置《症狀機器2019》,借用電腦三維動畫技術(CGI),聚焦在廣告和流行文化中對女性形象的描繪,藉由這些搏鬥的身體,批判資本主義的剝削性問題。

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Kate Cooper,《感染驅動程序》,彩色有聲,尺寸依空間而定,07分29秒,2018。圖像由藝術家提供。

比利時裔美國藝術家Cécile B. Evans錄像裝置《心之所欲》創造出一個具有人類特徵的全能系統(HYPER),藉由多重敘事軸線,不斷地游移在「真實的」與「偽造的現實」的邊界,部署了由物質、能量、空間和時間壓縮所形構的世界觀點。

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Cécile B. Evans,《心之所欲》(影片截圖),HD影像,41分5秒,循環播放,2016。圖像由藝術家和Galerie Emanuel Layr提供。

臺灣藝術家黃博志《椅子,砂紙,蟑螂,海,七,白蟻和香蕉》同樣以CGI動畫搭配遊戲引擎的編碼,製作出融合父親與自己特徵的虛擬化身,把患有思覺失調症的父親的日常,透過7種物件拼接成一個電子肉身。

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黃博志,《椅子、砂紙、蟑螂、海、七、白蟻和香蕉》(影像截圖),CGI動畫,4K單頻道錄像,彩色有聲,循環播放,15分鐘,2021。圖像由藝術家提供。

臺灣藝術家陳瀅如《致幻記III : 2-19-20》,以聲音、燈光、物件、素描及影像營造出抽象的靈動世界,創造夢境和意識之間轉換的場景,把我們的神經和心靈一併喚醒。

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陳瀅如,《致幻記 III:2-19-20》(影像截圖),複合媒材,HD影像,2021。圖像由藝術家提供。

英國藝術家Sidsel Meineche Hansen結合色情產業製作《3D迪克女孩(X級)》CGI動畫片,以酷兒女權主義對資本主義、父權社會的身體操縱批判為核心意旨。

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Sidsel Meineche Hansen,《3D迪克女孩(X級)》(影片截圖),電腦三維動畫,HD影像,3分鐘,2016。圖像由藝術家提供。

臺灣藝術家劉家銘其一作品《Confession, Yes!》展示網路空間景觀地貌,象徵著人類和世界透過電腦網路連接形成一個共生聯盟,而網路世界成為人類最終的告解之所。

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劉家銘,《通靈板》,數位微噴、機械裝置、電子元件,200x200公分,2019。圖像由藝術家提供。

隨著後人類時代一切事物朝向具體化的虛擬,臺灣藝術家吳書原、耿寧的《迷霧花園》發出了一種超脫世界的暗喻,企圖傳達人類對真實世界具備獨特的感知能力,此作品繞過科技這一層,提出一個「明日生活指南」的假設,其背後隱含的是人類生命循環這個亙古不變的本質,及理解自然之於人類的意涵。

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吳書原+耿寧,《迷霧花園》,景觀(油杉、雪松、灌木、草花),現地製作,2021。圖像由藝術家和臺北市立美術館提供。

除此之外,本展由劇場、新媒體等不同背景的創作者,共同成立「驅魔師集會製作委員會」,以「人類如何改造自身,讓自己變得更好」為題旨,邀請跨學科的專業研究者用科技敘事,錄製5集跨主題的Podcast。

另亦邀請5組表演團隊,以「人類為何需要改造自身?什麼是更好的(未來)人類?」為題,於展期間進行45場講演式表演(lecture performance),將結合影像畫面、即時投影、音聲、物件、偶戲、肢體等表演元素,回扣主題文本。

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驅魔師集會製作委員會,《驅魔師集會》場景照片,5集線上廣播、45場演講表演,2021。圖像由藝術家和臺北市立美術館提供。

最終提問:何為人? 

近年來,不論是哲學家、科學家、未來學家都以驚人的觀點,預言以人類為本的世界觀的終結,當技術變革的節奏越來越迅速,人的優越性將會隨之消失。未來的世界將被智能機器取代,而未來的人類只是機器生成的「第二自然」。

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Kate Cooper,《人為操縱》(影像截圖),彩色有聲色,尺寸依空間而定,4分28秒,2014。圖像由藝術家提供。

從每一個面向上,「人之為人」的條件已轉了一個大彎,不再依賴哲學本體論作為人安身立命之本。關於「人類」這個概念不單純是一種知性批判或想像,這一擊,徹底擊潰「上帝─人類」以某種形式存在的法則。當人類將從「智人」躍升成為「神人」,形同握有上帝的權力,那麼人類的終極命運將會如何?

 

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陳瀅如,《致幻記 III:2-19-20》,複合媒材,單頻道HD影像,2021。圖像由藝術家和臺北市立美術館提供。

如果「科技」取代「上帝」,由神祇所創造的「人類」概念是否隨之崩解?《現代驅魔師》是對「後人類的意義」提出質疑,而不是基於反人類或反人工生命形式,並意圖從世界新局中進行檢視與詰問。恰恰是這諸種命題,提供了展覽探索從人類過渡到後人類的真義:意即重新被設定和配置的人類,如何和當今技術結合以求超越其自身的局限,以及從此處可往何處去的思考。

《現代驅魔師》參展藝術家

陳瀅如/Kate Cooper(英國)/Cécile B. Evans(美國/比利時)/Sidsel Meineche Hansen(丹麥)/Pakui Hardware(立陶宛)/黃博志、Stefan Kaegi(瑞士)/Rimini Protokoll(德國)/劉家銘/吳書原+耿寧/驅魔師集會製作委員會。

驅魔師線上集會Podcast

點我聆聽,本節目可於Apple Podcast/Soundcloud/Spotify/Soundon/KKbox聆聽。

驅魔師集會現場演出

詳細活動辦法及訊息請參見北美館官方網頁或追蹤北美館FB粉絲專頁關注。

資料、圖片提供|臺北市立美術館

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用藝術視角拆解作物「從土地到餐桌」的過程!黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生

廚房那瓶清透的橄欖油,或墜入鍋裡與義大利麵交融、或淋在沙拉和麵包上注入一抹清香,理所當然地陪伴著我們的餐食日常。那你是否曾好奇,這我們習慣從超市貨架取下的食品,在抵達日常之前,經歷過怎樣的土地淬鍊與生產系統的運轉?

藝術家黃麗音走進西班牙第一線生產現場,蹲點尋找答案,並將收穫集結為個展《丘之粼粼》,其現正於台北藝廊TKG+展出。踏入展場,枝葉婆娑的採收聲響與落果影像鋪展開來,將分散於自然、勞動與資本之間的片段,重新組構成身體化的觀看經驗。在看似平靜的場景中,一場關於制度和價值的反思,正靜靜展開。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)
黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

圍繞著「食物」展開的藝術實踐

從裝置、攝影到多媒材雕塑,黃麗音的作品多圍繞著生活中不可或缺的「食物」展開,她關注食物在全球化經濟中的生產、流通與消費,從市場、貿易、產業、生產勞動,延伸至消費、包裝與剩餘物,探索著跨文化、也跨時代的物質流通系統。2025年,黃麗音曾在北美館打造一間「小吃店」,那是她的個展《Lili Deli 麗麗食品》——展場內堆砌出日常飲食消費的微景觀,反思現代人追求廉價和效率,方便與實用至上的生活方式。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:臺北市立美術館)

2026年來到TKG+呈現個展《丘之粼粼》,她將視線推向食品生產鏈的上游,進一步回到食品生產的源頭,從橄欖園到工業流水線,追問一瓶橄欖油如何在自然、勞動與資本的交織之中,成為我們熟悉的形式。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

到西班牙橄欖園實地踏查

黃麗音走進西班牙南部的橄欖園,追溯橄欖成為日常食物之前,所經歷的土地、時間淬鍊和身體勞動。接著將生產背後不同尺度的現實,諸如土地與工廠、植物與機械、勞動與消費……重新組構,讓原本分散於生產鏈不同位置的事物被置於同一展場,使觀者得以從橄欖油出發,看見橄欖從土地走向市場的歷程。從果實到成品,橄欖並未發生根本性的改變,改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

變的不是橄欖,而是⋯⋯?

橄欖在大地中歷經熟成與採收,進入以效率、速度、產量與標準化為核心的生產系統;來到TKG+台北生產階段中,也被賦予了不同的價值與意義。然而,有趣的是,從果實到成品,橄欖其實沒有發生根本性的改變,改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)
黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

走進橄欖油的一生

走入《丘之粼粼》展場,先能隱約聽見橄欖採收時枝葉間接觸的婆娑聲響,像是從土地深處滲出。雙眼所見是黃麗音在田野調查時所拍攝的影像,被轉化為覆蓋展牆的壁紙。此外,掉落在地上的橄欖、散落的枝葉……這些作物生長的尋常痕跡,經歷從植物、攝影對象到空間表面的身分轉換,在展場中成為了身體化的觀看空間,重新連結了生產現場與展覽。那些原本不會出現在商品最終樣貌中的滿地橄欖與枝葉,經由藝術家的選擇,成為展覽中的視覺主體,使被生產過程排除在外的痕跡,重新進入觀看。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)
黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

對現實的「重新組構」

自20世紀初「現成物」進入藝術實踐以來,物件的藝術身份便不再僅由其自身決定,展示場域、藝術制度與觀看關係也逐漸成為作品意義的一部分。黃麗音延續並轉化這項實踐,將屬於日常的橄欖油及其生產過程中帶入作品,讓它脫離原有的使用脈絡,同時保留材質、功能、價格,以及生產、消費與丟棄等社會痕跡,成為承載勞動與資本關係的具體物件。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

對黃麗音而言,現成物的創作並非單純的拼湊,也不是對既存現實的再現,而是一種「組構」:藝術家透過選擇與配置,將分散於不同社會位置的生產、消費與勞動關係帶入同一觀看空間,使隱藏於日常物件背後的社會關係得以浮現。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

《丘之粼粼》呈現了對「習以為常」發出的遲疑,當物件從原有的使用脈絡中被抽離,生產現場的聲音、影像與痕跡也隨之進入展場,使那些我們熟悉的日常物產生陌生感。在離開展場後,貨架上的瓶罐或許仍維持原來的模樣,但我們觀看它們的方式,已經有所不同。

黃麗音TKG+個展《丘之粼粼》帶你看橄欖油的一生!用藝術視角拆解「從土地到餐桌」過程
(圖片提供:TKG+)

《丘之粼粼》黃麗音個展

展期|2026.09.19-11.14

地點|TKG+ (台北市內湖區瑞光路548巷15號B1)

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台北藝術週開跑,精選10檔藝文展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
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在台北,秋季是屬於藝術的季節。「2026台北藝術週」將於10月24日至11月2日登場,這段期間,各家美術館、畫廊等藝文機構將祭出特展響應,從北到南、由東至西,在城市間編織出一張得以映射內心、療癒精神的藝術之網。本篇編輯精選10場展覽,不妨趁此親訪觀展。

《露水幻夢》Benjamin Spiers X 曾建穎雙人展

📍TAO ART

《露水幻夢》由來自英國的Benjamin Spiers(班傑明.斯皮爾斯)與台灣藝術家曾建穎,攜手策展人陳若盈一同呈獻。兩位藝術家的創作根植於截然不同的繪畫傳統,卻同樣著迷於身體作為「蛻變」場域的可能性。展覽由此出發,探索「可見之物」和「內在感受」之間持續流變的感知狀態,讓不安的美與張揚的怪誕彼此交織,形成一場矛盾又超現實的視覺對話。

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(圖片來源:TAO ART)

Benjamin Spiers的作品充滿原始生命力,亦可見幻想交疊的幻象。他擅長運用油彩,以驚人的寫實感刻畫出奇幻的形體,細膩的肌膚質感彷彿觸手可及,令人難以抗拒。

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(圖片來源:TAO ART)

曾建穎則以墨、膠彩與礦物顏料於細緻的紙材上創作,從宗教圖像中汲取靈感,將繪畫視為精神性的容器,創造出新的人體圖式,並與既有文化脈絡對話。比如在桃形屏風〈仙果〉作品中,他在屏風正面描繪一顆熟桃,切開的缺口微微露出桃的內部,下方的舌狀葉片則暗示感官慾望和生命無常;另一面則是近距離重疊的後腦勺與臉龐,既可能是鏡子前的自我凝視,也可能是兩個人物之間的親密舉動——自我與他者之間的界線因而模糊。

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(圖片來源:TAO ART)

《喜悅與棲所:捷克當代攝影聯展》

📍圓山別邸 MAISON ACME

一百年前的巴黎,曾是捷克前衛藝術家追尋自由與實驗精神的中心。如今,策展人Štěpánka Stein集結14位捷克當代攝影師,回應前人追尋藝術的精神,展開一場跨世紀的對話。展覽中,攝影師們透過鏡頭,在動盪而撕裂的數位世代,藉影像追問著喜悅從何來?哪裡才是讓我們安心的棲所?影像作品擺盪在虛與實、紀錄和擺拍之間,邀請觀者在其中找尋自己的答案。

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片來源:台北藝術週)
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(圖片來源:台北藝術週)

《C-GRAPHIC/TAIPEI——2020年代台北平面設計展》

📍NOKE忠泰樂生活

由香港平面設計師毛灼然、日本編輯暨設計師後藤哲也共同策展。展覽源自後藤哲也主編的《C-GRAPHIC INDEX》一書,其中「C」代表「Chinese」,從漢字文化圈出發觀察當代華語平面設計;進入策展環節後,則進一步聚焦於使用繁體中文的城市「台北」,並選擇1980至1990年代出生的設計世代作為主要觀察對象。

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(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)

展覽除了呈現海報、出版物、品牌識別與影像等作品,也試圖理解設計師如何學習、生活、受到什麼影響,以及這些創作如何與城市文化及社會脈絡相互交織。

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(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)

《小日夢》寺倉京古個展

📍白石畫廊

以陶土為材,日本新銳藝術家寺倉京古常以「孩童」為創作主題,用陶捏塑出圓潤形體,重現孩子樸稚姿態,藉此捕捉日常生活中微小卻珍貴的希望,以及近乎被遺忘的純真。《小日夢》集結各式姿態的孩童雕塑,他們或靜靜沈睡、或乘著雲朵眺望,乘載著存於人們心中的細膩情感,也象徵著每個人「曾經擁有的自己」。

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《銀河脈輪》

📍Bluerider ART 台北・微風廣場

在百貨公司也能看展!Bluerider ART位於微風廣場的據點,推出《銀河脈輪》藝術家群展,集結美國藝術家Carol Prusa、德國藝術家Eberhard Ross、捷克藝術家Jan Kaláb等多位國際藝術家之作,共同叩問一個古老而雋永的命題——宇宙秩序如何映照於身體與心靈之中。

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展覽以卷軸雙面畫《奇異吸引子》為亮點,9米長的巨大尺度令人路過櫥窗很難不多看一眼。卷軸一面描繪人體脈輪、能量向外流動的軌跡,另一面則以詩句與物理方程式,描述宇宙均勻與空間擴展,使「內在」的脈輪能量線與「外在」的宇宙演化在兩面對望。

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《丘之粼粼》黃麗音個展

📍TKG+

2025年曾於北美館推出個展《Lili Deli 麗麗食品》的黃麗音,長期關注食物在全球化經濟中的生產、流通與消費,創作從市場、貿易、產業到生產勞動,延伸至消費、包裝與剩餘物的重新組構。這次她在TKG+呈現的《丘之粼粼》,將視線推向食品生產鏈的上游,進一步回到食品生產的源頭,從橄欖園到工業流水線,追問一瓶橄欖油如何在自然、勞動與資本的交織之中,成為我們熟悉的形式。

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她走進西班牙南部的橄欖園,追溯橄欖成為日常食物之前,所經歷的土地、時間淬鍊和身體勞動。接著將生產背後不同尺度的現實,諸如土地與工廠、植物與機械、勞動與消費……重新組構,讓原本分散於生產鏈不同位置的事物被置於同一展場,使觀者得以從橄欖油出發,看見橄欖從土地走向市場的歷程。從果實到成品,橄欖並未發生根本性的改變,改變的是圍繞它形成的制度、生產方式與價值判斷。

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(圖片提供:TKG+)

《無筆之繪》Dirk Salz個展

📍Bluerider ART台北・敦南

拋開傳統形式,不以畫布和畫筆作畫,德國藝術家Dirk Salz(迪爾克.薩爾茲)用油漆滾筒創作,並借助樹脂潑灑時的重力流動,讓作品跳脫傳統極簡主義的框架,持續展現並探索透明度、色彩張力,以及光線與空間之間的關係。

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(圖片提供:Bluerider ART)

展名《無筆之繪》指向Salz不使用畫筆的創作方式。他將顏料調入樹脂,以油漆滾筒鋪展色層,再順應重力讓樹脂自然流淌、趨於平整;每一層須待固化後,方能覆上下一層,作品在反覆堆疊與等待中逐步成形。薄如玻璃的色層彼此交疊,光線在其間穿透、折射、反射,色彩不再停留於表面,而是從深處緩緩浮現。沒有筆觸,也沒有手繪痕跡,畫面由材料、重力與時間共同完成,模糊了真實與虛幻的邊界,正如他所言:「我想要創造的,是一個不能被詮釋的情境,一個觀者與作品之間無法言說的感受,姑且稱之為『魔法』的地方。」

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(圖片提供:Bluerider ART)

《夜的日光》

📍Taipei Lumitree 敦南之森

「光」是藝術家謝鎮璘DAMONXART的靈感泉源。在敦南林蔭大道下的藝術光廊Taipei Lumitree,他結合錯視、光柵材質及風力驅動裝置,將你我熟悉的日月意象轉化為持續變動的視覺經驗,讓觀者在夜色中看見日光,閱讀太陽與月亮之間的對話,深刻感受光是如何改變雙眼所見的景象。

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片提供:謝鎮璘)

多年來,謝鎮璘持續從旅行與日常觀察中提取色彩,將天空、海洋與地平線的印象轉化為創作語言。在《夜的日光》中,他將這份觀察聚焦於日與月的關係——光如何從一個地方抵達另一個地方,又如何在反射、材質與觀看位置的變化之中,被感知為不同的形態。

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(圖片提供:謝鎮璘)

《溫柔災變》女性藝術家聯展

📍T Space

作為首場公開展覽,T Space邀請亞紀畫廊負責人黃亞紀策展此檔女性抽象藝術家群展,《溫柔災變》集13位女性藝術家,她們各來自不同時代、地域和文化背景,作品在此展相遇交會,共同呈現女性力量如何探問持續變動的世界,以及藝術能為我們帶來什麼療癒與啟示。

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片提供:T Space)

展名所提的「溫柔」,並非脆弱或被動承受,而是藝術家讓感知和直覺保持開放,持續面對無法完全掌控的變化,容許自己進入流動、矛盾與未知,並反覆思辨的狀態。展覽在女性的敘事下,呈現出生命經驗的不同面貌——當女性經驗不再只由疼痛、承受與犧牲所定義,人們能否看見女性作為獨立的認知主體,如何理解自然、身體以及自己所處的世界?

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片提供:T Space)

《代理之窗》張書瑋個展

📍洪建全基金會

洪建全基金會自2015年起舉辦的「問問題計畫」,每年都會提出一道問題,探討社會、文化與生命內涵,並妥託藝術家透過創作對答。今年度計畫探討的是什麼?在科技以親切形象滲透日常的今天,人與機器早已互為義肢。只要算力足夠,AI就能化身成為密友、戀人、心靈導師,甚至是神明——這種「不需要對等,不需要協商,也不會有拒絕」的新關係,正在悄悄改變我們對情感的認知。

展覽由此切入,由藝術家張書瑋擔綱答題者,藉影像裝置、互動雕塑和錄像,探討AI與人類之間的「親密關係」。

台北藝術週10檔展覽!走進藝廊、美術館和百貨感受藝術之秋
(圖片提供:洪建全基金會)

展覽將「你+我+AI」共同建構的世界封裝成一個情感景觀,一段「親密關係」的模擬現場,一場由裝置、介面、系統、使用者自身的投射共同鋪設而成的遊戲。動線如同一道逐步深入的程序,映照出人與機器緊密互動之間,所產生的肉體或情感上的關係變化。看展過程中,親近與不適的感受並存,觀眾將能感覺到身體與意識逐漸被切片、解構,隨後迷失於遊戲之中。

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(圖片提供:洪建全基金會)

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