剛與柔，就像是質能的兩端，是二元對立，卻也是相反相濟，因此尊彩藝術中心特別邀請李再鈐和徐永旭兩位雕塑大師，分別以鋼雕、陶塑表現創作心境與意念，從媒材與形式中的激撞與對話，深入感知兩位藝術家在創作路途上，磨礪身心後的絢爛火花。

經過半年時間的籌備，「剛‧柔俱現─李再鈐鋼雕‧徐永旭陶塑 聯合展覽」終於在尊彩藝術中心展現，一直以來尊彩藝術中心都是致力於推廣台灣現當代藝術的學術研究與展覽規劃，像是戰後抽象藝術家和當代藝術家，著重藝術史的開創意義與視覺藝術的社會性觀點。負責人陳菁螢認為，綜觀台灣美術史的脈絡，早年台灣的雕塑創作多元且精彩，像是黃土水、蒲添生等大師作品，都形塑出獨特的精神樣貌，有感於近年來台灣雕塑力道的式微，因而促成此次的展覽動機。

曾任鳳甲美術館館長、亞洲大學現代美術館館長的翁淑英，正是此次的策展人，即使在業內已有長達二十多年的深厚資歷，聊起藝術，她的眼神發亮，對藝術的一切仍舊充滿活力與熱情。

李再鈐和徐永旭都是台灣極為重要的藝術家，談起這次的合作，兩人皆表示「很榮幸」，是惺惺相惜、真誠珍惜這個機會，為此，已年屆九十五歲的現代雕塑大師李再鈐還創製了全新作品「鏡花緣」，相較於過去的作品，鏡花緣系列不再是連續而規律的變化組合，反而是強調趣味性，以簡潔純粹的流動新造形，特別做鏡面反射，更能映照出人生百態。

融合數學、哲學、美學的大師級幾何鋼塑

回望李再鈐的作品，多數人並不陌生，舉凡台北市立美術館、國立台灣美術館、高雄美術館皆有典藏。李再鈐早期是從傳統造型出發，中期後以幾何元素，呈現極簡低限的藝術風格。半世紀以來，大多以鋼板為素材、焊接為手法，持續以幾何造形、抽象表現，探究材質與低限藝術的可能性，從作品中可以感受到探討美學、數學和哲學的三元關係，是一位具備豐富藝術成就及深度禪學思維的代表性藝術家。

當代陶塑藝術家徐永旭就盛讚李老師是「教科書級的指標藝術家」，他解釋，李老師的作品是必須經過精密計算，用點和面去堆疊創作，從不同面向可以看到各異造型，「早年是沒有電腦運算，卻能透過數學展現鋼塑的多樣複雜幾何型態，在我看來是很厲害，尤其這年紀還能繼續創作。」

因此，徐永旭也特別在展覽前，花了三天現地創作出一件大型裝置藝術作品。徐永旭表示，以前的作品沒有框，這次他刻意準備框，有意識和李老師的作品對話，並以有斜度、菱形的動態方式，用線表現出織的感覺。「我在創作時，仍舊被這些線、物件包圍著，雖然有點作繭自縛感，但我在裡面的視覺和動作，仍舊讓身體是很重要的創作元素，並和空間產生影響。」

以苦行僧的心志為陶土烙下生命印記

其實，如果說徐永旭是生命的藝術家也不為過。他的作品，與其說是雕塑品，不如說是行為藝術，為了創作，強調身體與作品間的對話，這幾年下來，幾乎是把指尖和皮膚的紋路幾近磨平，翁淑英形容徐永旭就像是「苦行僧」，如同修行般，應用全身的力量將陶土形塑捏壓成泥條，再將無數的陶土片條，巧妙的重複及堆疊在一起，一步步去完成每一件創作。徐永旭在陶土上留下身體的痕跡，展現其創作的意志，最後就像無法預期的有機生長，呈現出扭轉的曲線感、洞孔的巢穴狀，以及內外迴旋的空間狀態，創作過程中的精神性是如此純粹與厚重，而作品在燒煉後又顯得如此無比的透薄與輕盈，令人震懾。

李再鈐認為徐永旭的作品是感性又柔活，尤其多數陶藝家的作品多為實用陶，「反觀徐永旭，他的作品只有他自己能做，每一個小平面，都有他的精神、勞力、智慧在裡面，作為藝術家是非常認真。」

若是直觀從兩位藝術家的創作媒材——不銹鋼及陶土，看似相悖，卻又在精神性上遙遙相通，綜觀其作品，都擁有需要堅強肉體和意志才能成就的精神性，充滿個人創作的痕跡。翁淑英認為，剛與柔是兩種截然不同的狀態，不但可以表現在媒材與形式上，也可以作為創作心境與意念的代稱，如果放在同一個空間內，讓這種極端和矛盾和諧共存，進一步表述溫柔和剛強的對話。

【 剛‧柔 俱現─李再鈐鋼雕‧徐永旭陶塑 聯合展覽 】

A Dialogue Between Strength and Gentleness 

LEE Zai-Qian & HSU Yunghsu Duo Exhibition

展期：2022年10月29日（六）～2023.01.18（三）

開幕：2022年10月29日（六）15:00

展館：尊彩藝術中心二樓 (台北市内湖區瑞光路 366號）

電話：02-27971100

畫廊開放時間：周二～周日（11:00～18:00），週一休館

策展人：翁淑英

撰文 | Iain   資料暨圖片提供 | 尊彩藝術中心

公園是大眾熟悉的日常場域，當園區樣式漸成某種模板，我們還能如何重新想像這與城市生活密不可分的「日常樂園」？公園還能怎麼綻放出如樂園般令人感到驚奇、心生嚮往的魅力？

臺北市立美術館（北美館）兒藝中心推出《造公園》特展，以「公園的奇想」為出發點，邀集9組藝術家在館內造了一座「公園」——透過錄像、聲音裝置、立體、複合媒材等多元形式的創作，邀請大小朋友打開想像和體驗「公園」的多重路徑，透過藝術重新凝視這日常生活中熟悉的場域！

親臨展場，除了會看見路燈、涼亭、遊樂器材等熟悉元素的新樣貌，還會挖掘那些過去可能不曾知曉的台灣公園趣事——游泳池常見於20世紀初的台灣公園？台北市區竟有座存有史前遺址的公園？更多有趣的新知和舊事，待你到現場解鎖。

北美館兒藝中心《造公園》陣容

策展人｜王瑋婷

參展藝術家｜石孟鑫、李鈺淇、吳燦政、明白實驗所（李明潔、李欣穎）、倪祥、陳姿尹、陳萬仁、楊雨樵與蕭聖健

從台灣第一座近代公園「圓山園區」出發

北美館地理位置鄰近花博公園，隔著中山北路的圓山園區過去即是台灣第一座近代公園——圓山公園，於1897年對外開放。園區內不僅保存著台灣重要的史前遺址——圓山文化層遺址，亦曾於1915年與1938年先後設立動物園與遊樂園。1977年，台北廣播電台遷入，此地長期作為台北重要的休憩、教育與娛樂場域，在不同歷史階段承載著城市記憶與公共角色。

《造公園》以圓山公園的歷史脈絡為前期研究基礎，透過3個子題：「形狀與感知」、「自然與建構」及「公共性與再想像」以展覽內容包裹公園所蘊含的多重面向，引導觀眾重新思考人與自然、人與人之間的關係，並在參與及觀看之中，開啟一場與歷史之間的對話。

探索路燈、涼亭、翹翹板的有趣新貌

藝術家將公園中的路燈、遊具、涼亭、球場等元素，凝聚為「形狀與感知」，重新放大那些細微而常被忽略的片刻。石孟鑫的《 （ ） 》與《門燈柱》，將公園常見的黃色圓球柱燈擬人化，讓原本直立的柱體展現出不同姿態，賦予日常物件新的生命與空間意義。作品位於展場入口，散發溫暖的黃光，引導觀眾進入展覽空間，如同踏進公園。

陳姿尹的作品《Light up and down》以翹翹板為意象，隨著光線明暗的變化而產生傾斜，藉此向觀眾提出「光是否具有重量」的提問，喚起人們對城市生活中晝夜節奏，以及光對於身體與情緒所產生牽引的感知。

來自香港的李鈺淇將香港城市的記憶轉化為錄像裝置《遊、樂、園》，透過手繪動畫帶領觀眾穿梭於結合想像的遊樂場、行人隧道與城市角落。

從公園裡的人造自然，尋訪台灣公園往事

公園的設計規劃經常涉及人造自然，「自然與建構」子題探討其中人與自然的關係。陳萬仁的錄像作品《深邃而璀璨的憂鬱》以空拍機視角俯瞰水面，在策展脈絡上呼應1920至1930年代台灣公園相繼設置游泳池的歷史背景。作品在此成為泳者身體與時間交會的場域，重複性的動作亦為觀眾帶來平靜或不安的矛盾感受。

蕭聖健之作《月夜》以機械結構模擬自然聲響，回應科技文明與城市進程對感知經驗的改寫，使觀眾重新意識到自然如何被「重新製造」。

聲音影像裝置《公園》延續吳燦政對城市聲景的長期觀察，透過拍攝公園中不同的樹種，並結合多年累積的聲音地圖，作品中收錄風吹樹葉、蟲鳴、鳥叫與人群交談的聲音，既屬於城市，也承載個體記憶，揭示公園「存於公私領域之界」的空間特質。

在公園裡考古城市歷史

互動區及工作坊的內容，回應了圓山公園的歷史脈絡與史前文化遺址，探討了城市在文化保存與現代化之間的調適與變遷。明白實驗所的《13號兒童樂園》系列作品，以旋轉木馬意象與公園流傳的故事為起點，將舊兒童樂園與其前身「圓山動物園」的文本史料轉譯為影像裝置、身體展演與聲響物件，喚起觀眾心中跨越時間的共同記憶。

言說藝術表演者楊雨樵的《塚》以考古遺跡為靈感，觀眾可將粉筆塊投擲到特製的斜坡屋頂，粉筆在滾動與掉落的過程中發出各種聲響，藝術家將於展期間的演出活動中，如同考古學家般「挖掘」堆積的粉筆，透過遊戲、聲音與歷史的結合，引導觀眾重新感受城市與歷史，以及物質與聲響之間的微妙關聯。

倪祥的《很久以前之後》則以圓山公園的歷史為靈感，邀請觀眾參與互動，將公園常見的元素，如雕像檯座、紀念碑、樹幹轉化為意象不到的體驗方式，讓觀眾重新體驗日常空間中潛藏的奇幻與開放性。

一起想像北美館的未來樣貌！

本展特別設置「靈感草稿：公園設計」與「地底下的美術館，上面的公園」2個創作區域，邀請觀眾發揮想像力，描繪心中理想的公園樣貌。以此回應北美館正以「花博公園美術園區」為基地擴建新館的當下情境——新館的主建築位於地下層，地面則規劃為開放的公園綠地，未來將成為台北都會北區的文化綠色廊帶。透過觀眾參與，展覽得以從展場延伸至對美術館、圓山園區以及城市未來的思考與想像。

《造公園》Imagining a Park

展期｜2026.03.28－08.30

地點｜臺北市立美術館 兒童藝術教育中心

更多展期間活動與工作坊資訊請見此

3/30更新：去年倫敦 V&A 博物館推出《瑪麗・安東妮風格》（Marie Antoinette Style）展覽，向這位傳奇時尚偶像致敬。如今，該世界巡迴展在日本的唯一一站，也將於今（2026）年8月1日至11月23日於坐落神奈川縣的橫濱美術館登場。

在長達20年的統治期間，儘管最終命運被斷送，但法國皇后瑪麗·安東妮（Marie-Antoinette）其獨特鮮明的個人風格，徹底革新了18世紀的時尚與設計界。華麗粉彩色禮服、高聳假髮，到璀璨珠寶和鍍金家具，奢華優雅風格為皇室氣派賦予全新定義。倫敦 V&A 博物館（Victoria and Albert Museum, V&A）於2025年9月20日至2026年3月22日，推出《瑪麗·安東妮風格》（Marie Antoinette Style）展覽，向這位傳奇時尚偶像致敬。

250件展品看見18世紀宮廷時尚與延伸

瑪麗·安東妮的一生雖短暫，然而其時尚精神卻渲染了好幾個世紀，時至今日依舊是人們津津樂道的話題與靈感，像是已逝設計師亞歷山大．麥昆（Alexander McQueen）的服裝設計，到電影導演蘇菲亞．柯波拉（Sofia Coppola）執導的《凡爾賽拜金女》，無數藝術家都為她所著迷。

《瑪麗·安東妮風格》展覽是英國首度以這位法國皇后為主題的大型展覽，將追溯其風格起源，並探討她如何成為時尚偶像，以及在 18 世紀末所塑造的美學如何影響後世超過 250 年的設計、時尚、影視與裝飾藝術。

展覽預計展出超過 250 件珍貴文物，包含瑪麗・安東妮親自擁有及穿戴的稀有物品，如絲質拖鞋、私人珠寶收藏，以及她生前最後寫下的手札，其中有些更是首次離開凡爾賽宮及法國的珍稀展品。

四大主題，從皇后到時尚傳奇的美學探索

《瑪麗·安東妮風格》依照年份分為四大主題，第一主題「瑪麗．安東妮的風格起源」（Marie Antoinette: The Origins of a Style）將呈現瑪麗・安東妮的生平，展出傢俱、珠寶、服飾、樂器，並揭示她作為王后在啟蒙思想、母職與新科技上的影響。同時也探討「沒麵包吃，那就給他們吃蛋糕」等流傳至今的迷思；展品包括Boehmer and Bassenge鑽石項鍊複製品、皇后專屬字母刺繡扶手椅，以及她在行刑前於祈禱書空白頁上留下的最後字條。

第二部分「瑪麗．安東妮的永恆紀念：一個風格崇拜的誕生」（Marie Antoinette Memorialised: The Birth of a Style Cult）則聚焦其在19世紀掀起的時尚熱潮。19 世紀中葉，在拿破崙三世皇后歐仁妮推動下，掀起大眾對瑪麗・安東妮的浪漫化再詮釋，這一時期，人們將她視為優雅、自由與悲劇的象徵，她的生活被小說、繪畫與戲劇重新演繹，逐漸轉化為藝術與文化的靈感來源。將展出Worth設計的華麗晚禮服，以及攝影師Atget的巴黎影像，展示其形象如何被浪漫化，並衍生出「法式復興風格」在歐美流行。

第三部分「瑪麗·安東妮的魅惑與幻象」（Marie Antoinette: Enchantment and Illusion），聚焦19世紀後期其形象進入奇幻與神話化階段，象徵逃避現實與美感。展出新藝術與裝飾藝術時期的晚禮服，以及 Erté、George Barbier、Edmund Dulac的插畫。

第四部分：「再造的瑪麗・安東妮風格」（Marie Antoinette Re-Styled） 則描述她如何影響當代時尚與流行文化，包括 Moschino、Dior、Chanel、Vivienne Westwood、Valentino 的高級訂製服作品；以及獲得奧斯卡獎肯定，由導演蘇菲亞・柯波拉執導的《凡爾賽拜金女》，電影裡由 Manolo Blahnik 親自操刀設計的戲服與鞋履。

此外，還包括攝影師Tim Walker 與 Robert Polidori 的奇幻攝影作品，以及 Beth Katleman、Victor Glemaud 等當代藝術家的再詮釋，體現瑪麗・安東妮如何持續啟發跨領域創作。

對於本次時尚大展，策展人Sarah Grant表示：「瑪麗．安東妮是歷史上最時尚、備受關注且充滿爭議的皇后，她的名字同時代表著極度奢靡，也象徵著無與倫比的美麗物件與室內設計。本次展覽將探索她的個人風格與核心人物，藉由一系列專屬她的精緻物品，以及受其遺產啟發而創作的華美藝術品與裝飾品。」

重現香水氣味，展開跨時空沉浸式體驗

展覽不僅是靜態展示，也將透過沉浸式舞台設計、多感官體驗再現宮廷氛圍。觀眾可在展廳中聞到根據皇后最愛香氣重現的香水，或近距離觀察她生活日常的小物，從而貼近她的個人世界。當然，紀念品也是不容錯過的部分，目前已可在V&A官網購買查看。