合風蒼飛設計Original BTC台北展廳！融會山林意象、東方繪畫技法的英國手工燈飾鑑賞空間

隱身台北中山巷弄中，「Original BTC台北展廳」以寧謐之姿佇立，這發跡於英國牛津、受皇室認證的百年燈飾品牌，台灣首據點選址台中、接著北上插旗，並邀來「Soar Design 合風蒼飛設計」操刀空間，結合山林意象、巧妙將東方繪畫技法融會於展間，將老公寓改造為猶如藝廊的燈飾鑑賞場域。

拋開傳統展廳形式，打造能訴說品牌的鑑賞空間

Original BTC強調純正英國工藝，產品設計揉合英式優雅、工業風格，玩轉骨瓷、金屬、玻璃等材質，呈現具對比趣味的燈飾系列，而為了讓藏家擁有能靜心細賞燈飾的空間，特別開設台中、台北兩間展廳。操刀空間設計的合風蒼飛，希望展廳形式能更貼近藝廊、展覽場域，而非單純羅列展品的空間，期盼展廳不僅能呈現美感、提供藏家沈浸式鑑賞體驗，更能「訴說品牌」。

設計思考：何時何地最能體驗光之美？

初期設定設計主軸時，合風蒼飛思考何時何地最能體驗燈光的美好，設計師張育睿回想童年成長於山野、成年後在森林中度過的時光，他認為當光線存在於大自然中，那種虛無飄渺、幽微靜謐的氣氛最是美好。因此，希望空間設計能為展廳烘托出，當人們在曠野或山林中點燈、生火取暖時，那種帶自然野性卻又溫暖無比的氛圍。

打開原為辦公室的40年老屋

展廳座落中山國中捷運站附近小巷中，位在一棟40年四層雙拼老公寓的一樓，正對面有座傳統宮廟「有求宮」，街廓景象與風格十足在地。合風蒼飛接手前身為辦公室的老屋後，首先調整格局，將原本的入口外牆內退，創造一處介於室內外之間的「內庭」，讓前院的景觀蔓延至室內，模糊老屋既定的使用界線，同時增加空間中的曖昧氛圍。

此外，原先的廚房、後院加蓋倉庫都被打開，前者留下舊有紅色壓花地磚，暗示老屋本質，並改作為展廳主展場的一部分；後者則被改造為戶外庭院，並與前院內庭共同成為主展廳的「借景」，將室內外透過自然氣息串為一體，加深場域沈浸感。

帶山林意象的三階段展廳

綜觀整體空間，可見合風蒼飛以有機排列的燒杉暗示「背光的森林」，設計團隊將整支側柏木柱表面燒製碳化，表面再以滲透型油漆作為保護，既深化木頭紋理，亦帶出置身山林的既視感；同時，透過自由迂迴的環繞動線，創造在山林中漫步遊走的體驗，不僅讓觀賞燈具的動線充滿趣味性，亦引領來訪者透過感官、身體記憶重回自然。

整座展廳有三段分野，層次分別為前院、主展場與後院，其中前院還有處中介空間，如同東方建築中的「一進」，讓空間更為深邃；中段「燒杉森林」主要作為燈具展廳，亦兼具聚會功能，另規劃有會議、倉儲空間，除此之外，展廳本身的氛圍也相當適合舉辦小型藝術展演，如雲霧般的展台、悉心設計過的動線，對於藝術策展來說，有許多可以發揮的空間；後院則開闢為另一景觀區，作為室內借景與燈具展示之用。

將東方繪畫「散點透視」手法實現於空間

烘托自然氣息、山林意象之餘，合風蒼飛也將基地周邊環境的在地感納入考量，試圖在展廳中結合東西方意象，最終選擇在建材、家飾與空間整體的配置上，以東方繪畫中的「散點透視」手法呈現。

所謂的散點透視，簡單來說是從多個角度、不集中於單一焦點描繪畫中事物，此繪畫手法常見於東方繪畫中，與西方繪畫明顯有別。合風蒼飛以此為出發點，將所有景致「堆疊」於空間中，像是燒杉森林與老屋原有磚造結構相映；自室外延伸至屋內的植栽、山石，與舊有時代建材交疊；夜幕低垂時，對巷宮廟亮起的紅色燈籠，即東方的燈，與展廳內西方燈飾透過玻璃反射產生的倒影互相輝映，都是運用散點透視概念呈現的細節。

結合浮世繪技法、台灣庶民材料呈現水的三種型態

為了在空間中再現自然的「氣韻」，合風蒼飛更轉化了東方山水畫、浮世繪的技巧於空間中，表現自然界中水的三種型態。從固態說起，取浮世繪中常以「點描」表現雪景或瀑布的技法，展廳內天花板與牆面的斑白暗喻著雪；而氣態的雲霧，則以蜿蜒於燒杉森林中的潔白天花與檯面呈現，除在空間中呈現動態構圖的流動感，亦引領觀者進入具象的東方繪畫世界。

最後，液態的雨，選用台灣常見的庶民材料「透明波浪板」，並擷取浮世繪如《大橋安宅夕立》以「斜線」表現雨的手法呈現。其中，斜置透明浪板的凸面在反射光後所呈現的線條，正如同畫中雨景，也如現實世界裡朦朧的雨夜景致。

值得一提的是，重現雨景的透明波浪板，並不是展廳中唯一一個融入台灣庶民材料打造的細節，另一設計可見於位在復古壓花地磚上的吧檯區，合風蒼飛自台灣海線居民常使用「蚵殼」作為外牆材料，以抵禦強烈海風侵蝕的生活智慧汲取靈感，自行研發加入蚵殼研磨而成的特殊塗料，以製造斑駁、帶孔隙且看得到蚵殼碎片的在地感質地，其不經雕飾、帶點野性的紋理，恰與全展廳的自然元素相呼應。

透過空間中抽象的東方繪畫手法挪用、具象的自然元素相互堆疊，合風蒼飛期盼觀者能沈浸於東西合璧的場域中，在移動、流轉中逐步看見不同風景，最後在展廳尾端回首時，窺見森林全貌，讓體驗終於意識到自己早已置身於山野間的霎那。

資料、圖片｜Soar Design 合風蒼飛設計＋張育睿建築師事務所

恆成紙業旗下內容品牌「野点nodate」出版《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》，以10則刺青師深度專訪，描摹40年台灣刺青生態演變 。操刀裝幀設計的HOUTH，分享如何以設計過程中的各種巧思呼應刺青文化，及其中的次文化與反叛精神。

延續2024年推出的卡帶專輯《調皮》（The Skin Surfing）和刺青認領圖小書《刺花Tshiah-hue》，恆成紙業旗下內容品牌「野点nodate」持續關注刺青藝術社群，推出最新作《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》，是台灣第一本梳理刺青生態演變的深度觀察與圖冊。

作者張玉音長年書寫藝文領域，年少時期曾親身見證刺青文化背負的污名，步入不惑之年後，毅然決定讓各色刺青佔據肌膚。她深入田野，透過本書帶領讀者一窺台灣刺青在世代輪轉之下，所發展出的不同技藝與風格，以及諸多產業重要議題，包含師徒制的轉型、國際展會的功能更迭、比賽評選機制的變化、社群媒體對整個生態的重塑，甚至包括盜圖與人才外流等現象。

全書採11冊分冊設計，包含1冊序言，以及10冊跨世代刺青師的專訪與反思，依序記錄其師、富哥、Kubrick、House、York、Ray、Upa、阿弘、柯廷、張先生的創作世界。從中，可見橫越40年來的刺青風格演變，從轉化自令人畏懼的江湖印記的細膩台式工藝，一路到當代 Gen Z 的 Y2K 邪典氣質，以及這一文化在不同時代面臨的挑戰，和刺青師們各自持續創作、開拓的路徑。

閱讀體驗的定調

本書裝幀由何婉君與黃紀滕（Hans）組成的的HOUTH團隊操刀。在月初舉辦的裝幀座談會中，張玉音與 HOUTH 進一步分享設計幕後。

設計初期，團隊曾發展出另一套視覺方向，閱讀體驗偏向「沉靜」。最終擇定的方向，則是希望打破傳統文史書「厚重、精裝、大部頭」的既定印象，留下刺青文化原有的次文化氣質與自由度，同時吸引圈層之外的讀者產生好奇與閱讀興趣。採用11本輕薄短冊的分冊設計，也是呼應每一冊皆代表不同世代的歷史切片與文化精神，讓讀者可以自由抽取閱讀，依照自己的節奏與偏好的順序，進入不同年代與刺青師的故事。

圍繞在身體的「物理性」

刺青的載體是人體皮膚，本書裝幀也以身體的「物理性」作為核心概念。書盒上那隻乾淨、沒有刺青的鮮明手臂，其實正是 Hans 親自拍攝的自身手臂。空白手臂象徵刺青的載體，也像一塊等待被書寫的皮膚，串接台灣能量蓬勃卻曾經缺乏完整脈絡的40年刺青史。

作為對比，書盒內部則印製滿版刺青作品，來自本次最資深的兩位受訪人物——其師與富哥。當讀者將書冊從盒中抽出時，如同刺青逐漸覆上身體，也隱喻台灣刺青文化在40年間，從地下次文化逐步走向自我認同與個人表述的過程。

紙材選擇上，同樣延續「物理性」的概念。封面選用「新浪潮」紙材，保留類似皮膚表面的霧面粗糙質地；外盒則以瓦楞紙搭配半斷工法製作，利用偏街頭、工業感的材質，營造看似精裝、實則平裝的視覺狀態，呈現介於粗糙與精緻之間的氣質，也隱隱呼應「野点」作為內容品牌，長期穿梭於不同文化圈層之間的姿態。

為了呼應刺青文化相對銳利的調性，HOUTH 在內頁選擇帶有亮面質感的「雜誌紙」，影像與文字會微微透出下一頁，產生近似皮膚透度與色料滲透的視覺感受。過程中，張玉音還特地前往舊書攤，找來八〇、九〇年代的《Times》雜誌進行比對，確認印樣既具有足夠遮蔽性、不干擾閱讀，同時也保留與當年雜誌紙張相近的物質感，讓本書內容觸及的時間跨度，也被精準收束在紙頁的選材。

以刺青風格轉化的編排巧思

字型的選用，同樣呼應次文化語境。封面使用由黑體改造的實驗字體「獅尾尖刺黑體」，帶有地下刊物與小誌文化中的野性與銳利感；拉丁字體也選用帶有尖角細節的字型相互呼應。內文則以蘋方繁編排，搭配較大的字級與方正結構，保留長篇閱讀的舒適性。每冊的封面編號與頁碼，則依據受訪刺青師的個人風格重新轉化設計，例如以美式傳統刺青風格聞名的 HOUSE，其數字「4」便加入裝飾風格語彙。

此外，許多裝幀細節也隱含對刺青工藝的轉譯。書盒上的書名與 ISBN 燙印，模擬刺青留在皮膚上的痕跡，並加入微微暈染效果，重現色料隨時間沉入皮膚後的自然擴散。每冊開頭與結尾的紙頁，則模擬刺青工序中的描圖紙；其中特別使用到紅色，是向台灣資深刺青師「其師」的 freehand 技法致敬——他習慣以紅色油墨直接在人體上繪製，再進行刺青。

細看內容，會發現各冊也藏有呼應每位刺青師背景與特色的小巧思。例如在富哥的篇章，刺青工具被編排成形似一支手槍，幽默呼應他早年「八成客源是社會人士」的經歷；而刺青師 Upa 長期以刺針模擬繪畫筆觸，在肌膚上留下如詩般的抽象痕跡與氣泡質感，因此 HOUTH 也在編排中刻意保留更多留白與空氣感，讓圖文之間形成更自由的節奏。

《從破少年到酷小孩：台灣刺青師1980-2020》以紮實的訪談書寫，織就一部由刺針、墨水和圖像構成的時代群像錄；也透過裝幀設計，承載台灣刺青文化這40年來層層堆疊、多元而鮮活的歷史。

關於野点nodate｜

恆成紙業旗下內容品牌，將紙的物質性與承載文化抽象意涵，透過議題企劃與活動串聯交織出版、視覺設計、次文化、聲音藝術等多元創作領域，以紙張、媒介作為文化實驗場，並擴充傳統的用紙受眾。於2024年底有正式的出版產品，著力實踐內容生產的主動權，打破傳統出版與媒體界限，並且以紙業背景為紮實基底，對媒體型態、製作方式進行再思考。

資料提供｜野点nodate

文字整理、文｜李尤

JIL SANDER攜手西班牙室內設計雜誌《Apartamento》，於2026米蘭設計週期間共同呈現《Reference Library》展覽。匯聚來自世界各地具獨特視角的作家、設計師、藝術家、建築師、電影人、思想家與創作家等精心挑選的60本書籍，組成一個啟發思考、陪伴人生各個時刻的閱讀書單。

身處於這個「速讀」時代，我們的視線在電子螢幕上游離，閱讀變得碎片化。演算法在我們尚未消化內容前，已為我們決定下一步。為獲得快樂而閱讀的想法大幅減少，書本反而成為一種值得被珍視的媒介，一件需要被握在手中、邀請你放慢節奏、停留片刻的物件，更是讀者與故事之間自由選擇的私人時刻。

書本承載著記憶，甚至帶給你驚喜

而《Reference Library》正是在這樣的背景下誕生，肯定了這些物件與行為的價值，也為「全神貫注於值得關注的事」賦予意義。

書本承載著記憶，將把書交到你手中的那個人、初次翻閱時的場景，以及當下的珍貴片刻一併保存。它在人與人之間悄然流轉，也會在不經意間喚起你對某個人的想念。在適當的時候，它會帶給你意想不到的驚喜，比如促使你與某人聯絡、重新思考某些事情、前往某個地方或重新開始。而生活中鮮有其他事物能做到這一切。

【2026米蘭設計週】7大亮點設計裝置整理！ARKET打造水果蔬菜旋轉木馬、Moncler讓巨大章魚盤踞建築

以鏡面構築的閱讀空間

此次展覽由米蘭建築事務所studioutte設計，在米蘭市中心的JIL SANDER展示廳舉行。其由多個鉻合金展示台一字排開，在閱讀燈的映照下，其倒影被鏡面牆反射，構成一個讓人細細品味、沉浸於閱讀的完美空間；人們能隨心所欲地從一本書移到另一本書，自由遊走於書中世界。

戴起白手套、翻閱現場書籍

展覽每小時限額60名，每位參觀者登記後會獲邀進入圖書館，並獲贈一對白手套，這個小儀式將改變人們對待事物的方式及對事物的呵護程度。參觀者可拿起、翻開及閱讀現場的書籍，結束時白手套將作為禮物贈予讀者，作為一份靜謐、紀念這段美好時光的紀念品。

探索60位創意人士書單

此次精選的60本書單中，涵蓋了多部影響深遠的思想與文學作品，比如法國思想家加斯東·巴舍拉《空間詩學》(The Poetics of Space)、谷崎潤一郎《陰翳禮讚》(In Praise of Shadows)，以及尚·布希亞《物體系統》(The System of Objects) 等，從空間、光影到人與物件之間的關係，延伸出對感知與日常經驗的重新理解。

另外，維吉尼亞·伍爾夫《海浪》(The Waves)與萊納·馬利亞·里爾克《給青年詩人的信》(Letters to a Young Poet)則以細膩的內在書寫，回應閱讀作為一種內在且延續的體驗。這些書籍不僅構成一份閱讀清單，更引導觀者在觀看與閱讀之間，建立更深層的連結。

JIL SANDER 創意總監Simone Bellotti表示：「我為這段即興而短暫、僅存在數日的計畫，特別挑選了一本童年時讀過的書，作為贈予米蘭圖書館的禮物——由Italo Calvino撰寫的《樹上的男爵》。主角 Cosimo 選擇棲身樹上，從高處觀看世界，反而比地面上的人看得更清晰。Calvino在此構建了一種優雅的理論：主角的性格古怪、被孤立、誤解，卻正因其非典型的視角，影響了周遭的一切。這幾乎可被視為創作中狀態最純粹的隱喻。」

Apartamento聯合創辦人Marco Velardi說道：「Apartamento與JIL SANDER的合作是自然契合的成果。我們雙方深知我們身邊的事物從不單只是裝飾，更是個人經歷的延伸，關於對事物的專注、珍視及對一次性消費的反抗。猶如一件精心製作的服裝一樣，書本同樣是一種經過深思熟慮、為流芳百世而存在的創作。」

Reference Library
日期： 2026年4月20日（星期一）至4月24日（星期五）
地址： Via Luca Beltrami 5, Milan
開放時間： 上午11時至下午5時
預約連結請點此
預覽地點：JIL SANDER 專門店（Via Verri 5, Milan）