坐落於台中市中區的文化新據點「1035 collab」，由一幢建於1910年代的老屋改建而成，品牌名當中的「1035」為日治時期的電話番號，承接了上世紀的老靈魂；「collab」則意味著進駐此地的4個品牌，包含HAUSINC CAFE、SYDRO 李預萍建築師事務所、小麥過敏、GFG design & art，將與訪客一同為這座年歲逾百的建築，淘洗出嶄新樣貌。

品牌故事源自一組日治時期「電話番號」

「1035 collab」落址於台中市市府路，所在建築歷史可追溯至日治時期，與現正修復中的台中州廳為同時期建築。1916年，這裡曾是鈴木耳鼻咽喉科醫院，而「1035」正是當時診所的電話番號，在電信事業還未普及的年代，稀少的番號成當時人們心中珍貴的暗號；後來，空間由吳眼科接手，經歷兩代後歇業，曾經高掛牆上、刻有「電話一零三五番」的招牌木板被撤下，在戒嚴時期被包覆在壁紙底下，當作門櫃板使用。

直至2018年，SYDRO 李預萍建築師事務所接手進行空間修復，幸運發現這塊木板的存在，便延續其時代意義與歷史價值，作為新空間的品牌識別。

進駐品牌一｜SYDRO 李預萍建築師事務所

負責修復與改造，凝練百年建築的文化底蘊

修復過程中，比起夷平重建大樓，SYDRO 李預萍建築師事務所更著重於傳承空間的脈絡，並試著融入老物件、新空間激盪出的微妙衝突感。從建築立面來看，一樓以灰白色洗石子作為騎樓柱子的主色，並加入邊條、菱形等幾何圖案，烘托出簡樸而雅緻的建築風格；二樓則以綠青色洗石子牆面、溝面磚構築，搭配上藉水平線營造深淺變化的手法，整體更顯優雅。這些建築細節保留了日治時期的職人工藝，也承載了凝練百年的文化底蘊，如今也被建築團隊細膩保存。

 

 

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進駐品牌二｜HAUSINC CAFE

昔日診間化身兩層樓咖啡廳

建築內部則由診所變身為咖啡、烘焙、現代家具選物品牌的新據點。其中，昔日為診間的主建築將由「HAUSINC CAFE」進駐，建築團隊巧妙保留診所原有的格局，讓曾經的掛號處搖身一變為點餐櫃檯，在顧客與店員們的來往互動間，創造出與過去截然不同的生活感。

咖啡廳橫跨兩層樓，一樓為外帶吧形式，沿著左側樓梯上二樓，就會抵達內用區，這裡沿用建築的挑高設計，並保留木桁架與牆面紅磚，與地面、家具等不同質地輝映出場域的層次感，達到新舊共存的巧妙平衡；刻意拉大的桌距、引入日光的廊道陽台，則讓空間體驗更為舒適。不僅如此，角落處還特地擺上一紅色圓桌，除呼應台灣經典的辦桌文化，也預計作為包廂使用，讓人數較多的顧客也能與親友一同入座，輕鬆享用咖啡，品味老宅氛圍。

進駐品牌三｜GFG design & art

曾經的醫師起居室，化身現代家具選物空間

位於後棟的和洋混合住宅，過去曾為診所醫師的起居空間，也曾被推斷為長谷菸草賣捌所，修復後則新生為屬於「GFG design & art」的空間。打開洋溢著復古情懷的日式拉門，踩上稍稍架高的玄關台階，映入眼簾的是各式古董經典家具，其中，玄關旁的隔間擺上丹麥陶藝品牌Kh Würtz之作，日光照耀下更顯特殊釉色之美；值得一提的是，Kh Würtz特別為「1035 collab」打造專屬杯具，限量106個，呼應建築106年歷史。

進駐品牌四｜小麥過敏

半裸露水泥牆，呼應不斷變化的烘焙過程

廊道另一端，便是烘焙工作室「小麥過敏」的基地，空間中的長型吧檯不只是店主的工作檯面，也是放置麵包的平台，讓顧客在挑選麵包的過程中，也像欣賞了一場近距離的烘焙表演。有趣的是，吧檯旁半裸露的水泥牆面，呼應的是不斷變化的烘焙過程，建築團隊巧妙在看似簡潔的空間之中，埋藏許多值得玩味的巧思。

鄒駿昇操刀品牌識別，台中老字號「陳雕刻處」訂製木招牌

「1035 collab」品牌識別由藝術家鄒駿昇設計，汲取4個進駐品牌的共通處，以「手」的圖樣代表專注於自身領域的職人精神，用對應著數字「1035」的手勢動作搭配古樸字型，營造出介於經典與創新之間的風格。

而「1035 collab」一名源自一面日治時期留下的木製招牌，秉持著傳承精神，新招牌由台中老字號木雕店「陳雕刻處」操刀，以職人手法一筆一筆地刻畫，意味著存在這裡的一切，都是源自極致的講究；最後再以黑色底漆搭配金箔字樣的老招牌樣式呈現，讓傳統匾額與現代思維和諧融合。

「1035 collab」的想望：轉動中區，邀人們一同練習講究的能力

這不只是一則老屋新生的故事，也乘載各品牌對地方的想望。「1035 collab」所在的中區，曾為台中市的商業中心，隨著交通與土地發展政策，這一帶的風華在不知不覺中被時間封存，即使鄰近台中火車站，也變得只是交通轉乘的地帶，並不會多做停留。

之所以決定承接這棟建築，不僅是各品牌愛護老宅的鍾情，有一大部分更來自對中區的回憶與盼望，希望藉由一己之力，讓中區展現不同光景，尤其這幾年，陸續文創、餐飲、旅宿等年輕品牌進駐，漸漸活化中區能量，吸引觀光客之餘，更希望能將在地人潮帶回，讓看似時間暫停之地得以重新運轉，也讓人們透過這個空間，一起練習「講究」的能力，讓此處成為一個細緻又精彩的文化新聚落。

 

 

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1035 collab (café & gallery)

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地址｜台中市中區市府路73號

資料、圖片｜1035 collab

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}