香奈兒文化基金（CHANEL Culture Fund）宣佈品牌的第二屆國際藝術文化獎項「CHANEL NEXT Prize」十位獲獎者名單，而這十位當代藝術家將獲得獎金及為期兩年的導師計畫。2024年評審委員包括女演員蒂妲·史雲頓（Tilda Swinton）、藝術家曹斐、以及策展人列格西．羅素（Legacy Russell）與漢斯．烏爾里希．奧布里斯特（Hans Ulrich Obrist ）。

CHANEL NEXT Prize每兩年頒發一次，選出10位分別重新定義該領域的國際當代藝術家，每位藝術家皆體現香奈兒品牌推動創新的使命。每位得獎人將獲得 10萬歐元的獎金，助力他們實現極具企圖心的藝術企劃。得獎者亦可加入由香奈兒全球藝文合作夥伴所推動為期兩年的導師暨人脈交流社群網路計劃，其中包括倫敦皇家藝術學院。本次得獎者分別來自六個國家，橫跨四大洲，包括英國、美國、愛爾蘭、巴西、新加坡和喬治亞。其作品橫跨視覺藝術、電影、舞蹈、電玩遊戲設計、表演、歌劇與數位藝術。

「NEXT Prize」由香奈兒文化基金於2021年設立，此基金是香奈兒發起的全球計畫，旨在加速推動文化發展的理念，延續品牌百年以來在藝文贊助上的傳統。香奈兒藝術與文化全球負責人 (Global Head of Arts & Culture at CHANEL) Yana Peel 表示：「『CHANEL NEXT Prize』的設立是為了擴大那些產生影響並重新定義該領域藝術家的作品。第二屆獎項將支持十位這樣的藝術家，每一位都扮演著推手與先鋒的角色，顛覆了從藝術、歌劇、電影以及電玩設計等多個文化領域的既有作法。觀賞他們精彩的創意之旅令人振奮不已。」

2024 CHANEL NEXT Prize 得主

Tolia Astakhishvili ：出生於喬治亞提比里西（Tbilisi），現居柏林與提比里西，是一位跨領域藝術家，主要從事裝置藝術創作。 Tolia的藝術實踐根植於繪畫，近期則將創作範圍擴展到結合影片、聲音、檔案影像和現成素材的大規模建築專案。Astakhishvili 的裝置作品經常融入其他藝術家的創作，她認為這種合作過程能「為個人與集體經驗敘述創造空間。」

Astakhishvili 近期個展皆於德國舉行，包括在 Haus am Waldsee 舉辦的《The First Finger (chapter II)》（2023 年）、在 Bonner Kunstverein 舉辦的《The First Finger》（2023 年），以及在 Bielefelder Kunstverein 舉辦的《I think it's closed》（2023年）。她在美國的首次個展將於2024年在紐約皇后區雕塑中心（SculptureCenter）揭幕。

Kantemir Balagov：出生於俄羅斯卡巴爾達-巴爾卡爾（Kabardino-Balkaria）地區的納利奇克（ Nalchik），現居美國洛杉磯，同時是藝術家和電影創作者。師承俄羅斯知名導演 Alexander Sokurov，其導演處女作《親密不親密》（Closeness）於 2017 年上映，講述一對年輕夫婦在婚禮前夕被綁架的真實故事。《親密不親密》為 Balagov 贏得了 2017 年坎城影展的費比西國際影評人獎（Fipresci Prize），以及 2018 年法國昂熱影展的評審團大獎。 

Balagov 於 2019 年拍攝了第二部影片《裂愛》（Beanpole），這部電影以 1945 年被佔領的俄羅斯城市列寧格勒為背景，聚焦兩名女士兵在努力適應平民生活的過程中建立的友誼。該片榮獲 2019 年坎城影展「一種注目最佳導演獎」（Un Certain Regard），並成為俄羅斯角逐美國奧斯卡金像獎的作品。

Oona Doherty ：出生於北愛爾蘭貝爾法斯特（Belfast），現居法國馬賽，是一位活躍在當代舞蹈界前線的編舞家。她的表演方式真實坦誠且扣人心弦，刻劃現實生活中的情境，角色容易讓人產生共鳴。

Doherty 在全球累積十多年的表演資歷，並於倫敦舞傘舞蹈藝術節（Dance Umbrella festival）以 Navy Blue（2022年）在薩德勒之井劇院（Sadler's Wells Theatre）首度登台。在此之前，她的《Hard to Be Soft: A Belfast Prayer》被《衛報》評為 2019 年最佳舞蹈表演。這場表演的前身名為《Hope Hunt and the Ascension into Lazarus》，經 BBC 藝術頻道《Dancing Nation》系列節目收錄。

她在 2021 年威尼斯舞蹈雙年展上榮獲銀獅獎，並於 2023 年擔任倫敦國家青年舞蹈團的客座藝術總監。她目前在法國艾克斯普羅旺斯（Aix-en-Provence）的黑亭普雷祖卡芭蕾舞團（Ballet Preljocaj）任職協同藝術家，正在創作全新舞蹈作品《Specky Clark》。

Sam Eng：出生於紐約且現居於此，是一名獨立遊戲開發者，在視覺藝術和遊戲設計的交界領域辛勤耕耘。Eng是一位自學成才的遊戲開發者，他出生於曼哈頓，父母是香港移民。他目前正在開發《SKATE STORY》，這款遊戲探索克服自身限制的體驗。《SKATE STORY》玩家的身體由玻璃組成，化身為在地下世界騎乘滑板的惡魔。 他於 2018 年在 Nintendo Switch 上獨立推出首款遊戲，名為《Zarvot》，遊戲中無生命的立方體發展出知覺力，作品也在 PAX Prime 遊戲展和 IndieCade East 國際獨立遊戲節中大受肯定。 

Eng 與數位藝術家 Ian Cheng 合作打造出著名的裝置藝術作品《Emissaries》和《B.O.B. (Bag of Beliefs)》。他是 GUMBO NYC 的創始成員，這是一個專為獨立遊戲製作者成立的布魯克林非營利開發團體。電子遊戲發行商 Devolver Digital 將於 2024 年發佈《SKATE STORY》。 

Ho Tzu Nyen ：出生於新加坡且現居於此，他的作品包括動畫、影片、表演和裝置藝術，透過挪用並重塑神話和歷史，質疑現實和歷史的建構方式。 他的大部分作品都與新加坡息息相關，新加坡是前英國殖民地，現在則是多元文化的島國。Ho 的藝術實踐從新加坡開始延伸，逐漸融入東南亞和東亞其他文化的神話和歷史。

他代表新加坡參加第 54 屆威尼斯雙年展，同時也曾在日本豐田市美術館（2021 年）、日本山口情報藝術中心（2021年）、德國漢堡藝術協會（2018年）、西班牙畢爾包古根漢美術館（2015年）及東京森美術館（2012年）舉辦個展。主題為《Ho Tzu Nyen: Time & the Tiger》的一項調查展覽於2023年在新加坡美術館揭幕，涵蓋他過去二十年以來的作品。該展覽將於今年在首爾善宰藝術中心和紐約埃塞爾藝術博物館巡迴展出，接著預計在 2025 年進駐盧森堡現代美術館。他亦將於 2024 年 4 月在東京都現代美術館，舉辦名為《A for Agents》的個展。

Fox Maxy ：出生於美國聖地亞哥，是一位視覺藝術家和導演，其作品根植於對安全、土地和水的健康、生存、快樂和耐受力深刻的個人反思。Maxy 是 Payómkawish族，為 Mesa Grande Band of Mission Indians 的一員。她的作品挑戰恐怖片和紀錄片的範疇，第一部長片《Gush》於 2023 年在日舞影展首映。《Gush》以 Maxy 多年來蒐集的視聽素材打造出一幅拼貼畫，針對恐怖和生存進行如萬花筒般的多樣化研究，歌頌友誼和永不磨滅的堅毅精神。 

2020 年，Maxy 獲得第一筆贊助款，來自支持原住民電影藝術家的 COUSIN Collective 。她於 2022 年成為日舞協會的 Merata Mita 會員，目前是 Vera List Center Borderlands 會員，該倡議由新學院、紐約帕森設計學院和亞利桑那州立大學發起。 Maxy 的作品曾在紐約現代藝術博物館、多倫多國際影展、鹿特丹影展、imagineNATIVE 電影節、洛杉磯郡立藝術館、BlackStar 電影節和紐約林肯表演藝術中心放映。Maxy 目前正在拍攝第二部長片《$hy Heart》，聚焦心理健康的重要性。

Moor Mother：Camae Ayewa 的藝名為 Moor Mother，是一位出生並居住於美國的音樂家、詩人和視覺藝術家，她的創作融合自由爵士樂、電子樂和古典樂等多種音樂流派。Ayewa結合檔案作曲、現場錄音和她自己的拼貼作品，創造出能夠跨越歷史洪流的聲音景觀，並試圖透過此過程啟發能動性，同時賦予黑人社群力量。

她以 Moor Mother 的藝名登台演出，共發行過八張專輯，包括《The Great Bailout》（2024年）和《Jazz Codes》（2022年）。她是自由爵士團體《Irreversible Entanglements》的共同領導人，並與 Rasheedah Phillips 共組《Black Quantum Futurism》，致力於透過藝術、寫作、音樂和表演，探索調整現實的全新道路。 

Ayewa 是南加州大學桑頓音樂學院作曲系助理教授、Pew 研究中心成員，並且獲獎無數，包括 2016 年 Leeway Transformation 獎、2018 年 The Kitchen 首屆新銳藝術家獎，以及 2023 年德國爵士樂年度國際音樂家獎。她的作品曾在美國紐約古根漢美術館、大都會藝術博物館和卡內基音樂廳、卡塞爾文獻展、德國柏林爵士音樂節以及倫敦巴比肯藝術中心等地演出。

Dalton Paula ：出生於巴西利亞，現居巴西戈亞尼亞（Goiânia），是一位藝術家和教育家，運用繪畫和攝影為被世人遺忘的巴西人物創作貼近內心的肖像畫。Paula 的藝術實踐聚焦未經巴西歷史認可的群體，因此他透過藝術探索從殖民時期到現代巴西黑人身體的呈現方式，特別是離散至當地的非洲僑民。Paula 的作品經常以「terreiros」為中心，也就是坎東布萊教的禮拜場所，主要由巴西的非洲僑民信奉。他同時深入研究「quilombos」的歷史，意為逃亡奴隸在內陸聚集和定居的地點。 

2020 年，Paula 在紐約 Alexander and Bonin 畫廊舉辦首次個展。此後，他在聖保羅藝術博物館（MASP）和聖保羅州立藝廊（2022年）舉辦了個展。接著2023 年獲頒開放社會基金索羅斯藝術獎學金。2021 年，他在戈亞尼亞創辦 Sertão Negro 工作室和藝術學院，這個文化中心每年舉辦駐村計劃；他的作品將於第 60 屆威尼斯雙年展展出。

Anna Thorvaldsdottir ：出生於冰島，現居大倫敦，是當代古典樂界最具風格的作曲家之一。 她獨樹一格的音樂世界結合非傳統的細微差別、和聲和抒情特質，譜出不斷演化的音效生態系統。

Thorvaldsdottir 的音樂在國際上廣泛地演出，並受到許多世界領先的管弦樂團、樂團和藝術組織的委託，其中包括柏林愛樂樂團、紐約愛樂樂團、洛杉磯愛樂樂團、巴黎交響樂團、巴黎當代樂團、英國廣播公司逍遙音樂會及卡內基音樂廳。她為交響樂團創作的獨特作品亦為她贏得紐約愛樂樂團、林肯中心、北歐理事會和艾弗斯學院的獎項。

Davón Tines ：出生於維吉尼亞州，現居美國巴爾的摩（Baltimore），是一位歌手、創作者和策展人，在戲劇和歌劇中擔任低男中音。他透過聲音的力量和打破常規的表演方式推動古典樂界的發展。Tines 的表演融合歌劇、流行歌曲、靈歌和福音音樂，講述堅持不懈與人際關係的個人故事。

他在紐約卡內基音樂廳以《Recital No.1: MASS》（2022年）首度登台亮相，另於倫敦巴比肯藝術中心在 David Lang 的劇作《Prisoner of the State》（2020年）中演出獄卒，並共同創作改編自藍斯頓．休斯（Langston Hughes）的詩作《The Black Clown》（2019年），作品在紐約林肯中心演出。

他曾於2018 年獲得林肯中心新銳藝術家獎，2019 年被《時代》雜誌譽為「新世代未來領袖」，2020年獲頒 Sphinx 基金會卓越獎章、榮獲美國全國教育協會人權和民權獎。他的表演足跡遍佈世界，包括最近與紐約愛樂樂團和洛杉磯愛樂樂團合作，在巴塞隆納大禮堂與位於倫敦的 Bold Tendencies 和巴比肯藝術中心演出。2024 年 4 月，他將首度登上紐約大都會歌劇院演出。

溫潤厚實的書捧在手裡，得以真正感受藝術之重。香奈兒2025年全新刊物《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》現於包括台北在內的全球20座城市登場。從新銳藝術家專題、CHANEL Next Prize得獎作品，到由後現代主義攝影師掌鏡的香奈兒女士藏品特輯，盡收250頁精彩篇幅中。跟隨G-Dragon的身影、Tilda Swinton的留言⋯⋯香奈兒為每位觀眾準備的奇幻旅程未曾限於時尚本身。

之於我們所處的時代而言，紙張的存在意義早已超越知識傳遞，「上綱」到了人文溫度與真實情感交流的範疇。2025年，香奈兒延續百年來對藝術的支持，推出全新藝術與文化刊物《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》，由品牌藝術、文化與傳承部門總裁Yana Peel主導，聚焦過去5年間品牌與藝術家及文化機構的合作成果。

首刊封面選用香奈兒5大重要色彩中的「金」底搭配「ARTS & CULTURE」浮雕字樣，並透過後現代主義攝影師Roe Ethridge的鏡頭，以法國立體派雕塑家Jacques Lipchitz於1921年創作的香奈兒女士頭像（戴著2002/03秋冬系列金屬眼鏡）的強烈意象引人入勝，揭開這趟愈見寬闊的視覺旅程。

內容亮點#01：藝術成果呈獻

當代創作者專題、香奈兒卓越大獎作品集

採大開本設計的《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》匯聚豐富多元的藝術創想，並精選亮、霧面等多種藝術紙張呈獻250頁篇幅，不僅彰顯品牌對當代創作者的關注，亦供讀者一窺新銳藝術家的卓越才華，見證他們通過各樣媒介為藝術世界注入的蓬勃生機。

全刊以英文呈現，前半部帶來從英國藝術家Tracey Emin、Savanah Leaf到中國藝術家曹斐、陸揚的專題介紹，以圖文穿插方式邀讀者一同鑑賞諸位的生涯重要創作；後半部則公開香奈兒卓越大獎（CHANEL Next Prize）得主作品集，展露品牌自2022年開辦該獎項以來，在藝術和文化領域的深度著力。創刊號亦邀集香奈兒藝術與文化摯友們分享對未來的洞見，包括品牌大使Tilda Swinton、Penélope Cruz、G-Dragon權志龍等人都參與其中，Tilda Swinton甚至留下了一封簽名信。

「身處這個充滿變動、數位進程在我們眼前飛速前推的時代，保護、支持並聚焦於藝術家的創作獨立性與人性，顯得比以往任何時刻都更加重要。」——香奈兒藝術、文化與傳承部門總裁Yana Peel

>> 4位藝術家專題搶先看

「英國青年藝術家（YBAs）」代表人物之一的Tracey Emin，曾憑藉知名裝置〈我的床（My Bed）〉入圍透納獎，2007年亦代表英國參加第52屆威尼斯雙年展。英裔美國電影導演兼錄像藝術家Savanah Leaf，則於2024年挾長片首作《地球媽媽（Earth Mama）》奪得第77屆英國電影學院獎（BAFTA）。

中國青年藝術家曹斐，作品以媒體裝置和錄影為主，最大獨特性在於融合社會評論、流行美學、超現實主義及紀錄片拍攝手法的創作風格；2003至2015年間三度登上威尼斯雙年展，2019、2020年更先後於巴黎龐畢度中心及倫敦蛇形藝廊舉辦個展。

上海出身、現居東京的跨領域藝術家陸揚，作品多從動漫、遊戲和科幻次文化中汲取靈感，擅用電腦合成影像技術（CG）和遊戲建構為媒介，同時深受佛教哲學影響，探索身分認同、生命、科技與靈性等命題。

內容亮點#02：品牌歷史回顧

香奈兒女士藏品攝影、藝術史學家評論專文

呈獻當代優秀創作的同時，《ARTS & CULTURE Magazine Vol. 1》亦回望品牌傳承脈絡中，涵蓋建築、攝影乃至藝術史等不同領域的合作項目。由CHANEL藝術、文化與傳承部門總裁Yana Peel親自執行的建築師Peter Marino專訪打頭陣，攝影師Roe Ethridge特別為香奈兒女士康朋街31號私人寓所和品牌傳承部收藏品創作的攝影特輯〈香奈兒歷史典藏（CHANEL History Collection）〉接續豐富刊物內容。

Peter Marino曾打造香奈兒紐約57街旗艦店、東京銀座專門店、台北101珠寶腕錶旗艦店等多個店鋪空間；Roe Ethridge則本身即以「如何重組圖像構出新體驗」聞名，創建古典作品的風格化版本亦是他所長，此次針對品牌歷史藏品進行封面和內頁創作可說完全展現了他始終探索的「攝影的可塑性」。

此外，首刊還邀請到行為藝術組織Performa創始人、藝術史學家RoseLee Goldberg撰寫評論專文〈表演的人生：嘉柏麗香奈兒與前衛藝術（A Life of Performance: Gabrielle Chanel & The Avant-Garde）〉。

全球20座城市同步發行，台北Moom Bookshop提供限量收藏

《ARTS & CULTURE Vol. 1》於全球20座城市的23家獨立書店同步發行，包括阿姆斯特丹、邦加羅爾、曼谷、柏林、格拉斯哥、香港、倫敦、洛杉磯、墨西哥城、米蘭、紐約、巴黎、聖保羅、首爾、上海、雪梨、台北、東京及蘇黎世。台北於Moom Bookshop限定登場，即日起至7月31日限量提供幸運讀者收藏。

Moom Bookshop

地址：台北市大安區忠孝東路三段251巷8弄16號

＊雜誌為非賣品，獲得方式請點此查看Moom Bookshop社群貼文。

全球參與書店名單

洛杉磯Arcana、阿姆斯特丹Athenaeum、上海Bananafish、曼谷Bangkok CityCity Gallery、雪梨BTWNLNS、墨西哥城Casa Bosques、紐約Casa Magazines、邦加羅爾Champaca、柏林Do You Read Me!?、倫敦Foreign Exchange News、倫敦Reference Point、米蘭Libreria Bocca、聖保羅Megafauna、台北Moom Bookshop、蘇黎世Never Stop Reading、北京postpost、格拉斯哥Ripe、倫敦Rococo News & Magazines、首爾Still Books、倫敦Tenderbooks、香港ACO BOOKS。

同場加映：香奈兒藝術舉措

香奈兒藝術、文化與傳承部門總裁Yana Peel於首刊序言中表示，「CHANEL文化基金致力於支持並表彰全球變革者。這是屬於無所畏懼之人的舞台——那些正在改變我們看待世界方式的人——我從未如此期待未來發展。」藝術作為一切事物的重要靈感來源，香奈兒以文化基金、卓越大獎兩項舉措，分別和文化機構展開長期合作，並對全球藝術新進提供實質獎助。

• 香奈兒文化基金

香奈兒文化基金（CHANEL Culture Fund）為一全球計劃，同時和世界各地領先的文化機構開展長期合作，興辦各類推廣創意與文化思維創新的主題項目，旨在於突顯缺少的聲音、促進不同領域間的合作，並發揚可為文化及社會帶來改變的概念。合作夥伴包括首爾三星美術館Leeum、美國芝加哥當代藝術博物館、倫敦國家肖像館、巴黎龐畢度中心及上海當代藝術博物館。

• 香奈兒卓越大獎

香奈兒卓越大獎（CHANEL Next Prize）為一國際性獎項，以推動藝術與文化領域創新為使命。每兩年頒發一次，開放所有年齡、性別、國籍人士報名，再由全球各界藝術與文化領袖組成顧問委員會進行匿名提名，最終表揚10位在音樂、舞蹈、表演、電影、視覺藝術、數位設計領域敢於冒險且創意無限的傑出創作者，提供每人100,000歐元獎金，助他們實現富有挑戰性的全新計劃，並可加入香奈兒籌組的導師及人脈交流社群網絡，進一步開啟跨領域合作可能。

2022年首屆得獎者涵蓋11個國家/地區，分別活躍於設計、電影、表演和視覺藝術等領域，尤彰顯不同藝術形式間的流動特質。此獎項延續了從香奈兒女士為同時代前衛藝術家提供支援以來，品牌在藝術贊助上的百年傳承。

「香奈兒女士摯友、俄羅斯芭蕾舞團創辦人謝爾蓋達基列夫（Sergei Diaghilev）的『Étonnez-moi』（Surprise me，讓我驚豔之意）一言，如今也成為鑿刻於CHANEL藝術、文化與傳承部門的箴言，引領我們在跨領域、跨世代與跨地區的創作中持續閃耀。」——Yana Peel

就現在這個當下，你能想起上一次發自內心地感動，為的是生活中什麼樣的事嗎？當運轉過快的日常沖淡感知，甚至不知不覺削弱人們被觸動的能力，「返璞歸真」成了無可替代的指引，為若有所失的你我領路回到自然。草木生長，動物對話，大大小小的觸動隨處都在發生——京都陶藝工作室Suna Fujita，正真實記錄並試圖重現這些觸動，讓人見到不禁唇勾微笑，也眼盈淚光。

用一場對談帶你認識一間寶藏庫

或許你曾在Loewe標誌性Puzzle包款上看過這些活蹦亂跳的小傢伙，卻還不知道他們蘊育於京都鄉間的背後故事——為慶祝2025年正值Puzzle包款問世10週年，Loewe不僅舉辦為期4日的展覽呈獻品牌皮革工藝薈萃（點此可閱讀專文報導），更邀請曾共推聯名系列的京都陶藝工作室Suna Fujita創辦人藤田匠平（Shohei Fujita）親臨台灣，於台北藝廊Dopeness Art Lab進行跨領域對談，與談人包括代表時尚媒體的《VOGUE》亞太區編輯總監孫怡（Leslie Sun）、代表藏家和消費者的藝術空間Tao Art共同創辦人陳薇捷（Vicky Chen），並集結品牌、媒體及藝術從業者到場聆聽。

本文將整理報導講座中藤田老師所分享之Suna Fujita成立契機、與時尚品牌聯名開端及夫妻合作20年來的「變與不變」。當然，也將依循老師陳述，帶大家前進Suna Fujita京都工作室一探究竟。

歡迎來到Suna Fujita的微觀世界

作品不會動，藝術的意念卻在幀幀日常中湧動

Suna Fujita，具體是一間藏在京都鄉野之間的陶藝工作室，由陶藝創作者藤田匠平與妻子山野千里（Chisato Yamano）創立於結婚之時；其名同時象徵著這對夫妻檔藝術家如何從各自創作到共同創作，逐步踏上未曾設想的精彩旅程。對資深藝術迷編輯不敢斷言，但對時尚人士乃至普羅大眾來說，能夠認識到Suna Fujita這麼一個寶藏品牌，真得歸Loewe聯名系列之功。2023年末，Loewe攜手Suna Fujita工作室打造2024早春作品，藉山野老師富想像與奇幻色彩的畫筆，使原繪製於陶器上的熊貓、企鵝、狐猴、水獺、曼德拉草及人類朋友等角色全員躍然品牌服裝、包款和配飾上。

如眾所知，Loewe從雕琢皮革起家，並在前任總監Jonathan Anderson執掌的10年間愈發深耕藝術領域（Loewe工藝獎自是一例），善用時尚的強勢資源探索藝術的不同詮釋方法，2023、24年間與Suna Fujita的密切合作亦充分彰顯品牌開放性與天馬行空的創意力度——我們與其說Loewe將Suna Fujita的作品盡可能呈現在觀眾眼前，不如說他們直接將觀眾帶進了Suna Fujita的微觀世界。

Suna Fujita轉型契機：沒有實質用途的藝術品賣不出去？

與談人暨主持人Leslie開場率先拋出大家對每位「成功」的藝術家肯定都好奇的問題，如何開始的？發展過程中又有什麼樣的成長和變化？藤田老師坦然表示，Suna Fujita事實上並非一開始就做陶器，開設工作室初期夫妻倆分別埋頭於個人藝術創作，且更傾向單純的藝術品（老師使用「object，物件」這個字眼），「但不管日本甚或全世界，這種『不屬於一件器皿』的東西，好像在藝術的市場上並不能夠賣得很好。」以至於兩人花在創作上的時間無法和收入成正比，頗為傷腦筋。

直到某天，他們靈光乍現——「還是我們來做陶器？！」這個想法深深鼓舞了他們，太太更進一步提出「合作」建議，認為可運用彼此的專長相輔相成：太太本身繪畫非常出色，但在窯爐的操作上沒有藤田老師好，因此器皿的實體製作主要為藤田老師負責，上頭的繪畫則交由太太來創作。就這樣，自2005年起，藤田匠平和山野千里正式組成雙人組合，期待著能因此參與到陶器藝術家的世界之中，提升作品受到大眾青睞和收藏的機會。其創作本營亦經過兩次移轉，從京都市內，遷至愛媛縣山中待了約莫5年，如今位於京都郊區的工作室則已落腳7年之久。

Suna Fujita創作風格：還原自然風貌，願人與動物共存共好

那麼Suna Fujita讓人恍如置身童話故事般的場景和多樣角色，靈感又是汲取自何方？藤田老師直言，「我太太的畫風其實本來就是大家所看到的這樣。」並不特意去做創新，僅僅自然地將人類和各種動物原貌呈現出來，即為Suna Fujita的特色。換言之，我們所謂返璞歸真的「璞」與「真」，無非就是他們所處的日常；不凡靈感亦在這些看似平凡的日常裡，又何來返歸之說，何須汲汲取得。

此外，由於執筆的山野老師非常喜歡動物，每次看到動物都很想親近牠們、摸摸牠們（小時候的願望甚至是成為動物園裡的動物飼育員），便透過創作讓人與動物存在於同一畫面，沒有界限地玩在一起——縱使這些場面不見得在「現實」中完全成立，山野老師仍持續捕捉其中的靈動活潑。懷著對動物的重視之情，不僅他們自己家裡養了小狗、小雞，藤田老師亦認為太太始終抱以希望大家能夠多去親近動物的心意在創作。

如何從京都鄉間走上國際舞台？

與Loewe的全球聯名始於一則「怪怪的」Facebook訊息

然而，世界如此大、藝術家如此多，Suna Fujita怎麼和Loewe牽上線的？藤田老師微微自嘲地說，對於這次合作，其實最感到驚訝的是他們自己。「我們兩個只是在鄉下做陶器生活的一般人，對於這些高端品牌幾乎是不認識的，老實說連『Loewe』的名字也不太知道。我們很普通地生活，然後創新我們的作品。」有天竟在Facebook收到一則來自Loewe的訊息：我們想要買你們的作品，請問該怎麼做？藤田老師不帶一點阿諛或矯飾，僅娓娓道來夫妻倆當時的錯愕，「我們想說，『欸？怎麼回事？』內心覺得這個訊息似乎重要、但又有點怪怪的，所以就回信了。」沒想到Loewe再度回覆，並且詢問了合作的可能。「之後我們第一次上網查Loewe是誰，一查發現不得了。」聽到這裡，全場都笑了——讓藝術可貴的，從來就不是層層包裝的浮華，而是別無目的、將一切真誠傾注於創作的初心。於是，Suna Fujita將作品寄給Loewe，雙方的合作就此展開。

「我們兩個只是在鄉下做陶器生活的一般人，對於這些高端品牌幾乎是不認識的，老實說連『Loewe』的名字也不太知道。我們很普通地生活，然後創新我們的作品。收到訊息後第一次上網查Loewe是誰，一查發現不得了。」——Suna Fujita談與Loewe的合作開端

起初構想的「日本限定」，最終也因廣受喜愛而擴大成了全球性的發行。「對我們來說，真的是一個非常好玩、非常開心的機會，是我們的第一次。」藤田老師笑著眯起眼睛，「他們還邀請我們到巴黎，拿出很多服飾，每一樣都打開給我們看。這些場景我們平常只能在電視節目上看到，沒想到我們兩個就站在那裡了。」言談間，盡顯他們對眼前事物真心感到的不可思議，以及被旅程中每個當下觸動後的樸實回應。

見證Loewe工坊的勃勃生氣，領會「開心做作品」是共同DNA

Jonathan Anderson的「鬼馬」創意基因，在Loewe作品、尤其相對更無所規限的「配飾」上簡直發揮得淋漓盡致；連同此次搭配Puzzle 10紀念包款推出的一系列外星生物（？）掛飾都讓人冷不防被荒謬可愛到無話可說。

Suna Fujita作為同樣不乏此類奇思妙想的創作者，隨即被問到和Loewe之間的共通概念。藤田老師回應，雖然自己只認識一部分的Loewe，並不是知道全部，但可以在和品牌合作的過程中感受到他們對員工和工作環境的重視。「我們有去巴黎，他們親自帶我們到皮革工坊，我們看到那些職人的工作姿態，都是非常開心的。」這與老師自己曾在日本工廠打工的所見所感產生了一些對比，「（在日本的工廠）可能因為工作通常很辛苦，所以每個人的臉色都不是太愉快。可在Loewe的工廠裡，每個人都生氣勃勃，很仔細地在做作品。我可以從中感覺到他們想要做一件好作品的心情，這也許就是我們共通的概念。」

想畫什麼就畫什麼，旨在創造平等世界觀

至於Suna Fujita有沒有為Loewe發想特別的圖騰，藤田老師則說，整體而言還以工作室既有的設計元素做變奏，「Loewe會從我們創作的角色當中來選，再一起討論出具體成形。Jonathan先生有時候也有他的想法，會給我們一些新組合的建議。」然而在世界上數百萬種動物中，Suna Fujita筆下角色經常出現一些「冷門」動物（甚至連劇毒植物「曼德拉草」的擬人化身都有），又是什麼樣的巧思？「我們當然也會想要畫一些新的角色，就很單純地想說可以畫一些過去沒有畫過的，以慢慢增加動物的種類。」當中包括那些不太受人們待見的物種，好比蛇和爬蟲類。老師強調，「每一種動物都有牠可愛之處，我們不會去排除某種動物，反而會思考要用什麼樣的方法把牠的魅力展現出來。」

憑藉著「想畫就畫」的創作調性，Suna Fujita所勾勒的，不只是一幅靜止畫面，而是一個自然輪轉，動物、人類和大自然得以平等共存的無邊界世界。

同場加映：夫妻檔藝術家最喜歡的Puzzle 10系列包款是？

藤田老師毫不遲疑地拿起Paula's Ibiza系列（註）鸚鵡包款，「我看到這個真的很喜歡，它顏色鮮豔、具備不同元素，側面的細節也做得非常好。我太太則選了紙屑這一款，雖然我不知道她為什麼選⋯⋯可能是因為覺得這些紙屑全都貼上去，沒有一點浪費。（笑）」話一出即引得在座的大家跟著笑開了嘴，老師又追加表示，「這次的包包掛飾是符合每個主題特別設計的，我感到非常驚豔，不曉得是誰的腦袋這麼厲害能想出來。」能帶來快樂，或許正是迷失於城市叢林裡的「憂鬱現代人」，必須擁有這些情緒功能極大化物品的理由。

＊註：Paula's Ibiza夏日度假系列始於2016年，為時任創意總監Jonathan Anderson對自身於西班牙伊比薩島擁有之童年回憶的致敬；每年4月份推出新作，持續以自由奔放精神描繪心中嚮往的天堂。

後記：從策展人和媒體角度解析時尚聯名

針對時尚品牌跨界聯名的隱含思維，藝術空間Tao Art共同創辦人Vicky以自身作為策展人「每個時期關注不同議題」為比喻分析，「品牌也在用他們的方式，將故事透過商品告訴大家。現在消費者都很聰明，每一季商品換個顏色、換點風格其實是沒有辦法滿足他們的。只能透過更有趣的結合、更有意義的設計去吸引大家的目光。因為這麼多商品、這麼多品牌，大家都很知道自己想要什麼。」而特別系列的商品便是這一個引子，誘人探究其背後飽藏的品牌故事。

另一方面，媒體作為「說故事的人」，自然是希望故事越有深度、層次越豐富越好。以至今聯名者眾的Loewe為例，從話題度極高的宮崎駿，到更多來自不同領域、不同國家的優秀藝術家，無不為品牌經典作品煥發無數次新生。然之於受眾而言，這些商品的吸引力究竟在哪？《VOGUE》亞太區編輯總監Leslie有一番見解，「很多藝術品比較不好入手，有時候是錢都買不到的東西（就像Suna Fujita的東西其實一下子就賣完了），或者有時候可能價位也是不太能夠負擔的。但當你有一個聯名商品的時候，好像就擁有那個藝術家的一部分。」此次Puzzle 10也恰恰呼應其名「拼圖」，取每位過去攜手藝術家的一部分，將Loewe品牌10年來的回憶拼接到了一起。