當代藝術家張碩尹新作「渦 UZU」互動電影計畫以90年代美少女養成遊戲為基底，透過雙視角翻轉重新書寫，並由現場觀眾投票主導劇情走向，結合手機互動科技、沉浸式空間的聲光體驗創造出細思極恐的驚悚氛圍與非制式的觀影體驗。「渦 UZU」於12月17日前在臺灣文學基地（原齊東詩舍）限期映演。

以雙視角重寫90年代養成遊戲

曾獲得第19屆台新藝術獎「視覺藝術獎」與2020台北美術獎首獎的當代藝術家張碩尹，本次推出的「渦 UZU」互動電影計畫從先前曾打造的手遊「她與你與她的戀愛」延伸，該遊戲以90年代美少女養成遊戲為基底，卻在遊戲中埋下暗懷殺機的情節，少女也從夢中情人轉變成恐怖控制狂。

「渦 UZU」邀請曾榮獲德國柏林Intelfilm短片影展觀眾票選獎的導演劉家欣共創、新銳演員田佳雯（Sushi）與黃信助主演、演員劉主平配音，翻轉既有的男性觀點，並加入女性視角重新書寫。展演方式也跳脫傳統純線性的放映，觀眾將在過程中主導主角的選擇與劇情發展，結合互動科技與沉浸式空間，感受非制式的觀影體驗。展演結束後，觀眾更可延續故事設定，以手機遊戲的形式繼續體驗平行時空中的「渦 UZU」。

日式老宅帶出經典驚悚電影印象

「渦 UZU」以日式老宅作為展演空間，並在內部安裝許多互動科技，透過多頻道的聲音與燈光效果，創造劇中角色走入現實、在房子各個角落走動與游移的感官體驗。張碩尹提及，由於屋內不能使用釘子，也不能損及原有牆面，團隊前前後後場勘了十幾次，仔細丈量細部結構，精算尺寸後才完成佈景的木造支撐架構、搬進屋內擺設。

既然進場的困難度這麼高，為什麼要選在臺灣文學基地展出？日式舊屋的陰暗環境，恰恰帶出了台灣人熟悉的日本恐怖漫畫、驚悚電影場景；另外，木造老宅的格局、材質，也能打造出與水泥建物不同的發聲感，呈現更為溫潤的多頻道聲音。

由觀眾即時主導劇情走向

熱愛挑戰非制式展演空間的張碩尹自述，高度互動的劇情推演，也是「渦 UZU」的一大挑戰。在每場40分鐘的體驗中，觀眾需要在不同階段做出選擇，而影片中的故事，也將因現場觀眾的選擇而走向不同的發展。除了在手機上做選擇外，觀眾也可留言互動，交流彼此對劇情的想法，送出的留言內容將即時以彈幕形式出現在影片中。

當線上的故事與線下的沉浸式互動體驗結合，虛擬和現實的邊界也逐漸模糊。在主要放映的大螢幕、用來互動的手機，以及環繞在身邊的聲光體驗間，多重管道的資訊刺激令觀者難以分清，「渦 UZU」究竟是一個無法登出的遊戲，還是一個無法離開的現實世界。

虛擬現實交錯，反應科技發展現況

展演中不斷出現的「漩渦」，像是一個高於人類的未知力量，漸漸吞噬主角所在的世界，而觀眾也無法抵抗它的到來。張碩尹透露，「漩渦」也可以說是「科技」的指稱，它彷彿一隻巨型的怪物，以超高速的發展能力逐漸滲透真實世界。

觀察每天的展演場次，張碩尹也發現，不同年齡層的觀眾在「渦 UZU」的體驗方式各不相同，與各族群對科技的使用習慣有著強烈關聯。作為數位原生世代的高中生們，平時習慣看直播，也習慣同時吸收多頻道的資訊，並能夠以驚人的速度手機打字。在體驗「渦 UZU」時，高中生觀眾未必花很多時間消化多頻道的資訊，而是將即時反應輸出，把留言互動的設計環節當作聊天室一般。

「渦 UZU」限定聯名商品

除了觀展體驗外，張碩尹團隊也特別延伸「渦 UZU」IP與品牌合作，包含與獲得巴黎工藝大師賞的台灣設計師金工品牌「INTZUITION以覺學」以故事劇情為底設計的Unisex耳扣；與南投草屯「蔡氏釀酒」合作推出限量款精釀啤酒；以主視覺「渦 UZU」為主題的帆布袋；以及含有隱藏結局、更可以鑄造NFT的遊戲磁碟片。

「渦 UZU」張碩尹工作室互動電影計畫

展覽日期｜11月28日至12月17日

開放時間｜週二至週日 10:30-17:30

展覽地點｜臺灣文學基地（台北市中正區濟南路二段27號）

官方網站｜https://uzu.tw/

購票資訊｜於 Accupass 購買單人一般票，輸入「UZUBABY」可享$390優惠價

資料提供｜張碩尹工作室

台灣通勤第一品牌 3 位主持人，以詼諧深刻的對話，陪伴無數通勤族穿梭於日常的喧囂與靜謐，這次他們走進臺北市立美術館的《你的好奇旅程》展覽，在最後的〈立方結構的演化計畫〉（The cubic structural evolution project，2004）展區中，觀眾可以任意使用樂高拼砌城市、搭建想像。於是，他們坐進了這座城市現場即興創作，暢談好奇心如何連結生活與藝術。

〈立方結構的演化計畫〉是展覽中最具互動感的作品之一，參與者在一片白色樂高積木的海洋中自由創作，建構屬於自己的城市景觀。對李毅誠（誠誠）、張家倫（家倫）、何勁旻（何 A）而言，這不僅是一場藝術體驗，更是一次對創造力的回溯。誠誠分享，比起一般「組裝說明書式」的樂高，「這裡的樂高多到讓人安心，像是軍備競賽，零件多到你可以無止境地重複、擴張。」他聲稱自己的創作靈感是打造一座「不通風、不透光、如墓碑的人造建築」，刻意強調人為的控制感與封閉結構，彷彿在挑戰自然的界限，「小時候我也喜歡蓋這類型的樂高，像是要保護內心珍貴之物，這裡讓我重新連結那種感覺。」

何 A 的「衛星發射台」概念，來自他玩《坎巴拉太空計畫》（Kerbal Space Program）太空飛行模擬遊戲的記憶，故意讓建築呈現「一碰就壞」的危樓狀態，「我不只想蓋得比台北 101 高，還想讓小孩看到都怕怕的，不敢把我的作品拆掉！」家倫的構想則是一個拱門般的「入口」，象徵某種通往未知的邀請，竟意外地和何 A 的作品無違和合併，成為「衛星發射台的洩水閥」，「我滿期待別人拿我的零件去創造新東西，就像我們的節目，聽眾回饋讓頻道內容更豐富、更有層次。」

台通眼中的 Olafur Eliasson——「看似開放，其實絕對控制」

除了拼組樂高，3 人此行也走進其他展間。誠誠認為，Olafur 的創作兼具高度控制與普世性：「你都看得懂，但絕對做不出來。觀看時都有種『我怎麼沒想到』的驚訝。」他特別提到〈單色房間〉（Room for one colour，1997）單頻率的黃光。何 A 則從另一個角度解讀，認為 Olafur 的作品帶有某種「攻擊性」或「不耐感」：「他的作品像在挑釁，吸引你靠近卻又不讓你觸碰。」而〈循環扇〉（Ventilator，1995）刻意設置在可觸及的高度，彷彿在試探觀眾的慾望，「整個展覽精確地控制觀眾的好奇心，最後用樂高釋放到訪者的創作慾望。」何 A 認為這樣的對比性令人莞爾，他隱約感覺到某種「反人性」的不耐，藝術家似乎有意凸顯人造與自然的差異，挑戰觀眾對物質與環境的認知。

3 人忍不住熱烈議論，Olafur 作品中的自然元素，如：光、影、水、霧等與人類感知的連結，卻似乎有意排除「人」的存在感。何 A 提到〈苔蘚牆〉（Moss wall，1994）與記錄時間流逝的〈風的書寫〉（Wind writings，2023）和〈太陽繪圖〉（Sun drawing，2023），「他好像在說，人類其實沒那麼重要。〈單色房間〉中你無法好好自拍；〈多重影子屋〉（Multiple shadow house，2010）你看不到自己的表情。他要你把注意力轉向外部，凝視那些喚起好奇心的東西。」家倫補充：「他的作品邀請你安靜下來，與自己對話，觀察自己的身體如何與環境互動。」誠誠則指出，這也許是藝術家個人較尖銳的幽默感：「『你們都沒發現吧？』他總在提問，你是否忽略了明明再尋常也不過的彩虹和影子？」

不是講幹話而已！輕鬆詼諧中深刻思辨

這趟觀展過程，彷彿是一次對 3 位創作者自身的映射。長期一起工作，彼此熟知癖好與節奏，卻也因為這種持續對話，累積出了對生活更深的理解力。「好奇心是所有創作的起點，也是燃料。『李毅誠為什麼喝酒都點 2 杯？』有人覺得沒什麼，但好奇心會讓你追問，然後找到故事。」誠誠分享，有次聊天中討論如何收襪子，3 人發現彼此方式截然不同——誠誠摺疊、家倫捲起來、何 A 則將一隻襪子「含住」另一隻。這些細微差異在節目中變成引人入勝的話題，展現好奇心如何將平凡轉化為趣味。

家倫坦言，自己私底下不是對其他人類好奇的人，但在錄製節目時會刻意開啟「追問模式」。他也說何 A 的突兀反而成為節目笑點，「何 A 的問題基本上都是服務自己，而不是服務觀眾，不過這種天外飛來一筆，也會意外挖到有趣的東西，這就是他的怪。」看似無聊的瑣事，因為觀察、發問與執著，被賦予了新的厚度。誠誠指出：「我們最常問：『你為什麼會這樣想？』比起輸出，其實聊天最重要的反而是聽，讓對話持續延展下去。」

如果台通成為策展人？

這讓我們也好奇起，如果有一天，台通受邀進駐美術館展出，他們會選什麼片段？何 A 想像一個在展場中，模擬聽眾在捷運上、打掃家裡、開車等場域收聽節目的環境，集結 3 個主持人的笑聲集錦，讓觀眾感受到陪伴與共鳴，「想跟觀眾說『你不孤單』，像《新世紀福音戰士》的場景，大家的笑聲匯聚成一股力量。」誠誠則想展出節目中被剪掉的祕辛，如私下對特定人事物的犀利評論，認為這能呈現真實的對話樣貌：「節目是同時做給數萬人聽，但展覽是對 1 個人說話。來看展覽才能聽到從未公開的彩蛋。」家倫則幽默提議展示業配片段，笑稱這是節目價值的體現：「被標價是好事，讓你知道自己的價值！」

同理差異　持續好奇

「我們最討厭那種孤芳自賞、設了高門檻，還覺得看不懂就是你不夠聰明的藝術。」在他們眼中，藝術最迷人的地方是「打開一個你從沒想過的角度」，是提醒「你怎麼沒發現呢？」如同台通的核心哲學，既可以輕鬆理解，但要做得自然且深刻，是另一回事。3 人至今依然是可以約去吃漢堡王的朋友，台通「從一個小問題一路往下挖」，使「陪伴」成為聲音最獨特的質地，一場場「用聲音搭建世界」的實驗，對話流動而誠實，彼此接住對方，也拆解彼此。誠誠說：「好奇心讓我們安心，光是『理解』本身，就能減輕人生的痛苦。」

臺灣通勤第一品牌
《台通》自 2020 年疫情期間由李毅誠創立，與張家倫、何勁旻共同主持。起初因疫情影響便當店生意下滑，啟發李毅誠與好友創辦節目，意外席捲 Podcast 圈，節目話題涵蓋生活瑣事、時事、動漫到社會議題，以輕鬆又深入的閒聊風格，累積大量忠實聽眾。開播後多次登上 KKBOX、Apple Podcasts 與 Spotify 最受歡迎節目榜，也在 2022 年獲邀擔任第 13 屆金音創作獎主持，持續以真誠、幽默的對話與魔性笑聲，打造和聽眾的共鳴與連結。

_{文｜張瑋涵　攝影｜好映像工作室_林家賢}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》

東京美術館21_21 DESIGN SIGHT「そのとき、どうする？展 –防災のこれからを見渡す–（What If? BOSAI: The Next Disaster）」新展，從「災害到底是什麼」的角度出發，將過去地震、水災等天災的數據視覺化，同時介紹防災相關產品、因災害而誕生的各式專案等內容，帶領人們重新審視自然災害。

自然災害何時何地會發生，沒有人能夠準確預測。有些人平時備有防災包，也有些人可能盡量不去多想。然而，身處在被稱為「災害大國」的日本，其實無法完全與災害無關。因而誕生的「そのとき、どうする？展 –防災のこれからを見渡す–（編輯暫譯：那個時候，該怎麼辦？展 － 展望防災的未來 －）」企劃展，由在東京、仙台、倫敦設有據點的WOW視覺設計工作室策劃，以「提問」為主軸，提供觀者從自己的視角反思防災與災害。

10個提問引領人們思考災害

展場散布著10個提問，像是：所謂「安全的地方」在哪裡？到底需要準備多少才是充分的備災？如果聯絡不上重要的人，該怎麼辦？該如何事先準備？對你而言，度過災後生活必須具備的是什麼？支撐我們生活的，究竟是什麼？⋯⋯。人們能一邊欣賞展品，一邊思考若發生災害，自己會如何面對與準備；觀眾也能透過此次展覽的特設網站，使用手機傳送關於這10個問題的答案，部分回答也將作為影像作品在現場展示。

如果「那個時候」到來⋯⋯

WOW工作室提到，「在這次以『防災』為主題的展覽中，我們不單單只是傳遞災害的知識與防災技術，更將焦點放在人們如何面對天災時的意識與心態。防災從來不是某一個人可以獨自背負的責任，它關乎自己，也關乎家人、朋友、同事，甚至是周遭素未謀面的人。而別人是如何看待『那個時候』並做準備的？我們希望透過這樣的視角，成為人們重新將防災視為自己課題的契機。」

展覽有哪些看點？

▸ 將天災視覺化呈現

透過將數據圖像化、以多樣的視覺描繪災害圖像，帶領人們回顧日本與世界上曾經歷過的各式災害，同時藉由視覺化呈現自然原貌與災害模擬，開啟更多的討論與思考。

展出單位、創作者：越村俊一、にゃんこそば、株式会社ヤマップ、パノラマティクス＋ Eukarya、日本経済新聞社 等

▸ 重新審視防災意識的裝置作品

此次展出的兩件全新體驗型裝置作品，將引領人們重新審視自己對防災與災害的準備與心態。

展出單位、創作者：柴田大平、siro ＋石川将也

▸ 防災的計畫、研究與產品

本區介紹因應天災時斷訊的嶄新研究、能迅速傳遞資訊的機制、災後如何持續照護生活與心靈的各種方式，以及把防災融入日常的概念等，透過不同階段的各式計畫與物件，帶領觀者看見防災的「現在」與「未來」。

展出單位、創作者：ゲヒルン株式会社、KDDI 株式会社、中嶌 健、WOTA 株式会社、坂茂建築設計＋ボランタリー・アーキテクツ・ネットワーク、日本郵便株式会社＋寺田倉庫株式会社、バリューブックス 等

▸ 「那個時候」之後的希望樣貌

有些畫作誕生自災害發生地的風土與人們，有些設計因震災而生、進而傳向世界，也有持續提醒我們「每天都可能有災害」的倡議，藉由這些連結災害與日常的創作，帶領我們看見「那個時候」之後的希望。

展出單位、創作者：トラフ建築設計事務所＋石巻工房、福島民報社、佐竹真紀子 等

▸ 自然與自身的相處之道

從樹木生態系與人類共存的防災方式，到作為保護自身最後一道防線的「衣服」等，引領人們從有別於都市防災機制的角度，重新思考守護我們的各種可能。

展出單位、創作者：津村耕佑、veig

「そのとき、どうする？展 –防災のこれからを見渡す–」"What If? BOSAI: The Next Disaster"
展期：2025年7月4日–11月3日
展場：21_21 DESIGN SIGHT Gallery 1 & 2
休館日：週三（9月23日開館）
開館時間：10:00−19:00（18:30為最後入場時間）

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