何庭安善用數位特質的方法論！複製堆疊的創作手法，橫跨叁式藝術總監與平面設計師雙重身分

身為平面設計師，何庭安從漢字動態專案逐漸為人所知，近期亦繳出2024放視大賞等活動識別；他也以叁式藝術總監的身分，在2023台灣設計展、捷安特品牌博物館等橫跨視覺與體驗。許多人覺得他的技能超出了平面設計，但回歸原意「graphic design」，圖像設計本無限制，只有媒介隨時代改變。

何庭安的設計與數位工具分不開，他的人生也是。點進他的Notion頁面，所有案子推進的每一步驟，鉅細靡遺的程度已經有點超現實。但這都不及他的生活清單，看了哪些電影、評分幾分⋯⋯；買了哪些書、是實體還是電子書、書本所在位置、閱讀進度等等全都寫上。連要請太太幫忙買醬油，也是發Notion通知，執行者是太太、監督者是自己。笑問他難道不會被討厭？他理性回應，「最討厭的是遊戲規則不清楚，但又被情勒。這樣就不會被情勒，一切清清楚楚。」

源自電音的設計風格養成

在數位工具普及之前，何庭安的人生也清楚建檔在腦海。還真有那麼一個讓他走上設計的決定性瞬間，小時候看到資源回收桶上的符號，3個白色箭頭說不上來美，卻清楚傳遞資源回收的訊息，「那個時間點我就知道，我喜歡聰明地畫圖。」這個符號彷彿打開他的眼界，發現周遭存在各種招牌、logo等「聰明的圖案」，一直到大學讀媒體傳達設計系，才知道「聰明的美工就是設計師」。

他的設計風格也在大學養成，啟蒙並不是哪位設計大師，而是法國電音團體「Daft Punk」。他們的樂風為「French House」，特色是藉由加入越來越多軌道，營造越漸豐富的聲音，且一直維持在同樣節奏。「多軌的方式簡單來說就是複製，可是又混音了一點點，再複製再混音，這樣越來越複雜的作法，其實是我在設計裡常常取巧的概念，而這就是數位的本質。」何庭安解釋，物理世界的物質是有限的，1杯水不能憑空變成2杯；但在數位世界裡，1個檔案複製成1萬個，幾乎沒有任何算力以外的限制，所有東西只要轉譯為1和0，就能在任何載體上完美地再複製。

音樂與設計，一個聽覺一個視覺，但從創作邏輯來看都能相通。「我在做設計的時候，常用大量的複製堆疊手法，去做簡單的事情。我很討厭用嶄新的科技，我喜歡用舊科技，可是加入一點點數位的特質，做出原本設計師想不到的作法。」以布拉格劇場設計四年展台灣館《寶島浮沉》展覽識別為例，策展人以載浮載沉的意象，隱喻台灣在國際上的政治地位。呼應此概念，何庭安用數位工具把「寶島浮沉」4個字不斷壓扁再複製、再壓扁再複製⋯⋯，排列出像是波浪的圖像，正因為是數位工具，才可以無限甚至暴力地延展文字。

經他這麼一講，《RE：江賢二》展覽識別不斷複製「江賢二」3字，營造如瀑布般傾瀉的字海；Panasonic「MAKE NEW」品牌全新宣告形象，「新」和「MAKE NEW」的文字被拆解又重組，背後都是同一原理。

儘管許多作品乍看簡練，但當視覺被放到數位載體延伸應用時，複製堆疊的手法就出現了。像是台北捷運線形公園成果設計展《2022這很台北VERY TAIPEI》，「VERY TAIPEI」的字體呈現物理手刻感，但當這套視覺被應用在動態時，便是以一套演算法，讓延伸出的大量圖像彼此都有一點像，卻又有點不一樣。而數位工具不僅影響他的風格，實質上亦是利器，他說「做設計」在自己的工作裡只占約百分之一的時間，原因就在善用數位工具，例如懂得蒐集和整理資料，就能節省大量時間。

所有設計案都是品牌案

除了平面設計師，何庭安還有另一個身分，即是叁式藝術總監。既是公司僱員又保有個人接案，這是雙方在合作初始就談好的權責。他提到，台灣的個人設計工作室要擴張規模，就會走上開公司，一旦設計師成了老闆或總監，就會慢慢淡化設計師的身分，這時就得面對「這個設計師是不是都不自己做了？」的窘境。但何庭安希望能一直創作，再加上他以品牌案為主，面對線上線下等無數載體的設計品項，不可能單憑一己之力，比起開公司讓自己分身乏術，更好的選擇是和不同公司合作。

與其說何庭安以品牌案為主，不如說他認為所有案子都是品牌案。他說，許多他經手的品牌案，其實最初找上門的需求都不是品牌，可能是想做一份菜單、招牌等等，但這些載體背後需要有品牌去支撐，才發現有更源頭的問題得解決。當兵時他幫長官做的「龍泉消防隊隊服」就是一個案例，先從設計隊服開始，最後還設計了logo，以握緊拳頭的手指形狀，聯動「龍」字右半邊的筆畫。這個案子也是支持何庭安繼續從事設計的轉捩點，當時他對設計萬念俱灰，認為設計就是在幫別人包裝，品牌喊出來的精神其實員工根本不相信，但設計師又無法深入企業改變。意外被長官抓來做了這件制服後，消防員們竟相當喜愛，讓他意識到「如果內部有人認同這個圖案，它就會變成一個呼召，設計的意義並不是設計師灌輸完就結束，是裡面的人再繼續灌輸下去。」

戴著鐐銬跳舞的學問

近年何庭安也負責許多大型活動主視覺，「至少現在經手過的專案，我覺得越大、觀眾越多的案子，設計的創意會越輕鬆，反而是要把一個複雜的議題收斂成一個簡單的概念。」2023台灣設計展以《Ｏ起來》為題，logo就是極度簡單的一個圈，但往往越簡單的設計，就越容易受到「這我也會畫」的質疑。對此他認為設計師應該盡可能看清楚「每個局」的樣貌，「這個局是台灣設計展，所以應該是要面對想來看展的人，以及還不知道自己會想來看展的人。主視覺延伸出去，比如說公車廣告、捷運廣告等露出，在那個當下讓大家看得懂，會比爭論logo好不好看來得重要。」

不禁好奇他的提案是一次就過嗎？這題他倒愣了一下，「這是被討論出來的結果，提幾個問題、再提解法，然後選哪一個解法是最好的，這個解法再相應生成一個設計，最後再出幾個模型討論。不是『我做了一包漂亮的圖，你要選哪一個？』的流程。」對何庭安來說，「改稿」這個詞在他的業態裡不成立，尤其是在做識別的時候，設計品項多達百種，彈性的折返過程總免不了，所謂改稿也常常是由他這端提出。會議裡若利害關係人都在場，他也會直接打開設計檔案現場調整，對他來說這相當於「白板」的功能，且能快速對焦彼此想法。

「設計像是戴著鐐銬在跳舞，如果限制是事先溝通的話，那我跳得漂亮就好。」何庭安說，幾乎所有設計師都遇過，比如客戶想做一個花俏視覺，最後卻說不想要這麼花俏。除了客戶不應出爾反爾，設計師在提案階段怎麼畫出「花俏」的光譜也很重要。例如除夕夜特別節目《WE ARE我們的除夕夜》，客戶提出要有龍年、中西合璧、國際感等需求，但「龍」並非一個好操作的視覺，一不小心就會太過東方感。對此他在第一次的概念提案，都會提出「想要的reference」和「不要的reference」，明確拉出希望視覺落在哪個光譜。最後他讓節目名稱裡的W和E，經過動態轉換組成抽象的龍；針對中西合璧和國際感，他以英文字組成如工筆畫的漣漪來解。

審美觸動於框架內的突破

從平面到數位，再從個人到公司，經手過也看過各式設計，不禁好奇現在他還會被什麼樣的設計吸引？「沒看過的組合。」何庭安解釋，「沒看過不是指新元素，是原本不該放在這個地方，卻不合時宜地出現了。」他說，荷蘭阿姆斯特丹市立現代美術館logo就是案例，以英文館名「Stedelijk Museum Amsterdam」排成S字型，還有原研哉以一個上寬下窄的梯形為電商「KURASHICOM」設計logo。兩者都不是新的畫風或圖像，卻是在各自品牌類別的框架裡，尚未出現過的詮釋。「我自己也很喜歡玩這種，以前沒人做過的事，現在我做了，之後可能又會有其他人做，但不是在原有舞台上，就會成為一種新東西，其實整個世界就是一個remix。」Daft Punk一定也沒想到，在遙遠的國度裡，竟有人把他們的音樂手法帶到了設計舞台。

何庭安

平面設計師與藝術指導。作品獲紐約ADC、iF設計獎、金點設計獎、金蝶獎、亞洲最具影響力設計獎等，受邀於法國、瑞士、德國、英國、東京、新加坡等地展出，動畫作品亦參展威尼斯雙年展、德國斯圖加特影展、羅馬尼亞動畫節等國際影展。目前主力從事品牌形象塑造，並著手大量數位體驗、形象塑造與商業設計之藝術指導，其餘時間在和貓吵架。IG：tinganho.info

_{文｜張以潔　攝影｜蔡耀徵}

_{圖片提供｜何庭安}

_{更多精彩內容請見 La Vie 2024/4月號《當代設計的雋永想像》}

義大利奢牌Loro Piana正尋找和他們一樣熱愛針織服的你——邁入第10屆的「Loro Piana Knit Design Award針織品設計大獎」隆重揭曉2026年度獎落誰家，本篇統整該獎設立宗旨與發展脈絡，同步收錄當屆8組參賽者匠心獨運的別致作品，邀你共同見證這場夙負盛名的盛會。

作為品牌每年一度舉辦的國際性賽事，Loro Piana Knit Design Award既透過表揚來自世界各地頂尖時裝設計院校的學生，發掘才華出眾的年輕創作者，從而激其創意潛能、助其完成抱負；也藉由促使他們善用Loro Piana特色紗線織造作品的寶貴歷程，保存、傳承，更甚於提升品牌在針織服方面的專業智慧和精湛技藝，將工坊追求卓越品質的熱忱傳予新世代。

以科技昇華色彩，交相演繹傳統羊絨與創新纖維

獎項始自2016年，過去10年間諸如由首屆3間增至本屆8間的參賽院校數目等規模指標皆持續擴大。2026年主題「Knitting Light – Craft on the Evolution of Colour（編織光線——色彩演進的工藝）」聚焦Loro Piana在色彩方面的敏銳觸覺，期待學生融會品牌底蘊和突破思維，展示千變萬化的色調。兩人一組的參賽團隊須以1種結合全球最優質羊絨的混色紗線＋最多3種合股紗線（必要含有高科技和創新纖維）展開布料實驗，著力於巧妙運用光線探究色彩細微差異，構成兼具深度和層次，且適當平衡傳統與創新概念的服飾造型，以詮釋自身對色彩的豐富見解、形塑得以代表傳統到創新演進過程的多元式樣。

實踐大學登2026年度盛會，評審團邀集各界佼佼者

角逐第10屆獎項的全球8間知名設計學校，除喜見台灣服裝設計專業首屈一指的實踐大學外，其他包括瑞典紡織學校、（義大利）羅馬服裝學院、（法國）杜佩雷高等應用藝術學院、（英國）赫瑞瓦特大學、（美國）帕森設計學院、（中國）東華大學、（日本）文化服裝學院等7所院校亦紛紛提交精彩作品。

同往年，賽事由義大利國家時裝商會贊助，評審團名單匯聚Loro Piana行政總裁Frédéric Arnault、人力資源總監Elvira Grimaldi、產品研發及系列策劃總監Alessandra Varianini、紗線研發主管Lucia De Cet多位品牌代表，以及時裝設計師（Bottega Veneta史上首位創意總監）Edward Buchanan、時裝品牌Setchu創辦人暨創意總監桑田悟史、時尚造型師Leaf Greener、時尚編輯Anna Dello Russo、Sozzani基金會（Fondazione Sozzani，由米蘭著名時尚概念店10 Corso Como創辦人Carla Sozzani成立）創意總監Sara Maino、高端品牌顧問公司Vinson&Co創辦人暨創意總監Nick Vinson、米蘭當代設計策展空間Galleria Rossana Orlandi創辦人暨創意總監Rossana Orlandi等時尚與藝術領域專業人士。

參賽作品全數於2026年5月13日提交，得獎名單緊隨其後於5月14日選址Galleria Rossana Orlandi（註）進行的特別活動中揭曉。優勝者將獲得特製獎座、獎學金及Loro Piana職缺，甚有機會前往品牌坐落皮埃蒙特的古老紗線及針織工坊，受專業工匠指導完成設計項目，同時從中學習相關知識；成品則預定在6月佛羅倫斯Pitti Filati針織紗線及織物展的Loro Piana展位上正式亮相。

註：該場地由Rossana Orlandi創設，因致力扶植前衛設計師而聞名，專門展出富實驗性和收藏價值的優秀設計。

獎落瑞典組合，8組參賽作品一次看

近日，Loro Piana宣布第10屆優勝者為瑞典紡織學校的Halla Lilja Ármannsdóttir和Viola Schmidt。兩人對年度主題的探索和構思，充分嶄露她們以精湛工藝革新針織品、訴說動人故事的非凡才華。

優勝｜瑞典紡織學校《Glitsky – Mother of Pearl》

• 獲獎學生：Halla Lilja Ármannsdóttir & Viola Schmidt
• 指導教授：Lara Alvarez

• 作品亮點：靈感源自陽光照射結晶雲層時映現幻變色調的虹彩現象。創作者採羊絨和特殊紗線演繹此概念，形構可靈活拼接的組合式服飾。因應服飾的多變性，藉針織網絡連結的菱形圖案能隨意綴上和拆下，且在特定角度具反射效果。鮮明俐落的外層專注鋪陳色彩，纖柔細緻的內層則著重凸顯光線反射。

Halla Lilja Ármannsdóttir於2021年取得倫敦時裝學院時裝紡織學士，現正攻讀瑞典紡織學校紡織設計藝術碩士。她認為針織不僅僅為一門技巧，更是一場與時間的對話，讓柔軟的羊毛與堅韌的馬毛得以相織、精準的機械和溫暖的人手得以共演一物。其創作手法正試圖開發針織品在塑造立體感和觸動情感上的潛力。作品展覽足跡遍及多地，舉凡2025年個展《She is I – The Knitting Experience》進駐冰島紡織博物館，同年紐約紡織月（New York Textile Month, NYTM）期間則參與在Scandinavian House舉行的北歐紡織聯展《Nordic Textile Takeover》等。

Viola Schmidt現正攻讀瑞典紡織學校紡織碩士，積極研究新穎方案、務求突破技術界限，進而創造能提升針織工藝的奢華作品；並期望通過分享作品背後故事建立情感共鳴，啟發大眾發現和欣賞手邊織品。

實踐大學《Back Home – Formosa》

• 學生：陳立越 & 楊紫葳

羅馬服裝學院《My Wondering Creature》

• 學生：Matteo Rosellini & Lorenzo Pezzotta

杜佩雷高等應用藝術學院《Nuit Blanche – Scrolling Through the Night》

• 學生：Louise Clerc & Antoine Millefert

赫瑞瓦特大學《Second Form》

• 學生：Leonor Baquero Vall & Adele Gillespie

帕森設計學院《Lichtspiel》

• 學生：Caitlin Briare & Carolin Habermann

東華大學《Sailing》

• 學生：鍾林芳 & 楊星怡

文化服裝學院《陰翳礼讃（In Praise of Shadows）》

• 學生：小林直美 & 鶴真奈花

走進專營歐洲繪本的童里繪本洋行，adj. everything 形容事物所共同創辦人蔡東宏與許琇鈞，以設計師與父母的雙重視角，重新看待繪本與閱讀的意義。他們會挑選什麼書？作為大人，他們自己也愛繪本？從親子共讀的日常出發，分享閱讀的喜悅，也從孩子與大人的角度，選出親子共樂的繪本。

➣本文選自La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》，更多精彩內容請點此

「書其實很平易近人，每個人都可以用自己的方式閱讀，不管是坐著、站著或蹲著，在這裡，看書是很自由的一件事。」許琇鈞說。身為形容事物所共同創辦人，她與蔡東宏長期以設計作為連結人與世界的方式，關注閱讀、城市與生活等議題；2016 年迎來女兒後，這樣的關注，也自然延伸到「孩子如何理解世界」的提問之中。在他們位於空軍三重一村的工作室裡，兩人將閱讀轉化為一種可被共享的日常實踐——從為國小、國中等不同年齡層發想的「城市教室」，到結合選書與共讀的「閱眷室」，邀請人們與孩子自由進入、停留與閱讀。

對他們而言，與孩子一起閱讀，不只是自我興趣的延伸，更是一種價值觀與世界觀的傳承。

從陪伴到對話的共讀歷程

談起與女兒的共讀時光，許琇鈞分享，她會依孩子的成長將閱讀分為不同階段。在 0～1 歲的嬰兒時期，孩子尚未理解圖像，但閱讀早已融入日常之中，常常在她清醒或玩耍的零散時段，從繪本延伸出各種互動與遊戲。蔡東宏形容，那段共讀時光彷彿一種喝牛奶的睡前儀式。「透過童書，小朋友其實真的會有被療癒的感覺，也就更容易入睡。」

而在 1~6 歲的階段，孩子雖尚未識字，但已能理解圖像，也開始在幼稚園累積閱讀經驗，因此回到家後，兩人則透過 1~3 小時的睡前共讀，或在週末走進圖書館、書店，讓閱讀在不同場域間展開。如今，隨著孩子逐漸長大、識字，他們也不再全然陪伴閱讀，更多是從生活經驗出發，依照孩子當下的心情與處境挑選書籍，讓她慢慢建立自主閱讀的習慣。 許琇鈞舉例：「像遇到人際關係的問題時，我會找相關的讀物給她。當再次面對現實情境時，我就會問：『你記不記得那本書寫了什麼？那你覺得你會怎麼做呢？』」

一本好繪本的標準與重量

事實上，早在女兒出生前，兩人便已有閱讀、收藏繪本的習慣。蔡東宏説，平常逛書店時，他往往會被建築、藝術、 插畫相關的圖像書或繪本吸引；大學剛畢業的那段時間，更曾密集地探索與購買這類書籍。許琇鈞則指出，繪本需要以極為簡練的手法敘事，這樣的特質不僅體現在圖像與裝幀上，也延伸至整體的完成度與美感。這樣的形式，從她國、高中時期就深深吸引著她。「繪本最美好的地方，就是可以透過圖像閱讀內容。」即使面對外文書，也能以自己的方式理解、轉譯，而父母在其中的參與和再詮釋，也讓同一本書在不同時刻展開全然不同的閱讀經驗。

從設計師到父母，兩人在挑選繪本時，也逐漸發展出一套屬於自己的標準。許琇鈞將選書邏輯歸納為兩個面向：「概念」與「風格」。前者關注繪本是否具有獨特的世界觀與思考深度，後者則回到色彩、造型和整體視覺的成熟度與完整性。相較之下，蔡東宏則更傾向從直覺出發，著重繪本是否在美感上打中自己。「有些書放在書架上，你就是會想把它拿起來，有些則會略過。」不過他也認為，繪本最關鍵的並非形式，而是更根本的內容與價值。「其實長大後會發現，繪本畫得再好，都比不過它的內容，也就是它背後的人文精神。」

在兩人眼中，繪本所具有的「物理真實」，亦是其難以被取代的珍貴之處。「繪本有很多特別的形式和紙質，例如一些手工書或立體書，這些都是在 3C 世界裡無法體驗到的樂趣。」許琇鈞笑說，如今小孩子仍會主動翻閱的紙本書，很大一部分正是繪本，也因此成為少數能讓孩子暫時離開 3C 的媒介。「不管是在過去還是現在這個數位媒體爆炸的時代，這樣的形式都顯得相當難得。」閱讀繪本時，理解內容之外，更能透過觸摸、翻頁與操作，讓人感受一種存在於真實世界裡的重量。

大人也有讀繪本的理由

「跟小孩子一起看繪本或閱讀的過程，會讓你突然意識到：我曾經也是這樣、原來小孩子是這樣在思考的。」許琇鈞說。對兩人而言，與孩子共讀的經驗就像是一種反向的提醒，讓自己重新找回曾經的直覺與童趣想像，也逐漸鬆動那些早已被日常與理性覆蓋的感知。

蔡東宏則分享，當了父母之後，會帶小朋友去共融公園、玩溜滑梯，也讓他像是突然被打醒，發現快樂原來可以很簡單。「就溜個滑梯下去，那種舒暢感、微微地心跳要跳出來的那種刺激感，好像就能讓人忘記煩惱。」他也進一步提到，「滑梯、遊樂場或繪本，常常被貼上『給小孩的東西』這樣的標籤，但其實不一定，因為我們內心都還保有一個孩子。」在他看來，繪本就像是在邀請人們再次當一回小孩。「現在很多人好像已經忘記怎麼做夢、怎麼去想像了，而繪本可能就是重新點燃赤子之心的助燃劑。」

童里小萩店長推薦！給大人的繪本2 選

《Little tree》

已故日本平面設計師、繪本大師駒形克己在家人過世之際，有感而發所創作的作品。書從一棵樹的一生出發，透過圖像與剪影，對照人類漫步的過程，也隱喻生命從誕生、消逝到再生的循環。駒形克己對紙張的材質也極為講究，每一頁不同的質地都呼應著故事內容。大人們多少都經歷過一些生離死別，但這本書可以讓你用更沉穩的心去面對，並重新開始、如同樹一般再生。

《女人》朴允政（Park Yoon jung）

透過抽象的圖像，描繪女性在不同狀態下，無論是痛苦、喜悅或孕育生命時的身體姿態。在韓國女性意識逐漸抬頭，卻仍被受限、打壓的社會背景下，許多創作者透過這種較為軟性的手法，提出關於尊重女性的訴求。我覺得這本很適合獻給正在尋找自我的年輕女性閱讀。

形容事物所推薦！給孩子的繪本 2 選

《想像力大考驗》 諾門．麥森爾

沒有階梯的梯子，沒有鑰匙孔的鎖，能否有一 段沒有序言的推薦序？孩子繼續「想像」，大人卻要「正確」答案，而答案背後或許還有另 類可能！允許孩子想像的應許地，也是大人短暫的棲息地，給孩子就是給自己。

《霧中的馬戲團》 布魯諾．莫那

出自義大利藝術家、設計師 Bruno Munari 的經典出版，雖過半世紀依舊令人玩味。將紙藝發揮得淋漓盡致、透過描圖紙一起穿越層層濃 霧，在多彩挖空紙張中幽默地參觀馬戲團，與孩子一起閱讀、一同遊玩。

adj. everything 形容事物所
由蔡東宏與許琇鈞於2016年成立的設計工作室，以「為人事物找出貼切的形容詞」為核心，關注人與閱讀、城市與生活等議題。從出版形式、閱讀空間到社區與文化實踐，持續在理性結構與感性經驗之間，探索設計的可能。

童里繪本洋行
地址：台北市大安區潮州街15號

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／5月號《現在還看書嗎？》

_{文｜葉欣昀　攝影｜蔡耀徵　場地協力｜童里繪本洋行}