對時尚攝影師陳詠華來說，攝影是一種雕刻，也是對時間、對記憶的探尋。從藝人到新銳演員，無論桂綸鎂、許瑋甯、張震、李沐等等，在她的鏡頭下，總能自然展現最柔韌、飽滿的生命姿態。讓我們一同探索潛藏於陳詠華攝影作品中的內在時間。

今年第二次拍攝桂綸鎂，陳詠華用Polaroid底片，將她浸潤在一片深邃藍色調，對比於《藍色大門》時期剛出道的青澀，陳詠華將自己所欽羨、屬於現在的小鎂的飽滿、成熟姿態凍凝在影像中。這也是她今年的新挑戰，在《ELLE Taiwan》開啟專欄「自．畫像」，每個月為一名女星紀錄肖像，讓她們與時間、與自身展開一場場對話。

談起陳詠華的風格，許多人會用她喜歡的電影《花樣年華》來形容：復古。但她不認為自己有將特定風格加諸在作品上：「風格是由別人去定義的，我只是專注在自己所喜歡的事物上。」儘管如此，她仍自剖是個古典的人，涵養她的靈感是《愛神：手》、《末代皇帝》、《霸王別姬》、《美麗佳人歐蘭朵》等等電影與石岡瑛子在《入侵腦細胞》中的美術設計，「我一直都很喜歡典雅的事物，東西方元素相互襯托的狀態。」擅於內觀的她也提取自己夢境與想像，「如果將夢境具體實現於影像中，是否就會真的成為現實可見的一部分？」

將感受濃縮在瞬間

既為詩人也是藝術家的父親對陳詠華影響深遠，她猶記小時候，父親騎摩托車載著手拿小小相機的自己，看眼前台北城市流光閃耀的光景。進入實踐大學服裝設計學系後，相對於縫紉機，她更鍾情影像。

在攝影工作室短暫的實習中她始終沒能捉住機會操作器材，於是她另闢途徑自學攝影，在系館樓頂、樓梯間為同學拍攝服裝作品集，也藉由朋友介紹為服飾品牌工作累積經驗。早期陳詠華深受時下雜誌流行的如Tim Walker等歐美時尚攝影大師的風格吸引，曾嘗試低彩度、高對比張力的華麗風格，經歷三年對生活與影像的探尋，才逐漸摸索出適合自己的拍攝模式。

「那段過程我回到自己內心，很安靜地整理思緒，思考我真正想要的是什麼。」生活的酸甜苦澀成為養分，她自承是個仰賴感受力的人，必須實際經驗、與人相處，放開直覺去感知如何創作。

2017年起，她開始嘗試以底片拍攝，倒也不是抗拒數位，就像她也正著迷於Gucci最新短片《Kaguya by Gucci》的CG風格，「數位固然有豐富的可能性，但使用底片時有張數、耗材預算等條件限制，讓感受濃縮到記憶最深刻的一個時間點，拍攝雙方也給出自己最好的那部分，我覺得很迷人。」

這令人更珍惜拍攝當下的瞬間，與數位連拍千張、萬張再事後挑選影像大大不同，「一些演員跟我說起底片時代的拍攝經歷，在攝影師喊出『rolling』（意指正式開始錄影）的當下，她們就必須緊緊把握住機會，展現最精緻、最美好的狀態。」從數位攝影開始的她，反而由底片找到適合自己的節奏。

陳詠華也坦言自己個性內斂怕生，底片拍完後不用立即繳交成果，為現場高張力的互動關係留下一分延緩。「我是一個很敏感、很容易感受情緒的人，所以在拍攝當下希望專注在觀景窗裡面，不用接收到過多干擾。」

底片的顆粒讓影像不似數位那麼銳利清晰，有時她的作品也隨身體動作的模糊、晃動甚至失焦。她深信人的相處「近則狎」，於是在自己與他人之間留下距離，「觀看影像也好、實際交流也好，保持一個距離是美的創造、神秘感之所在。」這是她為影像蒙上的一層婉曲幽轉的紗。

後青春的飽滿成熟之美

青春年華曾是貫穿陳詠華作品的主題，她說青春的狀態是好看的、美麗的、善良的，被記錄下來是寶貴的，「但後來我慢慢發覺成熟的迷人：成長所積累的東西，如何成為現在的你。」

她提到日本攝影藝術家石內都的黑白創作《1.9.4.7》，當時邁入40歲之際的石內都關注起自身身體的變化，便邀請年齡相仿的女性友人拍下身體局部，「我很喜歡這系列拍攝女性手與腳的特寫，大家覺得自己最不好看，或是最多因時間積累留下痕跡的地方，這其中蘊含了時間性。」

她開始迷戀歲月為成熟軀體留下的細節，比如說脖子的細紋、手的青筋等等。她認為成熟能包容各種情緒，成熟是尖角磨平後的圓潤，「事物無法恆久駐足美好，接納傷害反而能讓人有所蛻變，成為養分。」成熟也是不讓情感如洪流恣肆漫溢，「成熟這件事情包含人的情緒，但以理性去克制，因而成為圓融的狀態。」她愈加能將自身的感性適度收斂在影像中，若隱若現。

陳詠華始終受到人的陰柔、脆弱氣質所吸引，近年作品的色調愈趨陰翳而濃郁，「成熟讓生命的內在可以包容更多不同色彩，我影像中的飽滿色調就是想展現人在成熟狀態的圓融。」她說這是一些來自「彼岸」的色彩，「一方面經歷親人離世與身邊事物的逝去，一方面我自己也很怪，喜歡東西曾經風華過、熱鬧過，而後留下廢墟的概念。」

她的鏡頭直視生命的無常與易逝，甚至死亡。死亡是時間對生命施予的暴戾，她則以最柔軟的影像承接起生命的脆弱，其中幽射出一絲柔韌的生命光輝，如同她近年影中的花卉與人體，成熟燦放終將萎落，其後化作春泥，彷若生命的寂滅與新生。

2019年，疫情的封阻讓陳詠華放緩腳步，再度回觀自身與日常，她開始拍攝「Ikebana」（花藝）系列。對靜物與人的肢體的嘗試緣於有一年她為《美麗佳人》的配飾單元攝影，「我不想制式化地單純將包包揹在肩上拍攝，就在思考要如何讓模特兒用肢體去呈現靜物。」擺置花卉的過程讓她梳理了內在情緒，她同時將花綻放的姿態對應人的肢體雕塑，展現成熟飽滿的生命狀態，互為象徵。「花」在《詩經》中也作「華」字，正巧是她名字中的一個字，花卉與她的連結彷彿宿命。

活出典雅舒適自成時髦

相對於潮流更迭，陳詠華始終更關注如何走出自己的步調。「以前的時尚攝影前輩們底蘊、實力真的很強，一人要能駕馭無數風格，客戶要什麼就必須給出來，我自己沒辦法做到，所以選擇精專自己的風格。」

社群時代的到來，各色創作者眾聲喧嘩，時尚風格變幻更頻繁，她也觀察到近年風氣的轉變，整體環境相對尊重創作者，以攝影師任航之前為雜誌拍封面為例，客戶找他合作就是鎖定他的創作態度與風格。

陳詠華自然也受惠於時代，在社群上找到了發表的舞台，但也疑慮一些創作者恐怕迷失於追蹤數據與海量影像。例如近年流行的一種「怪美」（ugly beauty）風格，以表現性的美術設計與動作展現影像情緒，她儘管欣賞，卻也深知這種創作不屬於她，認為不要流於模仿，要儲存屬於自己的東西，「每個階段的狀態不同，我一直都在學習如何忠於自我，不受外界干擾，學習慢下來，跟著自己的步調節奏。」

陳詠華提起安迪．沃荷的一句話：「在你的風格不受歡迎的時代，你必須堅守到底。」不要如同《安迪如何穿上他的沃荷》書中老牌的施密特餐廳，為趕潮流不停換裝，而失去它原先迷人的光彩。

「我常常在思考要如何在優雅中找尋時髦感。在我照片裡的人物多是在一種肢體緊繃的狀態下，展現某種張力平衡上的自信。」這也是陳詠華逐漸成熟的生命樣貌，人在當下那瞬間活出最舒徐、自適的姿態，就自成一種時尚的美。

陳詠華

台北人，目前專職攝影，為多家服裝品牌拍攝形象，並拍攝多本時尚雜誌及攝影雜誌，同時撰寫攝影專欄。

文｜吳哲夫 

圖片提供｜陳詠華

▸ 探索更多時尚精彩專題，請見La Vie 2022/9月號《跨時代的靈感之光》

「攝影」，作為工具時，常被用於記錄具體事物；作為藝術媒介時，多引動著觀者的情感記憶。然問及阿部大輔對於「攝影意義」的答案，卻兩者皆非。他並不以它記錄既有真實，而是拿來追求未見之美；他亦明言自己的作品沒有情感，希望觀者也能抽離感知、純做視覺鑑賞。如此獨樹一幟的創作風格，將如何帶領我們探索時間與存在的微妙關係？跟La Vie走進徠卡之家，綜覽《The Present shapes the Past》特展便知一二。

「當下」是一切起點

日本攝影師阿部大輔（Daisuke Abe）與徠卡（Leica）攜手策劃攝影展《The Present shapes the Past》，即日起至2026年3月23日於徠卡台北畫廊帶來《shape》和《vague》兩大系列，邀觀者一同穿梭虛實之間，探索兩英文單詞分別對應的形、光，以及時間與存在的微妙關係。首先推敲阿部大輔核心創作概念「過去不再、未來未至」可得世界觀：想像未來或回憶過去的，歸根究柢只有現在的自己，而過去之所以成為過去，事實上也因我們在此刻賦予它意義。換言之，過去與未來都不存在，僅僅現在是真實的——「此刻」於是成為其作品最重要的主題。

兩大系列取向相通，有何異同？

就拍攝視角而言，比起《shape》的具象構圖，《vague》更抽象化擷取事物一隅；就拍攝目的而言，《shape》將眼睛所見形狀落實到影像裡，《vague》則由影像尋找眼睛看不明白的形狀。總的來說，兩系列表現性具相似之處，根本上亦無太大差異，皆超越既有認知與物件分類，尋求新的影像價值。唯後者意在「生成難以判別被攝體究竟為何的影像」這點尤甚前者。若定義《shape》是解構、切割現實的形狀，那麼《vague》可被當作一種重構、扭曲現實的嘗試。以下詳述各自創作概念。

▍《shape》系列

此系列攝影師試圖藉由一種無法以具體名稱標註「這是什麼」的抽象程度，對真實形體加以捕捉。「它是什麼、在哪裡都不重要，美麗的形態才是我想一睹為快的影像。」阿部大輔並非將攝影視為記錄具體事物的工具，而是從自身觀點出發，利用鏡頭追求從未見過的影像。作品刻意模糊物件的可辨識度，單純呈現那些不易被定義的形態，所攝內容也主要基於是否具備視覺美感進行選擇，而不著重「這是某某人/物件/景致」的記錄性判定。

不賦予脈絡或故事，也不去貼近任何人的心情，只是作為形狀的影像陳列，就那樣存在著。——阿部大輔《shape》創作概念

▼ 精彩作品搶先看

▍《vague》系列

此系列全無明確的拍攝主體，畫面模糊卻充滿能量，冥冥之中喚起觀者對未知的想像。「拍攝前我無法預測影像會長什麼樣子。是按下快門的那一刻，影像才真正誕生。」阿部大輔認為「美」必然存在於任何事物中，更沒有一種觀看方式與另一種相同，故攝影應當去發掘難以透過肉眼取得的視角。

一切事物皆具同等價值，且都擁有各自的美。——阿部大輔《vague》創作概念

▼ 精彩作品搶先看

排除情緒拍攝，也願觀者抽離感知

無論《shape》或《vague》系列，阿部大輔都排除了情緒的介入。「影像確實可以傳達喜悅或悲傷，但我的作品沒有情感。我希望觀者能抽離感知、不受情緒影響，純粹欣賞視覺之美。」他相信人類認知事與物多半來自經驗與記憶，可真正的創作卻該超脫過往理解，直擊前所未見。

在台完成《shape》，深受「光」和「城市呼吸」啟發

光線創造影子，能提高色彩鮮明度並強化被攝主體，在《shape》系列扮演關鍵角色。阿部大輔分享來台拍攝《shape》過程所感，「台灣和日本距離不遠，但城市的建構方式與氣候讓『光』與『色彩』截然不同。」台灣的潮濕高溫使光線在大氣中擴散出獨特的層次效果，「讓我更深刻地思考了『形』的意義，而《shape》系列作品正是這個思考的反向。」對此他特別表示自己非常幸運，「拍攝期間幾乎天天晴朗，若是陰雨天，我應該就無法拍出如此強烈的影像。」更坦言來台完成攝影企劃及舉辦展覽為他開啟嶄新創作方向，「這次與徠卡台灣的合作，促成在台灣進行的拍攝契機與經驗，也給我新系列創作的啟發。」

同場加映：作品背後一剛一柔的SL3、M10

作為攝影師，徠卡之於阿部大輔不僅是一台相機，更是一種觀看世界的方式。「在《shape》的創作中，我特別依賴Leica SL3的高解析度與色彩再現能力。它能精準地表現建築線條與光影層次感，讓畫面更具張力。」同時提及SL系列相機可搭配100-400mm焦段鏡頭的優勢，「許多《shape》作品，都是使用這顆鏡頭所拍攝的。那種遠距離凝視的視角，讓我能捕捉到人眼無法專注的細節。」另一頭，阿部大輔選用M系列相機著手《vague》的創作，「Leica M10的畫面則帶有不完美的溫度，讓我能更自在地探索抽象邊界。」SL系列彰顯卓越畫質和豐富細節、M系列保留底片柔和質感，兩者一剛一柔，體現阿部大輔作品截然不同的思考面向。

阿部大輔攝影特展《The Present shapes the Past》

• 時間：即日起至2026年3月23日11:00-19:00
• 地點：徠卡台北畫廊（徠卡之家｜台北市青田街6巷3號）

>> 更多資訊可至徠卡官方網站、台灣官方臉書、台灣官方IG了解。

Red Velvet、TWICE、BTS、New Jeans（現NJZ）等眾多 K-POP 偶像，都曾出現在 Siyoung Song 的觀景窗中，他也同樣遊走於時尚、影視、品牌與藝術等各領域之間，捕捉一幕幕精準而鮮明的影像。La Vie與他聊聊近期重要作品的拍攝幕後，以及對於攝影的核心思考。

如同許多對鏡頭有嚮往的人，Siyoung Song最初也懷抱著想拍電影的心，遠赴紐約視覺藝術學院學習。但從青少年時期便享受拍照的他，偶然開始在一間商業攝影工作室工作，環節中需與各方團隊緊密協作的過程，以及相較電影製作更加緊湊的節奏尤其吸引了他，也讓他從此投身其中。

翻閱Siyoung Song的Instagram頁面，一幀幀畫面的調性跨度廣泛，從人物肖像、純風景到品牌概念形象，都是他的鏡頭刻畫的對象，且畫面時清透時濃郁、時沉鬱時明亮，難以單一風格概括描述。

他也自認沒有固定的「風格」，「但有些事情是我總會放在心上的，其中之一是創造帶有『電影感』、能喚起懷舊氛圍的場景。」如同他總是被日常的靈感來源——畫作、電影、音樂中的某些微小瞬間打動，他也希望自己的作品多少能帶給觀者這樣的情緒湧動。

為畫面染一層神秘與陌生

在日本寶礦力水得2024年的廣告視覺中，Siyoung Song便成功定格出隔著螢幕也能感受到的、強大且流動的青春能量。

本身已具有相當品牌知名度的寶礦力水得，近年來陸續與瀧本幹也、奧山由之等攝影師合作，透過影像建立起鮮明的視覺辨識度。Siyoung Song回顧當時的目標，是要創造一個既忠實於品牌關鍵字——青春、純粹、夏天，又能融入新鮮視角，意即「韓國風格」的視覺，「這是對畫面平衡感的巨大考驗。」

為了傳遞「潛力就在你的身體之中」這一主要訊息，團隊及2位正值高中年齡的少女主角池端杏慈和椿，移動許多不同地點取景，最後主要選用了在黃昏校園中拍攝的畫面，「我使用了機頂閃光燈，加上演員微妙又帶點神祕的表情，營造出略帶陌生感的氛圍，和品牌以往的調性有些不同。」

今年7月在首爾舉辦的展覽《景福宮的思索》（暫譯，Contemplation of Gyeongbokgung Palace），把這座已矗立630年的朝鮮王朝宮殿，轉化為一段以5條路徑和聲音構成的旅程，帶領參觀者在走動、觀看、聆聽的過程中，真正進入這個傳統場域的內在時空。

呼應這分敘事性，Siyoung Song也不以常規記錄文化遺產的方式按下快門，而是試圖創造能引導人深入觀看的影像。於是，景福宮內的6處景點——永濟橋、勤政殿、慶會樓、香遠亭、交泰殿、生果房在原本的莊嚴之上，也多了一絲他一貫追求的「陌生感」，「希望讓人略微不安，卻又想一探究竟。」

商案 v.s. 自我

至於精準捕捉一個人或品牌特質的關鍵是什麼呢？或許呼應自己曾一度熱衷的「紀實攝影」，Siyoung Song分享，「我努力不去失掉的，是真實感。不論在什麼樣的拍攝中，都會牢牢堅持這一點。」

他固然清楚這往往和商業攝影的本質衝突，「很多時候根本沒有足夠時間和拍攝對象真正建立連結，有時在現場第一次見面，說上幾句話，就要馬上開工。」然而，即便每次拍攝知名人物前他都會事先蒐集資料，但實際見面相處的感覺往往截然不同。「到最後真正重要的，是我帶著什麼態度和視角去看待被攝者。」

此外，他也習慣以單張以上的規模思考敘事節奏，「一張照片或許說不出故事，但當多張照片並置時故事就可能浮現。即便是一張看似沒有意義的影像，放在其他旁邊便可能產生全新的意義。」細膩的層次編排，是讓目光能多停留片刻的關鍵。

長久生活在商業攝影「多方協作」和「快節奏」的間隙中，Siyoung Song並不感迷失，近來甚至有感商案與創作的界線常常模糊。無論面對怎樣的專案，他總會努力編織一些「自我」放入其中，「即便時而可以80%，時而只有 30%，但商案的過程總是一連串的選擇，找到那個平衡，同時仍然讓作品保有自己的聲音，是一個持續的挑戰。

「雖然不容易，但也是我覺得商業攝影之所以有趣之處。」

他透露，在許久沒有從事純創作之後，最近越來越有一股「主動出擊」的衝動，甚至不局限於攝影，而是各種有趣形式的多方共創，目前已在著手籌備一個創作計畫，預計於明年啟動——已經令人期待，如此擅長為他人說故事的他，將用更加無設限的鏡頭打造出怎樣的影像時空。

Siyoung Song

畢業於紐約視覺藝術學院（School of Visual Arts）攝影系，2018年 成立個人同名工作室。主要活動於商業攝影領域，曾拍攝Red Velvet、TWICE、BTS、NCT 127、NCT DREAM、V（金泰亨）等諸多K-POP偶像，並和New Jeans（現NJZ）多次合作。近年合作品牌包括寶礦力水 得、BEAMS、CONVERSE、LINE creative、韓國New Balance Kids等，也擔綱影集《未知的首爾》海報及《Magazine F》、《Magazine B》封面攝影。

_{文｜李尤　圖片提供｜Siyoung Song}

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