近幾年蔡烈超（MARIO TSAI）這個名字在國際間愈發受到矚目，從2019年名列巴黎家具家飾展新銳設計師大獎（The Rising Talent Awards），一直到今年提名為Wallpaper* Design Awards年度設計師，這位1988年生的新銳設計師時常被媒體以「溫潤的極簡風格」形容。而細究他的創作，不難發現他的風格特質並非只存在於外顯的視覺取向，更應該說是他一貫的設計理念造就了他的風格。

綜觀蔡烈超的創作時間軸，可以看出他對於核心元素、脈絡化思考的看重，2014年在杭州成立蔡烈超工作室「Mario Tsai Studio」，2018年起自發轉向成為研究型設計工作室，在兼具可量產、產業化、普及平民化的態度下，蔡烈超的自主設計研究為他開啟了與眾不同的取徑，透過主題式的持續聚焦探索，為蔡烈超的設計注入「可持續性」的能量，如同他要求自己設計出的物件也要能是可持續的那般。就讓這位善於理性分析研究的設計新星，為我們自剖關於設計他的所思所想。

Q：請與我們分享你的核心設計理念及創作風格？

不受限於常規認知、行業差異和文化背景的約束，以創新設計思維、嚴謹的邏輯和理性的詩意，執行於專案全程和細節之中。執著於技術革新、材料的非常規利用方式和結構創新所帶來的設計變量，延展性和生命持久性為其設計的基本準則。

Q：你的創作中可以看見傳統工藝及傳統器物的某些特點，請與我們分享你對傳統工藝的看法？

生長於此，傳統文化的因子必然會滲透到思考與表達中，作品中有傳統器物的特點是必然的，馬扎燈是一個例子，但它又有現代的審美特性，且是能以工業化產出的可持續現代產品。我個人其實並不是執迷於傳統工藝，背負振興傳統的文化包袱，反而寸步難行。應該是因地制宜，根據傳統工藝所呈現的優點，自取所需才有可能實現可持續的發展。

Q：請與我們分享你在2021年底發佈的「五金店計劃」（Hardware Project）的概念，以及提出這個計劃的原因和目標？

五金店計劃起始於《Wallpaper*》以「手邊思考」為主題，發起的「Co-Made」設計師共創項目。在五金店計劃展覽中以開源方式提供原設計的製作方法，以及在五金店購買材料方式和清單，啟發手工製作的愛好者運用日常手邊之物進行創作。我們期待五金店計劃以策展的思維來串聯專案，並將「開源化設計」以展覽傳播，以更低廉的成本、更普世化和非專業性的設計，讓設計親近大眾。

Q：產品設計之外，你本身也開始進行策展的工作。請與我們分享目前你最滿意的一次策展內容及原因?

策展與設計貌似屬於不同的兩個領域，但我認為兩者有著相同的邏輯思維，設計更傾向於產出具體的物件或者空間，而策展是以設計思維產出事件。

我個人喜歡的一個項目「DESIGNEW設計東西」，每年集結國內外14位設計師與中國代表性家具工廠合作進行為期半年的主題創作，從最初制定brief、公開招募設計師、工廠分配、設計審核、作品製作等產品設計流程的把關，到平面設計、建築空間等外部設計合作，到展覽呈現以及媒體公關，需要有具體清晰的計劃和邏輯設計。策展人的角色則改變了我看待事物的角度，產品設計師往往會聚焦於局部，而策展人則需要將一個更宏觀的長線項目進行清晰的邏輯關係梳理。

Q：自2018年以來，你將工作室定位調整成「研究型設計工作室」，為什麼有這樣的調整？

從2018年，我們更傾向於系統完整地表達自我期望的設計狀態，不管是能夠量產且商業化的馬扎燈系統，還是非商業的五金店計劃，都是具備完整的邏輯狀態的研究成果。馬扎燈通過對低電壓導電、模塊結構延展以及控制系統的技術結構，研究實現產品無限延展的可能性；而五金店計劃是一個以「開源設計」為主旨的人文設計實踐項目，這些都是以往商業合作案不具備的合作空間。

定義為「研究型設計工作室」並不排斥商業，我們同樣會研究商業的策略，並且不希望以目前存在的設計商業思路運行。2021年末我們舉辦的「未完成UNFINISHED」展覽，以老舊辦公大樓的空間發佈並展覽了我們最新代表作品「馬扎燈系統5.0」。我們希望嘗試不同與以往設計發佈，不一定要將我們的展覽置於商業展覽或者高調的藝術空間中，聰明且靈活應用合適的空間呈現也是一種商業嘗試。

Q：到目前為止，同步經歷了4年多的設計研究，請與我們分享你進行設計研究的模式? 

2018年以「從結構出發」為主題展開設計研究，堅信技術和結構創新能夠給產品帶來質的變化，且這個信念一直貫穿於我們不同主題研究中。2019年我們在米蘭設計週期間，以個展的形式發佈了馬扎燈系統1.0&2.0、壓力茶几和工正桌。 

2019年底延續對燈光的研究，以「詩意之光」為主題展開，進行發光源研究，以及對光的秩序和詩意性探索， 2020年產出具有極細發光線(3mm直徑)的電燈，縫隙中透出微弱詩意且理性的隙光燈，以及具有極強秩序感的馬扎燈3.0。2020年在上海和杭州以個展形式呈現，2021年底呈現馬扎燈系統5.0的「未完成UNFINISHED」展覽，更像是「從結構出發」和「詩意之光」的結合狀態，馬扎燈5.0今年與行李箱品牌RIMOWA進行跨界合作。 

2021年開始，我們以「柔性力量」為主題展開新一輪的研究，以材料彈性、物體的重力、隱形的磁力和氣體動力等展開研究，這基於我對事物隱藏屬性的觀察，當我們將其置於中心，它能呈現巨大的能量。最終成果包含產品、雕塑和裝置藝術，呈現的狀態將會非常多元且更具藝術性。 

Q：為什麼2018年起，你也將自己的產品設計設定以「可持續設計方式」為導向？

我個人認為，實現作品的「可持續」是設計師必備的責任感。不僅僅是指「可回收」，它也是多元的且須至始至終貫穿於事物。我認為第一要素是設計和品質能經受住被時間考驗，不被淘汰的作品將會減少設計垃圾的產出。其次設計的過程中，設計師需要考慮到作品從出生到消失，設計好每個環節所需要考慮便捷更換的特性，以此讓產品不會因為某一個局部損壞而丟棄整體，到它消失也不會產生過多的垃圾。第三是商業的可持續，過多被商業浸染，可能讓設計師設計太多無用或者快速過時的商業產品，雖然這是這個欲望時代所帶來的產物，但仍希望設計師保留一定的理想主義。對我個人而言，這更像是一個自我約束的準則，不管對設計還是對人生。不被商業和潮流影響，以理想主義情懷去實踐。

Q：請與我們分享你給未來想從事產品設計人的建議? 

我個人向來不愛提建議，但我提出我個人一直遵從的準則：理性分析自我，找準優劣勢，設定短期和長遠的目標以及參考對象；精進基本技能，全方位涉獵知識（不局限於設計方面），想要快速進步，比常人付出更多努力是必不可少的；遵從自己的內心，保有善良，以理想主義去實踐。當然，設計是一門非常依靠天賦的學科，認知自我是否適合可能是首要的事情。

蔡烈超

2011年畢業後在家具工廠兩年的設計及生產實踐經驗，練就了蔡烈超紮實的專業技能和宏觀思考模式。2014年成立工作室至今，蔡烈超時刻保持著獨立思考和對設計的熱情，通過不斷地設計實踐以及全球的展覽經驗，探索出獨特且適合的設計發展路徑，勇敢且克制地前行著。

採訪整理｜方敘潔

攝影｜Xu Xiaodong

圖片提供｜MARIO TSAI STUDIO

更多不容錯過的新銳設計師訪談，皆在La Vie 2022/6月號《全球設計新銳》

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN