「家」該是什麼模樣？每人心中各有答案。作為人們打造理想家居的好夥伴，IKEA對此也很好奇，於是攜手攝影大師Annie Leibovitz展開「Life at Home」家訪攝影計畫，走訪7個國家的25個「家」，拍下人們的日常生活。這些日常影像跨越地域、種族、文化⋯⋯的疆界，以「家」為索引，細細爬梳屋主們的日常、挖掘其生命故事，看一個人的工作、交友圈、興趣甚至是生命經驗，如何影響其生活空間。

看過「Life at Home」25個家的故事後，編輯私心挑選7則「家事」分享，從歐洲的義大利、德國、瑞典到亞洲的印度、日本，從現實世界的都市綠洲、河道上的船屋、3個家長1個孩子組成的LGBT+家庭、蘊含印度古老智慧的四代同堂之家，再到堅守家族根源的陶藝職人祖居⋯⋯。每個風格截然不同、故事各自精彩的家，都反映了主人的生活哲學，有些更進一步延伸出當地的居住潮流。

01 古城中的綠洲，用苔玉創造迷你綠色星系

義大利米蘭・Giovanni Laguzzi之家

建築師Giovanni Laguzzi的家，是一座真正的「城市綠洲」。6年前剛搬到這棟雙層公寓時，他偶然在報紙上看見苔玉（Kokedama）的照片，對這款源於日本、外觀獨特的植物球一見鐘情，不只嘗試自己做了幾顆，更著手將家中閣樓改造成微型的苔玉溫室。步入其中，彷彿遁入奇幻的綠色星系，無數的苔蘚行星上棲息著各式植物，從地板延伸至天花板，長在浴室、廚房、沙發周圍，充斥日常生活。對Giovanni來說，植物象徵著生命，而住在苔玉滿佈的空間裡，能為他提升能量。

疫情過後，人們更加在意生活品質，與苔玉共生的Giovanni也建議，「如果想在家裡放綠色植物改善空氣品質，又受限於空間放不了太多花瓶，那苔玉會是完美的選擇，它能懸掛在空間，或放在簡單、不佔空間的支撐物上，例如倒置的玻璃罐蓋。」若住在都市，又想為家中引進綠意，不妨跟上Giovanni的腳步，踏進苔玉世界。

02 擁抱時間，四代同堂的記憶博物館

印度孟買・Gangadharan Menon之家

一頭長白髮、留著像鄧不利多的長鬍子，Gangadharan Menon是位住在孟買的退休教師。30年前，他和妻子為了尋得理想的家，看了超過50間房，最後才找到這棟擁有大廚房、挑高天花板、漂亮結構的排屋；現在，這棟房子是Ganga與母親、兒子與兒媳、兩隻狗狗的家，四代同堂。

在Ganga的村落，因為房子大多窄小，多代同堂的家庭並不常見，但這卻是他堅守的傳統，「將家人聚集於同一屋簷下，大家更容易互相分享生活，長者可以傳授寶貴的智慧。」這份堅持與他看待年齡增長的觀念有關，「在印度，我們稱母親為vriddha，在梵語中意為『進步的人』，」代表著年齡是層次、複雜性的增進，而非衰退。

懷抱著vriddha象徵的精神，Ganga擁抱經時光淬煉的美好事物，將家打造成一座「記憶博物館」——臥室擺著25年前旅行時入手的書架；書房掛著一幅1931年的畫作，出自妻子的曾曾祖父之手，一旁妝點著從孟買跳蚤市場Chor Bazaar淘來的木櫃。無處不是記憶的痕跡。

03 離鄉千里，在船屋和遊牧之間找到共同意義

英國倫敦・Arslan Zhunus之家

出生於哈薩克的Arslan Zhunus，現居於倫敦東部利河（River Lea）的一艘小船上，過著離網生活。生活在水上，與他在哈薩克山城阿拉木圖度過的童年，聽來相去甚遠，但Arslan卻意外在船屋和老家的遊牧傳統之間，發現了相似之處，「回看歷史，傳統的哈薩克人會帶著蒙古包，在不同的地方停留，」也就是說，家在物理上總不是固定的，如同在河上停泊的船屋。

即便如此，家的精神可以隨個人而行。當IKEA團隊前去拜訪時，Arslan邀請他們坐在korpe毯子上，為客人們倒了杯紅茶，這是哈薩克人的傳統；到了拍攝環節，他也自豪地披上korpe，望向Annie Leibovitz的鏡頭。即便離家數千里遠，哈薩克文化仍深植他的日常生活。

說回現實面，近年英國對船屋的需求激增，尤其是疫情過後，人們重新思考生活空間的定義與可能。根據統計，英國有超過35,000人持有窄船許可證，這些人都「無家」嗎？不，其中大多數人在倫敦持有永久住宅，也就是說，這部分人擁有一定程度的經濟能力。

不過，船屋真的那麼美好嗎？Arslan認為，媒體對船屋的描述過於集中在「過度精緻」的豪華市場，相對忽略了傳統的船屋社區；對他這代的年輕人來說，船屋提供了一個以相對較低的成本留在倫敦的機會，「很多人試著推銷這種生活方式，說它是多麽的美好；但我想向人們展示真實的一面，這是一種快節奏、年輕與緩慢步調、古老生活方式的混合體。」目前已住在船上3年的他，觀察到越來越多年輕人轉往水上，並相信船屋熱潮會持續延燒。

04 用一台車裝下生活，自由、聰明、風景瞬息萬變的有趣日常

義大利倫巴第・Sharon Sala之家

帶著貓咪Marte搬進露營車之前，Sharon搬過18次家，她笑說自己可能保有搬家的世界紀錄。從定點生活到輪上遊牧，契機源自疫情，現在的她已在車上住了一年多，大多數時間待在倫巴第，城裡有家人和朋友；工作時則跑遍義大利，拜訪廠商為公司打廣告。

在車裡，Sharon規劃了許多多功能的設計，比如中央的桌子可以是室內辦公桌、飯桌，偶爾想在戶外用餐時，還能連接到車子外部，需要時可以轉換成一張床；各種多用巧思，讓她在小小的空間裡能睡覺、吃飯、工作、讀書、偶爾與朋友聚會。當被問到輪上生活最迷人之處在哪？Sharon回答，在車上無論何時都能改變生活風景，這對怕無聊的她來說，是非常重要的。

05 非常也平凡的三親家庭，充滿人、植物與色彩的繽紛家居

瑞典斯德哥爾摩・Cal Orre之家

活躍於LGBT+社群的倡議家Cal Orre，在斯德哥爾摩與伴侶Mina、Zafira，共同養育孩子Rio，共組3個父母、1個孩子的非典型家庭。他們的家鋪上蝴蝶紛飛、植物蔓延的壁紙，點綴多彩拼接的沙發、水晶燈，色彩斑斕，充滿活力；一家人平時最愛客廳，夏天喜歡到陽台配著景色吃飯。

在以雙親家庭為主流的社會，人們不免好奇3個家長的家庭如何運作？Cal解釋，「Rio是生活的核心，我們制定了時間表，每週由一個人擔任主要家長，負責照顧孩子；其他兩人可以自由地做想做的事。」身邊朋友曾表示羨慕，一家能有3個共同分擔家務與責任的父母。不過，事情總是一體兩面，Cal也侃侃而談過去遇過的困難，從銀行開戶、公寓抵押貸款、育嬰假到登入Rio學校的線上學習平台⋯⋯各種生活大小事，都曾因他們是3個父母的家庭而需要花更多心力解決。

但若是回歸家的本質、家人們之間的日常生活，其實與多數家庭沒什麼不同，「我們和其他人一樣，會忘了幫植物澆水，老是忘記冰箱裡還有沒有牛奶⋯⋯」Cal打趣說道。

06 不忘根源、傳承家業，陶藝工匠的鄉村祖居

日本福岡・Yusuke Onimaru之家

這棟屋子的主人是位陶藝家，本名鬼丸祐輔（Yusuke Onimaru），人稱Hekisan，福岡東豐村鬼丸家族的第三代傳人；從其祖父為始，家族已在當地製作「高取燒」30多年。生於陶藝世家，耳濡目染之下，鬼丸祐輔從小接觸陶藝，長大後離家赴大阪藝術大學讀工藝學科，畢業後再回鄉精進手藝，如今已52歲的他，仍留在東豐村做陶。

一輩子堅持傳承一項手藝，一生幾乎都在老家度過，對他來說，最大的引力就是「支持」，接待IKEA家訪時他說，「這裡的每個人都支持我，無論是在世的或已故的。我的祖先、過去的鄰居都葬在這，還有那些從我出生就一直支持我的人也都還在這。」這份羈絆，讓他在每個月的第一天，都會帶著酒、米和鹽，繞著小村走一圈，表達對地方的敬意。這樣的情懷，在人情疏離的當代都市中稀有。

擁抱且珍視自己從何而來，對鬼丸祐輔來說是必要的，他也將這份理念延伸到陶藝創作上，「當思考要如何創造讓人們感興趣的東西時，我需要回溯根源並問自己：『我是誰？』如果不重視自己的根、珍視周圍的環境，將永遠無法創造讓他人接受的價值觀。」帶著傳承自家族的手藝與情懷，鬼丸祐輔在工作室做陶時總是全力以赴，「經驗越多、技術越精湛，就越多人稱我為大師，而我必須做出配得上這個稱呼的作品，」對他來說，這就是真正的匠人精神。

07 從流落街頭，到成為旅人們的庇護者

德國柏林・Maria Arrechea之家

今年才20歲的Maria Arrechea，就已深刻感受過人生的顛簸、生活的苦澀。她在寄養家庭長大，享受了無憂無慮的青春，卻始終得不到關於自己「身份」的解答，於是選擇出走。離家之後，她曾睡在街頭、多次在青少年設施和診所過夜，前後漂泊了兩年，決定重新開始，離開從小長大的城市萊比錫，隻身前往柏林。

受惠於柏林的年輕人輔助生活計畫，Maria找到了現在的家，跟3位室友們一起工作、學習，有了相對穩定的生活。現在的她，是滑板滑手、也是自由攝影師，偶爾到外地出差時，就將房間轉租給旅人、或幫助急需棲身之處的人們。曾流落街頭的她說：「我對別人住在我的房間沒什麼意見，有很多人在找住的地方，能提供幫助的感覺很好，因為我知道尋找一個家意味著什麼。」

入門人像攝影，「從自己的家人拍起！」

「Life at Home」家訪攝影計畫的成果，就像是一份「攝影文獻」，闡述了跨越國界、種族、職業等因素，世界各地家庭生活的細微差別，多元而豐富。走訪25個家拍攝的Annie Leibovitz更表示，「我給年輕攝影師的建議就是——拍自己的家人，這是最好的開始方式之一；或到對方的家中替他拍照，可以從中了解一個人是誰。」事實上，她本人在生涯早期也這麼做，像是1980年約翰・藍儂（John Lennon）與愛人小野洋子（Yoko Ono）躺在地上深情相擁的影像，正是出自她手，拍攝地點就是兩人居住的紐約公寓「The Dakota」。

無論是對佈置家居癡迷的生活家、想鑽研人像攝影的初心者，或單純想探究「家」的多元樣貌和意義，「Life at Home」的影像和文字都很值得你花時間詳讀，不妨點此走入本計畫收錄的25個家。

國際影展輪番登場，明星紅毯躍然娛樂版面，比重甚至大過藝術本質——精品品牌為服裝造型等「看得見的藝術」所投入的人力物力自不會少。但在版面之外、大眾視線未及之處，誰又真為藝術傾情？

第82屆威尼斯影展自2025年8月27日開幕至本週末閉幕，為期11天的電影高光時刻受四面八方矚目。每年優秀作品於獎壇上一較高下的同時，各品牌也在紅毯上各獻驚豔之作，與影人共同演繹百變風格。然隨時尚與藝術文化之間愈加深化對話，除經常可見紅毯著裝巧妙呼應劇中造型抑或作品概念，也不乏品牌以自身資源與聲量，進一步從修復經典、贊助新銳等多面向對藝術領域進行挹注——香奈兒無疑是這之中重要而堅實的一大力量，陪伴兼具演員身分的大使及好友華麗登場不在話下，至今承襲香奈兒女士百年前開啟的傳統，攜手影人、影業共同扶持第七藝術發展，多年來創造的豐碩成果細數不盡。因此，本文將始於香奈兒與藝術交相輝映的歷史脈絡，接續整理近期實例揭示電影產業裡的多元參與現況。

1920年與電影結下不解之緣

在世界眾多藝術集散地中，現正匯聚全球目光的威尼斯與香奈兒有何特殊淵源？品牌符碼「獅子」不僅是香奈兒女士的星座，更藏威尼斯城徽「聖馬可飛獅」意象。回溯至一切如日方升的1920年，品牌創辦人嘉柏麗香奈兒（Gabrielle Chanel）在藝術家荷西瑪利亞（José Maria）與米西亞賽特（Misia Sert）夫婦的陪同下，首度探索這座總督之城（City of the Doges）。沒想到，此行成為香奈兒女士日後的靈感泉源，且讓威尼斯深植香奈兒歷史，於諸多創作系列中渲染為底蘊般的存在。

過去數十年間，香奈兒參與服裝創作的電影亦於威尼斯影展多次取得佳績。1961年，亞倫雷奈（Alain Resnais）的法國新浪潮鉅作《去年在馬倫巴》獲金獅獎（後得品牌支持於2018年影展上重映修復版本），主演黛芬賽赫意（Delphine Seyrig）穿著香奈兒女士設計的服裝亮相；1963年，二座金獅獎在身的導演路易馬盧（Louis Malle）執導作品《鬼火》奪評審團特別獎及義大利電影評論獎，演員亞莉珊德拉史都華（Alexandra Stewart）和莉娜史克勒（Léna Skerla）劇中造型同樣包括香奈兒服飾。再至近年，品牌大使蒂妲史雲頓（Tilda Swinton）穿著香奈兒高級訂製服受頒第77屆終身成就金獅獎；影壇新秀安娜瑪麗亞沃特魯梅（Anamaria Vartolomei）則穿著香奈兒操刀的洋裝出演電影《正發生》，而該片最終拿下第78屆金獅獎。

時代更迭，熱情歷久彌新

香奈兒女士 ⇀ 老佛爺 ⇀ 維吉妮維婭，讓時尚透過電影觸及所有女性

香奈兒女士生於電影興起的年代，自職涯早期便因緣際會繫起和這門藝術的深刻連結；電影創作所凝聚的動態感、無畏精神與夢想，更與香奈兒品牌的時尚語彙相互契合。1931年，嘉柏麗香奈兒在美國電影製作人山繆高德溫（Samuel Goldwyn）的邀請下遠赴好萊塢為女演員打造戲服和常服——這段經歷後來化為她創作法片《霧港》造型時的養分，儘管當時觀眾仍較青睞好萊塢式華麗風格，其低調設計並未獲顯著成功。

同自此時起，香奈兒女士以跨領域藝術家「贊助者」之姿揚名，最為人所知的莫過於與她擁有摯友情誼的法國詩人尚考克多（Jean Cocteau），以及當時還是新進、經她向知名導演尚雷諾瓦（Jean Renoir）引薦而逐步打開電影生涯的盧契諾維斯康堤（Luchino Visconti）等。

而後，在時任創意總監卡爾拉格斐（Karl Lagerfeld）和維吉妮維婭（Virginie Viard）接續推動下，香奈兒愈發加大對電影的投入力度，始終與合作藝術家保持長期關係、全程支持其職涯發展，同時積極推動和當代影視從業者的穩定交流，對象涵蓋國際巨星到跨文化的新銳演員及導演。亦透過戲服設計、製作支持乃至電影發行層面的協力，確保每項創作計畫皆能獲得充分的自由與獨立性，絲毫不使資源成為干預藝術的手段；對世界影展、指標性典禮、藝術與文化相關機構不遺餘力的支援，必然是難能可貴的一番美談。以下列舉4個推行中或甫完成的項目。

#01 贊助安德烈巴贊獎

法國電影月刊《電影筆記》（Les Cahiers du Cinéma）於2022年設立的「安德烈巴贊獎（André Bazin Prize）」現由香奈兒贊助舉辦。該獎項旨在表彰當年度於法國獻映首部長片的新興電影人，並提供獲獎者20,000歐元獎金；評審團則由雜誌編輯團隊預選一名電影評論家、一名文化界人士，另邀業內導演、演員和技術人員各一名組成。

#02 攜手名導是枝裕和推Tokyo Lights

秉承嘉柏麗香奈兒的先鋒理念與堅定承諾，香奈兒與品牌好友、國際名導是枝裕和聯手推動「香奈兒與電影 – Tokyo Lights」人才培育企劃，致力扶持日本新生代電影導演。

#03 修復馬賽卡內《霧港》

正值2025年各國新片於影展首映之際，香奈兒轉頭修復嘉柏麗香奈兒短暫與好萊塢片廠合作後，參與的首批法國電影——20世紀法片經典、詩意寫實導演馬賽卡內（Marcel Carné）的1938年電影《霧港》；當時年僅17歲的蜜雪兒摩根（Michèle Morgan）委託香奈兒女士為其角色設計服裝，香奈兒女士即提出以貝蕾帽搭配雨衣、勾勒簡約輪廓的大膽構想。

全計畫由香奈兒贊助的映歐嘉納影業（Studiocanal）和法國電影園（la Cinémathèque française）主導，加上法國國家電影中心的協助，使用1938年的原始電影負片及標準硝酸底片進行修復。

#04 支持雙年展電影學院

雙年展電影學院（Biennale College Cinema）2012年由威尼斯雙年展發起，主要著眼於培育義大利本地及世界各地年輕電影創作者，每年皆為10逾位青年導演的創作計畫提供劇本編寫、發行策略、財務規畫及製作時程等專業指導，可謂影壇明日之星的絕佳鋪墊。2024至2025年度遴選的12項計畫中有4部作品已經完成，並將作為威尼斯影展官方節目的一部分展示，贊助大使即為香奈兒品牌好友、導演暨編劇奧黛麗迪萬（Audrey Diwan）。

當年香奈兒女士對散發著巴洛克浪漫風情的威尼斯一見傾心，如今品牌重返創辦人深愛的城市，與雙年展電影學院展開首次合作，憑滿腔熱情繼續傳承知識、滋養創意能量。

嘉柏麗香奈兒與電影世界邂逅一世紀後，香奈兒仍傾力保存過去、發揚現在、展望未來，這份情意遠超越「贊助換取曝光」範疇，悄然為不可兌現、無以計價的藝術產業繪出令人安心的前景。

聞名世界的英國雕塑家Antony Gormley，擅長利用金屬重現人體結構，傳達「人體是情感的容器」思想——遠看如分解、也似完整的金屬人形，挑戰著人眼、媒材與空間之間的互動關係。

即日起至2025年11月30日，Antony Gormley於韓國Museum SAN帶來大規模個展「Drawing on Space」，展出涵蓋雕塑、沈浸式裝置、素描、版畫等共48件作品，並首次公開與日本建築大師安藤忠雄合作的永久性建築裝置《Ground》，這是首次有藝術機構為收藏Antony Gormley作品而專設空間，極具紀念價值。

山林裡與自然共生的美術館

2013年落成的Museum SAN，隱身於韓國原州一片森林當中，其名取自Space（空間）、Art（藝術）、Nature（自然）的英文字首，讀音呼應韓文中的「山」字，隱喻博物館位處廣袤山林當中，及其致力融合藝術、建築與自然的策展概念。

博物館建築由造紙業起家的韓松集團邀安藤忠雄設計，耗時8年才完成。自高空俯瞰，園區由長方形、三角形、圓形等不同幾何輪廓的量體組成，體現安藤忠雄藉建築連接天、地、人的設計哲學，與其標誌性的清水模搭配，寧謐而富哲思。

> 安藤忠雄清水模新作「光之空間」！韓國Musuem SAN藏身山林中的全新光影冥想空間

Museum SAN設有紙藝廊、版畫工房、收藏韓國近現代繪畫與雕塑品的青鳥藝廊，及專藏美國藝術家James Turrell作品的同名場館等，場館間由花之庭園、水之庭園與石之庭園細膩串連，另設有兩座安藤忠雄打造的冥想空間，再次扣合SAN藉建築與藝術讓觀者與自然融於一體的理念。這次安藤忠雄為Antony Gormley設計的《Ground》，也延續著這份精神。

建築與雕塑對話的冥想空間

《Ground》位於美術館花園下方，是一座直徑達25公尺的地底穹頂。圓頂頂部設有單一天窗，引自然光入內，呼應著古羅馬萬神殿的建築精神，同時體現安藤忠雄的極簡風格，及Antony Gormley長期以來對「空間感知」的探索。

來到這裡，觀眾會先透過一面全景玻璃牆，欣賞到藝術家建構人體的《Blockworks》系列鑄鐵雕像，它們或坐、或站、或蹲，靜靜佇立於洞窟般的空間中；從圓頂天窗流瀉而下的光線，為觀察雕塑材質、線條動態的體驗更添趣味。再向內走，則更能感知混凝土材質與穹頂織就、帶點神性的氛圍，窗外自然景致也漸漸合流，構築一方沈思秘境。有趣的是，場館外側設有一尊鑄鐵雕像，透過圓頂開口與外部景觀對望，藉其「視線」將穹頂空間與遠方山景串連，別具詩意。

「Drawing on Space」聚焦藝術家對身體感知的長年探索

除了與安藤忠雄合作的建築裝置外，「Drawing on Space」也展出Antony Gormley大量精彩作品。開場聚焦《Liminal Field》系列，其以金屬線條建構通透、輕盈的人形，暗示著身體作為「邊界」的概念，這些雕塑雖與人等高，卻因空心結構流露出一種如泡沫般脆弱的特質，亦隱喻無常。

接著視野從立體轉向平面，第二展廳展出素描及版畫，梳理Antony Gormley對光與暗、實體與虛空、身體與建築等主題的探討。最後以沈浸式裝置《Orbit Field II》收尾，其由相連的鋁製圓環構築而成，輕盈懸浮於空間之中，邀觀者穿梭其中，親身與展品互動，亦體現藝術家一貫的信念：「雕塑的核心不在於物件本身，而在於體感經驗。」

無論是展覽本身或將永久存於美術館的《Ground》，都再度體現了Museum SAN將藝術、建築與自然揉合的概念。Antony Gormley也表示：「這次展覽的核心在於將實體與想像的空間結合，展品的存在是為了『活化空間』，而不是佔據空間，同時探索著身體與建築這兩種感知媒介間的關係。」