何庭安善用數位特質的方法論！複製堆疊的創作手法，橫跨叁式藝術總監與平面設計師雙重身分

身為平面設計師，何庭安從漢字動態專案逐漸為人所知，近期亦繳出2024放視大賞等活動識別；他也以叁式藝術總監的身分，在2023台灣設計展、捷安特品牌博物館等橫跨視覺與體驗。許多人覺得他的技能超出了平面設計，但回歸原意「graphic design」，圖像設計本無限制，只有媒介隨時代改變。

何庭安的設計與數位工具分不開，他的人生也是。點進他的Notion頁面，所有案子推進的每一步驟，鉅細靡遺的程度已經有點超現實。但這都不及他的生活清單，看了哪些電影、評分幾分⋯⋯；買了哪些書、是實體還是電子書、書本所在位置、閱讀進度等等全都寫上。連要請太太幫忙買醬油，也是發Notion通知，執行者是太太、監督者是自己。笑問他難道不會被討厭？他理性回應，「最討厭的是遊戲規則不清楚，但又被情勒。這樣就不會被情勒，一切清清楚楚。」

源自電音的設計風格養成

在數位工具普及之前，何庭安的人生也清楚建檔在腦海。還真有那麼一個讓他走上設計的決定性瞬間，小時候看到資源回收桶上的符號，3個白色箭頭說不上來美，卻清楚傳遞資源回收的訊息，「那個時間點我就知道，我喜歡聰明地畫圖。」這個符號彷彿打開他的眼界，發現周遭存在各種招牌、logo等「聰明的圖案」，一直到大學讀媒體傳達設計系，才知道「聰明的美工就是設計師」。

他的設計風格也在大學養成，啟蒙並不是哪位設計大師，而是法國電音團體「Daft Punk」。他們的樂風為「French House」，特色是藉由加入越來越多軌道，營造越漸豐富的聲音，且一直維持在同樣節奏。「多軌的方式簡單來說就是複製，可是又混音了一點點，再複製再混音，這樣越來越複雜的作法，其實是我在設計裡常常取巧的概念，而這就是數位的本質。」何庭安解釋，物理世界的物質是有限的，1杯水不能憑空變成2杯；但在數位世界裡，1個檔案複製成1萬個，幾乎沒有任何算力以外的限制，所有東西只要轉譯為1和0，就能在任何載體上完美地再複製。

音樂與設計，一個聽覺一個視覺，但從創作邏輯來看都能相通。「我在做設計的時候，常用大量的複製堆疊手法，去做簡單的事情。我很討厭用嶄新的科技，我喜歡用舊科技，可是加入一點點數位的特質，做出原本設計師想不到的作法。」以布拉格劇場設計四年展台灣館《寶島浮沉》展覽識別為例，策展人以載浮載沉的意象，隱喻台灣在國際上的政治地位。呼應此概念，何庭安用數位工具把「寶島浮沉」4個字不斷壓扁再複製、再壓扁再複製⋯⋯，排列出像是波浪的圖像，正因為是數位工具，才可以無限甚至暴力地延展文字。

經他這麼一講，《RE：江賢二》展覽識別不斷複製「江賢二」3字，營造如瀑布般傾瀉的字海；Panasonic「MAKE NEW」品牌全新宣告形象，「新」和「MAKE NEW」的文字被拆解又重組，背後都是同一原理。

儘管許多作品乍看簡練，但當視覺被放到數位載體延伸應用時，複製堆疊的手法就出現了。像是台北捷運線形公園成果設計展《2022這很台北VERY TAIPEI》，「VERY TAIPEI」的字體呈現物理手刻感，但當這套視覺被應用在動態時，便是以一套演算法，讓延伸出的大量圖像彼此都有一點像，卻又有點不一樣。而數位工具不僅影響他的風格，實質上亦是利器，他說「做設計」在自己的工作裡只占約百分之一的時間，原因就在善用數位工具，例如懂得蒐集和整理資料，就能節省大量時間。

所有設計案都是品牌案

除了平面設計師，何庭安還有另一個身分，即是叁式藝術總監。既是公司僱員又保有個人接案，這是雙方在合作初始就談好的權責。他提到，台灣的個人設計工作室要擴張規模，就會走上開公司，一旦設計師成了老闆或總監，就會慢慢淡化設計師的身分，這時就得面對「這個設計師是不是都不自己做了？」的窘境。但何庭安希望能一直創作，再加上他以品牌案為主，面對線上線下等無數載體的設計品項，不可能單憑一己之力，比起開公司讓自己分身乏術，更好的選擇是和不同公司合作。

與其說何庭安以品牌案為主，不如說他認為所有案子都是品牌案。他說，許多他經手的品牌案，其實最初找上門的需求都不是品牌，可能是想做一份菜單、招牌等等，但這些載體背後需要有品牌去支撐，才發現有更源頭的問題得解決。當兵時他幫長官做的「龍泉消防隊隊服」就是一個案例，先從設計隊服開始，最後還設計了logo，以握緊拳頭的手指形狀，聯動「龍」字右半邊的筆畫。這個案子也是支持何庭安繼續從事設計的轉捩點，當時他對設計萬念俱灰，認為設計就是在幫別人包裝，品牌喊出來的精神其實員工根本不相信，但設計師又無法深入企業改變。意外被長官抓來做了這件制服後，消防員們竟相當喜愛，讓他意識到「如果內部有人認同這個圖案，它就會變成一個呼召，設計的意義並不是設計師灌輸完就結束，是裡面的人再繼續灌輸下去。」

戴著鐐銬跳舞的學問

近年何庭安也負責許多大型活動主視覺，「至少現在經手過的專案，我覺得越大、觀眾越多的案子，設計的創意會越輕鬆，反而是要把一個複雜的議題收斂成一個簡單的概念。」2023台灣設計展以《Ｏ起來》為題，logo就是極度簡單的一個圈，但往往越簡單的設計，就越容易受到「這我也會畫」的質疑。對此他認為設計師應該盡可能看清楚「每個局」的樣貌，「這個局是台灣設計展，所以應該是要面對想來看展的人，以及還不知道自己會想來看展的人。主視覺延伸出去，比如說公車廣告、捷運廣告等露出，在那個當下讓大家看得懂，會比爭論logo好不好看來得重要。」

不禁好奇他的提案是一次就過嗎？這題他倒愣了一下，「這是被討論出來的結果，提幾個問題、再提解法，然後選哪一個解法是最好的，這個解法再相應生成一個設計，最後再出幾個模型討論。不是『我做了一包漂亮的圖，你要選哪一個？』的流程。」對何庭安來說，「改稿」這個詞在他的業態裡不成立，尤其是在做識別的時候，設計品項多達百種，彈性的折返過程總免不了，所謂改稿也常常是由他這端提出。會議裡若利害關係人都在場，他也會直接打開設計檔案現場調整，對他來說這相當於「白板」的功能，且能快速對焦彼此想法。

「設計像是戴著鐐銬在跳舞，如果限制是事先溝通的話，那我跳得漂亮就好。」何庭安說，幾乎所有設計師都遇過，比如客戶想做一個花俏視覺，最後卻說不想要這麼花俏。除了客戶不應出爾反爾，設計師在提案階段怎麼畫出「花俏」的光譜也很重要。例如除夕夜特別節目《WE ARE我們的除夕夜》，客戶提出要有龍年、中西合璧、國際感等需求，但「龍」並非一個好操作的視覺，一不小心就會太過東方感。對此他在第一次的概念提案，都會提出「想要的reference」和「不要的reference」，明確拉出希望視覺落在哪個光譜。最後他讓節目名稱裡的W和E，經過動態轉換組成抽象的龍；針對中西合璧和國際感，他以英文字組成如工筆畫的漣漪來解。

審美觸動於框架內的突破

從平面到數位，再從個人到公司，經手過也看過各式設計，不禁好奇現在他還會被什麼樣的設計吸引？「沒看過的組合。」何庭安解釋，「沒看過不是指新元素，是原本不該放在這個地方，卻不合時宜地出現了。」他說，荷蘭阿姆斯特丹市立現代美術館logo就是案例，以英文館名「Stedelijk Museum Amsterdam」排成S字型，還有原研哉以一個上寬下窄的梯形為電商「KURASHICOM」設計logo。兩者都不是新的畫風或圖像，卻是在各自品牌類別的框架裡，尚未出現過的詮釋。「我自己也很喜歡玩這種，以前沒人做過的事，現在我做了，之後可能又會有其他人做，但不是在原有舞台上，就會成為一種新東西，其實整個世界就是一個remix。」Daft Punk一定也沒想到，在遙遠的國度裡，竟有人把他們的音樂手法帶到了設計舞台。

何庭安

平面設計師與藝術指導。作品獲紐約ADC、iF設計獎、金點設計獎、金蝶獎、亞洲最具影響力設計獎等，受邀於法國、瑞士、德國、英國、東京、新加坡等地展出，動畫作品亦參展威尼斯雙年展、德國斯圖加特影展、羅馬尼亞動畫節等國際影展。目前主力從事品牌形象塑造，並著手大量數位體驗、形象塑造與商業設計之藝術指導，其餘時間在和貓吵架。IG：tinganho.info

_{文｜張以潔　攝影｜蔡耀徵}

_{圖片提供｜何庭安}

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第37屆金曲獎頒獎典禮於本月27日登場，不同於過往的金色與暖色調，本屆主視覺以深藍色為基底，透過花苞、花蕊與綻放的姿態，描繪音樂創作從醞釀到誕生的歷程。作為主視覺操刀團隊StudioPros的創辦人暨設計總監，李宜軒並不追求鮮明的個人風格，而是在理性與感性之間，逐步發展出一套有脈絡的設計思維。

➣本文選自La Vie 2026／6月號《構築卡地亞美學的符碼風景》，更多精彩內容請點此

今年金曲獎主視覺中，一朵緩緩盛開的花，象徵著音樂創作從醞釀、生成到綻放的過程。而對李宜軒來說，設計或許也是如此。談起自己的設計歷程，她笑說自己大學時其實對設計產業並沒有太多浪漫想像。當身邊許多人仍在摸索未來方向時，她已經開始大量接案，試圖提早理解市場需求，也累積自己的作品集。後來進入了國立陽明交通大學應用藝術研究所，讓她逐漸跳脫傳統商業設計的框架，思考平面設計是否還有更多可能性。「那時候突然發現，大家都讀了4年大學，為什麼能力差距這麼大？」在這樣的刺激下，她開始學寫程式、做網頁，也開始創作海報，不斷摸索自己擅長的風格和專案類型。

研究所期間，李宜軒加入當時已是業界指標的設計公司Bito。那是她第一次真正理解國際級設計專案的運作方式，也看見設計產業光鮮作品背後龐大的研究、提案與溝通過程，然而同時，她也開始思考一個從接案時期就一直困擾著她的問題：為什麼設計師投入大量時間研究與創作，客戶卻未必能理解其價值？「是不是我們其實不夠了解客戶真正想要什麼？」帶著這樣的疑問，她轉而進入IBM擔任設計顧問，開始接觸UI/UX領域。

相較於常常「一張圖定生死」的平面設計，介面設計更強調使用者研究、數據分析與邏輯推演，大至新功能的開發，小至每一個按鈕的位置與操作流程，都需要明確的原因與數據支撐。這讓她逐漸意識到，設計若想被理解、被接受，尤其是在商業環境中，就必須建立在清晰的脈絡之上。「很多企業主其實不懂設計，但懂商業，他們在意的是轉換率、營收、消費者喜不喜歡、競品有沒有這個功能。」於是，她成立StudioPros與The Rebranding Lab，嘗試將UX研究的方法帶入品牌設計之中，並慢慢發展出一套介於理性與感性之間的工作方法。

設計，始於理解

「品牌重塑最重要的事情，其實不是設計，而是先把問題找出來，並且排序。」李宜軒解釋，一個品牌決定重塑時，往往早已面臨許多問題：可能是識別系統難以延伸、內部使用效率不佳，或是品牌定位逐漸模糊。因此在進入設計階段前，她往往會花費大量時間與客戶討論、訪談與研究，希望建立一套所有人都認同的目標與判斷標準。以《報導者》的合作為例，由於組織扁平、內部參與決策的人數眾多，因此團隊花了大量時間整理不同角色的需求與痛點。例如設計素材難以管理、社群貼文製作耗時，或版本檔案容易混亂等問題，都被納入品牌重塑的討論之中。「你會發現，真正重要的問題其實都和視覺美感無關，而是和易用性、系統性有關。」

李宜軒坦言，她不覺得自己有什麼特別鮮明的設計風格，也不會刻意追求流行，畢竟不同產業、不同客戶面對的問題各不相同，很難只靠單一風格回應所有需求。她更在意的是如何建立一套有脈絡的設計思維。「例如在品牌設計的討論中，我們談的通常不是好不好看，而是這個顏色能解決什麼問題、傳達什麼感受。像紅色可能比較熱情，那品牌真的需要熱情嗎？」

這樣的思考方式，也反映在李宜軒面對reference的態度上。在她看來，若只是想追求某種特定風格，或單純從reference去延伸自己的畫面，其實很難完全避免做出類似的設計。因此比起從畫面出發，更重要的還是回到品牌本身的需求與定位。「當品牌的故事與需求足夠清楚之後，設計就不需要一直從圖像反推品牌，而是能從品牌本身推導出新的圖像。」

一個成功的主視覺是？

繼在Bito時期以設計師身分參與金曲28典禮動態設計，時隔9年，如今李宜軒帶領StudioPros團隊操刀金曲37主視覺。不同於過往金曲獎常見的金色與暖色調，今年主視覺選擇以深藍色作為主色。李宜軒分享，當時主辦方希望跳脫大家對金曲獎的既有印象，因此團隊僅保留部分金色作為點綴，讓它像音樂中的亮點一般，隱藏在花蕊與細節之中。而花朵柔軟而流動的意象，則源自本屆核心命題「虛與實」，並恰好呼應音樂創作從醞釀、生成到綻放的過程。特別的是，許多主視覺通常是在定稿後，才交由動態團隊延伸，但這次StudioPros與動態團隊曜星三一從概念發想階段便同步合作，並提前思考未來在舞台、影像與各式動態片頭上的延伸可能，也讓整體視覺語言更具一致性。

對李宜軒而言，一個成功的主視覺要能夠隨著不同載體持續延伸與轉譯。以2023年新一代設計展主視覺為例，當時團隊從展覽主題「原點」出發，以座標與格狀結構發展出一系列幾何元素，並進一步思考如何串聯線上與線下體驗。除了社群與平面視覺外，也將海報、大型看板與識別證結合AR技術，讓觀眾透過手機掃描後，看見主視覺轉化為立體的3D物件。「現在大家的東西都做得很吸睛，所以設計還是要有亮點。」她笑著說，一方面是讓提案更有說服力，另一方面，也真的希望這些創作型專案能成為值得被記住的作品。

近幾年，StudioPros除了持續投入品牌設計，也陸續參與台北電影節、金曲獎等大型公共專案。李宜軒說，這樣的狀態其實正好回應了自己創業以來的理想工作方式。品牌設計重視邏輯與問題解決，視覺設計則保有更多創作自由，在理性與感性間來回切換，也讓她能持續保持對設計的熱情。比起找到一套固定的風格，設計之於李宜軒，似乎也如那從醞釀到綻放的過程，每一次都從不同的提問出發，緩緩長出新的可能。

李宜軒
StudioPros創辦人暨設計總監，曾任職於IBM Consulting團隊。擅長以使用者體驗與研究為起點，深入品牌背景與核心價值，提出具策略性的品牌設計解決方案。長期協助企業與公共組織釐清品牌定位、重塑溝通方式，透過設計打造兼具溫度與辨識度的品牌識別系統。

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／6月號《構築卡地亞美學的符碼風景》

_{文｜葉欣昀　圖片提供｜StudioPros}

剪開布上的紗線，底層的圖案顯露而出，那些被劃開的紗線似草叢或似海浪，在圖上輕輕晃動。日本織品設計師氷室友里以親自開發的雙層布料，與LOEWE、PORSCHE、marimekko等品牌合作，在社群上引起關注。她說，剪刀剪下的瞬間，那些不可預期的變化、緊張又期待的心情，都是作品承載的珍貴回憶。

➣本文選自La Vie 2026／6月號《構築卡地亞美學的符碼風景》，更多精彩內容請點此

今年初甫結束在韓國首爾「Ground Seesaw Hannam」的大型個展《JOY, TODAY》， 氷室友里在900平方公尺的展場裡，展出170件作品，共吸引7萬人參觀。她在現場以剪刀在布上「作畫」的影片透過社群分享，精緻又療癒的畫面，在資訊海中引人定睛。

想用日常物件創造歡樂世界

快樂，是氷室友里作品予人的感覺，也是她投入設計的原點。她回憶兒時，有次爸爸帶回了義大利廚具品牌ALESSI的紅酒開瓶器「Anna G.」作為伴手禮，人偶造形的結構，只要轉動頭部，雙手便會跟著舉起。她深深被其「明明是工具，卻又像玩具般充滿魅力」的特質所吸引，每次吃飯都很期待使用它。

上了小學後，父母帶她去看《義大利與日本 生活設計展》，展覽以近似裝置藝術的方式，展示了充滿玩心的家具與廚具。「我第一次意識到，日常使用的物件也能創造出如此歡樂的世界，開始有了『想成為創造這些東西的人』的念頭。」

在準備大學考試期間，她接觸到了荷蘭設計工作室Droog Design。她說，像是以鐵鎚敲打製成的沙發，或是將布料綑束而成的椅子，這樣並非著重於外觀美感或使用舒適度，而是從另一種角度切入的設計方法，使她相當嚮往。氷室友里坦言，其實最初並沒有特別喜愛織品設計，但因為很欣賞當時任職於Droog Design、同時也創作陶藝的荷蘭設計師Hella Jongerius，「我希望自己也能建立起對某個媒材的專長，因此選擇了這門專攻。」在學習途中，她逐漸發現布料與人的密切關係，也變得越來越投入。

為布料設計「產生變化的瞬間」

奠定氷室友里創作風格的關鍵，是她在研究所時赴芬蘭交換，並接觸到的「提花織機」。她說，過去學習的是多臂織機，因為織造限制較多，「我一直覺得，自己的想法很難透過織造真正實現。」但提花織能獨立控制每一根經線，相對自由許多。她進一步解釋，提花織的設計其實是透過電腦完成，因大學裡設有能夠立即試作的小型提花織機，她便像是做實驗或玩遊戲般，一再重複「設計→查看織出來的結果」的過程。

為了創作出能帶來歡樂的布料，她不斷思索「人究竟會在什麼樣的瞬間，感到驚喜或露出笑容？最後我得到的答案是，人會被產生變化的瞬間觸動。」因此她開始將「互動」作為設計核心。

「SNIP SNAP」這款運用雙層布料與剪刀和人互動的代表作，就是她在研究所的畢業製作。「我拜託日本提花織工廠的職人協助，甚至住進職人家中，一起投入開發。」她說，開發過程相當耗時，由於表層是浮起的緯線，底層則織有圖案，最困難的莫過於紗線的選擇。若線太細，在剪開之前，下方的圖案就會露出來；但若太粗，又無法順利織製。

從人與物件的關係，展開合作宇宙

本是靜態的布料，在氷室友里的設計下變得能與人互動。除了「SNIP SNAP」，她也開發了正反兩面圖案不同的「HIDE AND SEEK」、圖案會隨觀看角度改變的「motion-textile」等布料系列。

最近，她也與時尚科技公司ZOZO NEXT合作，開發感溫布料系列「THERMO TEXTILE」。她說，ZOZO NEXT希望能將旗下的機能性紗線，以更親民的形式讓大眾接觸，因此邀她合作。不過她笑說，因為自己的手總是很冰冷，即使碰了布料，顏色也沒有改變；為了觀察顏色變化，便用雙手把布包起來，再對著它呵氣。這樣如生火般的舉動，令她想到可以用「火」為主題，創作出「camp」圖案。布料為一片藍色系森林，只要遇熱，營火、燭火燈等就會浮現粉紅色火焰。

因為她的布料總帶有互動性，讓作品也能以影片形式展現，更吸引了LOEWE、PORSCHE、marimekko等品牌找上門，合作在社群曝光的形象影片。今年她與土屋鞄製造所合作，設計2027年度的小學生書包型錄和店鋪主視覺。她說，土屋鞄製造所的書包製作得非常細緻，因此她反覆調整打樣，確保細節不會在織造過程中被模糊掉。她也和品牌方討論，細節到「剪開後出現什麼樣的元素會比較好」都彼此確認。最後除了花朵，各種動物與昆蟲也會在剪開紗線後浮現，以表她期許升上小學的孩子們，能享受全新的相遇與發現。

其實不僅織品，氷室友里的設計也拓展到家具、壁紙、手機殼等其他領域。她表示，自己並不會把布料視為單純的素材，而是看作一種「與人相關的日常用品」。而她在織品裡探索的「人與物件的關係」，也能運用到各種領域。

像是她和紡織品牌alltec合作的晴雨兩用傘，從「是否能透過撐傘這個動作，讓圖案產生某種變化？」開始思考，進而觀察到印在傘面外側的圖案，其實會透到內側。這讓她想到，「如果在內側也進行印刷，或許就能讓內外兩面的圖案疊合，創造有趣的效果。」於是她在雨傘的內外側都印上葉片圖樣，當陽光透過傘面灑落時，兩面圖樣會彼此疊合，讓使用者彷彿置身樹影斑駁中。這樣的設計，也隱含了她希望「無論烈日或雨天，都能享受撐傘的樂趣」的心意。

不走最短路徑，才能孕育出獨特性

氷室友里的日常，也總是與各種媒材為伍，經常透過親手觸摸、剪裁、摺疊、捲起、揉皺等方式，反覆觀察布料的反應，藉此發想靈感。她說，自己有收集媒材的習慣，包括利用原始結構產生獨特動態的玩具、具有機關的繪本等，都在範圍內。她也提到，最近工作室設置了一台從挪威訂購的手織提花織機（TC2），開始進行不以量產為前提的自由實驗。她說，「這台機器，正是我當初在芬蘭第一次學習提花織時所使用的同款機型。我一直希望能有一個可以親自動手、把想法具體化的環境，儘管是一筆相當大的投資，我還是決定購入。」

手作的堅持，和近年大肆興起的AI浪潮看似對立，氷室友里卻有不同想法。「AI並非人手創造的設計的對立面，應該是像Photoshop一樣，被自然地運用到創作中的工具。」她說，不論是處理繁瑣作業、研究資料，或作為設計上的討論對象，AI已經成為她在工作與日常中不可或缺的存在。但她也指出，譬如手感、剪裁產生的不可預期變化，「這些無法單靠數位完成的部分，才能真正成為體驗與記憶，留存在心中。」

如今在東京造形大學擔任兼任講師的她，注意到數位原生世代的學生，非常擅長以iPad繪製草圖，也熟捻運用AI研究或在數位環境中發展創意，「我認為靈活運用數位工具是很好的，但同時，實際動手後才會有的發現、不走最短路徑才能孕育出的獨特性，我也希望將這些容易因過度追求效率而被忽略的面向，傳達給他們。」

曾有一位藏家告訴她，自己將作品作為孩子第一次使用剪刀的紀念，這是連氷室友里都未曾想像過的運用方式。她說，「比起所謂正確或美感，剪下第一刀時的期待與緊張，以及那段時光所留下的記憶，都能夠具體地保存在布料上，這件事本身就非常有意義。」對人們來說，很多時候正是過程本身，讓結果更加值得珍惜。

氷室友里
於日本與芬蘭學習並從事創作的織品設計師／藝術家。以透過人與布料間的關係，為日常帶來驚喜、樂趣與豐富性為主題，創立織品品牌YURI HIMURO，從事織品開發及企業設計合作。近年與LOEWE、PORSCHE的社群合作引發話題，亦於韓國首爾約900平方公尺的大型空間舉辦個展《JOY, TODAY》，吸引約7萬人參觀，持續朝國際發展。曾獲2018 Salone Satellite Award Third Prize、2021 Maison&Objet Rising Talent Awards Japan等多項獎項肯定。

_{文｜張以潔　圖片提供｜各單位} 

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