合風蒼飛設計Original BTC台北展廳！融會山林意象、東方繪畫技法的英國手工燈飾鑑賞空間

隱身台北中山巷弄中，「Original BTC台北展廳」以寧謐之姿佇立，這發跡於英國牛津、受皇室認證的百年燈飾品牌，台灣首據點選址台中、接著北上插旗，並邀來「Soar Design 合風蒼飛設計」操刀空間，結合山林意象、巧妙將東方繪畫技法融會於展間，將老公寓改造為猶如藝廊的燈飾鑑賞場域。

拋開傳統展廳形式，打造能訴說品牌的鑑賞空間

Original BTC強調純正英國工藝，產品設計揉合英式優雅、工業風格，玩轉骨瓷、金屬、玻璃等材質，呈現具對比趣味的燈飾系列，而為了讓藏家擁有能靜心細賞燈飾的空間，特別開設台中、台北兩間展廳。操刀空間設計的合風蒼飛，希望展廳形式能更貼近藝廊、展覽場域，而非單純羅列展品的空間，期盼展廳不僅能呈現美感、提供藏家沈浸式鑑賞體驗，更能「訴說品牌」。

設計思考：何時何地最能體驗光之美？

初期設定設計主軸時，合風蒼飛思考何時何地最能體驗燈光的美好，設計師張育睿回想童年成長於山野、成年後在森林中度過的時光，他認為當光線存在於大自然中，那種虛無飄渺、幽微靜謐的氣氛最是美好。因此，希望空間設計能為展廳烘托出，當人們在曠野或山林中點燈、生火取暖時，那種帶自然野性卻又溫暖無比的氛圍。

打開原為辦公室的40年老屋

展廳座落中山國中捷運站附近小巷中，位在一棟40年四層雙拼老公寓的一樓，正對面有座傳統宮廟「有求宮」，街廓景象與風格十足在地。合風蒼飛接手前身為辦公室的老屋後，首先調整格局，將原本的入口外牆內退，創造一處介於室內外之間的「內庭」，讓前院的景觀蔓延至室內，模糊老屋既定的使用界線，同時增加空間中的曖昧氛圍。

此外，原先的廚房、後院加蓋倉庫都被打開，前者留下舊有紅色壓花地磚，暗示老屋本質，並改作為展廳主展場的一部分；後者則被改造為戶外庭院，並與前院內庭共同成為主展廳的「借景」，將室內外透過自然氣息串為一體，加深場域沈浸感。

帶山林意象的三階段展廳

綜觀整體空間，可見合風蒼飛以有機排列的燒杉暗示「背光的森林」，設計團隊將整支側柏木柱表面燒製碳化，表面再以滲透型油漆作為保護，既深化木頭紋理，亦帶出置身山林的既視感；同時，透過自由迂迴的環繞動線，創造在山林中漫步遊走的體驗，不僅讓觀賞燈具的動線充滿趣味性，亦引領來訪者透過感官、身體記憶重回自然。

整座展廳有三段分野，層次分別為前院、主展場與後院，其中前院還有處中介空間，如同東方建築中的「一進」，讓空間更為深邃；中段「燒杉森林」主要作為燈具展廳，亦兼具聚會功能，另規劃有會議、倉儲空間，除此之外，展廳本身的氛圍也相當適合舉辦小型藝術展演，如雲霧般的展台、悉心設計過的動線，對於藝術策展來說，有許多可以發揮的空間；後院則開闢為另一景觀區，作為室內借景與燈具展示之用。

將東方繪畫「散點透視」手法實現於空間

烘托自然氣息、山林意象之餘，合風蒼飛也將基地周邊環境的在地感納入考量，試圖在展廳中結合東西方意象，最終選擇在建材、家飾與空間整體的配置上，以東方繪畫中的「散點透視」手法呈現。

所謂的散點透視，簡單來說是從多個角度、不集中於單一焦點描繪畫中事物，此繪畫手法常見於東方繪畫中，與西方繪畫明顯有別。合風蒼飛以此為出發點，將所有景致「堆疊」於空間中，像是燒杉森林與老屋原有磚造結構相映；自室外延伸至屋內的植栽、山石，與舊有時代建材交疊；夜幕低垂時，對巷宮廟亮起的紅色燈籠，即東方的燈，與展廳內西方燈飾透過玻璃反射產生的倒影互相輝映，都是運用散點透視概念呈現的細節。

結合浮世繪技法、台灣庶民材料呈現水的三種型態

為了在空間中再現自然的「氣韻」，合風蒼飛更轉化了東方山水畫、浮世繪的技巧於空間中，表現自然界中水的三種型態。從固態說起，取浮世繪中常以「點描」表現雪景或瀑布的技法，展廳內天花板與牆面的斑白暗喻著雪；而氣態的雲霧，則以蜿蜒於燒杉森林中的潔白天花與檯面呈現，除在空間中呈現動態構圖的流動感，亦引領觀者進入具象的東方繪畫世界。

最後，液態的雨，選用台灣常見的庶民材料「透明波浪板」，並擷取浮世繪如《大橋安宅夕立》以「斜線」表現雨的手法呈現。其中，斜置透明浪板的凸面在反射光後所呈現的線條，正如同畫中雨景，也如現實世界裡朦朧的雨夜景致。

值得一提的是，重現雨景的透明波浪板，並不是展廳中唯一一個融入台灣庶民材料打造的細節，另一設計可見於位在復古壓花地磚上的吧檯區，合風蒼飛自台灣海線居民常使用「蚵殼」作為外牆材料，以抵禦強烈海風侵蝕的生活智慧汲取靈感，自行研發加入蚵殼研磨而成的特殊塗料，以製造斑駁、帶孔隙且看得到蚵殼碎片的在地感質地，其不經雕飾、帶點野性的紋理，恰與全展廳的自然元素相呼應。

透過空間中抽象的東方繪畫手法挪用、具象的自然元素相互堆疊，合風蒼飛期盼觀者能沈浸於東西合璧的場域中，在移動、流轉中逐步看見不同風景，最後在展廳尾端回首時，窺見森林全貌，讓體驗終於意識到自己早已置身於山野間的霎那。

資料、圖片｜Soar Design 合風蒼飛設計＋張育睿建築師事務所

今年9月，德國頂級廚電品牌Gaggenau即將於台北信義區開設全新旗艦展示中心，成為繼上海、北京與雪梨之後，亞太市場第四座品牌旗艦空間。在台北據點正式揭幕前，La Vie也率先走訪位於上海靜安的全球最大旗艦店「嘉邸（The Gallery）」，從這座1930年代的老洋房出發，一窺Gaggenau如何將340多年來累積的工藝底蘊，結合建築、科技與包浩斯美學，重新定義當代廚居生活。

走在上海靜安區的威海路，很難想像這條緊鄰南京西路商圈的街道，還存在著如此濃厚的老上海風景。街道兩旁是梧桐綠蔭、歷史建築，以及近年陸續進駐的咖啡館、藝廊與設計選物店，城市的節奏依舊快速，卻又多了幾分散步的餘裕。Gaggenau上海旗艦店「嘉邸」就藏身其中。這棟四層樓的老洋房前身為興建於1930年代的道里官邸，德國建築設計團隊1zu33保留原有建築結構與磚石立面，並融入上海海派文化與Art Deco語彙，讓近百年的歷史建築延續昔日風貌，也多了幾分當代設計的俐落。

推開厚重的大門，城市的喧囂彷彿被留在身後，映入眼簾的是名為「The Difference」的沉浸式品牌空間。深色石材、木頭、金屬與玻璃交織出沉穩而內斂的氛圍，耳邊傳來規律的鍛鐵敲擊聲，空間中央則擺放著來自品牌發源地——德國黑森林運來的巨大松樹樹根。材質、光影與多媒體影像在此交錯，引領訪客循著品牌340多年的發展脈絡，走進Gaggenau的工藝世界。

340年的工藝進化：Vario Expressive重新定義當代廚房

Gaggenau的歷史可以一路追溯到1683年，從一間鍛鐵工坊起家，歷經340多年發展，逐漸成今日的頂級廚房家電品牌。1956年推出全球第一款全嵌入式廚房家電，更重新改變了現代廚房的配置方式。深受包浩斯「形隨機能（Form Follows Function）」理念影響，Gaggenau始終相信，好的設計應回應使用需求，而非流於裝飾；俐落克制的線條、耐久的不鏽鋼與玻璃材質，以及對細節與手感的講究，都延續著這樣的設計思維。

二樓的展示空間，則進一步勾勒品牌對奢華廚居生活的想像。這裡搶先亮相將於下半年上市的Vario Expressive系列冰箱與酒櫃，也是台北旗艦店未來的一大亮點。全系列涵蓋冷藏冰箱、冷凍冰箱、三門法式冰箱與酒櫃，並採用模組化設計，每件設備既能獨立配置，也能依不同空間需求自由組合。

延續品牌的建築思維，Vario Expressive系列將冰箱視為廚房空間的一部分，在材質、比例與光影之間，營造一致而俐落的空間秩序。深色短絲紋不鏽鋼、礦石黑鋁金屬與玻璃交錯出細膩的材質層次，暖白色抗眩LED燈則隨著環境光線與使用情境柔和變化；即使放滿各式食材，水平一致的層架設計，也讓內外視覺維持高度整齊。

除了外觀設計，Vario Expressive系列也將智慧科技融入日常使用情境。透過內建智慧感應器與專屬App，使用者可即時查看冰箱內的食材存量，不同保鮮區則可依肉類、海鮮或乳製品等食材特性，分別設定適合的保存環境。而這次最大的亮點之一，莫過於酒櫃系列搭載的侍酒師溫控程式，可依不同酒款自動調整至適飲溫度；搭配客製化層架配置與展示燈光，讓酒櫃兼具保存與陳列功能，打造更完整的奢華品飲體驗。

兩種設計語言，一套工藝思維：Expressive與Minimalistic烤箱系列

此次參訪的另一大亮點，則是品牌近20年來首度全面改款的Expressive與Minimalistic烤箱系列。兩個系列延續Gaggenau一貫的工藝精神，卻展現截然不同的設計語言：Expressive系列以「兩框一圓」（界定櫃體邊界的外框＋環繞煙燻玻璃的內襯框）勾勒鮮明輪廓，透過手工打磨的不鏽鋼材質，以及依循黃金比例（1：1.618）打造的懸浮式控制環，讓家電宛如空間中的雕塑；Minimalistic系列則以「兩線一圓」回歸極簡，捨去框體設計，提供鉑光銀與曜岩黑兩種面板選擇，幾乎與櫥櫃立面融為一體，在低調之中襯托建築與空間本身。

兩個系列皆搭載全新懸浮式不鏽鋼控制環，將隱藏於玻璃面板後方的數位介面，與保留實體旋鈕手感的操作方式結合，在科技與工藝之間取得平衡，也再次呼應品牌對細節比例與使用體驗的講究。

把「嘉邸」體驗搬進台北：Gaggenau台北旗艦店將於9月開幕！

此次實際走訪上海嘉邸後，除了驚嘆廚房科技如今所能達到的人性化程度，更令人印象深刻的是Gaggenau對每一處細節的講究。從材質、比例到光線配置，甚至控制環旋轉時的手感，都經過反覆推敲與上百次測試；就連烤箱內部的焊接處，也被打磨得彷彿一體成型。這些看似不起眼的細節，共同成就了更直覺而舒適的操作感受，也讓工藝自然融入日常生活與空間。

繼上海、北京與雪梨之後，Gaggenau即將於今年9月在台北信義區開設亞太第四座旗艦展示中心，並同樣由1zu33規劃設計，完整導入品牌最新展示概念與全系列產品。屆時，消費者也將有機會親身體驗這些藏在材質、工藝與操作手感中的細節，感受Gaggenau如何透過340多年的工藝積累，重新詮釋當代頂級廚居生活。

林宥嘉第7張專輯《Apples of Thy Eye》在去年7月數位上線，實體的液態黑膠則於今年4月底發行。如果你也是經過了漫長的預購等待，才拿到這張如藝術品般的專輯，不妨跟著設計師聶永真、陳聖智的分享，一探埋藏在「蘋果專輯」的設計細節。

2024年，林宥嘉推出睽違8年的專輯《王》。一年後，一首首釋出的新歌，也正式為第7張專輯拉開序幕。聶永真說明，剛開始開案時，專輯的名稱已經定下來，但他們花了滿多時間去釐清歌手的想法，最後才延伸出「每個人都是造物者眼中的蘋果，都是獨一無二且值得被珍惜的存在。」

延伸閱讀：設計師陳聖智、聶永真親解林宥嘉《王》專輯設計巧思

每一首歌，都是一個角色

而新專輯的每一首歌都代表著一個角色或群體，並以不同的蘋果作為單曲封面。比如以許多光點構成的〈歌迷〉，象徵演唱會現場歌迷揮舞手機的光；以性為主題的〈新郎〉，將蘋果做成類似帶著汗水的臀部輪廓；〈怪情歌〉的靈感則來自於MV畫面中的金髮與粉紅髮色。

當時他們先提出整體的視覺基調，確定走向後，便發展出現在所看到的「蘋果」造型，後續每首單曲的視覺也都在這樣的骨骼架構下進行製作。陳聖智補充，起初得知專輯將以單曲形式陸續釋出時，他們便認為這是個很特別的企劃形式，原本唱片公司沒有打算讓每首單曲封面都不一樣，「但我們覺得如果歌手本身這麼有企圖心，讓每一首歌都能單獨被檢視，那單曲封面也能依照企劃方向延伸，使視覺與歌曲的結合可以更完整。」

讓音樂載體化為可陳列、收藏的作品

至於為什麼是液態膠？陳聖智說，初期連是否推出實體專輯都不確定，但大家經過一輪討論後，認為仍需要一個可以收藏的物件。當時曾評估CD、卡帶、USB等形式，後來林宥嘉提出，希望這張音樂的載體本身能更具特殊性，同時也能如同一件作品般、被陳列於家中。因此，他們最終選定了液態膠，並重新設計了實體封面。聶永真說，他們當初提了許多版本，其中一個提案便是專輯中最直接且最代表性的兩個符碼——眼睛與蘋果，這也是林宥嘉一眼就選中的版本。

以「眼睛」與「蘋果」創造經典的封面視覺

聶永真表示，其實像封面有一個眼睛和蘋果，它的呈現方式可以有很多種，而這次他們以極度圖像化的方式來表達，也會讓專輯更具藝術性與經典感。「另一方面，以黑膠這個尺寸而言，一個眼睛與一個蘋果並行在一起，它的視覺張力非常的強。這也是當初我們會有這一版提案的原因。」另外也能發現，除了封膜上的貼紙，封面並沒有出現任何專輯名稱，他們希望透過具有辨識度的眼睛與蘋果，讓人們能直接得知「Apples of Thy Eye」這個名稱。

細看封面，還藏了一個小巧思。陳聖智說，蘋果旁的「A」符號，不僅代表Apple，轉個方向後，看來就像是側邊的眼睛；再轉向，則化為象徵林宥嘉（Yoga Lin）的「Y」。

翻開專輯內頁，可見從11首歌延伸而來的「眼睛」符號，長成一棵隱喻宇宙的基因樹，這也象徵著各式各樣的個體，在同一個環境下生長、彼此牽引且共生的關係；與之相對應的另一頁，則是將「Apples of Thy Eye」的英文字母圖像化後，組構出屬於人類的生命樹。

跳脫傳統黑膠配置，滿載細節的裝幀

而如果有在收藏黑膠的樂迷應該不難發現，相較主流黑膠以附上大海報、單張歌詞的形式，《Apples of Thy Eye》的裝幀方式較為少見，從亮膜封套、金色騎馬釘、多頁歌詞本、燙金、網版印刷等細節，都賦予了這張實體專輯如藝術作品般的收藏價值。除此之外，陳聖智提到，有些國外歌手的液態黑膠，無法直接收進封套，因此他們特別調整了封套的版型與厚度，使液態膠在收納後，即使平放也不會翹起。

世界上的每一個人都是重要的

回到液態膠本身，陳聖智分享，除了製作這張液態膠的壓片廠外，還需送往另一個工廠加工、打造出噴濺效果，也由於最終噴濺成型的樣貌無法預測，因此，每一張液態膠都是獨一無二的，這也呼應了專輯的核心概念——「世界上的每一個人都是重要的」。他補充，液態膠內的黑灰色液體也是特別訂製而成，讓音樂載體本身與數位封面上的眼睛有所連結。

而這張蘋果專輯的核心想法，也被收進最細微的地方。歌詞本中，「你」、「我」、「他」、「人」等字樣下方，那些看似只是點綴的小點點，其實都是一顆顆被極度縮小的蘋果，一再提醒著我們，每一個人都值得被看見與珍惜。