想探究設計師葉忠宜如何與自己相處、把生活過得有滋有味，踏進他位於伊通街巷內的公寓二樓新居，從空間、植物到主人（還有貓咪）散發出的一派從容自在，彷彿隱隱說明了答案——讓思緒轉個彎，過上自己喜歡的日子，就能變成前進的動力。

要和葉忠宜聊他最近在忙什麼案子不難，設計工作幾乎是non-stop的他，絕對有滔滔不絕的話題可聊。但當把話題切換成如果工作遇到瓶頸的話，會怎麼讓自己重新充電再出發的時候，他突然頓了頓，一臉認真反問：「一般人說的『卡關』是怎樣？」（編輯心之俳句：就是現在這樣）葉忠宜打趣說，可能一直受到「靈感之神」的庇蔭，靈感總是聯翩而至，「以前跟人家聊（卡關）這件事，我反而都默默閉嘴。」對他來說，工作某種程度類似玩樂，「就好像你去到一個遊樂場，當然是要自己玩才有趣。」也因此，有別於大多數的創意工作者發展到後期會慢慢擴編，加入更多夥伴來處理案子內容，葉忠宜坦言自己很難、甚至也無法想像進入那個階段。直到目前他仍維持一人公司的狀態，只因為放不開執行過程中每個環節的角色，「我就會想說：這麼好玩的事情，怎麼可以交給別人！」

重要的是當下　想到什麼就去做

葉忠宜的玩心展現在生活的方方面面。好比他和字體設計師張軒豪合開的「重本書店Weight Books」於今年4月開張，從此多了一個書店主人身分。他形容自己有點強迫症，希望讓書店的一切都很到位，平時喜歡上網看貓咪影片舒壓的他，突發奇想覺得應該要有一隻貓，於是在井井有條的書店秩序裡多了隻不受控的店貓「本本」。他還特地找到和書店同天生日的貓咪，「想說以後慶祝比較方便。」

從老公寓特有的窄梯拾階走上書店2樓，這裡是葉忠宜的工作和起居空間。以前他曾經試著將工作室和住家分開，卻發現像自己這樣的創意工作者，要是睡到一半靈感來敲門，如果電腦不在身邊，反而困擾到不行，「趁著這次搬家，就想說是不是應該乾脆好好把工作跟生活合在一起。」

就像他和張軒豪在5分鐘內就決定租下1到3樓的整棟房子，葉忠宜自嘲自己隨時抱著「命不久矣」的心態，是想到什麼就先去做的人。「可能人生不同時期的經歷，都影響了我看待事情的方式和行為模式。」2018年媽媽過世，他驚覺人走了的那一刻起就什麼都結束了，縱然有再多「以後如何如何」，都成了空談。所以那時他做任何決定都很衝，「如果生命結束，我對未來的想像會直接歸零，不如好好規劃『近未來』的事情。」

每一次新嘗試　都來自日常的累積

作為設計師，葉忠宜有一份永不止息的好奇心，這也讓他的每一天跟「一成不變」絕緣。即使表面上看起來，是因為接二連三的案子必須得投入不同研究，但他早就在日子裡打開五感，敏銳地接收來自四面八方的資訊，只待時機一到，便能將這些知識化零為整，讓自己更快速地進入狀況。比如他為了嘗鮮報名紅茶課程，比如他因為喜歡設計所以經常瀏覽經典家具，一開始都是沒有目的性的。但是當開書店、設計新居的時候，過去涉獵的事物自然而然順勢派上用場，幫助他完成任務。他直言：「可是如果沒有經年累月的累積，好像很難說我可以一口氣把這件事情做到位。」

看葉忠宜做什麼都游刃有餘的樣子，忍不住（鬼打牆）追問他難道都沒有低潮的時刻嗎？他笑答有一套說服自己的信心喊話，「這麼小的事情就覺得難做，要是再大一點的案子怎麼處理得來？現在就很煩，未來不就煩到底？」在他身上，展現了「興趣可以當飯吃」的雙贏局面，每每挑戰出一個新的畫面，就有充電的感覺鼓舞他繼續往下走。有多喜歡工作？葉忠宜舉例自己最高紀錄可以一坐下來工作就黏在椅子上10多個小時，等到意識過來時，「才發現怎麼天黑（亮）了。」

境隨心轉　那些開書店教他的事

經營書店，意味著從平面走到立體，讓葉忠宜觀看事物有了不同以往的角度，「算是第一次從二維的想法跳到三維。」站上第一線與客人交手，他努力從「自己想像中的質感」和「消費者可以接受的想法」中間取得平衡，也學習到對他人有更多的傾聽，嘗試用最直球的方式讓對方理解自己。以他為臺北表演藝術中心操刀的開幕主視覺為例，提案時，他只用最簡單的圖形解釋設計概念：錯視（Optical illusion）網格源自建築的波浪牆，建築本身極具特色的巨大圓球，則以金屬酸性視覺（Acid Graphics）將之平面化解構，化成充滿未來科技感的幾何元素。「沒有任何文字說明，我現在所有的簡報都是走這個模式。」葉忠宜強調，長篇大論乍看頭頭是道，卻不能在第一時間說服客戶，唯有讓彼此的看法聚焦，才能快速建立共識，更利於後續執行。如果想法還是有衝突怎麼辦？「OK！那我們就換句話說，現在我超會換句話說。」

他一臉得意強調自己脾氣已經比以前好很多，歸功於開店後與奧客周旋的收穫，「一開始我也會很生氣、很挫折，但後來慢慢理解就是會有這樣的人存在。」如何調整心態，讓情緒不會因此受到太大起伏，又能委婉且堅定地踩穩自己的立場，是他最近在思考的另一件事。「不過我很喜歡看那種一星評價。有個怕貓的媽媽離開後給了一星評價，說我們放任小動物亂跑，很有趣的是在她下一則的五星評價就寫『有貓就給讚』，剛好並列在一起。」他話鋒一轉說起自己的觀察，總讓他對於一樣米養百樣人嘖嘖稱奇，「後來想說算了，會花錢的就是好客人。」最後逕自下了這個相當樂天的結論，很葉忠宜。

 葉忠宜的居家放鬆療程 

⭔ 電動

每隔一段時間，葉忠宜會讓自己沉浸在遊戲的世界，比起設計本業，他笑說打電動對他而言更像趕稿，「因為我打電動都喜歡玩很難的。」就像做設計考量的不僅是畫面構成，亦要斟酌人與人的互動，包含哪邊該刺激使用者的視覺、哪邊該休息，葉忠宜驚喜發現電玩遊戲也在做同樣的事情，精準拿捏與玩家的互動，讓他從中受益頗多。

⭔ 音樂

雖然工作和生活都在同一個平面空間進行，葉忠宜還是盡量為兩者劃開界線，只要是聽音樂、追劇和打電動，都在休憩區域進行，「就是完完全全、好好地軟爛。」特別是在好友格子的專業推坑下，入手音響界的夢幻逸品JBL音響，讓音樂不會只淪為背景樂，每到休息時間，剛好在音響前面多了一個聆聽的動作。

⭔ 泡茶、沖咖啡

為了逼自己離開椅子去做點工作以外的事，他花了各1年多的時間，先後報名了手沖咖啡和紅茶課程，「一般學員不是為了開店就是為了要考咖啡師證照，我說我只是要轉換心境，大家都覺得很不可思議。」所學的這些，也都在開了重本後適時導入店內使用。

葉忠宜

日本京都藝術大學研究所畢業。平面設計師，現為卵型oval-graphic 設計工作室負責人，同時也是藝文空間「森」及獨立設計書店「重本書店Weight Books」共同創辦人。曾統籌製作華文圈首本字體設計專業雜誌《Typography 字誌》，並策劃設計教育書系《Zeitgeist》。

文｜張雅琳

攝影｜KRIS KANG

更多精彩專題請見 La Vie 2023/1月號《日常充電術》

當運動遇上動態影像，皆以「動」為特質的兩者理當契合自如？操刀2020東京奧運競賽圖標動態設計的日本動態設計師井口皓太，道出用動態影像呈現運動主題的挑戰——正因為運動已是動態，怎麼用動態再創新意實為考驗。

2020東京奧運，井口皓太以競賽圖標的動態設計和閉幕式的球體無人機燈光秀演出漂亮的一役。在那之後，他陸續經手了諸多運動品牌、賽事的商業設計。串連起運動和動態設計兩者的關鍵字為何？井口皓太的回答是：「兩者都在追求極致。」

以動態設計呈現身體張力

長年與NIKE合作的他，對於運動品牌的設計、概念策劃並不陌生。但在擔綱了東京奧運競賽圖標的動態設計後，再次認識到「運動」和「動態設計」兩者之間高度的契合。此外，在做奧運競賽圖標動態設計時，他翻閱大量相關參考資料，對於運動選手們在挑戰肉體極限下所展現的優美姿態留下深刻印象。也因此在近年多數的作品中，他更特別意識著如何在其中表現身體力度。

他替日本籃球協會（JBA）所設計的系列視覺作品「JBA Beyond for FIBA 2023」便是十分貼切的案例。配合著打擊樂，日本籃球國手的定格剪影在一個個節拍下加疊成逐格動畫，加上同時出現在畫面上「強大的自信」、「壓力越大越過癮/對手越強越好」等令人熱血沸騰的標語，在短短15秒的廣告內，呈現簡潔卻充滿力道的視覺效果。

井口皓太說明，在著手動態廣告之前，先進行了平面海報的拍攝。看著收到的海報草案時，他決定延續海報中捕捉動態瞬間的意圖，便以底片顯影的概念再現了選手移動的每個瞬間，營造出剎那的臨場感。而與之對比的是上方充滿躍動感的文字，時而呈現汗水的揮灑，時而詮釋高速移動下的空氣流動。文字、影像與音樂合而為一，精準傳達了運動場上的緊張與激昂情。

不被囚禁於螢幕，整個空間都是動態設計體驗

然而井口皓太也強調，從事運動廣告設計時，聚焦於競技固然重要，但也必須考量到與周邊圖像素材間的平衡。「為了不要破壞設計的視覺呈現，解讀 圖像本身既有的『時間』與『空間』維度也十分重要。」

如經手2023年底在銀座甫開幕的NIKE概念店「NIKE GINZA」整體設計時，井口皓太首先碰到的難題便是如何轉化「銀座」的古典形象。他說明，由於作為主視覺的「銀座」兩字是非常傳統的日文漢字字體，品牌方最初擔心是否難以在文字設計上賦予運動的動態要素。

面對此一挑戰，井口皓太提案將「座」一字中的「人」抽出，任其在畫面上高速奔跑、自由變形，藉此在畫面中帶入空間維度與動態力度。在這檔設計案中，他不只負責主視覺設計概念，更參與店內、車站電子螢幕的陳設規劃。他強調，作為動態設計師，重要的是必須意識到影像動畫的播放方式和地點。並不只是在影像螢幕 的框架內思考，而必須將路過的行人、停下腳步觀看的觀眾加入作品整體的一環著手構思。

在日本首間喬丹品牌旗艦店「World of Flight Tokyo Shibuya」中，正完整體現了他對於空間營造的巧思。店面入口通往商場長達25公尺的長廊內，搭設了整面的電子螢幕。慢動作運球、上籃的選手剪影帶有些許「霧裡看花」之感，但在大面積色塊的渲染與聲光效果加乘之下，一步步推漲了人們進入店面前的期待感。

井口皓太說明，美國波特蘭的品牌方希望在設計中加入日本的元素，於是他以和式紙門為核心概念，用半透明的濾鏡進行拍攝，並以燈光營造出朦朧的光影之美。

運動設計是向選手致敬的過程

運動和動態設計兩者乍看之下十分契合，但井口皓太認為正好相反。「動態設計的有趣之處在於『讓靜止的東西動起來』，也可以說是『讓看起來不會動的東西動起來』，進而從中創造驚奇與發現。但因為運動是動態的行為，人們反而會先入為主地想要捕捉其靜止的瞬間。」但他也強調，該如何突破此一固有觀念，替觀眾帶來新的體驗，正是設計師的職責所在。

問及是否有其他曾留下深刻印象的運動設計，井口皓太介紹了已故設計師野田凪2001年的「NIKE Swim Campaign」系列作品。「雖然是靜止的圖像，但透過水面折射放大了模特兒的身體呈現，這樣的詮釋方式直到現在都還深深烙印在我腦海裡。」此外，NIKE在2010年為世界盃足球賽製作的影像廣告「Write the Future」也是他會定期觀看的作品之一。他說這部影片「不論是劇情轉折、笑點、快慢適中的剪輯與音樂選用，都堪稱十分完美。」

其實井口皓太到高中為止都是一名棒球少年，他說，作為一名捕手，捕捉眼前所有動態現象的觀察能力、由靜轉動的力學知識等，都對日後的設計工作產生許多幫助。在組織設計團隊CEKAI時、從事設計總監工作時，也不時會回想起過往在球隊的團隊合作生活。

「為了追求完美表現，運動選手們將身體機能發揮到極致，這點其實與設計工作相同。為了追求美學的巔峰，設計師得去計較每一釐米、調整每一個畫格的差異，反覆碰壁之下才終於找出最佳解答。因此，我想『運動是為了什麼而存在？又是為了什麼而需要追求極致？』這個提問，也可以從設計師們身上得到解答。」他說，自己有幸從事運動相關設計，也是在時時提醒著自己必須勤奮不懈地面對自身工作，才能毫無愧疚地透過創意為選手致上敬意。

井口皓太（Kota Iguchi）

動態設計師、創意總監。1984年生，以紐約、東京兩地為據點從事設計活動。擔任總監的大型戶外裸視3D廣告「NIKE Air Max Day 2022」獲得高度討論與關注，亦以東京奧運競賽圖標的動態設計師而為人所知。聚焦於動態設計領域，作品獲得國內外多數獎項肯定。

^{文｜廖怡鈞
圖片提供｜井口皓太}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/7月號《運動的設計進行式》

Apple為最新力作iPad Pro推出的廣告影片〈Crush!〉，在歐美世界引發巨大爭議，許多知名演員、導演、作家等藝文界人士轉發庫克（Tim Cook）推文大力批評，不少Apple的科技同業也給出負面評價；最後，Apple發出道歉聲明：「很抱歉，我們的廣告並沒有達到預期的目標。」究竟這短短一分多鐘的影片為何引戰，甚至被認為是科技吞噬創意的縮影？

史上最強也最薄的iPad誕生

讓我們把時間倒轉回5月7日。當天Apple在倫敦近年最火紅的地標——巴特西發電站（Battersea Power Station），舉辦了創立以來第一場英國發表會，會上最大焦點非iPad Pro莫屬，它除了有超薄的5.1mm機身，更搭載全新M4晶片讓創作者能與AI高效協作。新品引人讚嘆的同時，Apple同天發布的新廣告〈Crush!｜iPad Pro〉卻引爆網路社群上的噓聲。

巨大液壓機粉碎創作工具

長約一分鐘的〈Crush!〉，襯著愜意樂曲，上演一台巨大液壓機將樂器、油漆罐、老式遊戲機檯、雕塑、模特人檯、數位相機……通通壓碎的情景，等到機器再次升起時，一臺iPad Pro現身，旁白說道：「史上最強大的iPad，同時也是最薄的。」（The most powerful iPad ever is also the thinnest.）

如果看過Apple以往的廣告，會明白詼諧、幽默是其中鮮明的個性，但〈Crush!〉的寫意在許多人眼裡卻是種殘忍，彷彿宣告著人類的創意、以及成就這些創意的生產工具（如油漆、樂器等），都將被機器與科技摧毀後取代。

觀眾怎麼說？

看過這則廣告的英國知名演員休葛蘭（Hugh Grant）說：「人類經驗（human experience）的毀滅，感謝矽谷。」；曾執導Amy Winehouse傳記電影《Amy》（2015）的知名紀錄片導演Asif Kapadia，則表示自己喜歡iPad，但不懂為何有人認為這影片是個好點子，「它誠實地暗喻了科技公司對藝術家、音樂家、作家、製片人們做的事：擠壓、利用他們，卻不給合理的報酬，奪走一切然後說這一切都是由自己創造的。」

把視線望向Apple在矽谷的「盟軍」，也就是Asif Kapadia口中的科技界人士，幾位有影響力的公司高層也跳出來批評，像是Airbnb、Reddit、Dropbox等知名公司幕後資助者Y Combinator創辦人Paul Graham就寫下：「賈伯斯（Steve Jobs）絕對不會發布這支廣告。」暗諷品牌現任掌舵者。

問題出在哪？時代背景、廣告策略或Apple的身份？

在影音爆炸、甚至是氾濫的年代，社群河道上不乏科技取代人腦的惡趣味內容，為什麼〈Crush!〉觸怒那麼多人？身在人類有史以來最接近科技奇點的社會，在人工智慧（AI）有可能取代人力與人腦的文明轉捩點，〈Crush!〉在部分觀眾眼裡形成一股惡意——畫面中那台液壓機粉碎的不只工具，更是人類的創意與靈魂，而這些都將被科技機器取代；更何況發布這則廣告的是Apple，當今全世界科技界的龍頭之一。

不過，Apple為〈Crush!〉設定的廣告策略，真的含有惡的成分嗎？每則故事在每個人眼裡會看出不同寓意，而《Business Insider》資深科技與文化線記者Katie Notopoulos在一片罵聲之中，提出了有意思的觀點。她肯定觀眾對大公司廣告提出批判的閱聽意識，卻也直言：「這則廣告的目的很明顯是要炫耀新的iPad非常薄，還可以把一大堆應用程式打包在裡頭。」

看到這裡，我們不妨換個角度看〈Crush!〉——那些被液壓機粉碎的物件與工具（視覺上）確實被摧毀，但「毀滅」後卻也獲得了「新生」，並融入iPad之中，就如Katie Notopoulos所寫：「iPad不是要取代鋼琴，它是一台擁有GarageBand（音樂創作軟體）的平板電腦；也沒要取代繪畫，而是擁有平面設計App的工具。」

換句話說，iPad讓樂器、畫筆等創作工具換了個形式，被裝入一個更輕便的載體；而〈Crush!〉想表達iPad提供了有別於傳統的創作選擇，並透過科技的力量將數種工具的功能打包於超薄機身，目的是讓創作更有效率，而非消滅既有的工具。

只可惜，「這支廣告概念本身太無聊、也太淺顯。」Katie Notopoulos認為Apple這次傳達故事的手法太過「簡單暴力」，導致本意模糊，才是觸動藝文界人士神經的根本原因。另外也有網友表示，這支廣告直接得罪（offend）了iPad一大批核心用戶——這番話並不無道理，畢竟許多設計師、插畫家、藝術家、音樂人等，都以iPad作為第二（電腦以外）、甚至是主要的創作工具。

Apple這麼說

那Apple想透過〈Crush!〉傳達的訊息究竟是什麼？說來有點諷刺，我們可以從官方道歉聲明中知道：「創造力是Apple的DNA，我們設計的產品能為全世界的創作者賦能，對我們來說非常重要。我們的目標始終是讓使用者能透過各種方式表達自己，並透過iPad將想法化為現實。很抱歉，廣告並沒有達到預期的目標。」

爭議背後躁動的焦慮——我們真的會被機器取代嗎？

〈Crush!〉反射出科技與藝術、音樂、設計等創意領域的矛盾關係，甚至是機器與人類的對立，背後躁動的是人類擔心被機器替代的焦慮。近年許多爭議都是因此而起，在ChatGPT能快速整理資料、寫短文；midjourney能算出極其精緻的圖像；以及各種AI工具盛行的時代，引發各界工作模式的轉變，比如設計與藝術競賽順應時勢將AI作品納入評選，同時評估判斷人類、AI創作的標準；各領域工作者重新思考創作的意義，並試圖找尋與科技協作的方法。

未來AI會發展到何種境界，可以預見但難以斷言，〈Crush!〉爭議給了我們反思與科技之間依存關係的機會，也意外揭露了許多人仍用力擁抱人類思維的詩意、手工創作的價值，這是AI難以取代的（至少目前如此）。

最後，來看導演Reza Sixo Safai在X上分享的〈Crush!〉改編版本，他將腳本的情節順序調換，讓液壓機壓碎iPad Pro後，化為樂器、雕塑、遊戲機、顏料等創作工具；還特別把背景音樂換成Sonny & Cher在1965年發表的歌曲〈I Got You Babe〉，其中意涵不妨配著歌詞細細品味。

不抱著偏見與預設立場第一次看〈Crush!〉、看過評論家的觀點後回看，再看Reza Sixo Safai的改編版本，想必會有不同的感觸與想法。面對科技融入工作與生活，每個人有各自的操作守則，期待我們都能找到屬於自己的準則。

資料來源｜Business Insider、Variety、CNN