你我皆是「人」——這樣的客觀事實無須贅述，但你是否進一步探究過「人何以為人」？忠泰美術館本期當代藝術展《亻 ─ 生而為人》自4月22日至7月30日，將透過11組國內外藝術家的詮釋，從外在環境賦予的框架到內在心理的反芻，引導觀者走入一條以「人的存在」為命題的思考迴廊。

我們何以為「人」？

隨著AI的不斷革新，數位科技逐漸取代人腦與勞力，當生產力這項優勢被拔除，我們要如何定義「人」的價值？又該如何自處？除了理性與邏輯，混沌且充滿變數的情感，正是生而為「人」的迷人之處。

編輯小提醒：觀展時不妨多投入一些感性，將有助於融入展覽的世界觀。

展覽主視覺以「亻」為符碼，擷取中文部首表意的特性，暗指「人」在各式際遇組合下的可能性；而「Dasein」則出自德國哲學家海德格（Martin Heidegger）探詢人類生存的本質與境況時所賦予的「存有」一詞。

入口處矗立著3公尺高的《Big Rate II》，為英國當代雕塑大師安東尼．葛姆雷（Antony Gormley）首度在台展出的雕塑作品，以剛強、斑駁的塊狀結構堆疊出抽象人形，與「亻」形成巧妙呼應，藉由注視眼前無法忽視的巨大量體，觀者得以將思緒套入其中、進而聯想、反思，重新咀嚼自身「在場」的鮮明。

 從四個子題拼湊出人的存在厚度 

本展藉由「身體政治與禁錮」、「群我關係的構築」、「內在對話」、「不存在的存在」4個子題，回歸人的本質議題，從外部環境至內在心理，層層深入自我定義的探索。

▎身體政治與禁錮

有別於冰冷而精確的機械，人類擁有複雜的情感與慾望，除了主觀地向外投射，在社會化的過程中，肉身也時常成為意識形態下權力關係的角逐之地。

於泰國藝術家卡葳塔．瓦卡娜嫣恩（Kawita Vatanajyankur）的《表演織品》與《潑》系列錄像作品中，可見藝術家將身體化作工具，在高飽和度的背景中，以重複的勞動、伴隨痛苦與張力的肢體動作，探討人類如何在資本主義的箝制下，為求生存而不斷掙扎。

牆上一字排開，受華美物質包覆、彷彿漂浮於空中的現代都會女性，則為台灣藝術家何孟娟的攝影作品〈阿梅〉、〈阿蘭〉、〈阿竹〉、〈阿菊〉，以由下往上的視角，呈現女性跌倒仍神色自若的樣貌，試圖打破刻板的觀看限制，掙脫套用於女性身上的社會枷鎖。

江孟禧的〈蜜桃成熟時〉，結合鳥首、女性軀幹以及穿戴式陽具，於衝突感中帶出性與社會權力結構的角力，凸顯人類原始慾望的矛盾心理。

▎群我關係的構築

人類是群居且社會化的動物，彼此相互影響、束縛、救贖，共感著社會現實、掙扎以及生命本質，本子題中，將藉由外在環境，映照出人類相互依存的集體情感記憶。

陳永賢攝影系列作品《See U》與《斗室棲居》，以長期藝術陪伴計畫深入在地文化，透過鏡頭語言再現傳統市場的空間樣態與勞動者的肢體紋理，導引出人與人、人與空間的關聯隱喻。

耿傑生《合群系列I&II》由數個面部模糊的人形雕塑和不鏽鋼球基座組成，象徵人們為了尋找踏實的容身之處而搖擺不定的認知與情感，指出瞬息萬變的社會秩序與結構，也連帶影響著個體的價值觀。

崔廣宇〈當代生活習作：沒有表演〉模糊了生活與表演的界線，由一面櫥窗劃分的台上與台下，周圍民眾看似參與演出卻又只是普通路人，似乎任何生活經驗都是一場表演，而我們看到的是他人眼中的真實？還是精心布置的想像？

▎內在對話

人的肉身，就像是乘載了生命經驗、情感慾望、知覺記憶及心靈想像的容器，這些內在的積累，讓人類無法輕易被定義、複寫、改變，「感性」賦予了人獨特性。

Candy Bird（糖果鳥）為本次展覽呈現的全新現地創作〈專心（102天）〉，透過文字與空間裝置，將個人經歷、展場與城市空間融入自我對話的反芻，點出人際、記憶與時間的消逝性，並拓展出具有多重解讀可能的人生想像。

巨型畫作〈北海岸〉為已故傳奇藝術家葉世強於隱居水湳洞期間的創作，在低彩度、靜謐而孤寂的山水萬物中，可見一渺小人影獨自坐於崖上，頗有遠離世間喧囂的避世之態。

▎不存在的存在

人的存在要如何證明？是物質、精神，抑或是意識本身？人終將走向衰敗而難逃一死，面對這樣的宿命，我們要怎麼活？如何死？

德國藝術家沃夫岡．史提勒（Wolfgang Stiller）的作品《火柴人》，焦黑且型態各異的臉孔猶如劃破黑暗的火柴，將生命存在的光與熱燃燒殆盡，藉此寓意世間百態，人類存在的倏忽無常，而生命終有盡頭，唯有把握當下。

倪灝的《屏障》系列，利用常見於圍牆、戰場上的帶刺鐵絲網與生活物件進行編織，象徵人類被控制的交流與自由，將人與賴以維生的自然分離，劃出人與他人的界線，消滅曾經存在的痕跡。

《亻 ─ 生而為人》

地點｜忠泰美術館（臺北市大安區市民大道三段178號）

時間｜週二至週日10:00-18:00（週一休館）

▸ 更多資訊請見官網

圖、資料來源｜忠泰美術館、各藝術家

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）