如果說自由精神是「Bijoux de Diamants 鑽石珠寶」系列的內在性格，符號的應用則是此系列的外在特徵—畢竟，擅長以群星裝扮女人的香奈兒女士，不僅將自然萬物化為腕上頸邊的符碼，也將自己對於幸運數字的依戀，編織於那流洩的璀璨。在此我們也邀請藝術家何采柔，帶領我們解讀「Bijoux de Diamants 鑽石珠寶」及「CHANEL全新1932頂級珠寶」系列裡暗藏的符號密語。

作為香奈兒女士第一也是唯一親自設計的珠寶作品，「Bijoux de Diamants 鑽石珠寶」系列不只燦然吸睛，更埋藏了她對於符碼魔力的堅信。「我覺得對於Bijoux de Diamants 鑽石珠寶系列有一個難以忽視的特徵，便是大量地將自然中的行星運作、日月星辰，化為珠寶的符號。」何采柔表示。

將日月星辰化為珠寶設計的符號

事實上，當我們回望過往資料，不難看見「Bijoux de Diamants 鑽石珠寶」系列中有多達22件作品運用了彗星、月亮、太陽等天文意象；17件作品帶有緞帶、流蘇、羽毛等飄逸元素；8件作品引用螺旋、圓形、方形、十字架這類造型。像是香奈兒女士在「Bijoux de Diamants 鑽石珠寶」系列中便以28顆總重約7.8克拉的切割鑽石打造Comète胸針，以鑽石的光耀描摹劃破暗夜的彗星；到了如今， CHANEL珠寶創意總監Patrice Leguéreau則承襲以星宿作為的符碼基因，創作出以彗星圖騰為主軸的Allure Céleste項鍊，在90年後光耀熠熠。

這些符號的挪用，展現香奈兒女士深信符碼的力量，也讓人遙遙想起香奈兒女士童年在奧巴辛修道院時，那道鋪鑲著太陽、弦月、五芒星圖騰的馬賽克磁磚長廊，以及巴黎夏夜如鑽石般閃爍的星光。而在天文符碼之外，柔軟的緞帶、輕盈的羽毛，也是「Bijoux de Diamants 鑽石珠寶」系列常見的元素，可見其服裝設計師的身份，也成為珠寶設計的養分。

幸運數字「5」成作品隱性主題

而在這天文、緞帶、羽毛等從現實世界中投射的符號之外，何采柔指出，暗藏在許多作品中的幸運數字「5」更是隱藏版的符碼。原來，香奈兒女士向來將「5」視為自己的幸運數字—這不僅呼應其星座「獅子座」位於黃道第五宮，也讓人想到奧巴辛修道院長廊上鋪排出的五芒星圖騰。而她在「Bijoux de Diamants 鑽石珠寶」系列中對五芒星等符碼的應用，也可讓人見到幸運數字如何成為其創作中的隱性主題。時至如今，在「CHANEL 1932 頂級珠寶」系列中，Comète項鍊的彗星圖騰除了在中央以五爪鑲嵌主鑽，四周更綴以五顆晶亮的鑽石，便隱隱呼應幸運數字「5」；而Allure Céleste項鍊中那重達55.55克拉的橢圓形切割藍寶石，在神秘深邃之餘，也以克拉數向幸運數字「5」致意。

「我覺得這樣的隱性主題，其實旁人或許毫不在意，卻是藝術家個人的執念。這樣的符碼應用不只對創作者本身產生意義，也會讓他跟自己的作品之間，產生一種私密關係。」何采柔也以自己的創作為例，當她在創作時，某些動作持續的秒數，即便只是差之毫釐，卻會對她產生截然不同的意義，甚至反覆調整直至滿意。「這樣的執著，就會帶來屬於創作者個人的筆觸。」

當模糊符號成為一種創作手法

如果說「Bijoux de Diamants 鑽石珠寶」對於符碼的應用，寄寓了香奈兒女士對於神秘、對於魔力、也對於回憶的執著；那麼時隔90年後，當代藝術家何采柔又會如何在自己的作品中借力符碼來創作？關於這個問題，答案或許是「模糊」與「鬆動」。

「對我來說，藉由模糊符號的方式，讓人們對於過往堅信的意義產生縫隙，從而讓觀眾重新觀看、思考自己習以為常的生活，就是我創作最大的動力。」何采柔也進一步舉例，在作品〈搖欄〉（Balancing）中，她便在柵欄下加上兩個弧形結構，讓看起來堅硬、具阻隔性的柵欄開始晃動，既保有柵欄的符號，卻又失去這項符號應有的功能；又或是在作品〈Heads down〉中，何采柔將用以維護秩序、保持距離的紅龍倒置後，當紅龍的圍線置於底部、本身像是不倒翁般搖晃，無形中也消弭了原先的阻隔功能、鬆動了「紅龍」符碼既有的意義；而在〈記憶過曝〉（Overexposed Memory）中，她將水果熬煮一小時後再將果皮拉皮、上色，接著讓模特兒毫不費力地輕捏，使水果瞬間軟爛出汁，瓦解人們對於水果本身符號的理解、對於材質軟硬的想像。「當人們對於對原本覺得準確的事情產生誤差，這個誤差便能讓人們用不同的角度去觀看。」何采柔說道。

而從香奈兒女士對於符號的應用，到她自身對於符號的模糊鬆動，何采柔也發現，由於藝術品、珠寶與人們的身體距離不同，前者保持一段空間，後者則與身體緊密相貼，這樣的距離落差或許也會影響到符號的使用—藝術品可能藉由符號的模糊帶來人們認知上的鬆動，珠寶上的符號挪用則可能在人們的佩戴之下，與身體產生更親密的連繫。或許，多樣的距離關係，也讓符號的意義不只由設計師或藝術家授予，更在觀眾與佩戴者身上，產生更多連結與詮釋的可能性。

何采柔

台灣跨領域藝術家。畢業於加州大學國際關係學系、愛荷華大學藝術研究所，擅長以繪畫、裝置、影像形式創作。曾參與「未至之城：亞洲藝術雙年展」、「藝術為什麼重要：2021兒童雙年展」、「橫濱三年展：餘暉，捕捉光的碎片」、「事故 NO ON：何采柔個展」等。

文｜郭慧

攝影｜汪德範、KATO Ken

圖片提供｜CHANEL、何采柔、Organizing Committee for Yokohama Triennale 

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聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」

高橋一生和小朋友玩在一起的畫面會不會太美好！東京國立新美術館即日起呈獻為期11天的「學展」，其中將夾帶兩件從今年首登場的藝術計畫《想像他者的四天》中生成的多人共創畫作，本屆頒獎典禮更將放映導演二宮健於4天工作坊期間所記錄孩子們揮灑創意的珍貴影像。從培養共感力與想像力的角度出發，此項目所回應並試圖溫柔改變的社會現況發人深省。

第75屆學展（Gakuten）推出實驗性影像製作企劃《想像他者的四天（他者を想像する四日間）》，邀來演員高橋一生，協同7名從本屆參展者中選出的國中小學生完成兩幅大型畫布作品，並隨學展其他作品於2025年8月7日至17日在東京國立新美術館公開展出。而由電影導演二宮健同步拍下創作全過程的特別影像，則將於8月9日舉行的得獎者表彰典禮上限定放映，供得獎者及相關人員觀賞，循作品本身和紀錄片兩種途徑見證其中軌跡。

學展是什麼？

藝術教育人士西田信一（Nishida Shinichi）在1950年創立的「學展」，是日本第一個全國性學生油畫比賽；70餘年來由日本學生油畫會興辦，無參賽資格限制，亦接受來自海外的國際作品，現正於全球範圍內致力發掘年輕世代的藝術才能。評選項目涵蓋繪畫、插圖、工藝、攝影、數位創作等多元領域，且從幼稚園到大學的不同年齡層創作者都能報名。比賽核心自歷史案例中承襲而來，堅信「優秀的藝術不受年齡、國籍或名聲所限制」的精神，至今持續將才華橫溢的作品推向世界舞台；近年不僅廣邀各界知名人士擔任評審，大獎作品亦得機會於巴黎展出。

▼ 每屆學展於東京國立新美術館進行公開展出

實驗企劃《想像他者的四天》首登場

高橋一生主導、二宮健側拍，「即興」培養共感力與想像力

作為今年學展首次實施的藝術計畫，《想像他者的四天》旨在培養孩子「想像他者的能力」（意近中文「共感能力」所指涉，可能包括從他人視角看待事物，抑或經由共創形式對他人的表達有所共鳴等）。此理念發想自當代社會中人們「想像他者」能力普遍稀缺的現況，讓參與者透過肢體表達、即興演出、交流對話和揮灑作畫等環節，反覆加深「設想眼前的人、甚至於某個不存在對象」這樣的共感經驗。

在為期四天的工作坊中，高橋一生並非以導演或演出指導的角色參與，而是單純扮演從旁陪伴、覺察和承接孩子內心轉折變化的「伴行者」角色，構建出一個自由且深刻的創作空間，最終引導他們繪出兩幅「想像的藝術」作品。而將此場景具象化的正為導演二宮健，他詳實記錄7位小朋友4日體驗的側拍影片，將打開交織現實和創意的敏銳視角，靜靜喚起觀眾的想像力。

台灣觀眾對高橋一生肯定都不陌生，其別具感染力的演技與親切形象，為此類藝術教育項目盡心力自在想像之中。而擔任共同企劃兼導演的二宮健，早被認為是風格辨識度極高的日本新生代創作者。10多歲開始影像創作，就讀於大阪藝術大學期間即獲得京都國際學生影視節（KISFVF）大獎肯定，現年僅33歲已憑《裸睡美人》、《吉娃娃羅曼死》、《午夜少女戰爭》等多部代表作為觀眾所認識，亦曾在2017年作品中與高橋一生合作。此次他充分發揮個人尤擅長的實驗性手法，大膽而細緻地捕捉了孩子們朝氣蓬勃、充滿生命力的表情和創作歷程。

《想像他者的四天》紀錄片雖不開放一般觀眾觀賞，不過未來10天人正好在東京的讀者們，走過路過國立新美術館倒可逛進展廳，一覽高橋一生和小藝術家們帶來的兩大件畫作及第75屆學展的完整展出。

第75屆學展特別影像企劃《想像他者的四天》

【作品展覽】

• 時間：2025年8月7日至17日
• 地點：國立新美術館2D學展展示室

【影像放映】

• 時間：2025年8月9日
• 地點：國立新美術館講堂（僅限得獎者及相關人員入場）

資料來源：學展