設計獎項有很多，其中東京TDC（Tokyo Type Directors Club Annual Awards）在藝術表現的純粹和前衛，受到許多設計師鍾愛。2015年東京TDC全場最大獎，由來自斯洛維尼亞、仍在就讀研究所的Nejc Prah拿下，成為當時史上最年輕的大獎得主。令人驚艷的不僅在於年紀，更在於作品本身，得獎的系列海報是他為學校論文演講而創作，不難辨識出水果、掃具、瓶子等日常物件，但成為圖像後又極其陌生怪誕，用美或醜都不足以定義，更像是落在設計體制與世俗美感外的維度。同年TDC得獎作品於ggg藝廊（Ginza Graphic Gallery）的展覽視覺亦由他操刀，照片框上幾何流蘇成為地毯，扁平的地毯卻又從中凸起，呈現抽象與具象、平面與立體的模糊地帶。能有這樣的異想奇思，你可能猜想他是半路出家或遭逢奇遇，但他畢業於耶魯大學平面設計碩士，曾任紐約《彭博商業周刊》（Bloomberg Businessweek）藝術總監，學經歷相當本格。他為什麼一再顛覆常規？這樣的作品能被外界理解嗎？關於他的設計實在有太多好奇，這次就邀請他現身說法。

Q：你對平面設計的興趣從何而來？

我不知道興趣是如何養成的，但我一直都很喜歡排版，7歲時就「設計」了一本關於熊貓的「書」。高中時會在暗房沖印膠捲底片，也畫一些塗鴉，在美術老師鼓勵下申請了盧比安納的藝術與設計學院，第一年沒有通過，但後來順利申請上。

Q：之後你赴耶魯大學攻讀平面設計碩士，這段經歷帶來什麼收穫？

它給了我時間和空間來做很多作品，這些作品也為現在的工作奠下基礎。平面設計本科的學習經驗，給了我非常扎實的設計知識，但到一個遠離家鄉的地方求學，身邊又都是充滿才華的人，這樣振奮的環境促使我思考更多，做一些實驗性的嘗試，專注於我覺得有趣且想要花時間做的事情。我在學校的作品和現在差異非常大，我不認為你能猜到是出自同一個人。

Q：請和我們分享畢業後到《彭博商業周刊》工作，以及2019年回家鄉自組工作室的考量。

我當時是紐約設計公司Wolff Olins的實習生，收到《彭博》的工作邀請時，沒有多想就答應了。因為《彭博》很多作品都非常棒，我記得Tracy Ma為「Bloomberg Businessweek Design Conference 2016」設計的識別非常強而有力且幽默。我在那裡工作了幾年，但知道自己總有一天會回到家鄉。我更嚮往住在盧比安納，可以說自己的語言並生活在成長的文化中，對我來說更輕鬆自在。

Q：你的作品常常違反或顛覆設計規則，為什麼？

設計規則只存在於設計學校，大多數客戶並不真正了解或在意，只要你的東西是有效的，就可以成立。我並沒有真正專注於打破任何規則，我只是對大多數的規則不感興趣。作品集、情緒板（Mood Board）、模擬模型（Mockup）、Google Fonts，以及設計技巧、教學和職業建議，這些都會讓平面設計變得非常乏味和死板。這不代表我像是活在另一個星球上的人，而是我想盡可能離這些事情遠一點。

Q：日常物件是你常使用的設計元素，有特別的理由嗎？其中為什麼以橘子最頻繁出現？

重複使用一個物件會使其變成一種符號，無論那個物件是什麼。從這個層面來看，使用日常物品會有較好的效果，因為它們被賦予的語義本來就不多，在解讀和創造新意上有較多空間。橘子就是一個例子，在盧比安納以實驗性音樂為主的音樂祭「Koordinate zvoka」，我和攝影師Klemen Ilovar在每張海報都使用了橘子。橘子並不和這場活動或音樂有直接關係，但透過重複和強烈的視覺存在感，成為了系列性的象徵符號。

Q：是否遇過客戶或大眾不理解你的設計？

我的很多作品都沒有被很多人理解，但它仍然在視覺和溝通上成立，主要原因是，很多想法本來就不是這麼明確或被明確地闡述。不過我的排版通常都非常難閱讀，關於這點我沒有任何藉口好說。

Q：2015年你奪下東京TDC Grand Prize，這個獎對你來說有什麼意義？

獲獎時我還是學生，他們邀請我到東京參加頒獎典禮，一切都太瘋狂了。那也是我第一次到日本，也可能是我第一次意識到自己的作品有很大的潛力，可以在純粹的視覺創作上有所發揮。我遇到了一些尊敬已久的設計師，像是服部一成、永井一正、浅葉克己，這也很令人興奮。

Q：是否有影響你最大的設計師或藝術家？

影響我的人很多。作為花很多時間使用Tumblr的這個世代的一員，受到的影響是巨大的，但往往非常膚淺，僅在表面功夫上有用，就像是情緒板那樣的東西。從這個意義來說，我在設計本科和研究所的老師們，應該才是影響我最大的。

Q：不只平面設計，從IG上發現你最近在設計椅子？

〈Molecule Chair〉是我設計的第一張椅子，它的形式乍看很奇怪，但背後的結構概念非常簡單。單一元素透過簡單的矩形網格重複排列，每個元素都是4×4×7網格中的一個像素，形成非常經典的靠背椅子形體。〈Molecule Chair〉由36個球體組成，但立方體、三角錐或圓柱體套用至該系統也能成立，為這件作品提供了更多可能。這個系統是在探索椅子作為物件的雕塑結構本質，而不是要符合人體工學，這意味著它坐起來不會很舒服。

Q：覺得哪件作品最具你個人風格？

這很難說。最近幫WeTransfer做了一本雜誌，成果我覺得還不錯，也才剛放到我的網站上。

Q：請分享一件未來最期待的作品。

我正在做一門關於本土設計的講座，之後可能會出版成書。

Nejc Prah

1989年生於斯洛維尼亞盧比安納，耶魯大學藝術學院平面設計碩士畢業。曾任紐約《彭博商業周刊》藝術總監，2019年於盧比安納創立個人工作室，常與由設計師、插畫家、動畫師和攝影師組成的創意團體Ansambel共同創作，也於盧比安納的學院任教，並在世界各地舉辦研討會和講座。曾獲東京TDC、紐約TDC、英國D&AD等國際獎項。 

Instagram｜nejcprah

採訪整理｜張以潔

攝影｜Klemen Ilovar、Michael Marcelle

圖片提供｜Nejc Prah

更多不容錯過的新銳設計師訪談，皆在La Vie 2022/6月號《全球設計新銳》

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN