若沒聽過嘉義永昌行，那我們的成長經驗裡或多或少都有一罐妞妞甜八寶解救嘴饞時刻，此款懷舊甜品初期的大麥、薏仁跟紅豆便是由永昌行提供原物料。

這間近百年歷史的堅果雜糧專賣店，最初由董再福先生透過養蜂與烘焙龍眼的生意起家，第四代曾孫董耀鴻近期復刻永昌養蜂場的商品標籤，上頭3667四個電話號碼標記著這間店的年代起點。為了拓展生意，曾祖父向當時經營五穀雜糧生意的鄰家批發部分花生販售，成為家族事業的轉折，以永遠昌盛「永昌行」為名，傳承三代的原物料供應商經驗堆疊，永昌行成為嘉義地區名副其實的老店。

繁忙的業務貿易，雖然孕育出百種銷售品項，也讓家族成員對於亂無章法的陳列方式越來越頭疼，彷彿是歲月的息肉，雖然無害但總是宣告存在，還是學生身份的第四代董耀鴻決定對店面進行整容手術，利用課餘時間動手撰寫企畫案，申請官方的店家形象再造的補助金，與肯默整合設計聯手改造。

微不足道的關鍵細節，讓客人能明確找到商品

老一輩的嘉義人，提到火車站前的中山路和中正路會以大通和二通稱之，這兩條可謂嘉義城市發展的任督二脈。回溯日治時期，大通主要是日本人和臺籍的達官顯要活動的區域；二通依序清朝的買賣脈絡演變，本來就有許多臺灣人會從西門外的牛墟尾一路進城至市街採購，是彰顯臺灣人庶民生活的關鍵地帶。

體恤步行進城的客人，第一代董再福先生都會在店內擺放茶飲，依照季節變化麥仔茶或是蜂蜜龍眼茶。為了保留永昌行的奉茶精神，董耀鴻在收銀區旁增設泡茶區，在寒冬中供應黑糖薑母茶給來客，也讓地方長輩等取貨物包裝時可以暫坐歇息。

商品陳列是老店改造的重頭戲。要從生產原物料的製造商，走到優化店面服務，第四代董耀鴻坦言費盡脣舌之力：「看過繁多商圈轉型案例，有些為了商圈一致性，老店裝潢過頭反而失去以往的特色，覺得有點可惜。因此當我面對設計公司的商業考量和永昌行九十個年頭的進程時，需要花費大量時間與設計團隊溝通，也得讓家人明白為何而做？變化的細節原因是什麼？每一個決定都很慎重。」

抹除過往貨品似乎都一袋袋放在地上承裝的雜亂感，永昌行的空間配置先以展覽的主題分類作為思考方向，開始規劃商品陳列專區、以透氣的竹簍替代過往塑膠桶裝的散裝穀物區，將瓶裝的油品醬料集中，以及主動拿自烘堅果給客人試吃品嚐。雖然都是很瑣碎的事務，但終於不用再往來梭巡檯面找尋需要的物品，而是讓顧客很直覺地走向商品的所在區域。

比起絢麗但不符合家族脈絡的燈具，董耀鴻連燈具都有自己的想法。過去的永昌行僅靠著一組雙管日光燈照明全店；現在則是安裝聚光燈和日本時代的經典牛奶燈，讓光線能依著或高或低的軌道途徑，撫摸架上陳列的暢銷商品，期許繼續照亮事業前程。

很多熟客走進店裡都能感受其中的改變卻又不感到陌生，甚至回饋：「過往會有種囤積東西的怪味，現在都不見了！整體更明亮乾淨！」

強調物件的真實性，一間從土地長出來的老店

仔細環顧永昌行四周，會發現這裡根本是隱藏版的器物博物館。走道的櫥櫃兩旁，可以看到昔日的木桿秤作為吊掛竹簍籃的骨架，這裡的竹簍籃是購物籃的復刻使用。比較顯性的文化流傳，是檯面上陳列不同年代的測量工具或是生活器物，像是米斗、界尺、等臂式天秤、布袋鈎和布袋針等早期的生意工具。

米斗是早年衡量米穀的器具，有分為方形米斗和圓形米斗，臺灣總督府於1906年頒佈《臺灣度量衡規則》，規定須由官方進行度衡量器製作、修復和販售，上頭也會有官印的戳記。依據永昌行店內米斗的度量衡符號大致能分為大正時期的台灣高田製，抑或日治中後期常見的官製米斗。

米斗承載著不僅是童叟無欺的商業良心，還有一個家族時代的縮影。例如與米斗相輔相成的還有界尺，只要在米斗裡承裝穀物，便可用界尺撫平表面，讓客人得到對應的數量；而圓形米斗往往與家庭的婚喪喜慶相關，董耀鴻分享：「先前一直知道我家有方形米斗，到處問哪裡可以找到圓形米斗？直到爸爸有天於心不忍終於把家裡的圓形米斗拿出來，我才知道原來當長輩過世時，牌位得放在裡面。」

第四代董耀鴻如同家族偵探，從家族老照片、官方文件、建築藍曬圖到歷史器物皆仔細保存爬梳，很多過往存放在居家空間的物品，現全成為永昌行的歷史證物，讓新一輩的民眾前來添購的同時，一併拎走滿袋故事。

董耀鴻堅定地說：「永昌行需要的空間轉譯是文化感，不是文青感。」在不過度打擾永昌行的正常營運下，他盡可能讓永昌行越來越接近心中的理想模樣，讓家族史在店裡紮得更深更穩固：「這間從二通長出來的老店，我還有很多想做的事情，但現階段的空間釐清是目前能給出的最好方案。」

永昌行

地址：嘉義市東區中正路382號

營業時間：08:00–21:00，週日公休

台北中山區向來是適合散策的街區之一，巷弄裡咖啡館、選物店與小型藝文空間交錯，總是能輕易讓人在不經意的轉角間找到屬於自己的療癒小角落。

在節奏快速的城市裡，替自己在休息日裡安排一趟出走，有時只是放慢腳步走逛、漫無目的地在城市穿梭，卻總能讓心情在日常風景裡重新變得柔軟。來自韓國首爾的文創選物品牌 object 去年進駐台北後，於中山開設的 object taipei store，正是一處適合在休日慢慢逛、慢慢挑選的小店，集結多位韓國人氣插畫創作者與角色小物，讓獨處的每個靈魂都能被溫柔陪伴。

當創作者與日常生活相遇

創立於 2013 年的 object，長年致力於打造讓創作者被看見的平台。透過策展式選品、內容製作與展覽企劃，object 在韓國文創圈建立起獨特的文化定位，透過使用、搭配與再創作，參與作品的延伸，並逐漸形成一種「消費者共創」的創作生態。

2025 年 object 首度在台北設立常設據點，除了展示多位韓國創作者的作品，也讓台灣觀眾能第一時間接觸韓國文創潮流。店內空間明亮而簡潔，從角色吊飾、布織配件到生活小物，每一件作品都像是一段小小故事。object 相信，每件設計都是創作者投注心力的成果，而當人們在選購與使用的過程中理解這些創作背景，日常物件便不只是商品，而是與創作者建立連結的媒介。

用不同的 IP 角色陪伴你的休息日

走進 object taipei store（中山），像是在閱讀不同創作者的情緒日記，眾多韓國創作品牌中，最具人氣的熱賣商品NO FACE，讓消費者以各自的想像力，構築出獨特的角色宇宙；崔高興娃娃、Naive Garden吊飾及hozumi娃娃吊飾，則以不同角色為媒介，回應與陪伴日常生活片刻。挑選適合自己的娃娃小物，逐漸成為現代人表達生活情感的鏡像，過程也是一種獨處安靜而溫柔的儀式。

pyobyobyo 的靈感來自海邊散步時聽見的海浪聲，「표뵤뵤」這個輕盈的擬聲詞，成為品牌名稱，也象徵創作者希望保留那一瞬間的平靜感，品牌的創作核心圍繞「外出」與「生活重量」，希望人們在日復一日的通勤與移動之中，也能像散步般輕鬆。

在製作方式上，pyobyobyo 多以手工製作為主，從設計、製作到完成，創作者能親自參與每一個細節；在這樣的創作脈絡之下，pyobyobyo最讓人熟知的商品NO FACE 誕生了！不指向任何特定情緒、身份或表情，而是刻意保留空白，NO FACE 是一個沒有五官的角色，讓觀看的人可以投射自己的狀態與心情。透過不同的 wappen、配件與商品形式，每個人都能打造屬於自己的 NO FACE，成為一個可以被自由理解、自由使用的存在，也能自然地融入每個創作者的生活，成為安靜的陪伴。

相較之下，崔高興則以更直接的方式回應情緒。品牌名稱源自韓文「苦心」，創作者將煩惱與思考轉化為帶著幽默感的插畫語言。角色們表情簡單、動作直率，搭配看似直白卻一語道破的文字，像是在替人把心裡的 OS 說出來。那些不一定勵志、卻非常真實的句子，正因貼近生活而令人會心一笑。店內的小動物吊飾同樣可以自由搭配布章與文字，讓每個人依照當下的心情拼貼出屬於自己的角色。

Naive Garden 由兩位韓國創作者共同成立，品牌從生活觀察與好奇心出發，創造出一系列奇想角色。在這個世界裡，沒有嚴肅規則：章魚燒可以變成奇異鳥，甜甜圈與鴨嘴獸也能同時出現在吊飾上。看似荒誕的組合，卻因為精細的手作質感與幽默設計而顯得格外療癒。其中引發社群討論的「章魚燒奇異鳥吊飾」，更成為不少收藏者必收的小物。

hozumi 的創作則回到更日常的情感。品牌名稱源自韓文「口袋」，象徵那些被隨身攜帶的小東西——或許不大，卻總是陪伴著人。由插畫家與布料設計師共同創立的 hozumi，將角色插畫與布料工藝結合，創造出柔軟而溫暖的作品。品牌代表角色 Sayho 沒有過於鮮明的設定，而是保留模糊空間，讓使用者在長時間的陪伴中慢慢賦予它意義。可自由搭配布章的娃娃吊飾，也讓每件作品都能延伸出不同故事。

在城市裡找到一段屬於自己的慢時間

在 object Taipei store，挑選一件小物往往不只是購物，而是一段慢慢觀察與感受生活的過程，當人們在角色之間猶豫、在吊飾與布章之間搭配時，也在思考自己當下的心情與生活節奏。未來 object 將持續與韓國、台灣創作者合作，showroom店也將跟著當期創作者內容進行快閃，不同文化與創作語言的碰撞，讓一間選物店更像是一個持續生成靈感的小型創作場域。

或許，一個人的休日並不需要太多計畫——在巷弄裡散步，隨意走進一間充滿角色與故事的小店，為自己挑選一個剛好能陪伴當下心情的小物，那樣獨處的午後，就已足夠療癒身心。

位於阿里山森林遊樂區的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」兩處主題展館正式啟用，原「臺灣一葉蘭生態故事館」與「阿里山山椒魚故事館」歷經10年常設展退場後，透過全新策展內容與展示設計，從林業歷史、山林文化到文學藝術，帶領遊客重新認識阿里山在人與自然關係中的多重面貌。

歷經兩年規劃的「森記・事 Forest Era｜林業故事館」與「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」，由農業部林業及自然保育署嘉義分署委託宜東文化創意有限公司攜手工二建築團隊擔任主創設計。本次展示空間的更新核心思考並非單純翻新展館，而是結合內容，並透過空間語彙「錨定歷史現場」，讓建築本身成為承載林業記憶的構築體。

走進林業故事館，重現百年林業現場

林業故事館的設計，從入口便建立歷史的時間感。橫陳於館前的原木保留樹皮與自然質地，堆置方式模擬林場中剛伐下木材的樣態。透過隱藏式金屬支撐架，使木材懸空通風保存，在粗獷外觀之下維持結構精準。

進入第一展區，展示板以鋼索與金屬構件懸吊於空間之中。呼應百年來阿里山林業所依賴的運材索道與鐵道系統，而其鋼索同時也象徵工業力量與技術革新，木板則承載歷史文本與圖像資料。觀者在鋼索線條所引導的動線中移動，彷彿沿著運材軌跡回望林業發展的脈絡。

第二展區則轉為厚實的木構量體。以積材與堆疊手法建構包覆式空間，選用不同材種形成紋理差異，使觀者進入一個被木材環繞的場域，藉由空間呼應內容，強調森林作為資源與生態系統的基礎結構，亦以空間的重量感，對應林業制度與森林管理的長期累積。

在最終的第三展區，巨大的倒木成為核心裝置，金屬展示平台從原木本體延伸而出。象徵木材從自然資源轉化為現代器物的過程。金屬的冷冽線條與原木的有機形態形成對比，卻在結構上彼此依存，回應展覽所談及的國產材應用與當代木構設計發展。空間語彙與展示內容在此交會，構成產業轉型的隱喻。

步入山野創作館，讓山林開啟文學與藝術對話

相較於林業故事館著重產業與制度的歷史梳理，山野創作館則聚焦於文化層面的回應。空間設計靈感來自森林中的「樹冠羞避(Crown Shyness)」現象，樹木之間彼此保留距離，卻共同形成林冠層。設計團隊以不規則牆面與錯動構面轉化此自然秩序，使展場打破傳統方盒式展示格局。動線在開闊與收束之間變化，觀者在轉折中逐步閱讀作品，觀看方式因空間而改變。

在此展示場域中，鄒族戰祭（Mayasvi）中的歷史頌與青年頌錄音於空間內播放，聲音隨著牆面轉折流動，使族群記憶成為空間的一部分；青年攝影師黃煌智、林軒朗以紀實影像記錄祭儀傳承的當代樣貌，將族群文化置於現實生活的脈絡之中。藝術家王妤璇以粟女神神話為靈感的繪畫，被置於錯動的構面之間，讓神話敘事與當代視覺語彙並存。

藝術家HOM徐至宏以陶藝回應高一生〈杜鵑山〉的創作精神，使歷史文本透過材料轉化延續。詩人吳晟〈樹靈塔——阿里山上〉的詩作亦納入展示動線，其子吳志寧改編的音樂作品融入木作樂器與弦樂編制，於展場中播放。透過文學與音樂的轉化，喚起觀者對自然的傾聽與省思。

本次兩館的重新規劃與開放，嘗試將空間與其語彙從「展示容器」轉化為「敘事工具」。林業故事館透過金屬構件、積材構築與材質對比，使林業產業的制度與技術發展被具體化；山野創作館則以流動動線與聲音設計，讓族群記憶與當代創作在空間中交會。在阿里山這樣一處同時承載自然景觀與產業歷史的場域中，兩館的完成，使林業從單一產業記憶延伸至文化層次，也讓空間本身成為理解山林歷史的媒介。

「森記・事 Forest Era｜林業故事館」、「山記・畫 A-lí-shan｜山野創作館」
展覽日期｜2026 年 3月 3 日起 
展覽地點｜阿里山森林遊樂區內 

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_{資料提供｜宜東文化、文字整理｜Adela Cheng}