LV×草間彌生聯名5個行銷創意！巨大雕塑亮相東京快閃店、品牌巴黎總部，草間機器人現身紐約作畫

睽違十年，Louis Vuitton（以下稱LV）再次與日本當代藝術家草間彌生推出聯名，兩次合作都有藝術家創作中經典的圓點、南瓜元素貫穿，但這次LV把行銷玩得更有趣：聯名上市之前，先是來到藝術家的家鄉日本，將東京化身一座城市美術館；正式開售後，東京快閃店開幕，全球各地的LV旗艦店也跟上腳步，或換上圓點櫥窗、或有草間彌生巨大雕塑或機器人現身，充滿玩心。本篇盤點LV×草間彌生聯名系列5個行銷創意！

LV×草間彌生聯名系列設計亮點：圓點的多種變奏

本次聯名共推出約450件單品，其中又以3大主題系列最受矚目，它們都以草間彌生代表性的波卡圓點為主角，並透過筆觸、材質的變化，表現出豐富的視覺效果。其中，「彩繪圓點」系列呈現如水彩顏料繪製的多彩圓點；「無限圓點」將草間彌生愛用的紅、黃色彩，揉以大小錯落的手繪線條圓點；「鏡面圓球」則致敬草間彌生代表作〈自戀庭園〉，作品中置於展場地面的不鏽鋼球，轉而躍上LV Twist、Cannes等人氣包款，呈現皮革與金屬元素的碰撞。

LV為聯名策劃的行銷活動，也都不離「彩繪圓點」、「無限圓點」與「鏡面圓球」系列中的視覺元素，只是表現的載體跳脫鞋履、男女裝、皮件與配飾，從報紙、旗艦店空間、街邊櫥窗，甚至LV巴黎總店建築都成為舞台。

為聯名預熱：圓點、南瓜亮相東京城市地標

2022年12月起，東京街頭總有圓點、南瓜出沒，各式裝置藝術散落於增上寺、芝公園、東京車站等城市地標，就連東京鐵塔也上演了絢爛奪目的燈光秀，整座城市彷彿化身一座以草間彌生為主角的美術館。

要說當時引起轟動的企劃，莫過於這支在澀谷播映的3D廣告——開頭只見三只LV行李箱堆疊在街頭，盒內突然有陣騷動，接著幾顆佈滿圓點的繽紛南瓜從裡頭蹦出，草間彌生本人也探出頭來跟街上的人們相見。有人認為它有趣，不少網友說晚上看讓人毛骨悚然，無論評價是褒或貶，不可否認的是，LV的確在東京掀起一陣旋風，更創造了熱烈的社群討論度。

 

 

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各地旗艦店的快閃空間：台北、紐約、洛杉磯

無論精品旗艦店設於百貨商場內，或佇立於街邊，對外展示的玻璃櫥窗皆是展示當季系列的重要媒介；這次，LV視覺藝術總監Faye Mcleod當然也為各大品牌旗艦店披上新衣。

先從台灣說起，2023年新開幕的LV台北101旗艦店在中庭挑高區、男裝區，便呈現了草間彌生聯名系列的期間限定藝術裝置，圓點佈滿黃色地面、螺旋樓梯，身穿聯名單品的模特人檯把不鏽鋼圓球當成椅子落座，為本次合作寫下富含當代氣息的紀念。

視線來到太平洋另一端的美國，位在洛杉磯羅迪歐大道（Rodeo Drvie）的旗艦店，通透外牆覆以黑黃圓點，接近兩層樓高的草間彌生雕塑更在面向街道的櫥窗登場，彷彿在為店面創作，而加州的陽光也讓玻璃上的亮黃色彩顯得更鮮明、活潑。

坐落第五大道（The Fifth Avenue）的紐約旗艦店，同樣有巨大的草間彌生形象亮相，身穿白色長洋裝的她拿著畫筆，彷彿一點一點為立面創造新貌；有趣的是，Faye Mcleod也分享了十年前LV與草間彌生首次聯名時，他曾參與創作的立面藝術裝置，同一片立面、時隔十年的不同光景，都流露著草間彌生堅持一生的藝術理念。

草間彌生現身LV巴黎總部為立面作畫？

除了融入藝術家風格的靜態展示，LV也讓草間彌生以更生動、更加栩栩如生的「動態感」形象，在城市街頭與人們相見。在巴黎LV總部外牆，Faye Mcleod為立面綴以手繪感繽紛圓點，更打造了尺度堪比建築高度的巨型藝術家雕塑，讓草間彌生猶如攀上高牆般，低著頭親手為這棟擁有百年歷史的建築物，注入其標誌性的彩色圓點，將當代氣息融入老建築。

巨大草間彌生雕塑穿梭東京雙層快閃店

位在東京的聯名快閃店，從玻璃外牆到室內兩層樓的地面、牆壁，都以黑、白、黃三色為基調，並揉入大量的圓點元素裝飾；不鏽鋼圓球散落地面，彷彿重現了〈自戀庭園〉裝置藝術，若不是金屬圓球堆疊起偌大的LV Logo，以及聯名單品陳列展間，不說還以為是草間彌生的個展現場。

巴黎、紐約、洛杉磯都有的藝術家巨型雕塑，東京當然也有，草間彌生在這裡右手拿著畫筆、左手提著聯名Capucines包，以「穿破」上下樓層的姿態亮相。

機器人草間彌生亮相紐約街邊櫥窗

在紐約，Faye Mcleod更進一步打造草間彌生「機器人」，讓藝術家的雕塑真正動起來，置身旗艦店的玻璃櫥裝中，視線左右來回、手持畫筆悉心為櫥窗畫上斑斕圓點；雕塑臉上的神情、肌膚紋理還原度很高，整體十分生動，彷彿草間彌生本人在此上演一場表演。

 

 

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資料、圖片｜Louis Vuitton

CHANEL 2026 秋冬系列由 Matthieu Blazy 延續與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」意象出發，重新拆解經典套裝、低腰輪廓與斜紋軟呢，並透過 Lurex 金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾工藝，在務實與幻想之間重新思考香奈兒式自由。

CHANEL仍在變動之中？

繼3月於巴黎大皇宮首度亮相，CHANEL 2026秋冬系列近日上市，也讓人得以近距離觀看 Matthieu Blazy 如何處理這個百年時裝屋最熟悉的設計語彙。從重新調整比例的斜紋軟呢套裝、1920年代低腰輪廓，到Lurex金銀絲、矽膠、薄紗與珠飾交織出的材質變化，許多在伸展台上首先以輪廓留下印象的造型，近看更能發現藏在結構與工藝中的細節。

這也是 Matthieu Blazy 加入 CHANEL 後的第二個高級成衣系列，本季延續他與 Gabrielle Chanel 的跨時空對話，從「毛毛蟲與蝴蝶」的比喻展開：一端是貼近日常生活的務實與安定，一端則是屬於夜晚的輕盈與幻想。兩種看似相反的狀態，共同構成他眼中的CHANEL。

未完待續的「施工現場」

回到今年3月的巴黎大秀，巴黎大皇宮（Grand Palais）內架起巨型起重機，紅、黃、藍色結構懸於空間之中，映照著帶有虹彩光澤的伸展台，彷彿是仍在施工、等待下一步發生的現場。這份「未完成感」也呼應 Matthieu Blazy 進入 CHANEL 後的工作方式。

斜紋軟呢套裝、山茶花、鍊帶、菱格紋等，CHANEL 擁有一套幾乎不需標誌就能被辨認的視覺語言。Matthieu 這一季沒有迴避這些經典，而是從輪廓、材質與比例著手，逐一檢視它們放在今天還能如何發展，即使已有百年歷史，CHANEL 依然是一棟持續施工的建築。

由白晝緩緩走入夜晚

Gabrielle Chanel 曾將時尚比作白日裡的毛毛蟲與夜晚旋舞的蝴蝶：「我既要有沉穩落地的裙擺，也要有隨風飛揚的裙角。」Matthieu 則曾用「悖論」形容 CHANEL。在他眼中，CHANEL可以務實，也可以充滿幻想；可以理性，同時保有誘惑力。看似相反的性格，其實從 Gabrielle Chanel 的年代便已存在。她從男裝與勞動者服飾汲取靈感，讓女性時裝擁有更符合生活的機能，另一方面也深知珠寶、晚裝與精緻工藝如何改變一個人的姿態。

2026秋冬系列將這兩面放在同條時間軸上，前段造型較為沉穩，隨著系列推進，質地愈來愈輕，色彩與光澤逐漸浮現，服裝也由白晝慢慢走進夜晚。

腰線下移　打破拘謹

備受矚目的，也包括 CHANEL 經典套裝中，熟悉的比例開始移動。Matthieu 讓造型從1920、1930年代流轉至1950、1960年代，再回到當下。大幅下移的腰線，腰帶落至臀部甚至更低的位置，上半身因此被刻意拉長，讓人想起1920年代盛行的 drop-waist 低腰洋裝。

從針織、長版上衣，到裙裝與套裝，低腰線搭配鬆弛剪裁後，也改變了傳統 CHANEL 套裝較端正的身體輪廓。斜紋軟呢圈圈紗被做成工裝襯衫，壓實處理的斜紋軟呢化為帶有男性氣息的布勞森外套，羅紋針織及1920年代風格的真絲針織更軟化原有結構。

探索材質　工藝賦予輕盈

本季除了經典斜紋軟呢，也加入合成纖維、Lurex 金銀絲、矽膠與天然薄紗。不同纖維彼此混合，使人熟悉的 tweed 表面出現透明、虹彩與閃爍效果，有些乍看仍保留傳統斜紋軟呢的紋理，靠近後才發現材質構成已經完全不同。這種「眼睛以為看到的材質，觸摸後卻是另一回事」的趣味性，也是 Matthieu 作品中相當迷人的部分。

CHANEL 同時為系列研發新的珠飾工藝，使細密珠飾加入針織套裝後，仍能保持輕盈與活動性。看似繁複、帶有重量的服裝，實際穿上身卻能自由移動；工藝的存在不只是增加華麗程度，也改變衣服與身體之間的關係。

包款迎來全新進化

後半場便逐漸進入蝴蝶的世界，大衣與禮服開始出現如絲緞般流動的虹彩，長度由及膝延伸至曳地；剪裁保持簡潔，表面卻隨著光線與身體動作產生細微變化。華麗並沒有帶來厚重感，長裙和外套反而隨步伐自然擺動。

「蝴蝶」存在於衣服的重量、動態與光澤中——人開始移動，蝴蝶才真正出現。包款則留下更多 Gabrielle Chanel 的個人記憶，米色麂皮口蓋包上的菱格紋，可追溯至她巴黎寓所中的沙發；系列另有鎖扣包，以及覆上虹彩琺瑯光澤的石榴晚宴包。歷史細節從室內家具、個人生活與品牌檔案被取出，再換成新的尺度與材質。

百年前，Gabrielle Chanel 曾從當時女性衣櫥以外的世界尋找材料與靈感；到了 Matthieu Blazy 手中，品牌自身歷史成為一座可以再次進入的素材庫。因此，巴黎秀場那幾座仍在工作的起重機，揭示CHANEL還沒有「完成」，最新版本仍在建造之中。

愛馬仕高雄漢神專門店迎來全新面貌，1996年進駐高雄至今，30年後由巴黎建築事務所RDAI重新操刀，以高雄港為設計線索，將磚砌建築、潮汐、貨櫃與港灣夕照轉化為材質、動線及色彩。從橡木貨櫃樓梯到海洋藍漸變夕陽橘的地毯，一覽店內值得細看的設計巧思。

1996年設立至今，這處品牌在高雄的重要據點經歷擴建與改裝，如今橫跨1樓與地下1樓，由長年與愛馬仕合作的巴黎建築事務所RDAI操刀，以高雄港灣風貌與城市建築為線索，重新構築空間。

沒有直接搬入船舶、浪花等具象港都符號，RDAI反而從城市中抽取磚牆、貨櫃、海水與夕照等元素，轉化為材料、動線和色彩。港口意象因此不只存在於視覺裝飾，而散落在兩層空間的行走經驗中。

從磚砌立面開始，捕捉高雄城市質地

走近店鋪，首先映入眼簾的是貫穿外立面與室內牆面的磚砌元素，靈感取自高雄歷史建築「打狗英雄領事館」，磚牆並非平整排列，而藉由深淺錯落的立體表面製造層次。隨著光線與觀看角度變化，牆面留下不同陰影，也讓原本厚實的材質多了一層輕盈感。

品牌以此呼應高雄的歷史底蘊與在地材質特色，並讓傳統材料進入更當代的空間語彙。

以潮汐為想像，1樓動線自在流動

步入1樓，可見愛馬仕經典Faubourg馬賽克地磚與標誌性的ex-libris藏書章圖騰，品牌熟悉的視覺線索之間，加入了來自高雄港灣的想像。絲巾與時尚珠寶首先出現在暖鏽色調之中，往內則進入皮件區，流線雕刻木質牆面勾勒出較為柔和的輪廓；珠寶與腕錶專區藏於同樣以「打狗英雄領事館」作為靈感的紋理牆面之後，以光線與尺度營造較私密的鑑賞氛圍。位於中央的香氛區則以較明亮的色彩點亮空間，整個一樓藉由材質與色調的變化自然銜接，讓行走本身成為探索空間的一部分。

貨櫃化身橡木樓梯，把港口記憶藏進建築

若說全店哪項設計最直接連結高雄港，答案或許是串聯兩層空間的橡木樓梯，這座樓梯的靈感來自港口常見的「貨櫃」。

RDAI並未原樣複製貨櫃的金屬材質與工業色彩，而是抽取其量體概念，再以溫潤橡木重新詮釋。原本屬於碼頭與物流產業的城市日常，因此轉變為一項真正承擔空間機能的建築元素。這也是此次翻新中相當有趣的一筆，讓高雄港巧妙藏進人們每天上下樓時實際經過的動線裡。

將港灣風景拆解成顏色，讓一天的光線鋪在腳下

順著樓梯來到地下1樓，空間氣氛隨之轉換。這一層以海洋藍與大地色為主調，並加入天然礦物般的表面質感。女仕成衣與鞋履從入口一側展開，男仕世界則與居家及馬術系列依序延伸。

其中最具畫面感的設計，是一張量身訂製的漸層地毯，色彩從海洋色調逐步轉為夕陽橘、繡紅色，如同高雄港從白晝進入黃昏時，水面與天空隨日光改變的色階，人在空間中行走，也像跟著一天的光線，從冷色慢慢走向暖色。而天然礦物表面、柔軟地毯與家具彼此交錯，讓地下樓層在精緻之外，仍保有較原始、自然的質地。

從海岸岩石到抽象色彩，藝術作品延續自然線索

空間裡的意象也延伸至藝術作品的選擇，店內陳列Émile Hermès收藏與愛馬仕當代攝影典藏系列作品，皆由全球藝術總監Pierre-Alexis Dumas親自挑選，其中法國攝影藝術家Aurore Bagarry以鏡頭記錄英國康瓦爾海岸長年受到海水沖蝕的岩石。岩石表面的天然紋理，恰巧與店內磚牆、礦物材質產生呼應；哥倫比亞藝術家Francisce G. Pinzón的抽象畫作《Warm Grey 2》，則藉由色彩對比，補入不同於建築材料的觀看節奏……藝術品與材料、色彩以及自然景象共同構成店內氛圍。

從港口取材，重新描繪高雄

從外牆的磚、如潮汐的動線，到源自貨櫃的橡木樓梯，以及地下樓層從海洋藍走向夕陽橘的色彩，高雄港被拆解成許多細節，散落在空間之中。RDAI將港都熟悉的風貌景色、自然與光線轉譯成另一種語言，再與愛馬仕一貫的馬賽克、木作、家具及藝術收藏並置。此外，專為高雄店打造、限量6枚的Arceau Hermès Flagship琺瑯工藝限量腕錶，以及首度在台灣亮相的高爾夫球具，也成為此次漢神店重新開幕的熱議焦點。