如果說自由精神是「Bijoux de Diamants 鑽石珠寶」系列的內在性格，符號的應用則是此系列的外在特徵—畢竟，擅長以群星裝扮女人的香奈兒女士，不僅將自然萬物化為腕上頸邊的符碼，也將自己對於幸運數字的依戀，編織於那流洩的璀璨。在此我們也邀請藝術家何采柔，帶領我們解讀「Bijoux de Diamants 鑽石珠寶」及「CHANEL全新1932頂級珠寶」系列裡暗藏的符號密語。

作為香奈兒女士第一也是唯一親自設計的珠寶作品，「Bijoux de Diamants 鑽石珠寶」系列不只燦然吸睛，更埋藏了她對於符碼魔力的堅信。「我覺得對於Bijoux de Diamants 鑽石珠寶系列有一個難以忽視的特徵，便是大量地將自然中的行星運作、日月星辰，化為珠寶的符號。」何采柔表示。

將日月星辰化為珠寶設計的符號

事實上，當我們回望過往資料，不難看見「Bijoux de Diamants 鑽石珠寶」系列中有多達22件作品運用了彗星、月亮、太陽等天文意象；17件作品帶有緞帶、流蘇、羽毛等飄逸元素；8件作品引用螺旋、圓形、方形、十字架這類造型。像是香奈兒女士在「Bijoux de Diamants 鑽石珠寶」系列中便以28顆總重約7.8克拉的切割鑽石打造Comète胸針，以鑽石的光耀描摹劃破暗夜的彗星；到了如今， CHANEL珠寶創意總監Patrice Leguéreau則承襲以星宿作為的符碼基因，創作出以彗星圖騰為主軸的Allure Céleste項鍊，在90年後光耀熠熠。

這些符號的挪用，展現香奈兒女士深信符碼的力量，也讓人遙遙想起香奈兒女士童年在奧巴辛修道院時，那道鋪鑲著太陽、弦月、五芒星圖騰的馬賽克磁磚長廊，以及巴黎夏夜如鑽石般閃爍的星光。而在天文符碼之外，柔軟的緞帶、輕盈的羽毛，也是「Bijoux de Diamants 鑽石珠寶」系列常見的元素，可見其服裝設計師的身份，也成為珠寶設計的養分。

幸運數字「5」成作品隱性主題

而在這天文、緞帶、羽毛等從現實世界中投射的符號之外，何采柔指出，暗藏在許多作品中的幸運數字「5」更是隱藏版的符碼。原來，香奈兒女士向來將「5」視為自己的幸運數字—這不僅呼應其星座「獅子座」位於黃道第五宮，也讓人想到奧巴辛修道院長廊上鋪排出的五芒星圖騰。而她在「Bijoux de Diamants 鑽石珠寶」系列中對五芒星等符碼的應用，也可讓人見到幸運數字如何成為其創作中的隱性主題。時至如今，在「CHANEL 1932 頂級珠寶」系列中，Comète項鍊的彗星圖騰除了在中央以五爪鑲嵌主鑽，四周更綴以五顆晶亮的鑽石，便隱隱呼應幸運數字「5」；而Allure Céleste項鍊中那重達55.55克拉的橢圓形切割藍寶石，在神秘深邃之餘，也以克拉數向幸運數字「5」致意。

「我覺得這樣的隱性主題，其實旁人或許毫不在意，卻是藝術家個人的執念。這樣的符碼應用不只對創作者本身產生意義，也會讓他跟自己的作品之間，產生一種私密關係。」何采柔也以自己的創作為例，當她在創作時，某些動作持續的秒數，即便只是差之毫釐，卻會對她產生截然不同的意義，甚至反覆調整直至滿意。「這樣的執著，就會帶來屬於創作者個人的筆觸。」

當模糊符號成為一種創作手法

如果說「Bijoux de Diamants 鑽石珠寶」對於符碼的應用，寄寓了香奈兒女士對於神秘、對於魔力、也對於回憶的執著；那麼時隔90年後，當代藝術家何采柔又會如何在自己的作品中借力符碼來創作？關於這個問題，答案或許是「模糊」與「鬆動」。

「對我來說，藉由模糊符號的方式，讓人們對於過往堅信的意義產生縫隙，從而讓觀眾重新觀看、思考自己習以為常的生活，就是我創作最大的動力。」何采柔也進一步舉例，在作品〈搖欄〉（Balancing）中，她便在柵欄下加上兩個弧形結構，讓看起來堅硬、具阻隔性的柵欄開始晃動，既保有柵欄的符號，卻又失去這項符號應有的功能；又或是在作品〈Heads down〉中，何采柔將用以維護秩序、保持距離的紅龍倒置後，當紅龍的圍線置於底部、本身像是不倒翁般搖晃，無形中也消弭了原先的阻隔功能、鬆動了「紅龍」符碼既有的意義；而在〈記憶過曝〉（Overexposed Memory）中，她將水果熬煮一小時後再將果皮拉皮、上色，接著讓模特兒毫不費力地輕捏，使水果瞬間軟爛出汁，瓦解人們對於水果本身符號的理解、對於材質軟硬的想像。「當人們對於對原本覺得準確的事情產生誤差，這個誤差便能讓人們用不同的角度去觀看。」何采柔說道。

而從香奈兒女士對於符號的應用，到她自身對於符號的模糊鬆動，何采柔也發現，由於藝術品、珠寶與人們的身體距離不同，前者保持一段空間，後者則與身體緊密相貼，這樣的距離落差或許也會影響到符號的使用—藝術品可能藉由符號的模糊帶來人們認知上的鬆動，珠寶上的符號挪用則可能在人們的佩戴之下，與身體產生更親密的連繫。或許，多樣的距離關係，也讓符號的意義不只由設計師或藝術家授予，更在觀眾與佩戴者身上，產生更多連結與詮釋的可能性。

何采柔

台灣跨領域藝術家。畢業於加州大學國際關係學系、愛荷華大學藝術研究所，擅長以繪畫、裝置、影像形式創作。曾參與「未至之城：亞洲藝術雙年展」、「藝術為什麼重要：2021兒童雙年展」、「橫濱三年展：餘暉，捕捉光的碎片」、「事故 NO ON：何采柔個展」等。

文｜郭慧

攝影｜汪德範、KATO Ken

圖片提供｜CHANEL、何采柔、Organizing Committee for Yokohama Triennale 

▸ 探索更多CHANEL頂級珠寶跨越90年的創作靈光

由臺灣美術基金會推動執行的藝術銀行，其核心精神即是讓藝術走入人們的生活，成為一種「日常陪伴」，今年更進一步出版，讓人一看可懂的藝術維護手札《藝術醒世要言》，以輕鬆有趣的方式介紹藝術品正確的親近與保存維護基本觀念，執行長林平說道：「我們想做一本像是廟宇裡隨處可見的『結緣』書冊，能流傳、易讀好懂，選擇與黃海欣藝術家合作，正是因為其插畫自帶幽默感、不用繁雜的文本即可理解。」

視藝術品如同陪伴自己的重要存在

由於藝術銀行面對的展示空間和美術館的典藏系統完全不同，為了提供最完善的藝術租賃服務，讓人們可以在日常中「合理」地近距離接觸藝術作品，不僅有專業的藝術租賃規劃／策展師、空間評估師、作品修護師，以及作品登錄員、藝術推廣員，還有委外合作的藝術包裝、運輸、保險等專業者。這次手札的出版計畫，不僅是將藝術銀行的專業服務與核心理念全面性地介紹給大眾，其中還蘊含了很重要的「惜物」觀念，執行長解釋「我們想要倡議人跟物之間的關係應是平等的，如果將藝術品當作是家人或是心愛的寵物，自然會好好愛惜它，不會只用『價格』去評斷它。」

你不喜歡的環境，藝術品也不喜歡

手札開章即是「藝術品是什麼？」為大眾破題，再深入淺出地介紹藝術收藏與後續的展示、維護等專業知識。書中將藝術作品擬人化，呈現藝術品和人的日常相處，不用最至高的標準安排，只要用一個同理心去看待。修護師說明：「作品就像人一樣，如果連人都覺得不舒適的環境，就會對作品造成傷害，例如光線照明的安排，強光與日曬都會傷害作品，人曬黑了還能白回來，但藝術作品都有其『光照累積值』，超過這個數值之後就會產生褪色，是不可逆的。」其他還有避免擺放在有水氣及溫差過大的環境、以乾式清潔為最高原則等等方式，都是在居家環境中就能做到的。

後現代幽默結合中式善本裝幀， 化身為新世代美好的「勸善書」

這本手札目標讀者是一般大眾、和喜愛藝術、想要擁有藝術作品的人，希望以最親民的方式呈現，「我們想到廟宇出入口旁都會擺放的古早善本、勸善書，人人都可以看到、接觸到，所以選用善本裡的中式頁面設計；而同時也希望它帶有新世代的特質——一種因不確定能否生存，而產生的更輕盈、幽默的後現代生活方式（和上一代的沈重的價值觀相比）。」

「勸善書」的善惡／吉兇的對丈關係，轉化至這本手札，變成同一跨頁裡的左右對照圖，藝術家黃海欣以簡潔活潑的黑白線條畫出一張張詼諧有趣的插圖、對應著兩旁的文字一目瞭然，談起合作過程黃海欣說：「藝術銀行給我很大的創作空間，和編輯討論後，決定以大眾閱讀的角度出發，運用直白的語彙，希望能引起更多共鳴。」因此她選用了許多人們熟知的藝術名品，例如以羅浮宮的《蒙娜麗莎的微笑》前萬人空巷一景，讓人反思欣賞藝術真的只能這樣跋山涉水嗎，或是用瑜伽教室裡掛日本春畫的違和畫面，解釋了選擇藝術品前，要先想想它和空間中的人事時地物的關係。還有在朱銘的《太極》前打太極、用溼答答的方式清潔畫作會讓作品變身孟克的《吶喊》等場景都讓人忍不住會心一笑。手札從無到有，超過一年的製作期，黃海欣大讚，「看到手札最終完整版的樣子非常驚艷！幕後的編輯、裝幀設計師功不可沒，很幸運可以參與這次的計畫。」

《藝術醒世要言》不僅兼顧了普及性與專業性，更破解了人們對於藝術收藏是「高門檻、非日常可及」的心魔，也提醒了我們重新思考人與世界萬物的關係，每個人的內心都反應著你對世界的看法，如同藝術家黃海欣分享對她而言，「只要是創作家透過自身，具體化內在的思想或回應世界、生命經驗的產物，不論形式或好壞，都是一種藝術。」就像書中的特別版文公尺——只要有愛怎麼量都是吉。

本書在誠品、博客來、五南及獨立書店等通路都可以入手，未來也會在台北藝術博覽會與大家見面，期待透過《藝術醒世要言》與愛好藝術的大家「結緣」！

_{文 | 黃阡卉  圖片提供 | 臺灣美術基金會-藝術銀行}

有了科技後，看一場展演越來越接近做一場夢。隨著新技術不停歇誕生，科技藝術展演如同變形蟲，線上、線下各自進化，亦虛實交融。這次幕後「造夢人」們現身，聊聊時下科技藝術展演的力量、侷限和可能的體驗視角。

當代舞團「安娜琪舞蹈劇場」，在純舞蹈中融入科技，探問人與科技間的進退哲思；新媒體藝術工作室「NAXS FUTURE」（涅所）近年專注於高度實驗性的線上展演及沉浸式XR體驗，以新媒體為語言連結國際。

一個以實體肉身探問科技，一個以虛擬語言對話真實，兩個團隊都已在科技藝術領域耕耘逾10年，各自的創辦人也不約而同，早早在對方首件原創作品中便收穫觸動——2017年，謝杰樺行走在NAXS的沉浸式劇場《Render Ghost》中，第一次體驗在VR展場中與他人相遇，馮涵宇則猶記在學生時代的電腦螢幕前，因《第七感官》（2011）在當年結合投影技術與舞蹈的新穎嘗試而驚艷。而創造這般新鮮又深刻的生命體驗，也正是他們甘願投身這一領域的使命感召，和持續為世界勾勒的想像。

謝杰樺

安娜琪舞蹈劇場創辦人暨藝術總監，編舞家。背景橫跨建築與舞蹈，擅以空間概念結合科技元素，融入舞蹈與身體創作。知名作品包括科技舞作《第七感官》、《Second Body》、《永恆的直線》及《肉身賽博格》。參與共創一系列舞蹈裝置作品《日常編舞》及《健康操》，延伸舞蹈的表現形式至表演以外。曾任2017臺北世界大學運動會開幕典禮文化演出導演之一。

馮涵宇

NAXS STUDIO共同創辦人與創意總監，創作跨越新媒體藝術、XR、遊戲式線上體驗、平面設計、電子音樂和劇場等領域。NAXS工作室以「遊戲」為核心方法論，持續製作高度實驗性的作品，遊走於實驗藝術和創新商業製作，同時積極與全球藝術家和品牌合作，探索沉浸式內容的潛力。多年來亦以別名Software2050進行創作，從非人類中心的視角探索人工智慧與人類世界之間的關係。

Q：為什麼想投身科技藝術展演？是被什麼魅力收服？

馮涵宇 我大學時的技能和夢想其實都是平面設計，但同時間開始和NAXS的共同創辦人知藝參與很多電子樂派對，沒事就往 The Wall、Korner、Pipe 跑，因緣際會，也受邀做一些裝置藝術，漸漸嘗試使用雷射、煙霧、投影、 VJ，往適合電音跟party的方向創作、組團參與台北數位藝術節，也才順理成章去讀北藝大的新媒體研究所。

近年比較被「遊戲式線上體驗」吸引，一是本來就喜歡玩遊戲（笑），也因為其中的 「連結」——玩遊戲時很快就可以跟來自世界各地、說著不同語言、不同族群的人玩在一起，就會想像，如果這件事結合其他藝術領域會怎樣？甚至如果可以用各個想要的視角去觀看、參與到作品裡，跟表演者產生關係，這都是遊戲媒材的潛力。遊戲就是「世界建構」 (world building)，每個遊戲都是一個架空的小世界，可以在幻想時空裡做任何事，能這樣在日常生命經驗之外去體驗不同世界觀還滿重要的。

謝杰樺 我大學讀建築，但根基的喜好還是所謂「在舞台上跳舞的肢體」，畢業後念了跳舞、成立舞團、做了《第七感官》，那是2010年左右，整個硬體環境有滿大躍進，我理解到「科技真的可以跟我的身體做對話」，就真的一直往這個方向走下去。我的作品大多一定會處理到人與科技的互動，當科技成為我的雙人舞舞伴，我們可以一起做出什麼？是我至今一直想挖掘的可能性。

在現代，科技帶來最大的潛力是「互動」——作為觀眾時，觀看經驗改變，「第四面牆」不再，可以經由行動產生跟作品的關係，科技也像是一面新的鏡子，讓人看到生命經驗之外的事。對表演者、創作者來說，則不同於過往，每一刻都是雕刻的、每一幕都是精心處理好的，觀眾進來後的事不一定都會照你想的發生，會產生新的關係和詮釋，處理這樣的作品是很大的挑戰，也非常吸引我。

Q：近年「虛實整合」已成趨勢，如何看待實體與虛擬展演的關係？

馮涵宇 疫情之後我們常被問到：實體展演不可取代，你們怎麼看？我百分之百同意實體展演絕對不可取代，我們過去也創作實體展演作品、我也喜歡看，但是我們現在之所以做線上或虛實整合展演，本身出發點就不是為了取代實體，它們本來就是不一樣的東西。

以虛實整合展演來說，虛擬科技可以和實體展演互補甚至互為主體，可以平等地互相對話、交流、影響，進而產生出一種新的觀看方式。線上展演也是一樣的邏輯，本身就應該被視為一種完整的體驗形式——所以反過來講，線上展演也不會被實體展演取代，就像《魔獸世界》和遊樂場互不干涉，有不同的特色、表現方式和客群。

謝杰樺 我的創作是探索身體在所謂數位時代會發生的改變，過程中透過和科技的互動，產生新的體驗或反思，所以表現形式上多少一定要有虛實內容的merge。

之前疫情期間大量思考，跳舞是很肉身的、很強調實際經驗的，那要如何找到一個切入點，讓它和線上展演結合？對舞團來說，要讓線上跟現場真的融合，其實要先回到舞者訓練打造起，目前「數位訊號進到表演後會如何影響身體？」對於接受典型學院派訓練的舞者來講，還不是這麼熟悉。做《Second Body》時，我花了2年把舞者傳統的表演方法打掉、重新建構，和NAXS合作虛實整合的數位實驗版時，看他們創造的畫面引出來的想像，也持續push我思考， 當科技跟生活可以如此混合的時候，我要怎麼準備我的身體？

馮涵宇 杰樺對舞蹈、對身體的觀察很細膩，他會談肌肉、汗滴、紋理，這是我們做純數位創作比較不會觀察到、也無法挑戰的事情，但我們可以嘗試為舞者做出更抽象、流動的皮膚，以動作帶動空間中的粒子等等，把想像空間延伸出來，做一些實體展演做不到的事情，再將虛實並行在一起，就可以有新的對話產生。

Q：時下科技展演的侷限是？如何降低體驗過程中「介面」帶來的疏離感？

馮涵宇 常會遇到的侷限可能是成本 （笑），當然現在也一定會慢慢被解決，大眾可以接觸到的科技越來越厲害，透過科技創作的成本會持續下降，AI 就是很大的例子。另一個問題是「時效性」，雖然大家會講藝術是「永恆」 的，觀念可以一直打動人，但有些科技藝術，尤其是VR 畫面，只要一過再回頭看，那個技術就是不會再那麼「酷」。

至於對介面的疏離，首先我覺得要依照群體來界定，對 Z 世代、Alpha世代來說，螢幕這個介面非常親切，使用鍵盤、滑鼠穿梭在虛擬世界裡是很舒適的。但如果把他帶到兩廳院，坐在固定的椅子上、面對鏡框式的舞台，這個介面對他來說或許反而是疏離的。

謝杰樺 對於舞蹈而言，每個人一出生的零分零秒開始就擁有「身體」，人類有天生的趨性會使用身體，進而產生經驗、情感和思考，所以用身體表演時，召喚的是我們整個生命歷程，只是可能因文化跟地域的關係而不同。但科技並不是這樣時刻陪伴我們，經由科技經驗產生的思考或觀察，也不會跟每個人都有關，所以在科技展演的創作過程中，創作者要去橋接處理的，是怎樣再拉回觀眾的生命經驗去回應，所謂「介面」事實上只是要 透過什麼方式讓觀眾共感。那時在《Second Body》數位實驗版的展場中，同時有實體舞者和虛擬兩種觀看選擇， 可以很明顯看見不同年齡層的觀眾，會隨成長經驗的不同聚集到自己熟悉的觀賞介面前，就發現「線上」跟「現場」兩種感知經驗要怎麼交融這題，到頭來好像也跟生命經驗有關。

馮涵宇 生命經驗有兩個面向，一個是杰樺說的「連結原有的」，另一個也正是科技藝術有趣的地方——創造一種新的生命經驗。NAXS早期滿著迷於去尋找人類生命經驗的「原型」，很多作品都會探索afterlife（死後生活）、奇點的概念，這是人類未知的經驗，但我們試圖用科技讓大家感受到。神祕的，大家也真的可以被感動，可能這些就是某種很底層，刻在大家的基因裡面的東西吧。

Q：手邊正進行什麼新創作？認為接下來科技藝術還會往哪走？

馮涵宇 目前正在和丹麥、德國的團隊合製VR作品《Dark Rooms》，以4D的體驗討論非主流的Kink文化；明年3月預計舉辦第二季虛擬音樂節《夕陽小鎮》，在第一季的基礎上加入更多遊戲機制，非常難做（笑）！也正在幫藝術家許家維製作一個location based的VR作品。

我認為接下來的科技藝術，最直觀也最大的趨勢就是AI，剛提到技術的「民主化」，隨著高深技術的普及，可能讓「原創」的概念、既有從業者的身分被挑戰，但也會促成創造力的大躍進，令人擔憂也令人期待。 我自己還很期待更下一個階段，一個獨立思考、有主體性的AI出來向世界宣示，它做了一些突破性、超過人類想像邊界的事，會很有趣也很恐怖，我們應該滿快可以看到。

謝杰樺 數位科技帶來時間跟空間的跳接，人們在不同的地方卻可以共享一些時間、過程，甚至混合過去和現在，折疊時空，這也和重力、黑洞的議題相關，我們現在正跟台大的天文物理教授研究這題，預計在C-LAB的球形空間演繹「當時間空間不連續，身體會發生什麼事？」另一個是和英國合作探索，是否有可能讓AI去理解各個國家、東西方不同文化舞者表現身體的差異。

「科技」二字，本身就有時間性，隨著技術的進步，「科技」會不斷變成「日常生活」，而隨著創作者的熟稔、觀眾的理解越來越深，科技藝術展演基本上一定還是會回到「怎麼樣好好說一個故事」，我想，如何讓人類的身體，透過科技接收感受的過程更細緻、豐富，會是藝術家、創作者們持續要努力的方向。

_{採訪整理｜李尤
攝影｜謝岱汝、林峻永、劉宸吟、鄭敬儒、陳長志、叁式
圖片提供｜安娜琪舞蹈劇場、NAXS FUTURE、臺中國家歌劇院}

_{更多精彩內容請見 La Vie 2024/9月號《賦予自由律動的當代設計》}