警笛、爆炸聲圍繞的2024威尼斯雙年展「臺灣館」,以《日常戰爭》為題反映當代「棲居之所」的不確定

2024威尼斯雙年展臺灣館《日常戰爭》!袁廣鳴反映當代棲居之所的不確定

一場關於臺灣的展覽,場內此起彼伏地圍繞著警笛、爆炸、突如其來的撞擊、節奏緩慢的中華民國國歌——它們是藝術家袁廣鳴不同作品中的聲音,充斥在防空演習、公民不服從運動,以及居家裡可能的場景。這是2024威尼斯美術雙年展臺灣館《日常戰爭》的現場寫照,發生在普里奇歐尼宮邸(Palazzo delle Prigioni)。

2024威尼斯雙年展臺灣館《日常戰爭》!袁廣鳴反映當代棲居之所的不確定
2024威尼斯雙年展台灣館《袁廣鳴:日常戰爭》展場模擬圖。(圖片提供:袁廣鳴、臺北市立美術館/模擬製作:陳智賢)

我們的「日常棲居之所」正逐漸瓦解?

《日常戰爭》探問社會轉型期間與現實動盪的不定時威脅下,人的生存處境為何?展出作品從一名臺灣藝術家的角度,突顯作為棲居的日常所在,正逐步地被分配不均的後資本主義、網路攻擊、氣候異常及族群紛爭等灰色衝突中被蠶食鯨吞。

2024威尼斯雙年展臺灣館《日常戰爭》!袁廣鳴反映當代棲居之所的不確定
《日常演習》,2018,單頻道錄像,5’57”。(圖片提供:袁廣鳴、臺北市立美術館)

「家」本該安定,為何流動而不穩定?

展覽以多件錄像、動態裝置呈現,敘事延續了袁廣鳴的創作脈絡。袁廣鳴的父親因政治及歷史因素而移居臺灣,因而他多數的錄像作品,幾乎都圍繞著對於「家」的概念,與之伴隨的流動性、不穩定的潛在意識有關。

「如同許多出生於1950年代以後的臺灣人,袁廣鳴的成長背景中縈繞著他父親對戰亂的創痛記憶與對於失根的深沉哀傷。私人空間在想像情境中遭受暴力入侵,投射出跨世代的憂懼;這不僅是在訴說袁廣鳴的個人掙扎,也呼應著臺灣社會對於危機隨時可能降臨的共同感受。」——策展人陳暢

2024威尼斯雙年展臺灣館《日常戰爭》!袁廣鳴反映當代棲居之所的不確定
2024威尼斯雙年展台灣館策展人陳暢、代表藝術家袁廣鳴。(圖片提供:臺北市立美術館)

6件作品串起袁廣鳴創作脈絡

《日常演習》(2018)設置於展場入口,佔據全場最大的牆面空間,以一股強烈的當前危機感為整個展覽定調。

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《日常演習》展出模擬圖。(圖片提供:袁廣鳴、臺北市立美術館/模擬製作:陳智賢)

另一件展覽同名作品《日常戰爭》(2023),則藉由一個在無預警轟炸攻擊中遭到摧毀的套房空間,呈現一個荒謬的現實,但這現實的荒謬,又是如此的可能。

2024威尼斯雙年展臺灣館《日常戰爭》!袁廣鳴反映當代棲居之所的不確定
《日常戰爭》,2023,單頻道錄像,10’33”,作品內電視影片素材來源:Youtube TmarTn2, Joob, OperatorDrewski。(圖片提供:袁廣鳴、臺北市立美術館)

現場也可見袁廣鳴早期的創作,其中《棲居如詩》(2014)以居家場景回溯藝術家在生活中無法消解的焦慮,並反映現實靜好背後所暗藏的毀滅不安;《預言》(2014)則透過裝置的突發巨響及桌面餐具碰撞聲,創造出直覺性的不適感。

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《棲居如詩》,2014,單頻道錄像,5’00”循環播放。(圖片提供:袁廣鳴、臺北市立美術館)

《佔領第561小時》(2014)紀錄了「太陽花學運」撤場前夕的場景——畫面抽離了佔領議場的學生,只留中華民國國歌緩慢播送,立法院頓時成為學生追求明日美好願景的民主聖堂;而冷靜背後是關於地緣政治的探討,思辨著現代台灣人的困頓與憂懼。

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《佔領第561小時》,2014,單頻道錄像,5’56”。(圖片提供:袁廣鳴、臺北市立美術館)

首度公開的新作《扁平世界》,則是一件由Google全球街景資料庫(Google street view)構成的網路影音作品。以臺灣代表性的街景開始,例如城市、鄉鎮、高山、海邊等,到世界上類似的街景,藉由程式多項篩選及限定相同的中心點及透視,無縫接軌地創建了一個超時空縮時的道路序列影像。

在這彷若數位網路的「新公路電影」之中,整個世界的街景在無國界(全球化)的網路裡頓時成為「扁平的世界」,形成一個不斷往前的迴圈風景。

2024威尼斯雙年展臺灣館《日常戰爭》!袁廣鳴反映當代棲居之所的不確定
2024威尼斯雙年展台灣館《袁廣鳴:日常戰爭》主視覺。(圖片提供:臺北市立美術館)

藏在詩意中的憂慮

袁廣鳴的作品總以一種預警式的微觀,放大了無預警的爆發,投射對於當前政治、社會環境的思慮,進而隱喻環繞太平洋島鏈及大陸間不穩定的地緣政治及衝突陰霾。

他對臺灣處境的觀察及刻劃,凸顯今日的戰爭概念已從「實際的砲火」,移轉到分配不均的後資本主義、疫情傳染、網路攻擊、宗教與不同族群間的歧視及壓迫……種種潛藏於日常中的戰爭,而這「戰爭的日常化」,似乎更漸趨為棲居的常態。

2024威尼斯雙年展臺灣館《日常戰爭》!袁廣鳴反映當代棲居之所的不確定
《預言》,2014,動力裝置,182 x 87 x 77 cm。(圖片提供:袁廣鳴、臺北市立美術館)

「處處都是外人」

策展人陳暢也強調,《日常戰爭》有力地回應本屆威尼斯雙年展由總策展人Adriano Pedrosa提出的策展命題:「處處都是外人」(Foreigners Everywhere)。袁廣鳴創作中描繪對這看似美好世界的懷疑及不安,暗喻著顛沛生命的人類境況;彷彿「理想的地方一定是在它方,而不是此地」。

2024威尼斯雙年展「台灣館」

 

展場|

義大利威尼斯普里奇歐尼宮邸(Palazzo delle Prigioni, Venice, Italy)

 

展期與開放時間|

2024.04.20-09.30・週二至週日 11:00-19:00

2024.10.01-11.24・週二至週日 10:00-18:00

週一休館,僅04.22、06.17、07.22、09.02、09.30、11.18特別開放

「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」11月中美館登場!匯聚大衛・霍克尼、畢卡索、安迪・沃荷等34位藝術巨匠作品
「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」11月中美館登場!大衛・霍克尼、畢卡索、安迪・沃荷等34位藝術巨匠作品

由臺中市政府與國巨基金會共同主辦的國際特展「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」,將於今年11月在臺中市立美術館登場。本次展出精選自國巨基金會典藏、共計66件橫跨文藝復興至當代的東西方經典作品,其中有55件作品首度於臺灣公開展出。早鳥票將於10月15日上午9時起至11月19日限時販售。

集結34位國際藝術家作品

本次「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」集結34位參展藝術家,涵蓋丁托列托(Jacopo Tintoretto)、阿爾泰米西婭・簡提列斯基(Artemisia Gentileschi)、 古斯塔夫・克林姆(Gustav Klimt)、巴布羅・畢卡索(Pablo Picasso)、馬克・羅斯科(Mark Rothko)、安迪・沃荷(Andy Warhol)、大衛・霍克尼(David Hockney)及傑夫・昆斯(Jeff Koons)等國際知名藝術家。展覽透過跨時代、跨媒材的作品並置,重新探討理性、本能等議題,邀請觀眾從不同時代作品的相互映照中,以嶄新的視角重新觀看藝術史上重要的藝術家經典作品。

國際特展「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」,將於今年11月在臺中市立美術館登場。(圖片提供:中美館)
國際特展「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」,將於11月在臺中市立美術館登場。(圖片提供:中美館)

以寓言隱喻開啟新的觀看方式

本展由常駐紐約的菲利普・拉瑞特-史密斯(Philip Larratt-Smith)策劃。他現任伊斯頓基金會(The Easton Foundation)策展人,負責路易絲・布爾喬亞(Louise Bourgeois)藝術遺產相關策展工作,近年曾策劃上海龍美術館的路易絲.布爾喬亞大型回顧展等著名藝術家國際展覽。

展名「蠍子與青蛙」源於一則俄國寓言,講述蠍子請求青蛙載牠渡河,卻因無法違背本性,在渡河途中螫傷青蛙,最終雙雙沉沒的故事。青蛙象徵理性與道德,蠍子則代表欲望、命運與人性。策展人以俄國寓言「蠍子與青蛙」為隱喻,並以「身心之別」作為選件的核心原則,將不同時代、文化與媒材的作品編排成20組對話,藉由故事中理性與本能的辯證,展開跨越時空的藝術對話。展覽從作品之間的視覺呼應與意義關聯出發,呈現不同作品如何彼此回應、重新詮釋,引導觀眾思考理性與本能、身體與心智之間的關係。 

策展人菲利普.拉瑞特-史密斯(Philip Larratt-Smith),(圖片提供:Philip Larratt-Smith)
策展人菲利普.拉瑞特-史密斯(Philip Larratt-Smith),(圖片提供:Philip Larratt-Smith)

從作品並置探索人性多重面貌

策展人將20世紀最具影響力的人物畫家法蘭西斯・培根〈教宗習畫之六〉(Study for a Pope VI)與文藝復興晚期威尼斯畫派最具代表性的藝術家之一丁托列托所繪的〈樞機主教馬坎托尼奧.達.穆拉肖像〉(Portrait of Cardinal Marcantonio da Mula)並置於同一展間。培根以扭曲、變形的人物形象重新詮釋傳統宗教肖像,呈現人物內在的不安、焦慮與精神張力,也使其「教宗系列」成為20世紀藝術史的重要經典。策展人將這組相隔4個世紀的畫作並置於同一展間,凸顯了丁托列托筆下寫實與客觀的教宗權威形象,並與培根作品中所呈現的心理張力形成鮮明對照。

法蘭西斯・培根〈教宗習畫之六〉,1961,152.5 x 116.8 公分,油彩、畫布 © 2026 The Estate of Francis Bacon. All rights reserved. DACS
法蘭西斯・培根〈教宗習畫之六〉,1961,152.5 x 116.8 公分,油彩、畫布 © 2026 The Estate of Francis Bacon. All rights reserved. DACS
丁托列托〈樞機主教馬坎托尼奧.達.穆拉肖像〉,1562-63,185 x 101.5 公分;含框 211 x 127 x 10 公分,油彩、畫布。
丁托列托〈樞機主教馬坎托尼奧.達.穆拉肖像〉,1562-63,185 x 101.5 公分;含框 211 x 127 x 10 公分,油彩、畫布。

常玉〈裸女背像〉與馬克・羅斯科〈第7號〉(No.7,1951)及〈無題〉(Untitled,1955)3件作品並置,展現兩位藝術家在形式上的巧妙對照。常玉以水平分界構成畫面,運用粉紅與橙紅色調,與羅斯科畫中的白色與橙色相互輝映,其細膩而纖柔的筆觸,也與羅斯科作品中色塊邊緣柔和而富有變化的效果相近。兩位藝術家皆以色彩為重要的表現元素,而常玉畫作中流露的靜謐,也與羅斯科試圖透過作品表達的精神境界形成呼應。 

常玉, 〈裸女背像〉, 1929, 油彩、畫布, 45 × 81 cm, 含框 58 × 94 × 5 cm
常玉, 〈裸女背像〉, 1929, 油彩、畫布, 45 × 81 cm, 含框 58 × 94 × 5 cm
馬克.羅斯科, 〈第7號〉, 1951, 油彩、畫布 
, 240 × 139 cm, 含框:246.4 × 144.8 × 7cm 
© 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York
馬克.羅斯科, 〈第7號〉, 1951, 油彩、畫布 , 240 × 139 cm, 含框:246.4 × 144.8 × 7cm © 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko / Artists Rights Society (ARS), New York

另一組作品則從家庭與生命記憶出發,將格哈德・里希特(Gerhard Richter)〈瑪莉安阿姨〉(Aunt Marianne,1965)與路易絲・布爾喬亞(Louise Bourgeois)〈蜘蛛〉(Spider,1994)相互對照。里希特以一張家庭照片為創作基礎,描繪阿姨瑪莉安與仍在襁褓中的自己,看似溫馨的家庭影像背後,卻隱含瑪莉安日後遭納粹「安樂死」計畫殺害的家族創傷。出生於掛毯修復家庭的她,將母親修補織物的工作與蜘蛛織網的意象相連,並延伸成修復、保護與母職的意涵。兩件作品看似迥異,卻皆以隱晦的方式梳理著自我與家庭的連結:里希特的畫作呈現家族歷史與社會、政治創傷的交會,而布爾喬亞的雕塑是母子關係的象徵性再現,同時也是對藝術家所稱「家庭病毒」(the family virus)的隱晦指涉。 

格哈德.里希特, 〈瑪莉安阿姨〉, 1965, 油彩、畫布, 100 × 115 cm, 含框:102 × 117 × 3 cm© Gerhard Richter 2026 (0188)
格哈德.里希特, 〈瑪莉安阿姨〉, 1965, 油彩、畫布, 100 × 115 cm, 含框:102 × 117 × 3 cm© Gerhard Richter 2026 (0188)
路易絲.布爾喬亞, 〈蜘蛛〉, 1994, 青銅、硝酸銀、棕色銅鏽、花崗岩, 274.3 × 457.2 × 378.5 cm© 2026 The Easton Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York
路易絲.布爾喬亞, 〈蜘蛛〉, 1994, 青銅、硝酸銀、棕色銅鏽、花崗岩, 274.3 × 457.2 × 378.5 cm© 2026 The Easton Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

霍克尼雙人肖像首度在台亮相

本展另一件點睛之作,則是今年辭世的英國藝術家大衛・霍克尼的雙人肖像〈克里斯多福・伊舍伍德與唐・巴查迪〉(Christopher Isherwood and Don Bachardy)。此作為霍克尼備受推崇的雙人肖像系列代表作之一,亦是首次在臺灣公開展出的重要作品。霍克尼細膩地描繪英國作家克里斯多福・伊舍伍德(Christopher Isherwood)與其伴侶的情感關係,畫面採取古典式構圖,畫中的戀人各自獨立、相隔而坐,卻又彼此相依,巧妙映照出本展理性與本能相互消長的核心命題。

大衛・霍克尼〈克里斯多福・伊舍伍德與唐・巴查迪〉,1968,212.1 x 303.5 公分,壓克力、畫布 © David Hockney. Photo credit: Jonathan Wilkinson.
大衛・霍克尼〈克里斯多福・伊舍伍德與唐・巴查迪〉,1968,212.1 x 303.5 公分,壓克力、畫布 © David Hockney. Photo credit: Jonathan Wilkinson.

世界級名作走進中美館

另外,本次展覽匯集多件橫跨不同時代的藝術名作,呈現藝術家各具特色的創作語彙。巴洛克時期重要女性藝術家阿爾泰米西婭・簡提列斯基(Artemisia Gentileschi)〈沉思中的抹大拉馬利亞〉(Mary Magdalen in Meditation)描繪沉浸於冥想中的抹大拉的馬利亞,十字架、骷髏與《聖經》等物件環繞其側,透過豐富色彩與強烈明暗對比,展現女性角色的自主性與意志。古斯塔夫・克林姆〈扶手椅上的女士 〉(Dame im Fauteuil)創作於1897至1898年間,是其藝術發展的重要作品,見證他逐漸擺脫學院派傳統、轉向更具實驗性的表達,並首度採用日後經常使用的正方形畫幅。畫中女子身著深紅色洋裝與帽子,臉部輪廓清晰,腰間的綠色與畫面左上方的兩張隱約臉孔,更為作品增添視覺層次與神祕感。 

阿爾泰米西婭・簡提列斯基, 〈沉思中的抹大拉馬利亞〉, 1610s-1620s, 油彩、畫布, 156 × 117 cm, 含框 175 × 137 × 6.5 cm
阿爾泰米西婭・簡提列斯基, 〈沉思中的抹大拉馬利亞〉, 1610s-1620s, 油彩、畫布, 156 × 117 cm, 含框 175 × 137 × 6.5 cm
古斯塔夫.克林姆, 〈扶手椅上的女士〉, 1897–98, 油彩、木板, 52 × 52 cm
古斯塔夫.克林姆, 〈扶手椅上的女士〉, 1897–98, 油彩、木板, 52 × 52 cm

進入20世紀現當代藝術,畢卡索(Pablo Picasso)〈男子頭像〉(Tête d'Homme)創作於1971年,以灰色、赭色與淺藍等色彩構成錯落的人物面部,搭配紅白相間的頭帶與張開的嘴,呈現藝術家晚年自由奔放的創作風格。安迪・沃荷(Andy Warhol)〈自畫像(驚悚假髮)〉(Self-Portrait (Fright Wig))以深黑背景襯托面容與極具辨識度的銀色假髮,將個人形象轉化為鮮明的視覺標誌,展現他對公眾形象的經營。傑夫・昆斯(Jeff Koons)〈氣球狗(紅) 〉(Balloon Dog (Red) )將平易近人的氣球造型放大至紀念碑式尺度,以光亮如鏡的表面映照周遭環境與觀者身影,將尋常物件轉化為引人注目的當代藝術作品。 

巴布羅.畢卡索, 〈男子頭像〉, 1971, 油彩、畫布, 81 × 65 公分, 含框 102 × 86 × 10 cm © Succession Picasso 2026
巴布羅.畢卡索, 〈男子頭像〉, 1971, 油彩、畫布, 81 × 65 公分, 含框 102 × 86 × 10 cm © Succession Picasso 2026
安迪.沃荷, 〈自畫像(驚悚假髮)〉, 1986, 壓克力彩、絹印油墨、畫布, 203.2 × 203.2 × 5.08cm, 含框 205.1 × 205.1 × 5.1 cm © 2026 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Licensed by DACS, London.
安迪.沃荷, 〈自畫像(驚悚假髮)〉, 1986, 壓克力彩、絹印油墨、畫布, 203.2 × 203.2 × 5.08cm, 含框 205.1 × 205.1 × 5.1 cm © 2026 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Licensed by DACS, London.
傑夫.昆斯, 〈氣球狗(紅)〉, 1994-2000, 彩色透明塗層、無縫鏡面拋光不銹鋼, 307.3 × 363.2 × 114.3cm © Jeff Koons, Photo: Mike Bruce, Gate Studios; Courtesy the Royal Academy of Arts, London
傑夫.昆斯, 〈氣球狗(紅)〉, 1994-2000, 彩色透明塗層、無縫鏡面拋光不銹鋼, 307.3 × 363.2 × 114.3cm © Jeff Koons, Photo: Mike Bruce, Gate Studios; Courtesy the Royal Academy of Arts, London

早鳥優惠10/15起限時販售

「蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展」早鳥票將於10月15日上午9時起至11月19日限時販售,每張200元(原價300元)。票券依平日、假日提供不同選擇,平日採非預約票入場,假日及國定假日為維護觀展品質推出「假日預約時段票」,觀眾可選擇「假日預約時段票」或「非預約票」。預約時段票可事先選定觀展時段,並可由「優先通道」排隊優先入場;非預約票則無須預先指定時段,惟假日及國定假日須於「一般通道」待預約時段票入場結束後,依現場安排入場,讓觀眾可依行程規劃參觀時間。票券皆可於綠美圖1樓服務檯售票櫃檯及官方網站購買,非預約票另可透過KKday、Klook、GetYourGuide、Trip.com、易遊網、雄獅、ibon、Famiport、中台灣好玩卡等平臺選購。

⭣完整票價資訊可點擊下方官方IG查詢

蠍子與青蛙:國巨基金會典藏展
時間:2026年11月20日至2027年4月4日
地點:臺中市立美術館|展覽室D、E
開放時間:每週二至週日9:00-17:00、每週六9:00-20:00,國定假日照常開放
早鳥票定價200元 (10月15日上午9時起至11月19日下午4時30分限時販售)
售票連結請點此

資料提供|中美館、文字整理|Adela Cheng

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日本京都話題展覽《C-GRAPHIC/TAIPEI》台北NOKE登場!齊聚15組設計團隊共覽2020年代台北平面設計風景
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2025年於日本京都 ddd gallery 登場的《C-GRAPHIC/TAIPEI——2020年代台北平面設計展》,由香港平面設計師、策展人毛灼然(Javin Mo)與現居大阪的設計師、策展人及編輯後藤哲也(Tetsuya Goto)共同策展。今年跨出日本,由NOKE忠泰樂生活、明日製作所攜手公益財團法人 DNP 文化振興財團(DNP)移師台北,即日起至11月9日在NOKE 3F Uncanny 展出。

從漢字文化圈到「台北」

《C-GRAPHIC/TAIPEI》源自後藤哲也主編的《C-GRAPHIC INDEX》一書,其中「C」代表「Chinese」,從漢字文化圈出發觀察當代華語平面設計;發展成展覽時,則進一步聚焦於使用繁體中文的城市「台北」,並選擇1980至1990年代出生的設計世代作為主要觀察對象。展覽除了呈現海報、出版物、品牌識別與影像等作品,也試圖理解設計師如何學習、生活、受到什麼影響,以及這些創作如何與城市文化及社會脈絡相互交織。

《C-GRAPHIC_TAIPEI》集結15組台北設計師與團隊,以鮮明色彩與多元媒材呈現當代平面設計跨越視覺藝術、文化與日常生活的創作樣貌。(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
《C-GRAPHIC_TAIPEI》集結15組台北設計師與團隊,以鮮明色彩與多元媒材呈現當代平面設計跨越視覺藝術、文化與日常生活的創作樣貌。(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
圖左為毛灼然(圖片提供:毛灼然)圖右為後藤哲也(攝影:倉科直弘)
圖左為毛灼然(圖片提供:毛灼然)圖右為後藤哲也(攝影:倉科直弘)

延伸閱讀:京都ddd gallery《C-GRAPHIC/TAIPEI》展覽現場直擊:台灣設計在日本人眼中,有哪些好奇與獨特之處?

策展人如何觀看這座城市?

對後藤哲也而言,觀看台灣設計的起點,可以追溯至聶永真、王志弘等較早一代設計師,從設計介入公共議題,到漢字、日文與出版設計之間的重新詮釋,都讓他看見台灣平面設計與社會、文化之間緊密的連結。後藤哲也表示:「台灣的年輕世代設計師,常有機會直接參與政府、公共及大型文化活動的主視覺,展現出個人工作室與公共性高度對話的獨特動能。」而對毛灼然來說,他則認為:「風格極其多元且不受拘束。正如展覽主視覺所呈現的,我們大膽運用了呼應台灣『廟宇、夜市、煙火』等在地生活風景的強烈色彩組合,精準體現了當代台北新生代設計不墨守成規、敢於碰撞與實驗的視覺能量。」

展覽主視覺(圖片來源:後藤哲也、毛灼然)
展覽主視覺(圖片來源:後藤哲也、毛灼然)
展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)

首度跨出日本、落腳台北

 《C-GRAPHIC/TAIPEI》展覽首度跨出日本,首站即選擇台北作為落腳處,並非將原有內容原封不動地移植,而是重新回到這座曾經被「觀看」的城市,讓展覽內容更加多元豐富。台北站除原有10組設計師外,進一步擴充至15組,透過不同世代、文化背景與創作方法的交會,呈現更加豐富多元的設計樣貌。展覽不僅呈現了當代台北平面設計的多元創作光譜,也讓觀眾能從不同視角,理解設計如何回應城市文化、社會議題與日常生活,並深入認識當代創作者在不同媒介與領域之間持續探索的實踐樣貌。

展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)

同步展出《gggBooks》世界設計典藏

 除了聚焦台北當代平面設計,本次展覽也將觀看視角從台北延伸至世界,展出近40冊由公益財團法人DNP文化振興財團出版的《gggBooks》(World Graphic Design Series/世界平面設計系列)。《gggBooks》系列迄今已累積發行147輯,被譽為一座「微型畫廊」,精選收錄了日本及海外頂尖平面設計師的代表作,匯集充滿獨特個性的視覺內容。本次展覽是台灣首次有系統、大規模地展出此系列叢書,讓觀眾除了能欣賞台灣平面設計師的作品外,也能透過這些書頁窺見世界的設計脈動。

展覽特別展出近40冊由公益財團法人 DNP 文化振興財團出版的《gggBooks》世界平面設計系列,透過日本與國際設計師的代表作品,帶領觀眾探索世界平面設計的創作脈絡。(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
展覽特別展出近40冊由公益財團法人 DNP 文化振興財團出版的《gggBooks》世界平面設計系列,透過日本與國際設計師的代表作品,帶領觀眾探索世界平面設計的創作脈絡。(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)

匯聚多位 AGI 台灣會員

值得一提的是,本次策展及參展陣容中,更匯聚多位國際平面設計聯盟 AGI(Alliance Graphique Internationale)會員。AGI 於1952年成立於巴黎,被視為國際平面設計界極具代表性的專業聯盟,會員須經現任成員推薦、審查及投票通過,70多年來全球僅有約500位設計師獲選。此次策展人毛灼然,以及參展設計師葉忠宜、HOUTH何婉君、洪彰聯皆名列其中;在台灣目前僅10位正式會員的情況下,本展即集結其中3位台灣會員,展現2020年代台北平面設計在國際設計脈絡中的能見度與創作實力。

展場一隅(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)
《C-GRAPHIC/TAIPEI》展覽特別規劃「設計小賣所」,精選參展設計師相關出版品與設計商品,讓觀眾將台北平面設計的創作能量延伸至日常生活。(圖片提供:NOKE忠泰樂生活)

C-GRAPHIC/TAIPEI

展期|2026年10月8日-11月9日
時間|週日-週四 11:00–21:30;週五-週六 11:00–22:00
地點|NOKE 忠泰樂生活 3F Uncanny|台北市中山區樂群三路200號 (捷運劍南路站)
票價|NT$100(限 Uncanny 現場購票)

資料提供|NOKE忠泰樂生活、文字整理|Adela Cheng

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