彰開藝境－2022彰化走讀藝術節於7月2日至7月24日在鹿港登場，本次邀請藝術家以在地歷史、古蹟建築、巷弄文化為發想，打造10座藝術裝置，活動期間也推出16場藝術手作工作坊，以及邀請在地文史者規劃的8條路線16場藝術走讀，帶大家漫步鹿港小鎮的同時，感受新舊融合的文藝氣息。而這10件藝術裝置將一路展至8月31日，詳細作品地點可點此線上導覽地圖。  2022彰化走讀藝術節更多資訊請點此。

鹿港10件藝術裝置亮點！

范承宗｜《遊戲》

地點：鹿港文武廟 

范承宗以古早的戲台為發想，並運用上千支竹子在文武廟的草地上搭起大型裝置，作品兩側帶弧度的曲線也呼應了廟宇屋簷。而人們可以走進戲台裝置中，自由穿梭於台上或戲棚腳下，化身為表演者，或是在外頭觀看遊走於其中的人們，既模糊了看戲與演戲的界線，也帶有一種戲如人生、人生如戲的意味。當夜晚裝置的燈光亮起時，也別有氛圍。

成若涵｜《鹿港，好！》

地點：鹿港龍⼭寺

坐落鹿港龍山寺前的一正一反筊杯裝置，即是代表著好的意象的「聖杯」。而紙雕藝術家成若涵帶著鹿港國中美術班的同學們一起共創，將龍山寺的相關元素化為圖騰創作，再透過雷射切割將其轉化呈現在作品上。同時一旁還設有互動籤筒，人們可以藉由掃描QR code，了解籤上面的圖騰之於龍山寺代表什麼。值得一提的是，本次作品的所有說明牌也邀請鹿港美術班學生一同打造，更添意義。

LUA RIVERA｜《水神》

地點：舊鹿港溪⽔岸

墨西哥藝術家LUA RIVERA的作品經常包含自古流傳下來的神話傳說，再融合當代人的敘事來創作，此次她以水岸為靈感，打造出這件代表著河的靈魂的裝置，並運用回收再利用的藍色布料為材料，既帶有種永續環保的概念，會隨風飄逸的布料，也展現出《水神》做為一種在運動和思想中的水和「流動」的概念比喻。

考工記工作室｜《魯班月》

地點：鹿港意樓

范承宗過往的創作多與逐漸消失的傳統技藝與記憶有關，此次他以有千年歷史的三軸組合積木「魯班鎖」為基礎，並透過數位參數化建模軟體進行運算，產生外圍密集至中央逐漸空透且由實漸變到虛的圓形立體木製雕塑。入夜後燈光亮起，作品也將成為鹿港老街牆上猶如一輪明月般的存在。

王振瑋｜《湧流》

地點：和興青創基地

鹿港的和興青創基地前身為和興派出所宿舍群，藝術家便以注入活水為概念，運用傳統建築屋瓦下的輔助材料「瓦壓條」為材料，打造出這件蔓延至二樓的大型裝置，而作品的形色姿態也意味著這裡有許多創意店家進駐，與老屋激盪出新火花。

王振瑋｜湧流

賴彥勳｜《不材之木》

地點：⼗宜樓

為「櫟社」創社九人之一的陳懷澄，常邀請櫟社詩人到鹿港陳家十宜樓聚會，而藝術家賴彥勳便使用櫟社命名時所取的櫟木（台灣欒樹）來創作，九根木雕作品也象徵創設九人的精神標註。作品名則來自櫟社用意「學非世用，是為棄材：心若死灰，是為朽木。今夫櫟，不材之木也，吾以為幟焉。」雖他們自嘲為廢材，在文化保存運動上，卻是相對重要的存在；削尖朝上的根部，也象徵著朝向當權者的銳利武器。

宮城有加｜《蛙港神社》

地點：鹿港鶴棲別墅

日本藝術家宮城有加在爬梳鹿港歷史時，得知其過去為貿易重鎮、有許多國家來的商船，而隨著船隻南來北往的不只是民生物資與舶來品，還有各式在貨櫃夾縫中的青蛙、壁虎等小動物，加上昔日曾有鹿港神社的存在，作品便將兩者做結合。人們穿過越來越低的鳥居後，視線便會對到為小動物而蓋的小神社，有趣的是，上頭的裝飾更融入了鹿港有名的鳳眼糕與蝦猴，兩旁的壁虎陶瓷則象徵著神社兩側的守護神獸「狛犬」。

吳芊頤｜《窗景詩鹿仔港》

地點：鹿港公會堂廣場

藝術家以清代前期「鹿港飛帆」景象為發想、重現當時商業熱絡繁華景觀，並以手作膠帶的形式轉化呈現，再用數位輸出貼於壓克力板上，觀者可藉由解讀窗裡的元素，回望此地原為港灣的熱鬧風貌，同時藉由每日自然光映照出的色塊變化，帶人們發現城市中的意外風景。

黑川互動媒體藝術｜《無限陣列=[]》

地點：桂花巷藝術村公園三路旁

鹿港過去曾是港口，但以現在人的視角來看，會覺得是個不可思議的想像，而這個空間如同時間的走廊，靜下來或慢下來時，或許能夠再次看到海濤撲岸而來、帆船緩緩靠岸地景象；黑川互動媒體藝術利用聲音與光線，帶觀者回到過往的時光。作品白天隨著機器的搖擺搭配光影，好似回到百年前的灣岸邊，晚上將搭配燈光成為炫目音樂，猶如舊時岸邊工人們歡唱的場景。

禹禹藝術工作室｜《合十》

地點：桂花巷藝術村

禹禹藝術工作室以信仰為出發點，將人拜拜手合十的形象以及鹿港傳承百年的手工曬麵意象做結合，讓「傳承」成為這塊土地的能量，夜晚燈光亮起時，也形成一股別具氛圍的光影效果。

 圖片提供｜原物創意

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）