當代藝術家張碩尹新作「渦 UZU」互動電影計畫以90年代美少女養成遊戲為基底，透過雙視角翻轉重新書寫，並由現場觀眾投票主導劇情走向，結合手機互動科技、沉浸式空間的聲光體驗創造出細思極恐的驚悚氛圍與非制式的觀影體驗。「渦 UZU」於12月17日前在臺灣文學基地（原齊東詩舍）限期映演。

以雙視角重寫90年代養成遊戲

曾獲得第19屆台新藝術獎「視覺藝術獎」與2020台北美術獎首獎的當代藝術家張碩尹，本次推出的「渦 UZU」互動電影計畫從先前曾打造的手遊「她與你與她的戀愛」延伸，該遊戲以90年代美少女養成遊戲為基底，卻在遊戲中埋下暗懷殺機的情節，少女也從夢中情人轉變成恐怖控制狂。

「渦 UZU」邀請曾榮獲德國柏林Intelfilm短片影展觀眾票選獎的導演劉家欣共創、新銳演員田佳雯（Sushi）與黃信助主演、演員劉主平配音，翻轉既有的男性觀點，並加入女性視角重新書寫。展演方式也跳脫傳統純線性的放映，觀眾將在過程中主導主角的選擇與劇情發展，結合互動科技與沉浸式空間，感受非制式的觀影體驗。展演結束後，觀眾更可延續故事設定，以手機遊戲的形式繼續體驗平行時空中的「渦 UZU」。

日式老宅帶出經典驚悚電影印象

「渦 UZU」以日式老宅作為展演空間，並在內部安裝許多互動科技，透過多頻道的聲音與燈光效果，創造劇中角色走入現實、在房子各個角落走動與游移的感官體驗。張碩尹提及，由於屋內不能使用釘子，也不能損及原有牆面，團隊前前後後場勘了十幾次，仔細丈量細部結構，精算尺寸後才完成佈景的木造支撐架構、搬進屋內擺設。

既然進場的困難度這麼高，為什麼要選在臺灣文學基地展出？日式舊屋的陰暗環境，恰恰帶出了台灣人熟悉的日本恐怖漫畫、驚悚電影場景；另外，木造老宅的格局、材質，也能打造出與水泥建物不同的發聲感，呈現更為溫潤的多頻道聲音。

由觀眾即時主導劇情走向

熱愛挑戰非制式展演空間的張碩尹自述，高度互動的劇情推演，也是「渦 UZU」的一大挑戰。在每場40分鐘的體驗中，觀眾需要在不同階段做出選擇，而影片中的故事，也將因現場觀眾的選擇而走向不同的發展。除了在手機上做選擇外，觀眾也可留言互動，交流彼此對劇情的想法，送出的留言內容將即時以彈幕形式出現在影片中。

當線上的故事與線下的沉浸式互動體驗結合，虛擬和現實的邊界也逐漸模糊。在主要放映的大螢幕、用來互動的手機，以及環繞在身邊的聲光體驗間，多重管道的資訊刺激令觀者難以分清，「渦 UZU」究竟是一個無法登出的遊戲，還是一個無法離開的現實世界。

虛擬現實交錯，反應科技發展現況

展演中不斷出現的「漩渦」，像是一個高於人類的未知力量，漸漸吞噬主角所在的世界，而觀眾也無法抵抗它的到來。張碩尹透露，「漩渦」也可以說是「科技」的指稱，它彷彿一隻巨型的怪物，以超高速的發展能力逐漸滲透真實世界。

觀察每天的展演場次，張碩尹也發現，不同年齡層的觀眾在「渦 UZU」的體驗方式各不相同，與各族群對科技的使用習慣有著強烈關聯。作為數位原生世代的高中生們，平時習慣看直播，也習慣同時吸收多頻道的資訊，並能夠以驚人的速度手機打字。在體驗「渦 UZU」時，高中生觀眾未必花很多時間消化多頻道的資訊，而是將即時反應輸出，把留言互動的設計環節當作聊天室一般。

「渦 UZU」限定聯名商品

除了觀展體驗外，張碩尹團隊也特別延伸「渦 UZU」IP與品牌合作，包含與獲得巴黎工藝大師賞的台灣設計師金工品牌「INTZUITION以覺學」以故事劇情為底設計的Unisex耳扣；與南投草屯「蔡氏釀酒」合作推出限量款精釀啤酒；以主視覺「渦 UZU」為主題的帆布袋；以及含有隱藏結局、更可以鑄造NFT的遊戲磁碟片。

「渦 UZU」張碩尹工作室互動電影計畫

展覽日期｜11月28日至12月17日

開放時間｜週二至週日 10:30-17:30

展覽地點｜臺灣文學基地（台北市中正區濟南路二段27號）

官方網站｜https://uzu.tw/

購票資訊｜於 Accupass 購買單人一般票，輸入「UZUBABY」可享$390優惠價

資料提供｜張碩尹工作室

當經典邁向當代，設計語彙也被重新打開。麥卡倫攜手美國平面設計大師 David Carson，為經典雪莉桶與雙雪莉桶系列換上全新包裝，並以此為靈感，打造《雪莉新裝360體驗》沉浸式展覽。《La Vie》邀請設計師顏伯駿進場體驗，從創作者的視角觀看、詮釋與拍攝，記錄設計如何在場域中被感知，也重新打開人們對麥卡倫的閱讀方式。

麥卡倫（The Macallan）自 1824 年創立以來，便以雪莉桶釀酒工藝聞名，攜手美國 Coopers Oak 橡木林場並收購西班牙 Vasyma 製桶廠，打造自家雪莉橡木桶供應鏈，新酒與頂級雪莉橡木桶交融下，酒液逐步發展出細膩而層層遞進的風味表現，形塑出麥卡倫引以為傲的風格標誌。到了今年的麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，這份經典被轉譯為更當代的語言，從 David Carson 操刀的包裝視覺，到延伸出的沉浸展覽空間，品牌首度以「設計」為對話開場，讓人重新感受經典麥卡倫背後的文化溫度與情緒層次。

從包裝到場域，設計成為對話的路徑

設計師顏伯駿說，「真正的顛覆不是推翻，是讓原本的秩序容納新的語法；真正的敬意，也不是膜拜，是讓傳承有再被閱讀的可能。David Carson 把麥卡倫的典雅與他一貫的直覺性並置，創造出一種介於經典與自由之間的張力區！」而展覽以「3、6、0」為名，分別對應三大酒款（經典雪莉桶、雙雪莉桶、臻彩系列）、六大標柱（最高品質的橡木桶、雪莉酒潤桶工藝、渾然天成的自然酒色、精緻小巧的蒸餾器、麥卡倫莊園與百年傳承的釀酒智慧），層層拆解麥卡倫的文化底蘊，讓觀者用身體進入設計邏輯的邊界。這不只是關於視覺的閱讀，而是關於場域如何讓設計變得立體。

拆解與再閱讀

踏入麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》，就像翻開一本逐頁拆解的讀本，設計邏輯在錯落與重構中緩緩展開。入口以象徵雪莉桶紋理的弧形木牆作為開場，引導觀者穿越時間年輪，走入麥卡倫的傳奇時光；緊接著，步入「感官走廊」，幽深的紅光映照著品牌走過兩世紀的重要節點與關鍵人物，走廊盡頭的螢幕，播放著來自赫雷斯的桶匠訪談與雪莉酒介紹，搭配曲面解構符號與牆面上的「瓦德比諾 Valdespino」雪莉酒，讓觀者穿越至雪莉桶誕生的原鄉脈絡。

進入展覽核心，視線被瓶身、照片、圖騰與色塊組構的裝置吸引，一如漫遊 David Carson 拼貼而成的意識流場景；麥卡倫的六大標柱，從百年傳承的釀酒智慧到麥卡倫莊園，在此被重新拆解並串連為動態時間軸，引導觀者參與一場關於橡木、潤桶與陳年的演化歷程。

琥珀色燈束切入瓶型輪廓，讓酒液的層次與情緒感受浮現眼前；而鏡面牆體則轉化為反射與凝視的界面，邀請每個人將自我置入麥卡倫敘事中，成為風味旅程的一部分。「這些空間其實都不是直白翻譯 David Carson 的設計，」顏伯駿說，「它們是把 David Carson 那種打破線性、重組敘事的感覺變成立體的，每一站都是一種推進！」他特別提及場內大量出現的紅色光影與陰影重疊：「紅色不只是裝飾，它其實像是一種引導，讓你走進麥卡倫情緒的內裡。」

與經典重新相遇

顏伯駿說：「麥卡倫《雪莉新裝 360 體驗》是一個開放的命題，而不是一個被定義的結論。

你可以從工藝進入，也可以從感覺進入；從歷史進入，也可以從視覺進入。品牌若能容納多重入口，代表它願意承擔多重解釋。」對他而言，成熟的品牌不怕被讀錯，它只怕失去被閱讀的慾望 —— 而這一次，麥卡倫選擇以全新的方式，重新開啟這場深層對話。

誠如顏伯駿所說，「當觀看被重新訓練，品牌不必提高音量，只需要說對語言。」在展場尾聲，麥卡倫以一連串能「被參與」的設計細節，打開更多與經典重新連結的方式。

於展場來一杯層次豐富、尾韻帶有甜味的雙雪莉桶純飲，或選擇清爽果香的Highball，週末你可以點上由「2025亞洲最佳酒吧」The Public House 與 Maltail打造、以經典麥卡倫雪莉桶風味為靈感的限定特調；玩一場藏有互動攝影驚喜的盲盒遊戲；寄出一封寫滿真摯話語的明信片；現場購買麥卡倫經典酒款，還能享受質感緞帶包裝的儀式感，讓這些互動與走逛片刻，與麥卡倫威士忌一樣，在記憶中慢慢熟成。

基隆美術館2025年度大展《WE ARE ME — 我（們）到此一遊》，由藝術家余政達創造的虛擬角色「法咪咪 FAMEME」擔綱策展人，邀集台灣、日本、泰國、英國及法國等10位藝術家，透過經典舊作與全新委託創作交織共28組創作，試圖回應當代最為迫切的提問：在資訊過量的影像洪流中，藝術還能如何被觀看？

我們所見，真源自我們所選嗎？

在社群媒體演算法驅動下，我們以為自己在選擇觀看，但事實上，我們所見有時並非源自所盼。如今，觀看已是表演、身分再造的一部分，更是個體與群體的角力場。策展人法咪咪表示，展名「WE ARE ME」指向集體與個體的共生與矛盾：在數位影像分享時代，「自我」的樣貌逐漸在群體的凝視中成為「我們」；副標「我（們）到此一遊」則回應大眾文化中「到此即表態」、「觀看即表演」的社群奇觀。

這場展覽就是對上述現象的回應，探索著在影像泛濫、人人都能自稱創作者的時代，藝術被觀看的各式嶄新可能；同時剖析「我」與「我們」的界線，是如何被生成、被消解。再回望展名暗藏的巧思：當「WE」置於鏡面，反射出的既是「ME」，亦是無數被轉譯的身份，暗示著觀者不是單純的旁觀者，而是與作品共構、再造的行動者。

從兒童純真視角切入主題

首度於台灣美術館機構展出的英國當代藝術家瑞安·甘德（Ryan Gander），是威尼斯雙年展、卡塞爾文件展、雪梨雙年展等國際大展常客。他擅長以幽默視角轉譯日常物件，此次帶來裝置作品《同理心是一種超能力嗎？》，將稚真問句 “Is empathy a superpower?” 印於巨型黑色氣球，並置放於展場通道，迫使觀眾直面這道純真提問。

泰國藝術家納溫·努通（Nawin Nuthong）以融合神話、兒童文化與政治隱喻見長，此次為展覽及基隆城打造新作《4−6位紙鈔上的孩子》，以台灣千元鈔票的隱藏人物為切口，結合基隆在地廟宇觀察，於作品中交織遊戲、童趣與批判性。

科技如何影響人類的情感和行為？

曾獲威尼斯雙年展銀獅獎殊榮的重量級藝術家卡蜜兒·安侯（Camille Henrot），攜成名作《極度疲憊》首度來台展出。這件被視為後網路藝術（Post-Internet Art）始祖的作品，以電腦桌面為舞台，重組網路素材、美國博物館及研究機構組織「史密森學會」典藏，揭示資訊過載如何影響我們的感知與學習知識的方式。

同樣回應科技社會與人類情感行為的關聯，台灣藝術家鄭先喻作品《這可能是你》揭露演算法下的身份幻象，作品不斷輸出演算法生成的個資檔案，擾動個人隱私與真實身分的邊界；日本藝術家山內祥太（Shota Yamauchi）的新作《Being… Us?》，則透過AI光影生成後人類幻影，挑戰對「生命」的既有定義。

日本藝術家YANG02則進一步探索科技時代的社會與倫理議題，他曾透過《永久的暫時性》一作，運用無價值判斷的自動導引車（AGV）將隱蔽幕後的佈展過程公開，藉此反思便利性背後的資本機制。此次則帶來新作《慢速迷你4DW——逃離現代價值觀》，將原先的高速競賽改造成「慢速競賽」，使觀眾體驗「放慢」蘊藏的價值，挑戰現代社會對效率的迷思。

深入感知，將記憶與時間具象化

台灣藝術家陳怡潔以轉化動漫人物的色彩聞名，新作《連合島漫遊》將觀眾最具情感連結的動漫角色，轉化為多格抽象圓盤，呈現網路世代共享記憶的軌跡。

陳松志的《無題-KEE》則讓觀者走在鋪滿銀色亮粉的地毯上——當足跡化為記憶殘留，時間即隨著身體的移動被具象化。

聶永真設計主視覺！以「觀眾凝視白牆」暗喻觀看的多種解讀

本展由聶永真操刀的主視覺設計也值得一看！畫面呈現一群凝視白牆的群眾，牆面卻空無一物，象徵「觀看」本身成為一種表演，也反映觀眾進入展場後的處境——究竟注視的是藝術，還是透過藝術映射出的自己？展覽也由此發展出一組明信片套卡，觀眾可於展覽中取閱、蒐集；離開展場後，這些明信片將成為展覽的物理延伸，承載著關於「我（們）到此一遊」的某種見證。

《We Are Me－我（們）到此一遊》

展期｜2025.10.30－2026.02.01

開放時間｜週二至週日 9:00－17:00，週一固定休館，國定假日除外

展覽地點｜基隆美術館1樓、M樓（基隆市中正區信一路181號）

參展藝術家｜陳怡潔、陳松志、鄭先喻、瑞安．甘德（Ryan Gander）、卡蜜兒．安侯（Camille Henrot）、謝佑承、納溫．努通、山內翔太（Shota Yamauchi）、yang02（依英文姓氏字母順序）