離鄉求學、追尋理想，似乎是成長的必經歷程，而伴隨成長而來的陣痛，不只有對未來的不確定，還有看過往熟悉事物流逝的失落，每每返鄉，是不是總覺得有什麼正逐漸流逝，而那份失去卻無以名狀？2015年，設計師方序中啟動《小花計畫》，記錄伴他成長的屏東共和新村，回望與外公生活的回憶，也爬梳眷村存在的意義；經過七年積累、2019年首檔展覽《查無此人》的淬煉，第二屆展覽以《小花計畫 2022 - Re：小花盛開的回音》為名於高雄金馬賓館舉辦，集結9組音樂人與11組藝術家，結合音樂、設計與藝術三重表現形式，溫柔喚醒觀者對「家與情感」的感知。

2019與2022年，小花計畫展覽的3個不同之處

《小花計畫 2022 - Re：小花盛開的回音》與2019年《查無此人》同樣由方序中擔綱總策展人、五月天瑪莎任音樂總監，展出作品都以音樂人、藝術家共創形式呈現，上屆7組經典作品這次也在金馬賓館展出，那不一樣的地方又有哪些？

01. 金馬賓館建築、周圍環境與展品互動性

金馬賓館當代美術館執行長邵雅曼為本展策展人之一，負責現地藝術概念，「從一樓到三樓，就像在看小花從土裡面冒出、生長再到綻放的過程。」策展團隊善用金馬賓館具開放性、玻璃窗散佈的建築特色，讓港都微風、陽光與作品產生互動，無論是7件經典作品、4件全新創作都與展場環境緊密貼合，也就是說，觀者可試著感受「藝術作品本身是作品，它和金馬賓館的互動關係又是另一件作品」的雙重體驗，而若過去在台北當代看過7件舊作，這次到金馬賓館欣賞會有不同層次的體驗。

02. 全新作品！藏在展場各處的AR小花

觀展之餘，別忘了在金馬賓館找找藝術家李宸安埋藏的《音花》，這件作品以AR互動式影像呈現，李宸安自展覽中10首歌曲中各擷取一段音頻，透過電腦程式分析資訊，並以聲音頻率衍生出花朵，這些帶有水泥質感的花朵不存在於現實，觀者必須用自己的行動裝置、下載「Lighten AR」APP後，在天花、牆面各處找尋。

03. 購票就有獨家EP，小花錄音帶同步販售

瑪莎特別提到，這次只要購買門票就可獲得「Re：小花盛開的回音」獨家EP，現場亦販售與「感傷唱片行」合作推出的錄音帶，全透明的錄音帶磁帶藏有音花意象、外部呈現水泥牆面般的粗獷質感，其表面可以撕開，讓每個購買錄音帶的人，都能擁有一件獨一無二的藝術品，「小花是關於記憶、展望的展覽，所以特別用『過去』的載體，裝載象徵『未來』的音樂。」不妨把現場感受匯聚於心，回到家再襯著音樂細品一回。

10件展品創作概念一覽！

（NEW）01. 宇宙人Ｘ大聲光電《無所事事》《光電獸#34－無所事事》

本作位於兩個展區間的小長廊，一不小心就會錯過，但宇宙人與大聲光電卻認為「不小心錯過」這個可能發生的意外，與作品所要傳達的意境相符。《無所事事》寫在疫情期間無所事事的時刻，而這份「被迫享有的悠閒」反倒是宇宙人如今所想念的、已然失去的時刻。大聲光電在《無所事事》輕快旋律中加入流水聲，並透過光影配合旋律、節奏，創造出飄飄然、懶洋洋的氛圍，無論你注意到或不小心忽略這件作品，經過這條廊道都會被撫慰。有趣的是，大聲光電在裝置中埋入2個小巧思，分別是全作用了44個燈、燈與燈之間都隔了44.5公分，這些不說沒人注意到、說了讓人會心一笑的小細節，讓這件作品更有意思。

（NEW）02. 劉若英 + 陳建騏 X 邵雅曼 《夜晚的光明》《有光的地方 II》

走入展間，就像走入一場夢境，當中不僅有邵雅曼一系列繪畫創作，還有透過投影、裝置材質折射出的光芒在畫作上、環境中創造視覺層次的巧思，究竟地面絢爛色彩是投影效果，或是從窗外光線流入後形成的光影？如夢似幻的視覺性引人探尋。

音樂上，陳建騏在欣賞邵雅曼畫作後，以畫中具空氣感、流動性的夢幻氛圍做發想，透過音樂呼應「生命猶如夢境」的作畫理念，製作由劉若音演唱的《夜晚的光明》。特別的是，陳建騏讓歌曲中的「不同聲部」成為場域裡各自獨立的聲響，也就是說，各音響分別播放劉若英的歌聲、吉他聲、琴聲⋯⋯等，聽者可隨心改變站位、自己「微調」音樂，而在移動的過程中，亦能感受到展場內各處光影的變化。除此之外，邵雅曼特別提到畫中藏有聲音小彩蛋，別忘了靠近細細聆聽。

（NEW）03. 林以樂 + 瑪莎 X 羅智信《地板內早餐》

藝術常讓人覺得遙遠、難以親近，但林以樂卻在藝術中找到許多創作者的共通語言——「幽默感」，剛好的是，藝術家羅智信認為「黑色幽默」就是自身作品的特質之一，因此幽默便成為貫穿《地板內早餐》的核心元素。這件作品集合了各種碰撞後令人難以預測化學效應的元素，比方說林以樂演唱帶派對感的改編版《藍色多瑙河》，還有羅智信創作似座椅、如走道又像階梯的大型裝置，兩人鼓勵觀眾重看生活中熟悉的事物、感受與建築空間中的關係，一扇被裝置擋住的門該如何進入？一首被改編的經典圓舞曲要怎麼感受？不妨踏上「假樓梯」、彎著腰走進門，在展間內慢慢品味。

04. 茄子蛋 X 王宗欣《我夢見了小叮噹》

小時候的美好，總要長大後才知道，而茄子蛋與王宗欣在創作對談間，想起了那些年一起追過的動畫。茄子蛋提取記憶裡童年的想像力創作《我夢見了小叮噹》，希望一直保有「好玩」心態去想像世界；王宗欣則用「門」裝置呼應歌曲，「小叮噹的任意門是很自由的，想去哪就去哪，但我特意將這扇門倒著放，上面放了很多鎖，還有我在家翻出來20幾年前的貼紙，提醒大家『很多事情過去了，就是沒有了。』」展場中亦可見王宗欣將空間化作巨大掃描器，他在門的貓眼上架設錄像攝影機，其記錄下的定格畫面自左右不停輸出，顯化了空間、時間交錯堆疊出的記憶模樣。

05. 魏如萱 + 鳳小岳 + 陳建騏 X 豪華朗機工 《很難很難》

「消失的靈光，不會再回來了。」創作對談間魏如萱的這句話，讓「光」成為作品焦點。極暗的展間中央有座眷村小雕塑，微小但亮度極高的光球將帶著觀者循著樂音、光線，在20分鐘的展演間感受生命流動，並逐漸窺見雕塑全貌。

從樂曲到藝術裝置，交融了創作者對於生命消逝與新生的情感投射，魏如萱以迎接新生命的喜悅，同時遭逢家人、摯友和寵物殞落的劇變，藉以詞的譜寫，敘事生命一生一滅的往復循環；藝術家團體豪華朗機工以「光」營造氛圍，亦是追憶離世的團員以及感懷城市變奏中消逝的人、事、物。

06. 阿信 X 明和電機《隱形的紀念》《文庫楽器》

這件雙頻道錄像裝置作品，一側為阿信演唱歌曲的動態記錄，《隱形的紀念》一曲由阿信重新轉譯，講述愛與守護是有幸福期限的，提醒觀者莫忘旅途的風景與足跡；另一側為日本明和電機演奏木製樂器書《文庫楽器》的畫面，中央展檯上則展示了7本「可演奏的書籍」，明和電機以書為擬向，開發設計出木魚、陶笛、拇指琴、玩具鋼琴、烏克麗麗等書本樂器，讓體驗不僅止於聽覺，也是有關視覺關聯的探索。

07. 方序中 X 蘇益良《親愛的____》

本作以方序中的外公為拍攝主角，藉此詮釋時間的變化，他是「小花計畫」的核心人物，指涉了每個人皆有長輩或思念的人。創作團隊特地回到方序中屏東老家進行拍攝，並以多媒體裝置呈現作品，投影於紗幕上的慢速影片，展露外公臉部所有細微的情感變化。

08. 告五人 X 吳仲倫《鹿》

告五人這首寫於出道前的歌曲，記述一路以來成長的足跡，而在經歷累積後重新詮釋這首歌，是一種對家鄉宜蘭潮濕黏膩的回望，也是探問在走向成熟的路上依舊珍視如昔的是什麼？而藝術家吳仲倫以「壁癌」為靈感，將小時候對於潮濕的切身記憶，轉化為一組機械結構的裝置作品，連結了彼此離家出外打拼的共鳴。遠遠看著作品，它是靜止不動的，唯美卻疏離，但若走近，白沙便會緩緩流下。吳仲倫藉此暗喻，很多事情必須「靠近」才會發現，否則只會觀察到結果，而不知是什麼樣的過程導致了這樣的結局，如同人們總想著「家總是會一直在那」而將其置放一旁的心境，老是忘記唯有願意走近、才能看得清晰。

09. 家家 X 曲淵澈《回家》

家家在2019年翻唱由瑪莎重新編曲的順子名曲《回家》，渾厚聲線與香港藝術家曲淵澈具流動、包覆性的影像創作貼合。對年少即離開家鄉台東、北上打拼的家家來說，火車站的種種聲響就是回家、離家的回憶集合，作曲團隊為此搭上台北前往台東的火車，沿線採集聲音樣本融入作品中；錄像方面，曲淵澈以科技的創作手法復刻香港九龍寨城、溫哥華移民，以及曲爺爺的兄長歷經韓戰輾轉來臺的故事，多線的視角彼此穿插，映射了遷徙、移民與離散的跨域想像，引申了「回家」與「不能回家」的兩面探觸。

10. HUSH X 李霽《大樹小花》

收到小花計畫邀約時，HUSH直覺地想起家庭，進而回憶起老家門口曾有棵芒果樹，雖然老樹因產業道路拓寬而被拔除，但早已是他成長過程中難以忘懷的印記，更是家園的象徵。因此，HUSH巧妙透過大樹、小花的鮮明對比，並汲取「樹欲靜而風不止」的寓意，譜寫出這首關於「失去」的輕柔樂曲。與樂曲相映的藝術裝置由李霽創作，以植物為媒材重現芒果樹的輪廓，不過這棵大樹不如HUSH印象中繁茂，而是乾枯的、沒有枝葉的形象，藉此象徵「消失」，人們只能透過輪廓去臆測它原本的形體與樣貌；裝載大樹的冰箱，則是一種「附加的保存機制」，冰箱是人們日常生活中用來保存食物的好夥伴，李霽用隱晦又詩意的表現手法，悄悄探問著，有沒有可能它也能用來保存記憶？

小花計畫 2022 - Re：小花盛開的回音

展覽日期｜2022年6月25日～10月30日

展覽地點｜永添藝術 ‧ 金馬賓館當代美術館（高雄市鼓山區鼓山一路111號）

門票資訊｜全家FamiPort、金馬賓館當代美術館販售，門票皆含1張獨家EP

圖片提供｜相信音樂、ALIEN Art 永添藝術

美國大都會博物館（The Met）首度來台展出！故宮博物院將於2025年6月至10月呈獻《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》。

本展集結大都會博物館多達81件繪畫及素描珍藏，它們分別來自梵谷、雷諾瓦、馬諦斯、塞尚等38位大師級畫家，帶觀眾一覽19至20世紀中，自現實主義遞嬗至印象派、現代主義等的藝術流變；更特別精選多位知名女性藝術家之作，如印象派名家瑪麗‧卡薩特、貝絲‧莫莉索等，藉此呈現女性在西方現代藝術發展中的崛起與獨特風格。

穿越橫跨一世紀的藝術浪潮

美國大都會博物館被譽為全球四大博物館之一，收藏近200萬件橫跨5000年歷史的珍貴藏品，涵蓋世界各大文明與藝術流派。而故宮本次展覽時區鎖定19至20世紀中，類別涵蓋現實主義、學術繪畫、印象派、後印象派至早期現代主義。印象派的出現，讓畫家們從室內走向戶外、繪畫主題自人物與肖像延伸到自然景致，藉畫筆捕捉光影流動，並影響了後續藝術流派如點描派、野獸派、現代主義等的誕生及演變，留下許多經典佳作。

以人體、肖像、大自然等「畫面主題」劃分5大展區

策展敘事跳脫傳統上以「時序」、「畫派」分類的形式，改以「畫面主題」引導觀眾透過「直覺」展開探索，感受畫中色彩、筆觸及其蘊藏的人文情感，沈浸於作品所營造的氛圍情境。讓我們分別看向5大展區亮點：

▍身體姿態

此區梳理自1860年代起不同藝術家對人體的詮釋，並闡述鉛筆、顏料等不同媒材與技法對裸體描繪的特殊性，看人體如何成為藝術表達的試驗場。

▍肖像與人物

18世紀歐洲迎來工業革命，撼動社會階層與城市風貌，藝術也從國家資助轉向更開放的大眾市場，肖像畫趁勢崛起為中產階級展現財力、地位之物。這一時期，藝術家描繪現代生活中的社交互動，讓親朋好友成為畫中人，賦予肖像更風格化的表現，模糊肖像畫與風俗畫的界限，開啟人物畫的新風貌。

▍徜徉自然

在歐洲各國隨政治與工業革命的推進逐漸轉變之時，藝術家將視野轉向自然風光，以風景為畫作主角，並在其中融入自身獨特視角與繪畫風格，徹底改變19至20世紀初的畫風。

▍城市到鄕村

19與20世紀之交，藝術家們不僅徜徉自然，也探索各地人們的生活方式，及人們與環境的互動，眾多畫作描繪的主角從不斷變化的巴黎城市景觀、塞納河畔及度假勝地享受悠閒時光的漫遊者，再到鄉村小鎮和田園風光。藝術家以現代眼光及創新技巧，各自展開對所處地方的景觀與人群的獨到詮釋。

▍水岸風光

工業革命帶動鐵路運輸，人們能以更便捷的方式前往海灘、漁村、港口等各地觀光，藝術家們也踏上旅途，留下許多描繪水景風光的美作，無論在法國各海岸、威尼斯或阿爾及爾等地，都能看到不同藝術家詮釋的畫作紀錄。

票價資訊總整理

《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》規劃3波售票期間，提供各式票組選擇，有興趣者請見下方詳細售票資訊。

《從印象派到現代主義─美國大都會博物館名作展》

展期｜2025.06.14－10.12

展場｜國立故宮博物院 第二展覽館 一樓特展廳

開放時間｜每日 9:00－17:00（16:30展覽現場停止售票及入場）

 

▬▬▬ 購票請點此 ▬▬▬

​

▍早鳥票 3/13－3/31

・雙人紀念套票｜$770

內附雙人入場憑證1組、紀念套票1組

請於觀展驗票時出示入場憑證，以兌換紀念套票組

​

▍預售票 4/7－6/13

・單人票｜$400

・THE MET 限定零錢包套票｜$499

內附單人入場憑證1個、THE MET限定零錢包1個

請於觀展驗票時出示入場憑證，以兌換限定零錢包

​

▍展期票 6/14－10/12

・全票｜$500

・優待票｜$450，6歲以上持有效學生證件者，每證限購一張（碩博士生、社區大學、空中大學及在職進修等恕不適用）

・特惠票｜$250，65歲（含）以上者、持本國或外國身心障礙手冊之陪同者，需出示證件正本，每證限購1張

2025大阪世博盛大進行中，La Vie編輯在4天內密集參觀超過35座展館，繼上篇推薦的5座展館後，此次再推6座！除了分享第一手體驗心得，也分析參觀方式、主題策劃等，探索什麼是能留存心中的展覽。

▸ Better Co-Being

必須在場的「共鳴」體驗

先說結論，「Better Co-Being」是此次我個人綜合排名的第1名。除了在視覺上極美（大推在傍晚或晚上預約），展館的整體性、建築與展覽內容的創新性，都屬高分評價。且在網路可以取得眾多訊息的現在，「Better Co-Being」展館具有「必須在場」的特質，是照片與文字難以完整感受的獨特體驗。

本屆世博會場正中心，座落的並非雄偉建築，而是名為「寂靜之森」的森林，而SANAA設計的「Better Co-Being」也融入其中。這裡的「融入」是意象上的，也是物理上的。呼應「Better Co-Being」展館強調連結、開放的理念，他們打造了一座11公尺高，無牆、無天花板的銀色網格狀罩棚；地面僅用纖細柱體支撐，讓網格如雲朵般飄浮空中。從白天到夜晚，從晴天到雨天，建築將與天色和天氣交織出不同景象。在「Better Co-Being」官網刊登的採訪中，西澤立衛表示：「建築本身就有『占據』空間的特質。從這個意義來看，如果能在空間上表達出『共享』的概念，將是一件非常有趣的事情。」妹島和世則說：「這是一個無法完全控制的空間，我認為這正是有趣之處，人們可以在這裡感受天氣變化，進行互動式的體驗。」

展覽透過感應石頭、作品、觀眾的互動，表達了「共鳴」此一抽象主題。現場採小規模團體導覽，入場前每人會拿到一顆「echorb」石頭感應器，與手機完成連結後，登入體驗網站，將看見包括自己在內的同場觀眾的石頭顏色與位置分布；手握石頭，其震動將自然帶動手往左或右移動。

接著跟隨工作人員引導，依序體驗塩田千春〈言葉の丘〉、宮島達男〈Counter Voice Network〉，以及策展人宮田裕章的〈共鳴の空〉、他和創意團隊EiM共創的〈最大多の最大幸福〉等作品。走在不同路段、靠近不同作品時，將石頭輕輕放在耳邊搖晃，還會聽到不同聲響。最後登場的球體LED裝置，會即時搜集本場觀眾的體驗行為、當下天氣等數據，呈現僅只一次、屬於此時此地的影像。

有趣的是，連結「echorb」與手機的體驗網站，就像是一個「參加過Better Co-Being館的人的社群網站」，你可以上傳照片，也可以看到他人拍攝的照片，彼此分享在世博捕捉到的風景，即便離開展場也能使用。從建築與環境的共享、藝術作品與人的互動，到應用程式將參觀者聯繫在一起，沒有想過「共鳴」可以用展覽的形式訴說，且說得新穎又深刻。

Better Co-Being
需預約。採分批導覽，編輯參觀時間約1小時。
更多資訊可至官方網站查詢

▸ 荷蘭館

一顆發光球體，貫穿建築與展覽

展館的「整體性」是我相當偏好的特質，與其建築、視覺、展覽、吉祥物等各個都很厲害、但欠缺聯動的整體性，我更偏好每個元素都彼此連結，完好地收斂在同一個概念下。「荷蘭館」可謂本屆在「整體性」上做得相當出色的展館，以「球」貫穿建築與展覽，連吉祥物也推出米飛兔抱著大球的限定款（甚至開幕第3天隨即完售）。

荷蘭館講述的主題為「永續」，坦白說在參觀前不抱期待，因為直覺此題很容易淪為說教，或讓看展有種「在上課」的感覺。但實際體驗後，發現它並不是對你說道理，而是讓你「感受」到此議題的重要與迫切性。觀眾在入場前，會拿到一顆白色小球，球上設有感應裝置，只要碰觸牆上的感應點，球就會發亮，牆面也會出現不同的聲光變化。有趣的是，荷蘭館將「使用球的方式」與永續概念連結，例如要啟動牆面的聲光裝置，必須多顆球同時接觸，僅有一顆是無效的，隱喻人類必須攜手合作以迎向未來；當觀眾拿著尺寸比手掌略大的球在展場走動時，勢必會雙手捧著，小心呵護其不掉到地上，這個舉動也象徵了人類得悉心照料地球。

「球」不僅貫串展館視覺，甚至聯動了永續主題。也許就內容、手法等個別項目來說均不是最強，但綜合起來成就了「荷蘭館」深刻的品牌印象。我想即便過了多年再回想起本屆世博，還是會清晰記得「荷蘭館就是那個有著大球」的館。

荷蘭館
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約40分鐘。
更多資訊可至官方社群查詢

➥ 延伸思考：引導物件的運用

這裡也想談談「引導物件」的使用方式，包括上述介紹的「荷蘭館」、「Better Co-Being」，本屆許多展館均採物件引導的參觀模式——入場前會發放一個「物件」，該物件會有感應裝置或需與個人手機連結，由它觸發展場內的體驗。例如「德國館」的物件為吉祥物「Circulars」，將其頭部碰觸展場接觸點、再放置耳邊，就會進行悄悄話般的語音導覽；「電力館」也選擇了蛋型吉祥物，透過互動遊戲可讓蛋發光，從中了解各種發電方式。不過物件的運用，無疑是給觀眾多一道的理解門檻與手續，加上世博有來自世界各地的觀眾，語言、文化甚至手機裝置型號都不同。如何讓大家都能夠輕易上手，且具有「加分」效果，實為關鍵。

「Better Co-Being」的「echorb」石頭、「荷蘭館」的球，前者新奇後者直覺，且與展覽內容呼應，均是我覺得在引導物件上使用得很好的展館。不過談白說「Better Co-Being」的使用門檻偏高、手續繁複，必須步步跟著工作人員的解釋，才知道「echorb」怎麼使用、又怎樣跟作品互動；且同行攝影師的手機無法順利連結，現場也找不出解決方法。但因為石頭震動的感覺太微妙，與作品互動的方式也夠有趣，所以仍甘願且開心地學習操作方式。

▸ Future of Life

科技如何真的帶人類前行？

若說世博最初的起源，是展現人類最新發明以展望未來，儘管在現今的意義已有轉變，本屆仍有不少展館保有這分意味。不過也不諱言，有些主打科技和未來的展館，會淪為形式絢麗而內容空洞的展演。但由「人形機器人權威」、大阪大學教授石黑浩策劃的「Future of Life」，將此主題講述得既實際（有諸多研究基礎）又有想像力（開展到千年後的世界），也是我覺得本屆世博在「內容」上十分突出的館，將較嚴肅與複雜的科技議題，轉化為電影般的劇情，不說教且留白得宜。

入場前每人會拿到耳機，可選擇日文或英文、是否顯示字幕。建議可選擇字幕，因「Future of Life」是相當有「劇情」的展覽，角色對白會透過耳機傳送，若一時沒聽清楚可搭配字幕理解。展覽從「猴子」到「女學生」等各式機器人揭開序幕，探究人類在不同時代如何賦予機器「生命」。接著將故事線帶往50年後，並在此拋出「Future of Life」的主線劇情：50年後的世界，人類可以選擇自然死亡，或是將記憶移轉給機器人繼續存活。透過影片裡奶奶的選擇，引發觀眾思考：這個機器人是否還是原本的人？機器人能擁有真的情感嗎？人類是否需要無限地活下去？

懷著這些疑問，下個展間直接將「人機共存」的社會顯示眼前，只見主持人松子Deluxe正和機器人互動，還有已故文學家夏目漱石的機器人、能演奏鋼琴的機器人⋯⋯。之後耳機傳來：「接下來是1,000年後的世界。」迎面出現的是，難以定義是人是機是神的機器人隨音樂舞動，展示了不再受限於身軀與物理的人類樣態。

科技與人性的辯證、人機結合的探究，早已不是新命題，但許多作品會以荒謬、空虛或頹敗的近未來，反諷一味追求革新的人類。但「Future of Life」並沒有走這條路，而是要用科技帶著人性前行。展末亦展示了50年後可能會實現的「近未來技術」，包括與人體結合的機器人和AI、讓生活方式更自由的醫療、更永續的環境與能源技術等等。一如石黑浩在展覽尾聲留給觀眾的訊息：「人類可以設計自己的未來，活出自己想要的生命。」科技能帶人類走到多遠？其實這題不只關乎技術，也關乎人類對自己的生命、情感與需求，有多透澈的理解。

Future of Life
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約1小時。
更多資訊可至官方網站查詢

▸ BLUE OCEAN DOME

一場「水」的純粹展演

如果要說哪件「作品」最印象深刻？我的答案會是「BLUE OCEAN DOME」裡、由創意團隊nomena設計的水循環藝術裝置。「BLUE OCEAN DOME」為由非營利組織ZERI JAPAN策劃的民間展館，由設計師原研哉擔任策展人，將「水」這個主題用純粹且詩意的方式表達。

nomena設計的水循環藝術裝置展示於「圓頂A」，以超疏水塗層的純白盤面為舞台，模擬水從天空降下後，流經曲折地景，最終匯入大海的過程。白色的空間、白色的裝置、透明的水，觀眾進到展間會自然安靜下來，只聽得到玻璃管傾的碰撞聲，以及水流動的潺潺聲響。看著水滴在台面上匯聚，聚集到臨界點後終有一滴流入下個區域⋯⋯，沒有複雜或絢麗的聲光，卻足以引人定睛長時間觀看。在本屆世博眾多展館或現今各大展演中，聲光效果似乎成為了一種標配或趨勢，但此裝置展現了另一條路，把「單純」這件事做到極致與精緻，沒有想過「水」可以這樣被展示與觀看。

由坂茂操刀的「BLUE OCEAN DOME」建築也值得一看，他在記者會上說：「世博的本質應該是實驗未來的場所，如今卻過於追求表面上的獨特性與外觀，鮮少提出結構或技術的創新。」因此他期望透過「BLUE OCEAN DOME」，探索新的建築可能。

展館由3座圓頂組成：「圓頂A」的結構是「竹」，由於傳統竹材的直徑和厚度不均，且會因日光直射而裂開，因此團隊運用最新技術製成竹集成材，輕盈、強韌並易於加工；「圓頂B」則使用「CFRP（碳纖維強化聚合物）」，此材料重量比鐵輕、強度卻更優異，通常被用於航空、汽車等，本次為全球首次將CFRP作為屋頂主要結構，世博結束後也將回收，應用於坂茂參與設計的馬爾地夫海洋度假村開發案；而坂茂聞名的「紙管」則出現在「圓頂C」，此處的紙管不僅用於屋頂，連椅子都由3根紙管組成，讓觀眾直接感受其韌性。

BLUE OCEAN DOME
需預約，也可現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約50分鐘。
更多資訊可至官方網站查詢

▸ 韓國館

主題包裝下的科技國力

韓國館意外地讓我滿喜歡。其實它原本不在我想參觀的清單上，而是在世博開幕日傍晚，在大屋根廊道下方躲雨時，恰巧看到前方一面巨大的裸視3D牆——瞬間以為是某個世博官方的裝置，但隨即想到近年韓國經常使用此技術，看了一下周圍，確實找到「KOREA」的字樣。不用進到展館，韓國透過外牆就已大力輸出自家螢幕設備與設計實力。

韓國館以「With Hearts」為主題，講述科技與人性間的關係。入場前，觀眾會先依序進入如電話亭般的小錄音間，對著麥克風回答「最重要的東西是什麼？」每位觀眾錄下的聲音，將會在第1個展間轉化為聲光藝術，在全黑場域隨著音樂打下道道光束。第2個展間設有眾多如喇叭般的裝置，只要對其吹氣，上方就會產生泡泡落下（同場加映：瑞士館也有類似手法，但泡泡是由下往上升起）。

最後的第3展間，則播放一段「女高中生與爺爺」的音樂戲劇影片，融合K-Pop的音樂與舞蹈，講述科技如何聯繫情感，以及不隨時間改變的價值。其實各展間均強烈置入科技與娛樂產業等韓國國力，但因為收攏在科技與人性的連結此一主題下，並不會有太生硬或直接的「置入」感，可謂一場好看的展演。

韓國館
現場排隊。採分批導覽，編輯參觀時間約40分鐘。
更多資訊可至官方網站查詢

➥延伸思考：國家這件事怎麼表現？

國家館打著國家的名義參展，這件事其實很有趣——「國家」的比重要占到多大？要呈現國家的哪些特質或特色（以及怎麼呈現）？又或者再深一層思考，哪些東西能夠代表國家？上述提及到的兩個國家館（荷蘭、韓國），對我來說都是「主題」走在「國家」前面，也是我個人較偏好的國家館形式。這個意思是，它們是運用國家的元素（例如荷蘭的水能源、韓國的科技與娛樂產業），來講述一個主題，「國家」這件事有經過一定程度的轉化與包裝。

相反地，本屆我看到的大多國家館，都是讓「國家本身成為主題」，以博物館式的方式，介紹該國的地理、人文、產業、歷史，或是最新／自豪的科技、品牌、政策等等。雖然也不乏精彩之作，但就我個人而言，仍不免有種說教感。不過在直白介紹國家的國家館中，想特別推薦一個讓我印象深刻的展館：

▸ 巴林館

視覺之外，用觸覺與嗅覺感受巴林

其實在此之前，我並不知道巴林這個國家，但由黎巴嫩建築師Lina Ghotmeh（近年贏得「大英博物館」西翼展廳改造計畫國際競圖，是備受矚目的女建築師）操刀的建築，以3,000根木材製成木船般的展館，外觀就十分搶眼。

展覽內容不外乎介紹這個位於西亞、波斯灣西岸附近的島國，其自然與航海資源。但參觀方式的設計，是先進行一小段的團體導覽，讓觀眾對巴林有基礎認識後，再自由參觀，解說員也清楚交代「展館裡每一項東西都可以摸和聞」。對於用看或聽的方式來接收一國文化，總顯得有點制式，但透過觸覺和嗅覺，意外地讓我更有好奇心地探索。布幔染上的巴林海洋氣味，我到現在都還記得那股怪異酸味。

還有，巴林館商店超、好、逛！除了有許多當地工藝，同行攝影師還在裡面挖到巴林攝影師Ishaq Madan的Zine，照片和印刷品質都在線。另外亦可關注，目前也在開展中的威尼斯建築雙年展，國家館最高榮譽金獅獎就是由巴林館奪下，也讓我更好奇這個過往相對陌生的島國，還擁有什麼樣的創意能量。

巴林館
現場排隊。前段分批導覽、後段自由參觀，編輯參觀時間約半小時。
更多資訊可至官方社群查詢

_{文｜張以潔　攝影｜蔡耀徴
更多精彩內容請見 La Vie 2025/6月號《2025大阪世博設計攻略》}