對時尚攝影師陳詠華來說，攝影是一種雕刻，也是對時間、對記憶的探尋。從藝人到新銳演員，無論桂綸鎂、許瑋甯、張震、李沐等等，在她的鏡頭下，總能自然展現最柔韌、飽滿的生命姿態。讓我們一同探索潛藏於陳詠華攝影作品中的內在時間。

今年第二次拍攝桂綸鎂，陳詠華用Polaroid底片，將她浸潤在一片深邃藍色調，對比於《藍色大門》時期剛出道的青澀，陳詠華將自己所欽羨、屬於現在的小鎂的飽滿、成熟姿態凍凝在影像中。這也是她今年的新挑戰，在《ELLE Taiwan》開啟專欄「自．畫像」，每個月為一名女星紀錄肖像，讓她們與時間、與自身展開一場場對話。

談起陳詠華的風格，許多人會用她喜歡的電影《花樣年華》來形容：復古。但她不認為自己有將特定風格加諸在作品上：「風格是由別人去定義的，我只是專注在自己所喜歡的事物上。」儘管如此，她仍自剖是個古典的人，涵養她的靈感是《愛神：手》、《末代皇帝》、《霸王別姬》、《美麗佳人歐蘭朵》等等電影與石岡瑛子在《入侵腦細胞》中的美術設計，「我一直都很喜歡典雅的事物，東西方元素相互襯托的狀態。」擅於內觀的她也提取自己夢境與想像，「如果將夢境具體實現於影像中，是否就會真的成為現實可見的一部分？」

將感受濃縮在瞬間

既為詩人也是藝術家的父親對陳詠華影響深遠，她猶記小時候，父親騎摩托車載著手拿小小相機的自己，看眼前台北城市流光閃耀的光景。進入實踐大學服裝設計學系後，相對於縫紉機，她更鍾情影像。

在攝影工作室短暫的實習中她始終沒能捉住機會操作器材，於是她另闢途徑自學攝影，在系館樓頂、樓梯間為同學拍攝服裝作品集，也藉由朋友介紹為服飾品牌工作累積經驗。早期陳詠華深受時下雜誌流行的如Tim Walker等歐美時尚攝影大師的風格吸引，曾嘗試低彩度、高對比張力的華麗風格，經歷三年對生活與影像的探尋，才逐漸摸索出適合自己的拍攝模式。

「那段過程我回到自己內心，很安靜地整理思緒，思考我真正想要的是什麼。」生活的酸甜苦澀成為養分，她自承是個仰賴感受力的人，必須實際經驗、與人相處，放開直覺去感知如何創作。

2017年起，她開始嘗試以底片拍攝，倒也不是抗拒數位，就像她也正著迷於Gucci最新短片《Kaguya by Gucci》的CG風格，「數位固然有豐富的可能性，但使用底片時有張數、耗材預算等條件限制，讓感受濃縮到記憶最深刻的一個時間點，拍攝雙方也給出自己最好的那部分，我覺得很迷人。」

這令人更珍惜拍攝當下的瞬間，與數位連拍千張、萬張再事後挑選影像大大不同，「一些演員跟我說起底片時代的拍攝經歷，在攝影師喊出『rolling』（意指正式開始錄影）的當下，她們就必須緊緊把握住機會，展現最精緻、最美好的狀態。」從數位攝影開始的她，反而由底片找到適合自己的節奏。

陳詠華也坦言自己個性內斂怕生，底片拍完後不用立即繳交成果，為現場高張力的互動關係留下一分延緩。「我是一個很敏感、很容易感受情緒的人，所以在拍攝當下希望專注在觀景窗裡面，不用接收到過多干擾。」

底片的顆粒讓影像不似數位那麼銳利清晰，有時她的作品也隨身體動作的模糊、晃動甚至失焦。她深信人的相處「近則狎」，於是在自己與他人之間留下距離，「觀看影像也好、實際交流也好，保持一個距離是美的創造、神秘感之所在。」這是她為影像蒙上的一層婉曲幽轉的紗。

後青春的飽滿成熟之美

青春年華曾是貫穿陳詠華作品的主題，她說青春的狀態是好看的、美麗的、善良的，被記錄下來是寶貴的，「但後來我慢慢發覺成熟的迷人：成長所積累的東西，如何成為現在的你。」

她提到日本攝影藝術家石內都的黑白創作《1.9.4.7》，當時邁入40歲之際的石內都關注起自身身體的變化，便邀請年齡相仿的女性友人拍下身體局部，「我很喜歡這系列拍攝女性手與腳的特寫，大家覺得自己最不好看，或是最多因時間積累留下痕跡的地方，這其中蘊含了時間性。」

她開始迷戀歲月為成熟軀體留下的細節，比如說脖子的細紋、手的青筋等等。她認為成熟能包容各種情緒，成熟是尖角磨平後的圓潤，「事物無法恆久駐足美好，接納傷害反而能讓人有所蛻變，成為養分。」成熟也是不讓情感如洪流恣肆漫溢，「成熟這件事情包含人的情緒，但以理性去克制，因而成為圓融的狀態。」她愈加能將自身的感性適度收斂在影像中，若隱若現。

陳詠華始終受到人的陰柔、脆弱氣質所吸引，近年作品的色調愈趨陰翳而濃郁，「成熟讓生命的內在可以包容更多不同色彩，我影像中的飽滿色調就是想展現人在成熟狀態的圓融。」她說這是一些來自「彼岸」的色彩，「一方面經歷親人離世與身邊事物的逝去，一方面我自己也很怪，喜歡東西曾經風華過、熱鬧過，而後留下廢墟的概念。」

她的鏡頭直視生命的無常與易逝，甚至死亡。死亡是時間對生命施予的暴戾，她則以最柔軟的影像承接起生命的脆弱，其中幽射出一絲柔韌的生命光輝，如同她近年影中的花卉與人體，成熟燦放終將萎落，其後化作春泥，彷若生命的寂滅與新生。

2019年，疫情的封阻讓陳詠華放緩腳步，再度回觀自身與日常，她開始拍攝「Ikebana」（花藝）系列。對靜物與人的肢體的嘗試緣於有一年她為《美麗佳人》的配飾單元攝影，「我不想制式化地單純將包包揹在肩上拍攝，就在思考要如何讓模特兒用肢體去呈現靜物。」擺置花卉的過程讓她梳理了內在情緒，她同時將花綻放的姿態對應人的肢體雕塑，展現成熟飽滿的生命狀態，互為象徵。「花」在《詩經》中也作「華」字，正巧是她名字中的一個字，花卉與她的連結彷彿宿命。

活出典雅舒適自成時髦

相對於潮流更迭，陳詠華始終更關注如何走出自己的步調。「以前的時尚攝影前輩們底蘊、實力真的很強，一人要能駕馭無數風格，客戶要什麼就必須給出來，我自己沒辦法做到，所以選擇精專自己的風格。」

社群時代的到來，各色創作者眾聲喧嘩，時尚風格變幻更頻繁，她也觀察到近年風氣的轉變，整體環境相對尊重創作者，以攝影師任航之前為雜誌拍封面為例，客戶找他合作就是鎖定他的創作態度與風格。

陳詠華自然也受惠於時代，在社群上找到了發表的舞台，但也疑慮一些創作者恐怕迷失於追蹤數據與海量影像。例如近年流行的一種「怪美」（ugly beauty）風格，以表現性的美術設計與動作展現影像情緒，她儘管欣賞，卻也深知這種創作不屬於她，認為不要流於模仿，要儲存屬於自己的東西，「每個階段的狀態不同，我一直都在學習如何忠於自我，不受外界干擾，學習慢下來，跟著自己的步調節奏。」

陳詠華提起安迪．沃荷的一句話：「在你的風格不受歡迎的時代，你必須堅守到底。」不要如同《安迪如何穿上他的沃荷》書中老牌的施密特餐廳，為趕潮流不停換裝，而失去它原先迷人的光彩。

「我常常在思考要如何在優雅中找尋時髦感。在我照片裡的人物多是在一種肢體緊繃的狀態下，展現某種張力平衡上的自信。」這也是陳詠華逐漸成熟的生命樣貌，人在當下那瞬間活出最舒徐、自適的姿態，就自成一種時尚的美。

陳詠華

台北人，目前專職攝影，為多家服裝品牌拍攝形象，並拍攝多本時尚雜誌及攝影雜誌，同時撰寫攝影專欄。

文｜吳哲夫 

圖片提供｜陳詠華

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作為徠卡攝影百年慶典全球12場特展之一，《In Conversation：昨日與今日 Ralph Gibson與Jing Huang的攝影對話》即日起至2025年11月10日於台北徠卡畫廊（徠卡之家）登場；由美國攝影師拉夫吉布森、中國攝影師黃京兩位大師與新銳間的今昔視覺對話，引領觀者看「靜物攝影」至今的延續與演變。本文集結18幀影像，呈獻鏡頭以小見大的萬千世界。

徠卡（Leica）攝影百年來締造許多令人難忘的瞬間，在旗下不斷壯大的全球29家畫廊網絡占據中心位置。2025年，為標誌I型相機問世100週年，品牌選址其中12家畫廊，每月舉辦一場展覽，連結一位當代攝影師與昔日代表性人物，最終將呈現共12組魅力十足的藝術家，透過其相得益彰、相互借鑒的作品，激發後進更多創作靈感。

I型相機1925年於萊比錫春季博覽會上亮相，是首款進行大批量生產的徠卡35mm相機，憑小巧便攜型體打造了全新攝影方式，更為攝影界帶來變革。今年值其百週年紀念，品牌全年將在阿聯酋杜拜、義大利米蘭、美國紐約、中國上海、日本東京等國際都市舉辦徠卡I百年系列慶典活動並推出特別版產品；遍布全球的徠卡畫廊也將同步進行高規格大師傑作展覽，共溯一世紀光影。

建基於東西方相異底蘊上的「靜物攝影」對話

系列第7場展覽《In Conversation：昨日與今日 Ralph Gibson與Jing Huang的攝影對話》現正於青田街台北徠卡畫廊展出中，開啟由2021年徠卡名人堂得主拉夫吉布森（Ralph Gibson）與2011年徠卡奧斯卡巴納克新人獎得主黃京（Jing Huang）的跨時代對談，藉由對形式美感、紋理、灰度的深刻洞察，以及如畫一般的視覺質感，在創作世界碰撞出精彩火花。

▍拉夫吉布森（Ralph Gibson）

從海軍攝影助理到終身成就獎得主，以高對比黑白照聞名於世

「我從未想要模仿現實。攝影該是抽象的；走得比現實更遠，並將之置入不同的語境之中。（I never wanted to imitate reality. Photography should be abstract, go beyond reality, put it in a different context.）」——Ralph Gibson

拉夫吉布森1939年生於美國洛杉磯，最早在美國海軍隊中以攝影師助理（Photographers Mate）身分研修攝影，直至1960至1962年間進入舊金山藝術學院接續學習，曾擔任桃樂絲蘭格（Dorthea Lange）、羅伯特法蘭克（Robert Frank）等著名攝影師的助理，並在與後者共同工作期間形塑出其標誌性的「高對比」黑白風格。

以極富抽象張力的構圖而聞名，拉夫吉布森不斷挑戰傳統表現方式，強調攝影應超越寫實、轉化現實主義。影像主題多為政治、日常生活與親密時刻，雖憑藉充滿意象和暗示性的黑白照為人稱道，在彩色攝影方面亦以精準分析抽象元素的手法聞名。1969年創辦了Verlag Lustrum出版社，迄今出版逾40部專題著作、大量的概要書籍和攝影師作品集。

其個人作品更被眾多重要博物館和收藏機構典藏，展覽足跡遍布歐、美、亞、大洋洲大小城市；囊中大獎包括1988年徠卡卓越獎章（Leica Medal of Excellence）、2018年法國榮譽軍團勳章（L’ordre national de la Légion d’honneur）及2021年表終身攝影成就的徠卡名人堂大獎（Leica Hall of Fame）等。

▍黃京（Jing Huang）

融會東方哲學與西方語彙，以詩意視角捕捉「物中情」

「在發現攝影之前，我始終找不到方式去表達我的強烈情感。（I couldn’t find a way to express my strong emotions until I discovered photography.）」——黃京

黃京1987年生於中國廣州，2011年憑藉系列作品《純粹的視覺（Pure of Sight）》奪得徠卡奧斯卡巴納克新人獎（LOBA Newcomer Award）後廣受矚目。其獨具風格的影像敘事融會東方藝術哲理與西方視覺語彙，以靜謐詩意的視角觀察日常、捕捉情感，表達方式尤其巧妙呼應中國傳統繪畫「情入物」哲學——靜物承載著人類生命的痕跡，是情緒和意義的載體。除中國本地外，亦於法國梵谷美術館、德國徠卡博物館等地進行展出。

而就技術層面而言，黃京鏡頭下接近水墨畫的「低對比」效果恰與Ralph Gibson相反，希望為觀者帶來更具沉思性和層次感的體驗。他談及自己早期更注重攝影作品的形式，後受到Ralph Gibson對靜物的詮釋啟發，進而思考如何在傳統與當代之間找尋自己的語言，「Gibson的作品繪畫感很強，塊面搭配完美，灰階次豐富。過度、比例的細微變化和顆粒感都讓我感到愉悅，這比作品的主題更吸引我。」

此次在《In Conversation：昨日與今日 Ralph Gibson與Jing Huang的攝影對話》展覽中所呈現的「無題」作品則主要希望透過「漫遊式陌生感」回歸孩童般的好奇與觀察狀態，保有對世界的新鮮感受。

作為一位藝術史背景深厚的創作者，黃京選用近百年歷史的Leica Ie相機創作，並稱這款相機的操作讓他更專注於對主題的直覺，是一種極其純粹的觀看方式。同時，初為人父的經歷也使其愈加體會「觀看」的本質，「孩子們未經修飾的視角深深觸動我，他們的眼光成為我創作的重要靈感來源。」

徠卡百年系列特展《In Conversation：昨日與今日 Ralph Gibson與Jing Huang的攝影對話》

• 時間：即日起至2025年11月10日11:00-19:00
• 地點：徠卡台北畫廊（徠卡之家｜台北市青田街6巷3號）

>> 更多資訊可至徠卡官方網站、台灣官方臉書、台灣官方IG了解。

巴黎龐畢度藝術中心即將閉館5年整修，德國藝術家Wolfgang Tillmans個展《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》作為落幕之作，即日起至2025年至9月22日進駐中心內公共資訊圖書館，以其標誌性策展概念「自剖」近40年創作歷程，展示多樣化藝術實踐。同時，展覽合作夥伴Celine首度與中心攜手推出在特定日期向公眾免費開放的「Accès Libre par Celine」計畫，邀你7月3日、8月28日及9月22日共赴這場毫（萬）無（般）準備之旅。

巴黎龐畢度藝術中心（Centre Pompidou）由已故英國建築大師Richard Rogers、普立茲克建築獎得主Renzo Piano設計的原始建築，即將於2025年至2030年閉館改造，並在此前請來了德國藝術家Wolfgang Tillmans呈獻意義非凡的最後一舞。龐畢度中心3館之一的公共資訊圖書館（BPI）2樓、總面積達6,000平方公尺的空間，於是全面交到這位當代影像藝術家手中，憑他的原創性構想開辦個展：圍繞圖書館兼備的「建築」和「知識傳播場所」雙重身分展開創作與對話，打造能與作品相互呼應並激發思考的沉浸式空間。

Wolfgang Tillmans近年陸續進駐多個全球頂級藝術機構舉辦重要回顧展，如2017年於倫敦泰德現代藝術館（Tate Modern）、2022年於紐約現代藝術博物館（MoMA）；2018至2022年間更在非洲進行了一場名為《Fragile》的大型巡迴展，作品足跡遍及金夏沙、奈洛比、約翰尼斯堡、阿迪斯阿貝巴、雅溫德、阿克拉、阿比讓、拉哥斯等城市。

此次睽違20餘年回訪巴黎機構級別場館，展覽題名《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備（RIEN NE NOUS Y PRÉPARAIT - TOUT NOUS Y PRÉPARAIT）》，由法國國立現代藝術博物館（龐畢度中心3館之二）主任策展人Florian Ebner，偕Olga Frydryszak-Rétat、Matthias Pfaller兩位助理策展人共同規劃。全區展品橫跨Wolfgang Tillmans將近40年創作歷程，一步步將觀者「誘入」他以多樣化藝術構築的迷人之境。以下分3大關鍵字簡析其作品脈絡，並穿插帶來編輯精選的25張影像。

#01 自剖

轉化空間結構，突出展品意涵

此次展覽揭示了Wolfgang Tillmans攝影作品的一個橫切「面」，呈現順序依循的是空間結構，而非「線」性時間。展出內容融合錄像、音樂、聲音作品，以及龐大的印刷品收藏和個人物品。Wolfgang Tillmans巧妙利用圖書館本身的基礎設施，突出其創作與此一知識多元共存場所之間的相似性，更勝以往地體現了藝術家對空間的直接介入——這是他自1990年代中期以來的策展標誌：一方面轉化現有結構，一方面發明出全新展示形式，藉此構造出一個包羅萬象的裝置場所，重新定義攝影展覽的可能性。

#02 尋根

捕捉物質世界的脆弱不安，以自有審美語言追探人文主義

1968年出生於德國雷姆沙伊德的Wolfgang Tillmans，在其藝術生涯中不斷挑戰可見性邊界，捕捉物質世界既脆弱迷人、又令人不安的瞬間。他也進行無相機攝影，致敬將被淘汰的感光材料所擁有的純粹性或不純粹性。從早期對天文現象的觀察，到對1990年代次文化的記錄，再至如今融合錄像和音樂等多元創作，Wolfgang Tillmans形塑出自成一體的審美語言；而這種緊貼時代的探索，不僅推動他不斷追探人文主義與共存的當代表達形式，亦對當代藝術以外的領域產生深遠影響。

#03 反思

今昔之作並呈——我們對此毫（萬）無（般）準備

通過將早期檔案與最新創作並呈於展覽中，Wolfgang Tillmans回應了自1989年以来持續主導全球局勢的辯證狀態：那些曾經艱難爭取來的社會進步與自由，如今再次面臨質疑。展覽標題「我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備」作為藝術家自身多年來珍視的一種表達，可被理解為對我們對時間、現實，以及如何塑造現實，這般複雜感知的反思。

集藝術家文本與訪談，《Tillmans Reader》同步發行

《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》為Wolfgang Tillmans自2002年在東京宮（Palais de Tokyo）進行大型裝置後，睽違23年於巴黎機構級別場館的首個個展。展覽將配套發行圖錄，以及匯集藝術家多篇文本與訪談內容的擴展版《Tillmans Reader》法文出版物。

Wolfgang Tillmans個展《我們對此毫無準備 - 我們對此萬般準備》

• 時間：即日起至2025年至9月22日（Accès Libre par Celine｜7月3日、8月28日、9月22日11:00-23:00免費開放）
• 地點：巴黎龐畢度藝術中心公共資訊圖書館2樓