專訪《媽的多重宇宙》海報藝術家James Jean！從台裔美籍文化身份與美學養成開創視覺宇宙

《媽的多重宇宙》以11 項入圍強勢問鼎奧斯卡，看過這部片的人，一定會記得由James Jean 創作的海報，以上下顛倒的兩個楊紫瓊為中心，傳達這個瘋狂穿越時空與人格、擺脫邏輯框架的故事。La Vie 專訪到這位台裔美籍藝術家，探索他如何在多重的文化身份與美學養成裡，開展屬於自己的視覺宇宙。

「我去過台灣好幾次，各種氣味、濕度和食物，都喚醒了童年的深層記憶。我也特別喜歡台灣的早餐。」談起台灣，James Jean用了「深層記憶」，因為他3歲就移民美國。

「老實說，我有一個孤獨的童年。」他成長於紐澤西州，那裡非常安靜，他在春夏季修剪草坪，秋天觀察樹葉變色，到了冬天就在車道上鏟雪。「當地沒有太多亞洲人，我總覺得自己像個局外人。」他的爸爸口音很重，別人都聽不懂他在說什麼；理髮師是義大利人，不知道怎麼剪亞洲人的頭髮，導致他一頭毛燥；和同學吃的美國食物相比，他們家的食物有濃烈氣味；戴著眼鏡的他，常被操場上的籃球和足球砸到，鼻托塌陷、支架扭曲而引發頭痛。

這份局外人的孤寂，引領他逃逸到藝術時空。「作為一個內向者，我透過獨處和專注創作來獲得能量。旅行途中或需要接觸外在世界時，也經常在安靜的時刻獲得靈感，喜歡觀察人與環境的碰撞。社交會消耗時間和精神，但因為藝術，我好像可以逃到另一個時間線，沒有任何世俗顧慮。」他從小就用畫畫打發時間，著迷於故事藉由紙上線條和塗鴉展開。但他接觸的盡是美國卡通和漫畫，直到就讀紐約視覺藝術學院（The School of Visual Arts）前，對藝術史一無所知。他形容大學時期就像「壓力鍋」，短時間內吸收不同老師的繪畫技巧。

不過說到影響最大的藝術家，他指向了從義大利前往中國、於清朝宮廷擔任畫師的郎世寧（Giuseppe Castiglione）。「20歲去台灣時，在故宮博物院第一次看到郎世寧的畫作，繪畫技巧和方式十分特別，卻帶有傳統韻味，我立刻就被震懾。他的渲染技法非常誘人，我好想知道這種不尋常的衝突風格是如何形成。」不斷吸納各種繪畫風格的他，卻在大學畢業後發現，「必須努力忘記所學的一切，才能找到對自我經歷的真實靈感來源。所以我的作品內容是『有意識地忘記、放手』與『潛意識的記憶』之間的掙扎。」

創作的決心，從商業插畫到繪畫藝術

James Jean在創作職涯的出道是華麗的，2001年於紐約視覺藝術學院畢業後，即刻接獲美國漫畫巨頭DC（Detective Comics）、漫威（Marvel Comics）邀約繪製漫畫封面，更在2004∼2008年間，一連斬獲7項有「漫畫界奧斯卡」之稱的「艾斯納獎」（Eisner Awards），至今仍是獲獎最多的藝術家。2007∼2008年Prada也找上門，邀請他創作壁畫裝置、織品印花和動畫電影。

但就在2008年與Prada合作結束後，他決定全心投入繪畫創作，「繪畫是我一直想做全職的事情，但從2001年開始不得不以插畫家為生，也許我也讓自己成為了個人成功的犧牲品。」但商業插畫並非一味輸出，隨著現今創作案規模漸增、需要越來越多人參與時，他在這段時期養成的創作管理專業習慣，幫助就越漸明顯。而在創意上，不論作品是商業案與否，他都以同樣的方式面對創作，因為目標都是滿足興趣與靈感。「但我發現當我不需要考慮目標群眾是否感興趣時，會做出最好的作品，創作之美在於意想不到的結果。」

《媽的多重宇宙》海報創作幕後與彩蛋

他的創作以繪畫為主，也涵蓋雕塑、裝置、影像等，2017年更跨足影壇，為《水底情深》、《銀翼殺手2049》、《母親！》繪製電影海報；今年奧斯卡入圍作品《吉勒摩．戴托羅之皮諾丘》、《我的鯨魚老爸》、《媽的多重宇宙》，海報也出自他手。他分享了《媽的多重宇宙》海報創作過程，他先看過電影初剪，也拿到數百張製作幕後和道具照片，「這部電影真的很瘋狂、完全打破秩序，楊紫瓊扮演了一個非常多面向的角色，能夠以各種方式表達自己。」

他挑選片中的關鍵時刻和畫面畫出草圖，接獲編導關家永（Daniel Kwan）、丹尼爾．舒奈特（Daniel Scheinert）與製作公司A24批准後，開始在iPad作畫。「這幅畫太大了，我不得不把它分成兩半繪製，才能確保圖檔的高解析度。線條完成後放到Photoshop上色，這個過程非常艱難，因為圖像細節非常多且繁複。我還希望海報即便顛倒也能成立，因此海報中可以看見兩個非常完整的楊紫瓊，一個她正在追尋和疑惑，另一個她是顛倒的，已經達到接受、領悟的狀態。」

「作為一位亞裔美國人，我深深認同這部電影，所以盡可能忠於電影精神。」他希望海報看起來就像西斯汀禮拜堂的天花板，讓觀眾沉浸在圖像中觀看宇宙大爆炸。「其實海報藏有一個沒有人注意到的彩蛋。」他透露，在飾演楊紫瓊爸爸的吳漢章（James Hong）的輪椅上有個計算機，上面的數字是「101010」，在二進位算法等於「42」，而42就是在道格拉斯．亞當斯（Douglas Adams）的科幻小說《銀河便車指南》（The Hitchhiker'sGuide to the Galaxy）裡，關於生命、宇宙和一切問題的答案（the Answer to the Ultimate Question of Life, the Universe and Everything）。這部小說出版於1979年，即是James Jean出生的那一年，他也在青少年時期讀過這本書。

漂流在亞洲與美洲之間的墜落男孩

而他從2019年開始創作的《衍生》（Descendent）系列，亦是標誌性的作品之一。當年他受邀於韓國首爾樂天美術館（Lotte Museum of Art）舉辦回顧展《Eternal Journey》，這間美術館位於樂天世界塔（Lotte World Tower），極端高聳的建築令他想起童話故事《傑克與魔豆》，可憐的傑克騎著神奇豌豆莖攀上天空，偷走巨人寶物後擺脫貧困。於是他創作出了《Descendent》裡從天而降的「墜落男孩」，「只要還在做夢，他就是安全的，他被巨大花瓣包覆和鼓舞穿越大氣層，沒有地面，只有用想像投射出的無盡天空。但如果醒來，他將迅速墜入地面，直面現實。他在永恆夢境中漂流，對亞洲來說不夠亞洲，對美國來說也不夠美國，只是漂浮在兩者之間的文化棄兒。」

有趣的是，「Descendent」和「Descendant」（後裔）同音，James Jean說，許多朋友都表示聯想到了他的兒子，且在兒子出生前，自己就開始在畫他了，「因此《Descendent》存在於我創造的時空，不同時空間隔著多孔牆面可以相互穿越。我很快也會穿越到《Descendent》所在的時空，兒子將取代我存在於現實世界。」

這樣顛倒人物的創作，他提及了德國藝術家傑奧格．巴塞利茲（Georg Baselitz），其一系列顛倒畫作旨在減少或破壞比喻性的解讀，而James Jean在《Descendent》作畫過程中，也總有一個階段，會用張狂的筆法把圖像破壞掉，再努力把圖像從邊緣拉回。而《Descendent》系列不只有多種繪畫版本，他也延伸出了雕塑、動畫等媒材。他解釋，「不同媒材創造了用不同方式探索結構和敘事的新機會。動畫的重點在於漂浮，概念是不被束縛在任何特定位置。如果作為雕塑，角色往下墜落必須符合引力，所以我將雕塑放在一面鏡子上來延伸敘事—下墜的自我與上升的自我在沉思的地平線上相遇。」

從商業插畫轉向藝術創作，James Jean現今已在IG坐擁破百萬追蹤，並於紐約、洛杉磯、東京、首爾等地舉辦展覽，山本耀司、BTS防彈少年團等都邀約合作。不禁好奇他是否已成為最初夢想的藝術家？「我的目標始終是獲得自由，但那是一種幻覺，我是工作的奴隸。我仍然對我的繪畫不滿意，但我希望繼續進化，創作出真正超凡的作品。」藝術能打動人心，或許就在於藝術家這份直面自我的誠實。

James Jean

1979年出生於台灣，3歲移民美國，現居洛杉磯。跨領域視覺藝術家，創作領域以繪畫為主，也涵蓋雕塑、裝置、影像等。透過敘事驅動想像與現實間的探索，美學與技巧融合巴洛克繪畫、中國卷軸畫、日本木版畫等。曾於紐約Tilton Gallery、東京Kaikai Kiki Gallery等藝廊舉辦個展。2019年於首爾Lotte Museum of Art舉辦大型回顧展《Eternal Journey》。2022∼2023年於中國展開巡迴展《Eternal Spiral 》。IG：jamesjeanart

_{文｜張以潔
攝影｜Eric Nakamura、GA Studio、關里
圖片提供｜James Jean}

看書，不再像過去那樣理所當然嗎？作為草率季創辦人，黃偉倫（Frank）隱身於修車廠 2 樓的工作室亦像一座由書與圖像堆疊而成的小型地景，在這裡，閱讀成為逃離現實的通道、感知世界的方法，及靈感悄悄發生的方式。

➣本文選自La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》，更多精彩內容請點此

「我覺得閱讀是很好的逃脫。」黃偉倫這樣說。很多時候，翻開一本書只是隨手翻閱，但也正是在那樣看似無目的的過程裡，思緒開始偏移，眼前世界的輪廓也悄悄改變。對他而言，閱讀最迷人的地方，正是能讓人從當下所處的位置，瞬間抵達另一個維度，像是為意識打開通往別處的通道。

移動感知，長出聯想力！

在沒有網路的年代，百科全書與圖書館成為他探索世界的入口。從奇聞軼事、怪奇生物，到探險故事與流行文化，閱讀最初是由一種純粹的好奇驅動。隨著成長，他逐漸轉向音樂、時尚與藝術雜誌，那些帶有強烈視覺語言與編輯觀點的刊物，成為他審美與思考方式的養成場域，讓一個青少年逐漸意識到，原來一個主題可以被這樣展開，同個世界也能以另一種方式被觀看，並被濃縮在有限的頁面之中。

紙本與數位：「系統」和「斷裂」的對比

與此同時，黃偉倫並不排斥新的媒介形式。他笑說自己平時也很常滑短影音，經常會和兒子互傳迷因梗圖，對數位媒介帶來的刺激與娛樂，他並不陌生。但即便如此，在他心中，書作為一種媒介，仍有一種完整而強烈的存在感。

他認為，網路資訊像是高度精準的工具，可以快速回應問題，提供大量且即時的答案；而書則是一個被完整建構的世界，承載著作者與編輯的觀點、時間感與文化脈絡，都共同構成一套有機的系統。讀者進入的不是孤立的訊息，而是已被編排過的思考系統之中。

尤其對藝術書而言，形式與內容幾乎密不可分。「紙張的厚薄、翻頁的阻力、圖片呈現的比例，乃至光線穿透紙面的層次，翻閱的方式本身，就是內容的一部分。」也因此，比起「讀到什麼」，「怎麼讀到」同樣重要，這種由媒介本身帶來的身體感與時間感，使紙本閱讀成為難以被完全複製的經驗。

容錯使閱讀迷人

黃偉倫特別著迷於那些切角奇特的雜誌與出版物，往往從一件看似平凡的物件出發，卻能一路牽引出歷史、文化、日常生活與社會關係的多重層次。這種編輯方法並不追求單一路徑，也不急著導向某個標準答案，而是讓同一件事產生複數意義。對他來說，這樣的閱讀才真正具有感染力，因為它打開的不是答案，而是聯想本身。

「在閱讀與搜尋的過程裡，偏離原本的目的地，往往不是錯誤，反而可能是最好玩的部分。」他比喻為一場沿途可能誤入歧途的旅行，你原本是為了某個主題翻開一本書，卻可能在一頁看似無關的內容裡，意外撞見另一條更值得追索的路。

書架，思考的地景

走進黃偉倫的工作空間，很難忽視書的存在。書不僅占據牆面，也蔓延至地面，堆疊成各種臨時的結構，它們成為空間的一部分，一種持續變動的地景。自述很偏重圖像思考的記憶方式，黃偉倫的書籍分類法顯得格外奔放，不按建築、藝術、地區或年分來整理，而是簡單分成兩大區塊：一類是靈感來源，一類是工具性的資料書。書架因此不只是收納系統，更像是他思考方式的外部延伸。

至於選書的直覺呢？「像在撿石頭一樣～」談到收藏書籍的方式，黃偉倫的答案出乎意料地感性。他沒有明確標準可遵循，而是憑直覺判斷一本書的「氣場」。這種感受難以言說，卻像是拾起一顆石頭時的重量與觸感，讓人瞬間判斷是否值得帶回。有時候，一本書會在多年後才被真正閱讀；有時候，他甚至會重複購買同一本書，只因再次被它吸引。書在空間中靜置，也在時間中發酵。

偏離目的地，接近「創造」本身

草率季讓人們穿梭其中自由遊走、任意發現，黃偉倫理想的閱讀方式，亦是允許人在其中迷路、停下、折返，並在過程中與某個尚未預期的內容相遇。而這樣的閱讀觀，也將進一步化為更具體的空間實踐。今年 7 月，草率書店將於西門町開幕。對黃偉倫而言，這是草率季走過10 年之後，一步自然卻也關鍵的延伸。他說空間不大，只有 10 幾坪，將固定呈現草率季相關出版物與自己喜歡的書，也希望容納新書發表，進而成為更多人認識台灣次文化的一個入口。「不過，賣書超難賺錢的啊。」挾帶對未知挑戰的複雜心情，黃偉倫在多年閱讀、觀看、收藏、產製之後，終於長出一個具體座標，讓想像得以棲身落腳的地方。

黃偉倫推薦！打開聯想的 4 本雜誌

《Floating University Berlin》
由德國建築團隊 raumlabor 發起，記錄他們如何在柏林廢棄機場的低窪蓄水地展開實驗性計畫。從建築介入、環境觀察到工作坊與共同學習，這本書也體現其長期關注人群、空間與知識共構的方法。

《Spectator》 Vol.47〈土のがっこう〉
喜歡《Spectator》每期皆以單一主題深掘的編輯方式，這期從「土」出發，延伸至土壤、生活、語言、文化與日本人的關係，既有知識性，也保留輕盈有趣的閱讀節奏。

《TRANSIT》No.65 〈世界のパンをめぐる冒險 創世編〉
《TRANSIT》原本以國家為題，近年轉向更具主題性的文化切口。這本特輯以「世界的麵包」為線索，細究不同地域的麵包起源、製法與歷史脈絡，資料密度驚人，也展現編輯團隊驚人的田調能力。

《TOO MUCH 》 Issue 9〈The Sacred〉
強調浪漫地理學，這期以「神聖」為題，從建築、地景、信仰、儀式到精神性空間切入，討論何謂令人敬畏的場域，欣賞這樣以圖像與跨領域研究交織出的觀看方式，讓抽象主題保有豐富而開放的想像空間。

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》

_{文｜張瑋涵　攝影｜鏡好映像工作室_林家賢}

如果你是一隻蜘蛛，會如何感受這世界？你可以在展中親手撥弄絲線。托馬斯．薩拉切諾（Tomás Saraceno）在新北市美術館個展《共織宇宙》（Interwoven）開幕之際，分享他的「親蛛症」、他對「大氣世」的暢想，與對人們共創力量的信心。

➣本文選自La Vie 2026／4月號《貓的居家空間指南》，更多精彩內容請點此

蜘蛛網，對 Tomás Saraceno 而言是充滿無限可能的生物建築。2006 年，他在工作室成立蜘蛛學部門，開始與各地的生物學家合作，利用 3D 掃描技術記錄、研究不同物種的蜘蛛如何織網。儘管過了那麼多年，還有太多事情令他感到驚奇， 就像 2024 年在印尼發現、最後以他命名的蜘蛛「Heteropoda saracenoi」。他笑說這些蜘蛛都算是他的「親戚」，「我從來沒見過牠，但我好想去拜訪牠。也許我應該邀請牠來展覽，跟我其他的家人一起。至於牠是『她』、『他』還是『它』——這會是個驚喜。」

作為蜘蛛的一份子

最令 Tomás Saraceno 著迷的發現之一，是蜘蛛網不只是精美建築，更像是外延出蜘蛛本體的神經系統。多數織網蜘蛛幾乎沒有視覺，而是透過絲線的震動來感知世界。約莫 2012 年，他將更多關注投注在「聲響」之上。這次展覽中，部分裝置使用震動器產生低至 6 赫茲的聲響，而人耳捕捉極限最低只到 20 赫茲。「人聽不見，但感受得到震動。」他說明，自己所做的，正是將那些聽不見的蜘蛛世界，透過視覺、觸覺等感官加以具象化，使觀眾得以體察。

「這代表我們在嘗試進入其他物種的『感知宇宙』（Umwelt），這是德國動物學家 Jakob von Uexküll 提出的概念。每一種動物都根據自己的感官，建構出屬於自己的現實。我們現在嘗試做的，就是去感知『我們之外還有其他世界』的那種感覺。」

走在〈關注之網〉、〈如何將宇宙陷入蛛網？〉作品間，暗室中瑩瑩發光的蛛網仿若星系，伴隨低沉轟鳴，我們彷彿身在奧祕的宇宙之中，與之共振。〈算法．韻律〉的巨大黑色蛛網則爬滿整個高挑白色展間，人們能像蜘蛛一樣撥弄絲線、探索空間，對應不同預設演算法產生樂音。作品首展於 2019 年的德國，早在當今 AI 爆發之前，Tomás Saraceno 便想挑戰人們對數位程式的既有思考。

「當我們在建立這些數位演算法的時候，它們往往非常狹隘，是為了某一種特定型態的人類而設計的：白人、父權、異性戀。所有這些預設分類，讓演算法只為特定群體服務。」透過震動與身體共鳴，我們得以體驗蜘蛛獨特的感知方式，在撥弄與共奏之間感受與他人的關係張力。數位演算法與自然規律之間的邊界，也在此悄然模糊了。

屬於所有人的「大氣世」

童年經歷阿根廷「骯髒戰爭」（Dirty War，1976～1983）的政治動盪， Tomás Saraceno 曾隨父母流亡義大利，令他從此敏感於棲居的根本，以及地緣政治強加於人的「邊界」。最初他投身建築，著迷於結構張力，卻也意識到實體建築受限於地權等枷鎖。他分享學建築時，Bernard Rudofsky 著作《沒有建築師的建築》（Architecture Without Architects）對他影響很大。「那是一種鄉土、無名建築。它沒有那些分類，建築是如此深深地嵌入在生命之網裡，以至於它根本不是一門學科。」

他排拒石材的霸權，就像金字塔透過高牆展現紀念性的力量， 用來建立階級、信仰體系與宗教，而現代人則用混凝土、石頭、鋼鐵建造城市；他嚮往另一種無名建築，更融入風土，如同隨游牧民族遷徙的帳篷，經使用後便腐朽、回歸生命的循環之中。「我不是說我們要回到過去，但我們可以找到更好的、更平衡的方式。」

Tomás Saraceno 轉向了藝術。更精確地說，對他而言各領域之間不該存在藩籬。比蜘蛛系列更早，他關注起無形的空氣，因為空氣屬於所有人、充滿想像的可能。受建築激進派（如Archigram）、Yona Friedman「空中城市」（Spatial City）、Buckminster Fuller「Cloud Nine」空中棲地等概念啟發，他想探索空氣與重力的邊界，2002 年開始發展《雲城市》系列，充氣泡沫模型懸浮在空中，設想未來人們棲居雲端之上。

在「熱力學的想像」展間中，更多富有重量感的雕塑懸浮起來了，他藉此將熱能的作用視覺化、實體化。他說：

「有時候我們需要特別去想像：空氣在流動嗎？空氣太難被感受到，太無形了。你感受不到地球正在以 1.5 度、甚至 2 度的幅度暖化。這讓人們更容易理解：就是這麼微小的溫度差距，便可能改變地球上絕大多數生命的處境。」

多年來，他也發展出結合冥想與感官調頻（Attunement）的工作坊，參與者重新專注感受吸氣、吐氣，這件生物如此自然而然的事。「你深吸一口氣，然後一切都不一樣了。你對自己更有覺察，因而理解更多。」

讓我們一同編織生命的絲網

在 Tomás Saraceno 所倡議的「大氣世」（Aerocene）願景中，他進一步勾勒不依賴化石燃料的未來。自 2007 年起推展的〈太陽能飛行博物館〉，由回收塑膠袋製成熱氣球，並試圖僅靠太陽熱能、大氣浮力升空，至今已成為跨越 30 多國的接力計畫，今年 2 月的工作坊，也將台灣回收的塑膠袋與前站首爾的作品縫合在一起。他深信共同參與的力量，「我的很多作品都是屬於所有人的，它們不是我的作品。像這件作品我們都參與其中，我們都擁有它。想法就在那裡，每個人都可以做、都可以建造，都能感受到自己在貢獻某件超越自身的事情。」

從 2017 年起，Tomás Saraceno 關注阿根廷北部大鹽沼及瓜亞塔約克湖（Laguna de Guayatayoc）地區鋰礦開採造成的環境危害。綠能源風潮下、被稱為「白色石油」的鋰，是電動車電池與能源儲存系統的重要材料，而每開採 1 公噸鋰礦便消耗 200 萬公升的地下水。不過他強調：

「水是很大的議題，但應該停止把它稱為『資源』。它不是一個可以被探索、被占有、被商品化的『資源』。你不會這樣對待你的親人，我不會說我女兒、蜘蛛是種『資源』，他們都是我的家人。」

錄像〈與帕查一同飛入大氣世〉便記錄下當地原住民的抗爭，以及他們一同施放熱氣球，挑戰零燃料、載人飛行世界紀錄的創舉。今年年底，他與 11 個原住民社群攜手打造的地景裝置〈Sanctuary of Water〉也即將落成。5 幢大小不一的鹽結構半圓觀景台，倒映水面形成了完整的圓，呼應安第斯宇宙觀，宣告在此為「水之聖域」。

他說明，「這些族群總是在為其他世代做事，非常掛念那些教導過他們的祖父母，也為未來世代付出很多。他們在這時代的存在本身，以及不把過去、現在、未來切割開來，這種看待時間的方式非常美麗。」他認為，不同的文化、不同的理解方式，是人們持續學習的機會。

有趣的是，現在鋰電池也成為 AI 產業的能源驅動力，而台灣更是當今 AI 與半導體產業鏈的關鍵角色之一，生產晶片過程同樣耗用大量能源與水源。在從展間外廊蔓延至展內的壁畫〈公平雲朵〉中，Tomás Saraceno 邀請新北市多所學校與地方社群，一起繪製雲朵圖樣、想像水循環，與遠在阿根廷守護水資源的人們悄然相連。他說，「我們還來得及去思考這件事，去達到這種團結。也許你心裡的問題是：台灣人跟阿根廷的鋰礦有什麼關係？聽著，目前只有一個地球，沒有 B 星球。」

談到這次在台個展，他命名為《Interwoven》，中文則翻譯為《共織宇宙》。他解釋：

「現在，生命的絲網只被一部分人編織著。其他人失去了自己的絲線，他們試圖找到連結，卻沒有人在乎。這是一個願望、一個希望、一個渴望，希望生命的絲網，能夠由更多的人一起來編織。」

托馬斯．薩拉切諾（Tomás Saraceno） 

阿根廷藝術家，現居柏林。畢業於布宜諾斯艾利斯大學建築系與威尼斯建築大學（IUAV），並於法蘭克福國立造型藝術學院（Städelschule）深造。2005年於柏林創立工作室，創作跨越不同尺度與物種界線，從蜘蛛絲線的微觀振動到漂浮雕塑的空氣靜力學，探索人類、蜘蛛與大氣環境的共生關係。重要計畫包括： 推動無化石燃料飛行的「大氣世基金會」（Aerocene Foundation，2015∼）；以及與馬克斯普朗克研究院等機構合作的「Arachnophilia」（2018∼），研究成果發表於《自然》與《美國國家科學院院刊》。展覽遍及紐約大都會博物館（2012）、巴黎東京宮（2018）、倫敦蛇形畫廊（2023）等重要機構，作品由MoMA、柏林國家美術館等機構典藏。 

托馬斯．薩拉切諾：共織宇宙
日期｜2026.03.21–2026.09.06
地點｜新北市美術館6A、6B展間

更多資訊可至官網查詢

_{文｜吳哲夫　口譯｜錢佳緯
圖片提供｜各單位}

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