專訪《媽的多重宇宙》海報藝術家James Jean！從台裔美籍文化身份與美學養成開創視覺宇宙

《媽的多重宇宙》以11 項入圍強勢問鼎奧斯卡，看過這部片的人，一定會記得由James Jean 創作的海報，以上下顛倒的兩個楊紫瓊為中心，傳達這個瘋狂穿越時空與人格、擺脫邏輯框架的故事。La Vie 專訪到這位台裔美籍藝術家，探索他如何在多重的文化身份與美學養成裡，開展屬於自己的視覺宇宙。

「我去過台灣好幾次，各種氣味、濕度和食物，都喚醒了童年的深層記憶。我也特別喜歡台灣的早餐。」談起台灣，James Jean用了「深層記憶」，因為他3歲就移民美國。

「老實說，我有一個孤獨的童年。」他成長於紐澤西州，那裡非常安靜，他在春夏季修剪草坪，秋天觀察樹葉變色，到了冬天就在車道上鏟雪。「當地沒有太多亞洲人，我總覺得自己像個局外人。」他的爸爸口音很重，別人都聽不懂他在說什麼；理髮師是義大利人，不知道怎麼剪亞洲人的頭髮，導致他一頭毛燥；和同學吃的美國食物相比，他們家的食物有濃烈氣味；戴著眼鏡的他，常被操場上的籃球和足球砸到，鼻托塌陷、支架扭曲而引發頭痛。

這份局外人的孤寂，引領他逃逸到藝術時空。「作為一個內向者，我透過獨處和專注創作來獲得能量。旅行途中或需要接觸外在世界時，也經常在安靜的時刻獲得靈感，喜歡觀察人與環境的碰撞。社交會消耗時間和精神，但因為藝術，我好像可以逃到另一個時間線，沒有任何世俗顧慮。」他從小就用畫畫打發時間，著迷於故事藉由紙上線條和塗鴉展開。但他接觸的盡是美國卡通和漫畫，直到就讀紐約視覺藝術學院（The School of Visual Arts）前，對藝術史一無所知。他形容大學時期就像「壓力鍋」，短時間內吸收不同老師的繪畫技巧。

不過說到影響最大的藝術家，他指向了從義大利前往中國、於清朝宮廷擔任畫師的郎世寧（Giuseppe Castiglione）。「20歲去台灣時，在故宮博物院第一次看到郎世寧的畫作，繪畫技巧和方式十分特別，卻帶有傳統韻味，我立刻就被震懾。他的渲染技法非常誘人，我好想知道這種不尋常的衝突風格是如何形成。」不斷吸納各種繪畫風格的他，卻在大學畢業後發現，「必須努力忘記所學的一切，才能找到對自我經歷的真實靈感來源。所以我的作品內容是『有意識地忘記、放手』與『潛意識的記憶』之間的掙扎。」

創作的決心，從商業插畫到繪畫藝術

James Jean在創作職涯的出道是華麗的，2001年於紐約視覺藝術學院畢業後，即刻接獲美國漫畫巨頭DC（Detective Comics）、漫威（Marvel Comics）邀約繪製漫畫封面，更在2004∼2008年間，一連斬獲7項有「漫畫界奧斯卡」之稱的「艾斯納獎」（Eisner Awards），至今仍是獲獎最多的藝術家。2007∼2008年Prada也找上門，邀請他創作壁畫裝置、織品印花和動畫電影。

但就在2008年與Prada合作結束後，他決定全心投入繪畫創作，「繪畫是我一直想做全職的事情，但從2001年開始不得不以插畫家為生，也許我也讓自己成為了個人成功的犧牲品。」但商業插畫並非一味輸出，隨著現今創作案規模漸增、需要越來越多人參與時，他在這段時期養成的創作管理專業習慣，幫助就越漸明顯。而在創意上，不論作品是商業案與否，他都以同樣的方式面對創作，因為目標都是滿足興趣與靈感。「但我發現當我不需要考慮目標群眾是否感興趣時，會做出最好的作品，創作之美在於意想不到的結果。」

《媽的多重宇宙》海報創作幕後與彩蛋

他的創作以繪畫為主，也涵蓋雕塑、裝置、影像等，2017年更跨足影壇，為《水底情深》、《銀翼殺手2049》、《母親！》繪製電影海報；今年奧斯卡入圍作品《吉勒摩．戴托羅之皮諾丘》、《我的鯨魚老爸》、《媽的多重宇宙》，海報也出自他手。他分享了《媽的多重宇宙》海報創作過程，他先看過電影初剪，也拿到數百張製作幕後和道具照片，「這部電影真的很瘋狂、完全打破秩序，楊紫瓊扮演了一個非常多面向的角色，能夠以各種方式表達自己。」

他挑選片中的關鍵時刻和畫面畫出草圖，接獲編導關家永（Daniel Kwan）、丹尼爾．舒奈特（Daniel Scheinert）與製作公司A24批准後，開始在iPad作畫。「這幅畫太大了，我不得不把它分成兩半繪製，才能確保圖檔的高解析度。線條完成後放到Photoshop上色，這個過程非常艱難，因為圖像細節非常多且繁複。我還希望海報即便顛倒也能成立，因此海報中可以看見兩個非常完整的楊紫瓊，一個她正在追尋和疑惑，另一個她是顛倒的，已經達到接受、領悟的狀態。」

「作為一位亞裔美國人，我深深認同這部電影，所以盡可能忠於電影精神。」他希望海報看起來就像西斯汀禮拜堂的天花板，讓觀眾沉浸在圖像中觀看宇宙大爆炸。「其實海報藏有一個沒有人注意到的彩蛋。」他透露，在飾演楊紫瓊爸爸的吳漢章（James Hong）的輪椅上有個計算機，上面的數字是「101010」，在二進位算法等於「42」，而42就是在道格拉斯．亞當斯（Douglas Adams）的科幻小說《銀河便車指南》（The Hitchhiker'sGuide to the Galaxy）裡，關於生命、宇宙和一切問題的答案（the Answer to the Ultimate Question of Life, the Universe and Everything）。這部小說出版於1979年，即是James Jean出生的那一年，他也在青少年時期讀過這本書。

漂流在亞洲與美洲之間的墜落男孩

而他從2019年開始創作的《衍生》（Descendent）系列，亦是標誌性的作品之一。當年他受邀於韓國首爾樂天美術館（Lotte Museum of Art）舉辦回顧展《Eternal Journey》，這間美術館位於樂天世界塔（Lotte World Tower），極端高聳的建築令他想起童話故事《傑克與魔豆》，可憐的傑克騎著神奇豌豆莖攀上天空，偷走巨人寶物後擺脫貧困。於是他創作出了《Descendent》裡從天而降的「墜落男孩」，「只要還在做夢，他就是安全的，他被巨大花瓣包覆和鼓舞穿越大氣層，沒有地面，只有用想像投射出的無盡天空。但如果醒來，他將迅速墜入地面，直面現實。他在永恆夢境中漂流，對亞洲來說不夠亞洲，對美國來說也不夠美國，只是漂浮在兩者之間的文化棄兒。」

有趣的是，「Descendent」和「Descendant」（後裔）同音，James Jean說，許多朋友都表示聯想到了他的兒子，且在兒子出生前，自己就開始在畫他了，「因此《Descendent》存在於我創造的時空，不同時空間隔著多孔牆面可以相互穿越。我很快也會穿越到《Descendent》所在的時空，兒子將取代我存在於現實世界。」

這樣顛倒人物的創作，他提及了德國藝術家傑奧格．巴塞利茲（Georg Baselitz），其一系列顛倒畫作旨在減少或破壞比喻性的解讀，而James Jean在《Descendent》作畫過程中，也總有一個階段，會用張狂的筆法把圖像破壞掉，再努力把圖像從邊緣拉回。而《Descendent》系列不只有多種繪畫版本，他也延伸出了雕塑、動畫等媒材。他解釋，「不同媒材創造了用不同方式探索結構和敘事的新機會。動畫的重點在於漂浮，概念是不被束縛在任何特定位置。如果作為雕塑，角色往下墜落必須符合引力，所以我將雕塑放在一面鏡子上來延伸敘事—下墜的自我與上升的自我在沉思的地平線上相遇。」

從商業插畫轉向藝術創作，James Jean現今已在IG坐擁破百萬追蹤，並於紐約、洛杉磯、東京、首爾等地舉辦展覽，山本耀司、BTS防彈少年團等都邀約合作。不禁好奇他是否已成為最初夢想的藝術家？「我的目標始終是獲得自由，但那是一種幻覺，我是工作的奴隸。我仍然對我的繪畫不滿意，但我希望繼續進化，創作出真正超凡的作品。」藝術能打動人心，或許就在於藝術家這份直面自我的誠實。

James Jean

1979年出生於台灣，3歲移民美國，現居洛杉磯。跨領域視覺藝術家，創作領域以繪畫為主，也涵蓋雕塑、裝置、影像等。透過敘事驅動想像與現實間的探索，美學與技巧融合巴洛克繪畫、中國卷軸畫、日本木版畫等。曾於紐約Tilton Gallery、東京Kaikai Kiki Gallery等藝廊舉辦個展。2019年於首爾Lotte Museum of Art舉辦大型回顧展《Eternal Journey》。2022∼2023年於中國展開巡迴展《Eternal Spiral 》。IG：jamesjeanart

_{文｜張以潔
攝影｜Eric Nakamura、GA Studio、關里
圖片提供｜James Jean}

身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23