「家」該是什麼模樣？每人心中各有答案。作為人們打造理想家居的好夥伴，IKEA對此也很好奇，於是攜手攝影大師Annie Leibovitz展開「Life at Home」家訪攝影計畫，走訪7個國家的25個「家」，拍下人們的日常生活。這些日常影像跨越地域、種族、文化⋯⋯的疆界，以「家」為索引，細細爬梳屋主們的日常、挖掘其生命故事，看一個人的工作、交友圈、興趣甚至是生命經驗，如何影響其生活空間。

看過「Life at Home」25個家的故事後，編輯私心挑選7則「家事」分享，從歐洲的義大利、德國、瑞典到亞洲的印度、日本，從現實世界的都市綠洲、河道上的船屋、3個家長1個孩子組成的LGBT+家庭、蘊含印度古老智慧的四代同堂之家，再到堅守家族根源的陶藝職人祖居⋯⋯。每個風格截然不同、故事各自精彩的家，都反映了主人的生活哲學，有些更進一步延伸出當地的居住潮流。

01 古城中的綠洲，用苔玉創造迷你綠色星系

義大利米蘭・Giovanni Laguzzi之家

建築師Giovanni Laguzzi的家，是一座真正的「城市綠洲」。6年前剛搬到這棟雙層公寓時，他偶然在報紙上看見苔玉（Kokedama）的照片，對這款源於日本、外觀獨特的植物球一見鐘情，不只嘗試自己做了幾顆，更著手將家中閣樓改造成微型的苔玉溫室。步入其中，彷彿遁入奇幻的綠色星系，無數的苔蘚行星上棲息著各式植物，從地板延伸至天花板，長在浴室、廚房、沙發周圍，充斥日常生活。對Giovanni來說，植物象徵著生命，而住在苔玉滿佈的空間裡，能為他提升能量。

疫情過後，人們更加在意生活品質，與苔玉共生的Giovanni也建議，「如果想在家裡放綠色植物改善空氣品質，又受限於空間放不了太多花瓶，那苔玉會是完美的選擇，它能懸掛在空間，或放在簡單、不佔空間的支撐物上，例如倒置的玻璃罐蓋。」若住在都市，又想為家中引進綠意，不妨跟上Giovanni的腳步，踏進苔玉世界。

02 擁抱時間，四代同堂的記憶博物館

印度孟買・Gangadharan Menon之家

一頭長白髮、留著像鄧不利多的長鬍子，Gangadharan Menon是位住在孟買的退休教師。30年前，他和妻子為了尋得理想的家，看了超過50間房，最後才找到這棟擁有大廚房、挑高天花板、漂亮結構的排屋；現在，這棟房子是Ganga與母親、兒子與兒媳、兩隻狗狗的家，四代同堂。

在Ganga的村落，因為房子大多窄小，多代同堂的家庭並不常見，但這卻是他堅守的傳統，「將家人聚集於同一屋簷下，大家更容易互相分享生活，長者可以傳授寶貴的智慧。」這份堅持與他看待年齡增長的觀念有關，「在印度，我們稱母親為vriddha，在梵語中意為『進步的人』，」代表著年齡是層次、複雜性的增進，而非衰退。

懷抱著vriddha象徵的精神，Ganga擁抱經時光淬煉的美好事物，將家打造成一座「記憶博物館」——臥室擺著25年前旅行時入手的書架；書房掛著一幅1931年的畫作，出自妻子的曾曾祖父之手，一旁妝點著從孟買跳蚤市場Chor Bazaar淘來的木櫃。無處不是記憶的痕跡。

03 離鄉千里，在船屋和遊牧之間找到共同意義

英國倫敦・Arslan Zhunus之家

出生於哈薩克的Arslan Zhunus，現居於倫敦東部利河（River Lea）的一艘小船上，過著離網生活。生活在水上，與他在哈薩克山城阿拉木圖度過的童年，聽來相去甚遠，但Arslan卻意外在船屋和老家的遊牧傳統之間，發現了相似之處，「回看歷史，傳統的哈薩克人會帶著蒙古包，在不同的地方停留，」也就是說，家在物理上總不是固定的，如同在河上停泊的船屋。

即便如此，家的精神可以隨個人而行。當IKEA團隊前去拜訪時，Arslan邀請他們坐在korpe毯子上，為客人們倒了杯紅茶，這是哈薩克人的傳統；到了拍攝環節，他也自豪地披上korpe，望向Annie Leibovitz的鏡頭。即便離家數千里遠，哈薩克文化仍深植他的日常生活。

說回現實面，近年英國對船屋的需求激增，尤其是疫情過後，人們重新思考生活空間的定義與可能。根據統計，英國有超過35,000人持有窄船許可證，這些人都「無家」嗎？不，其中大多數人在倫敦持有永久住宅，也就是說，這部分人擁有一定程度的經濟能力。

不過，船屋真的那麼美好嗎？Arslan認為，媒體對船屋的描述過於集中在「過度精緻」的豪華市場，相對忽略了傳統的船屋社區；對他這代的年輕人來說，船屋提供了一個以相對較低的成本留在倫敦的機會，「很多人試著推銷這種生活方式，說它是多麽的美好；但我想向人們展示真實的一面，這是一種快節奏、年輕與緩慢步調、古老生活方式的混合體。」目前已住在船上3年的他，觀察到越來越多年輕人轉往水上，並相信船屋熱潮會持續延燒。

04 用一台車裝下生活，自由、聰明、風景瞬息萬變的有趣日常

義大利倫巴第・Sharon Sala之家

帶著貓咪Marte搬進露營車之前，Sharon搬過18次家，她笑說自己可能保有搬家的世界紀錄。從定點生活到輪上遊牧，契機源自疫情，現在的她已在車上住了一年多，大多數時間待在倫巴第，城裡有家人和朋友；工作時則跑遍義大利，拜訪廠商為公司打廣告。

在車裡，Sharon規劃了許多多功能的設計，比如中央的桌子可以是室內辦公桌、飯桌，偶爾想在戶外用餐時，還能連接到車子外部，需要時可以轉換成一張床；各種多用巧思，讓她在小小的空間裡能睡覺、吃飯、工作、讀書、偶爾與朋友聚會。當被問到輪上生活最迷人之處在哪？Sharon回答，在車上無論何時都能改變生活風景，這對怕無聊的她來說，是非常重要的。

05 非常也平凡的三親家庭，充滿人、植物與色彩的繽紛家居

瑞典斯德哥爾摩・Cal Orre之家

活躍於LGBT+社群的倡議家Cal Orre，在斯德哥爾摩與伴侶Mina、Zafira，共同養育孩子Rio，共組3個父母、1個孩子的非典型家庭。他們的家鋪上蝴蝶紛飛、植物蔓延的壁紙，點綴多彩拼接的沙發、水晶燈，色彩斑斕，充滿活力；一家人平時最愛客廳，夏天喜歡到陽台配著景色吃飯。

在以雙親家庭為主流的社會，人們不免好奇3個家長的家庭如何運作？Cal解釋，「Rio是生活的核心，我們制定了時間表，每週由一個人擔任主要家長，負責照顧孩子；其他兩人可以自由地做想做的事。」身邊朋友曾表示羨慕，一家能有3個共同分擔家務與責任的父母。不過，事情總是一體兩面，Cal也侃侃而談過去遇過的困難，從銀行開戶、公寓抵押貸款、育嬰假到登入Rio學校的線上學習平台⋯⋯各種生活大小事，都曾因他們是3個父母的家庭而需要花更多心力解決。

但若是回歸家的本質、家人們之間的日常生活，其實與多數家庭沒什麼不同，「我們和其他人一樣，會忘了幫植物澆水，老是忘記冰箱裡還有沒有牛奶⋯⋯」Cal打趣說道。

06 不忘根源、傳承家業，陶藝工匠的鄉村祖居

日本福岡・Yusuke Onimaru之家

這棟屋子的主人是位陶藝家，本名鬼丸祐輔（Yusuke Onimaru），人稱Hekisan，福岡東豐村鬼丸家族的第三代傳人；從其祖父為始，家族已在當地製作「高取燒」30多年。生於陶藝世家，耳濡目染之下，鬼丸祐輔從小接觸陶藝，長大後離家赴大阪藝術大學讀工藝學科，畢業後再回鄉精進手藝，如今已52歲的他，仍留在東豐村做陶。

一輩子堅持傳承一項手藝，一生幾乎都在老家度過，對他來說，最大的引力就是「支持」，接待IKEA家訪時他說，「這裡的每個人都支持我，無論是在世的或已故的。我的祖先、過去的鄰居都葬在這，還有那些從我出生就一直支持我的人也都還在這。」這份羈絆，讓他在每個月的第一天，都會帶著酒、米和鹽，繞著小村走一圈，表達對地方的敬意。這樣的情懷，在人情疏離的當代都市中稀有。

擁抱且珍視自己從何而來，對鬼丸祐輔來說是必要的，他也將這份理念延伸到陶藝創作上，「當思考要如何創造讓人們感興趣的東西時，我需要回溯根源並問自己：『我是誰？』如果不重視自己的根、珍視周圍的環境，將永遠無法創造讓他人接受的價值觀。」帶著傳承自家族的手藝與情懷，鬼丸祐輔在工作室做陶時總是全力以赴，「經驗越多、技術越精湛，就越多人稱我為大師，而我必須做出配得上這個稱呼的作品，」對他來說，這就是真正的匠人精神。

07 從流落街頭，到成為旅人們的庇護者

德國柏林・Maria Arrechea之家

今年才20歲的Maria Arrechea，就已深刻感受過人生的顛簸、生活的苦澀。她在寄養家庭長大，享受了無憂無慮的青春，卻始終得不到關於自己「身份」的解答，於是選擇出走。離家之後，她曾睡在街頭、多次在青少年設施和診所過夜，前後漂泊了兩年，決定重新開始，離開從小長大的城市萊比錫，隻身前往柏林。

受惠於柏林的年輕人輔助生活計畫，Maria找到了現在的家，跟3位室友們一起工作、學習，有了相對穩定的生活。現在的她，是滑板滑手、也是自由攝影師，偶爾到外地出差時，就將房間轉租給旅人、或幫助急需棲身之處的人們。曾流落街頭的她說：「我對別人住在我的房間沒什麼意見，有很多人在找住的地方，能提供幫助的感覺很好，因為我知道尋找一個家意味著什麼。」

入門人像攝影，「從自己的家人拍起！」

「Life at Home」家訪攝影計畫的成果，就像是一份「攝影文獻」，闡述了跨越國界、種族、職業等因素，世界各地家庭生活的細微差別，多元而豐富。走訪25個家拍攝的Annie Leibovitz更表示，「我給年輕攝影師的建議就是——拍自己的家人，這是最好的開始方式之一；或到對方的家中替他拍照，可以從中了解一個人是誰。」事實上，她本人在生涯早期也這麼做，像是1980年約翰・藍儂（John Lennon）與愛人小野洋子（Yoko Ono）躺在地上深情相擁的影像，正是出自她手，拍攝地點就是兩人居住的紐約公寓「The Dakota」。

無論是對佈置家居癡迷的生活家、想鑽研人像攝影的初心者，或單純想探究「家」的多元樣貌和意義，「Life at Home」的影像和文字都很值得你花時間詳讀，不妨點此走入本計畫收錄的25個家。

這部電影不要你黏在椅子上看，而要你起身走進一棟台灣老公寓，穿梭廚房、客廳、臥室等空間，慢慢拼湊出曾發生在此的破碎婚姻故事。你的移動步伐，將推動故事前進。

這是台灣張碩尹工作室、英國爆炸理論（Blast Theory）共同製作的「互動式電影」作品《Proof As If Proof Were Needed》，於年初拿下2025美國西南偏南藝術節（SXSW）混合實境競賽單元評審團特別獎後，回到台北於7/4～7/20限定兩週展出。

「走進」老公寓，拼湊一段破碎婚姻故事

《Proof As If Proof Were Needed》由蔡弦剛執導，夏騰宏與柯念萱主演，背景設定在一間台灣老公寓，文本圍繞著一個在災難中破碎崩解的婚姻故事。這不單只是一部電影，更是一件觀眾可與之互動的沈浸式裝置。有趣的是，觀眾不需要穿戴任何裝置，而是透過「AI視覺感測系統（AI Computer Vision System）」體驗。

觀眾將置身一座台灣住家的等比例平面圖上，地面標示著4個空間：廚房、客廳、臥室與浴室。每當觀眾踏入其中一個房間，AI系統便會偵測觀眾的移動，切換到該房間的故事。透過在空間中移動，觀眾將慢慢拼湊出一對伴侶曾在此生活的痕跡。

觀眾的「互動」也是看點

由於每場次的觀眾人數可能不只一人，因此觀眾之間發酵的狀態也成為觀看的重點。AI視覺感測系統會在偵測展間的人流後，決定該切換到哪個視角，因此觀眾彼此互相看眼色、牽制與角力，干擾和合作，都成為了觀看作品的趣味。

這部「互動式電影」打破線性敘事，給予觀眾更多摸索的空間，建構出新型態的觀看體驗——作品的敘事仰賴觀眾的移動進行，甚至可以說是「沒有觀眾，作品就不存在。」創作者亦不刻意講故事說明，轉而注重傳達作品的情感氛圍，交由觀眾填補空白。

「我特別喜歡觀察人們如何和作品互動，努力了解故事的樣子，甚至還曾看見觀眾一隻手放在房間、另一腳放在廚房，試驗著試圖混淆系統的滑稽舉動，發展出團隊從未想過的互動的方式。」——爆炸理論業務經理Anne Ruper

為何以「家」為題？一座壓抑籠罩的劇場

「家」一詞往往讓人聯想到庇護、歸屬與安穩，但創作團隊回溯電影史中大衛・林區《驚狂》和米哈伊・哈涅克《隱藏》當中對「家」的詮釋，卻是潛意識中瀰漫壓抑和焦慮的劇場。於是在《Proof As If Proof Were Needed》中，「家」成為觀眾走入作品敘事的核心，當觀眾穿越不同房間，也彷彿在夢境般的空間，探尋此地曾發生的婚姻生活痕跡。這樣的結構不僅回應了潛意識如「記憶宮殿」般的運作機制，也讓觀眾的「觀看」，從被動變成主動的心理參與。

另一方面，家作為最小單位的社會結構，不只受到內部情緒影響，也受到外部局勢的牽動。從歷史和社會脈絡來看，台灣長年受地緣政治影響，有著身份認同的討論；英國社會則長期面對移民問題，及近年的脫歐危機和通膨困境。因此，這次跨文化的台灣與英國團隊，從彼此對「家」的理解出發，重構一個想像的個人空間，並藉此探討所謂「家」的樣貌。

SXSW評審團在授予獎項時表示：「這件作品讓我們感受到迷惘、沮喪和彼此疏離。一開始只是悶燒著，但是最終成為空間、故事、科技和人類行為之間產生了意料不到的聯繫和交會舞蹈。」

以互動性、社會批判串起的藝術實驗

來自英國的爆炸理論（Blast Theory）常透過互動藝術探索社會和政治議題，他們結合表演、遊戲、影像、應用程式、裝置藝術等，將觀眾置於非尋常、甚至令人不安的體驗當中，邀人們透過親身參與日常難遇的景況，開拓看待社會的新觀點。像是在作品《觀看的機器》中，觀眾便被邀請參與一場搶銀行的角色扮演遊戲。

張碩尹與爆炸理論的合作始於2016年，當時他在爆炸理論位於英國布萊頓（Brighton）的工作室駐村一個月。他回憶：「當初觀看到的，是藝術計畫除了成為展覽中的展示品之外，能夠成為溢出社會建制的『事件』。藝術家能夠透過藝術計畫的靈活與機動性，連結各形各色的人事物，進一步成為寬廣世界溝通的管道。」受此啟發，張碩尹工作室在2023年夏天向爆炸理論提案，開始《Proof As If Proof Were Needed》為期一年半的開發與製作，作品於2025年國西南偏南藝術節（SXSW）全球首映，如今回到台北放映。

此次合作延續著張碩尹工作室和爆炸理論對於「互動性」的高度興趣，雙方的作品都時常有意識地削弱藝術家的「控制權」，將作品開放給觀眾參與，在這樣的情況下，觀眾也被賦予了「推進作品」的責任——每個人的行動、決策以及與其他陌生參與者當下的互動，都為作品創造嶄新的意義和火花。

《Proof As If Proof Were Needed》台灣首演

展期｜2025.07.04－07.20，期間不公休

地點｜台北市士林區福華路180號

開放時間｜ 11:00－21:00

今年，瑞士巴塞爾藝術展（Art Basel）發生一場「藝術事變」——不羈的洋紅噴漆線條猖狂地侵佔主展館前廣場，從地面蔓延至牆面、時鐘、水池，甚至覆蓋Art Basel斗大的標誌。這不是惡作劇、也非抗議，而是德國視覺藝術家Katharina Grosse為展場量身作的畫——《CHOIR》。透過具侵略性的線條及張揚色彩，藝術家企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能；也在這人們爭相購入藝術品的場域，創造一件「無法被擁有」的藝術品。

生命有限、無法被擁有的藝術品

傾心藝術，必知Art Basel。這場全球知名的藝術博覽會，版圖跨及瑞士巴塞爾、邁阿密和香港，匯集全球藝術家及藝廊、涵蓋多元流派的創作能量，每年吸引無數買手與藏家前來購藏藝術。在這藝術品買賣不斷發生的場域，Katharina Grosse透過《CHOIR》掀起一場反動——這件作品只存在一週，展會結束便消失，不標價、不販賣，沒有任何人能夠擁有它。

繪畫只能被裱框欣賞？這幅歡迎所有人闖入

從畫布、建築物到城市廣場，都是Katharina Grosse的創作空間。凡是表面，在她眼裡都充滿創作潛力。她以噴繪手法挑戰傳統繪畫的概念，也透過不按牌理出牌的作畫背景，對畫作的「歸屬」提出質疑。

像是她這次為Art Basel創作的《CHOIR》，是一件用工業噴漆繪成、佔據城市廣場的公共藝術，像街頭原生的塗鴉，也像一幅巨大的抽象水彩畫。可畫作該存在於戶外嗎？又該任人踩踏嗎？印象中，明明該被放在美術館裡裱框欣賞？Katharina Grosse嘗試推翻的便是這一道道提問，她將繪畫置於無需預約、任何人都可能經過的公共空間，歡迎所有人參與其中，共演一場「即興表演」。雖說《CHOIR》不能被任何人購藏，但換個角度想，它亦屬於「參與表演」的所有人。

探討人們對控制的執著、衡量藝術品價值的觀點

《CHOIR》僅存在7天的生命週期，背後也蘊藏著Katharina Grosse衡量畫作價值的觀點。普遍來說，長傳於世的畫作會被認為更具價值——若作品能在不斷流逝的時間長河中捱過考驗，時間將為其增值。可Katharina Grosse卻認為，繪畫不一定非要永垂不朽才是強大，對她來說，畫作從不存在到存在、再走向不存在，更能具體體現時間的流逝，這何嘗不是另一種珍貴？

再向內探究，Katharina Grosse也藉《CHOIR》探討著人類對「控制」的執著，以及對「自由」的渴望。她企圖在受制的環境中，試驗藝術發生的各種可能，在這樣的創作概念下，廣場任何地方都是她的畫布——既然如此，Art Basel的標誌被噴了漆又有什麼關係呢？