2024年第60屆威尼斯國際美術雙年展於4月20日正式開幕，編輯也實際踏上水都，帶回現場的第一手報導！台灣館《袁廣鳴：日常戰爭》展出了哪些作品、又有什麼特別活動？最高榮譽金獅獎獎落誰家？而作為國際矚目的藝術展會，在政治動盪的此刻各國國家館有什麼舉動？

2024年第60屆威尼斯國際美術雙年展於4月20日正式開幕！本屆迎來首位拉丁美洲策展人，由現任巴西聖保羅藝術博物館藝術總監Adriano Pedrosa擔任，大會展題《處處都是外人》（Stranieri Ovunque–Foreigners Everywhere），有著「不論走到何處都會遇到外國人」、「無論身在何處都自覺像外人」等多重含義。

威尼斯雙年展以軍械庫（Arsenale）、綠園城堡（Giardini）為兩大展區，除了各有一座大會主題館，遍布兩區的各國國家館亦是關注焦點，今年共集結90個國家，貝南、衣索比亞、東帝汶、坦尚尼亞4國更是首次參展。作為國際矚目的展會，加上國家館的參展性質，讓威尼斯雙年展在藝術、政治、社會議題等有所聯動。以下先帶你從3大話題速看本屆：

（1）金獅獎獎落南半球原住民藝術家

主題館金獅獎由4位紐西蘭毛利女性藝術家組成的「Mataaho Collective」奪下，作品《Takapau》位於軍械庫展場入口的第一個展間，Takapau在毛利語為「編織分娩墊」，而這個編織而成的大型裝置既如子宮般的神聖，又如宇宙般的遼闊。國家館金獅獎則頒給「澳洲館」，藝術家Archie Moore爬梳超過65,000年的家族親屬關係，印證不同族群的人類如何彼此聯繫；四周牆面與天花板是由粉筆寫上的族譜，中間水池平台上放置一落落澳洲原住民遭迫害的檔案。

（2）以色列撤館

以色列和巴勒斯坦激進組織哈瑪斯（Hamas）在加薩走廊的戰火至今已延燒數月，就在本屆威尼斯雙年展媒體預展首日，以色列館仍未開放大門，玻璃牆上貼著一張海報寫道：「在停火和人質釋放協議達成後，以色列館的藝術家和策展人將會開展。」

（3）俄羅斯館出借玻利維亞

俄羅斯在2022年入侵烏克蘭後皆沒有參加威尼斯雙年展，位在綠園城堡的俄羅斯館也跟著放空城。不過2024年這棟綠色建築出借給了波利維亞，至於原因為何？波利維亞官方聲明表示，「俄羅斯相信我們作品的重要性、質量和內容。」但根據外媒的非官方消息，可能與兩國在鋰資源上達成協議有關。

聚焦台灣館《袁廣鳴：日常戰爭》

台灣館由藝術家袁廣鳴代表參加，臺北市立美術館策劃、陳暢（Abby Chen）擔任策展人，於普里奇歐尼宮邸（Palazzo delle Prigioni）展出《袁廣鳴：日常戰爭》，共有5件錄像、1件動力裝置、1件素描作品。從大門到展廳的階梯，就可聽見《日常演習》的警笛，揭示展覽的不安氛圍；步入展場後，儘管有著沙發、座椅、檯燈等舒適居家擺設，但《日常戰爭》與《棲居如詩》的爆炸、《佔領第561小時》節奏緩慢的國歌、《預言》突如其來的震動，在在提醒著這是場「日常中的戰爭」與「戰爭中的日常」。

展名《日常戰爭》不僅指涉作品中的防空演習、公民不服從運動、居家襲擊等等，更探討後資本主義、網路攻擊、氣候異常及族群紛爭等議題。內容不僅關於台灣，更是世界的不安、焦慮與現實寫照，袁廣鳴也在開幕式時表示，「希望展覽不要成真。」但如同作品中不斷重複的影像，爆炸、襲擊是破壞亦是重生，陳暢說，「在日常戰爭中，藝術家能給的是什麼想像？普里奇歐尼宮邸原本是一座監獄，如果監獄在今天都可以翻轉為表達藝術和言論自由的場域，這就是台灣藝術家和台灣想帶來的正面訊息。」

新作《日常戰爭》、《扁平世界》解析

這次袁廣鳴共帶來兩件新作，其一為展覽同名錄像作品《日常戰爭》，描述在中產階級房間中發生了一場襲擊，最後又回歸平靜。不同於此次亦展出的《棲居如詩》為1公尺乘1公尺的水缸模型，《日常戰爭》在淡水工作室打造1比1拍攝場景，內裝設定為「有點窮的單身知識分子」。每次創作都會放入新技術嘗試的他，這件作品費時約1年開發「單軸機械手臂」，達到拍攝時的精準控制。仔細聆聽錄像的背景聲音，會發現為「戰爭遊戲實況」，袁廣鳴表示，最初設定為《CNN》戰爭新聞，覺得太老套又改為國外談論武器的節目內容，最後想到了YouTube上的戰爭遊戲實況，隱喻每一個你我都可能是造就日常戰爭的一員。「我雖然做這個作品，但是我可能就是那個玩戰爭遊戲的人，其實我也不是清白的。」

另一件新作《扁平世界》，以Google全球街景資料庫（Google street view）將各地類似景貌的街景串連，10分鐘的錄像也成為了一種「新公路電影」。每段影像皆由台灣開頭，再連接至世界各地相似的地景，例如橋、道路、荒野、市中心等等，顯示在全球化、數位化的網路時代裡，世界竟是一個極度相似的「扁平世界」。在製作上，由於Google Street View為360度影像，當要轉化為平面影像時，需藉由程式多項篩選及限定相同的中心點及透視。袁廣鳴表示，Google street view的資料庫其實透露出全球政治和經濟結構，例如沒有經濟效應或很薄弱的地區資料甚少、共產國家幾乎沒有資料（少數如俄羅斯有）。

入口播放《日常演習》、《佔領第561小時》，白色椅子連結素描作品

走進台灣館，入口處約高3公尺、寬6公尺的巨型螢幕，播放的是《日常演習》，以及紀錄「太陽花學運」撤場前夕的《佔領第561小時》。其實連袁廣鳴最初也認為最醒目的入口處，應該要展示新作，但陳暢建議要以這兩件作品作為開場。除了演習、學運都是非常台灣的象徵，《日常演習》的空襲警報聲響，讓觀眾在踏上普宮的樓梯間就能聽見，營造展覽題旨和氛圍。

值得注意的是，螢幕前擺放了6張白色躺椅，和展出的素描《在我們的遠方是什麼？》中的白色沙灘椅相呼應。該張素描源自1951年的黑白歷史照片，袁廣鳴初次乍看以為是「一群男人戴著墨鏡，悠閒躺在沙灘椅看著遠方」，細看才發覺不對勁，是「美國高階軍官戴著護目鏡，在太平洋小島觀看核爆測試」，極為反差的觀感讓他留下深刻印象。這次將畫中沙灘椅搬至現實，素描裡人們悠閒躺在椅子上看著不悠閒的核爆，現實展場裡觀眾亦是舒服坐在椅子上，觀看著不舒服的作品。

公眾論壇重點整理！從「島嶼」連結回「家」

台灣館開幕日下午舉行「公眾論壇：如島嶼思考」（Public Forum: Thinking Like An Island），由亞洲藝術博物館當代藝術助理策展人納茲．朱古歐盧（Naz Cuguoğlu）擔任主持人，與談者除了袁廣鳴、陳暢，還邀請到泰德美術館大中華地區兼任策展人陳思穎（Hera Chan）、阿布達比古根漢美術館策展人鄧芷茵 （Birde Tang），從「島嶼思維」（island-thinking）出發，探討於藝術與當代地緣政治中的競合關係。

論壇中提及了不同層次的「島嶼思考」，首先是「孤島」，陳暢分享剛來到美國的時自覺孤島，儘管得到獎項肯定仍無人理解，但透過與女性、移民策展人交流，慢慢建立社群，而如今的社會也開始關注起非主流。朱古歐盧接著提及，孤島也能連結為「群島」。鄧芷茵說，阿聯酋有8成以上是國外居民，在當地工作非常需要「社群」的概念，包括怎麼跟不同宗教、語言、文化者溝通。陳思穎則認為與其身為策展人，她更著重身為一位「市民」如何創造社群之間的連結。

袁廣鳴則從父親「離島」的概念切入，父親於國共內戰的時候來到台灣「躲雨」，沒想到一躲就是40年，這讓身為外省第二代的他，不斷思考家或家鄉的概念到底是什麼？而這次台灣館正就是把展場打造為居家場域，朱古歐盧問及背後原因，陳暢回應從來沒有這麼想過，家的概念是在策展中浮現，放入沙灘椅、點亮檯燈後，很訝異原本是監獄的展場竟產生了家的感覺。她說世界上已經沒有絕對安全的地方了，所謂「家」或許是可以獲得一點勇氣的地方，從袁廣鳴的作品，可以看到一個人的生存、採取行動且慢慢找到勇氣。

2024「第60屆威尼斯國際美術雙年展」台灣館

時間｜2024.04.20-09.30，每週二至週日上午11:00-19:00

2024.10.01-11.24，每週二至週日上午10:00-18:00

週一休館，4/22、6/17、7/22、9/2、9/30及11/18特別開放

地點｜義大利威尼斯普里奇歐尼宮邸（Palazzo delle Prigioni, Venice, Italy）

_{文、攝影｜張以潔
圖片提供｜臺北市立美術館、La Biennale di Venezia}

台灣通勤第一品牌 3 位主持人，以詼諧深刻的對話，陪伴無數通勤族穿梭於日常的喧囂與靜謐，這次他們走進臺北市立美術館的《你的好奇旅程》展覽，在最後的〈立方結構的演化計畫〉（The cubic structural evolution project，2004）展區中，觀眾可以任意使用樂高拼砌城市、搭建想像。於是，他們坐進了這座城市現場即興創作，暢談好奇心如何連結生活與藝術。

〈立方結構的演化計畫〉是展覽中最具互動感的作品之一，參與者在一片白色樂高積木的海洋中自由創作，建構屬於自己的城市景觀。對李毅誠（誠誠）、張家倫（家倫）、何勁旻（何 A）而言，這不僅是一場藝術體驗，更是一次對創造力的回溯。誠誠分享，比起一般「組裝說明書式」的樂高，「這裡的樂高多到讓人安心，像是軍備競賽，零件多到你可以無止境地重複、擴張。」他聲稱自己的創作靈感是打造一座「不通風、不透光、如墓碑的人造建築」，刻意強調人為的控制感與封閉結構，彷彿在挑戰自然的界限，「小時候我也喜歡蓋這類型的樂高，像是要保護內心珍貴之物，這裡讓我重新連結那種感覺。」

何 A 的「衛星發射台」概念，來自他玩《坎巴拉太空計畫》（Kerbal Space Program）太空飛行模擬遊戲的記憶，故意讓建築呈現「一碰就壞」的危樓狀態，「我不只想蓋得比台北 101 高，還想讓小孩看到都怕怕的，不敢把我的作品拆掉！」家倫的構想則是一個拱門般的「入口」，象徵某種通往未知的邀請，竟意外地和何 A 的作品無違和合併，成為「衛星發射台的洩水閥」，「我滿期待別人拿我的零件去創造新東西，就像我們的節目，聽眾回饋讓頻道內容更豐富、更有層次。」

台通眼中的 Olafur Eliasson——「看似開放，其實絕對控制」

除了拼組樂高，3 人此行也走進其他展間。誠誠認為，Olafur 的創作兼具高度控制與普世性：「你都看得懂，但絕對做不出來。觀看時都有種『我怎麼沒想到』的驚訝。」他特別提到〈單色房間〉（Room for one colour，1997）單頻率的黃光。何 A 則從另一個角度解讀，認為 Olafur 的作品帶有某種「攻擊性」或「不耐感」：「他的作品像在挑釁，吸引你靠近卻又不讓你觸碰。」而〈循環扇〉（Ventilator，1995）刻意設置在可觸及的高度，彷彿在試探觀眾的慾望，「整個展覽精確地控制觀眾的好奇心，最後用樂高釋放到訪者的創作慾望。」何 A 認為這樣的對比性令人莞爾，他隱約感覺到某種「反人性」的不耐，藝術家似乎有意凸顯人造與自然的差異，挑戰觀眾對物質與環境的認知。

3 人忍不住熱烈議論，Olafur 作品中的自然元素，如：光、影、水、霧等與人類感知的連結，卻似乎有意排除「人」的存在感。何 A 提到〈苔蘚牆〉（Moss wall，1994）與記錄時間流逝的〈風的書寫〉（Wind writings，2023）和〈太陽繪圖〉（Sun drawing，2023），「他好像在說，人類其實沒那麼重要。〈單色房間〉中你無法好好自拍；〈多重影子屋〉（Multiple shadow house，2010）你看不到自己的表情。他要你把注意力轉向外部，凝視那些喚起好奇心的東西。」家倫補充：「他的作品邀請你安靜下來，與自己對話，觀察自己的身體如何與環境互動。」誠誠則指出，這也許是藝術家個人較尖銳的幽默感：「『你們都沒發現吧？』他總在提問，你是否忽略了明明再尋常也不過的彩虹和影子？」

不是講幹話而已！輕鬆詼諧中深刻思辨

這趟觀展過程，彷彿是一次對 3 位創作者自身的映射。長期一起工作，彼此熟知癖好與節奏，卻也因為這種持續對話，累積出了對生活更深的理解力。「好奇心是所有創作的起點，也是燃料。『李毅誠為什麼喝酒都點 2 杯？』有人覺得沒什麼，但好奇心會讓你追問，然後找到故事。」誠誠分享，有次聊天中討論如何收襪子，3 人發現彼此方式截然不同——誠誠摺疊、家倫捲起來、何 A 則將一隻襪子「含住」另一隻。這些細微差異在節目中變成引人入勝的話題，展現好奇心如何將平凡轉化為趣味。

家倫坦言，自己私底下不是對其他人類好奇的人，但在錄製節目時會刻意開啟「追問模式」。他也說何 A 的突兀反而成為節目笑點，「何 A 的問題基本上都是服務自己，而不是服務觀眾，不過這種天外飛來一筆，也會意外挖到有趣的東西，這就是他的怪。」看似無聊的瑣事，因為觀察、發問與執著，被賦予了新的厚度。誠誠指出：「我們最常問：『你為什麼會這樣想？』比起輸出，其實聊天最重要的反而是聽，讓對話持續延展下去。」

如果台通成為策展人？

這讓我們也好奇起，如果有一天，台通受邀進駐美術館展出，他們會選什麼片段？何 A 想像一個在展場中，模擬聽眾在捷運上、打掃家裡、開車等場域收聽節目的環境，集結 3 個主持人的笑聲集錦，讓觀眾感受到陪伴與共鳴，「想跟觀眾說『你不孤單』，像《新世紀福音戰士》的場景，大家的笑聲匯聚成一股力量。」誠誠則想展出節目中被剪掉的祕辛，如私下對特定人事物的犀利評論，認為這能呈現真實的對話樣貌：「節目是同時做給數萬人聽，但展覽是對 1 個人說話。來看展覽才能聽到從未公開的彩蛋。」家倫則幽默提議展示業配片段，笑稱這是節目價值的體現：「被標價是好事，讓你知道自己的價值！」

同理差異　持續好奇

「我們最討厭那種孤芳自賞、設了高門檻，還覺得看不懂就是你不夠聰明的藝術。」在他們眼中，藝術最迷人的地方是「打開一個你從沒想過的角度」，是提醒「你怎麼沒發現呢？」如同台通的核心哲學，既可以輕鬆理解，但要做得自然且深刻，是另一回事。3 人至今依然是可以約去吃漢堡王的朋友，台通「從一個小問題一路往下挖」，使「陪伴」成為聲音最獨特的質地，一場場「用聲音搭建世界」的實驗，對話流動而誠實，彼此接住對方，也拆解彼此。誠誠說：「好奇心讓我們安心，光是『理解』本身，就能減輕人生的痛苦。」

臺灣通勤第一品牌
《台通》自 2020 年疫情期間由李毅誠創立，與張家倫、何勁旻共同主持。起初因疫情影響便當店生意下滑，啟發李毅誠與好友創辦節目，意外席捲 Podcast 圈，節目話題涵蓋生活瑣事、時事、動漫到社會議題，以輕鬆又深入的閒聊風格，累積大量忠實聽眾。開播後多次登上 KKBOX、Apple Podcasts 與 Spotify 最受歡迎節目榜，也在 2022 年獲邀擔任第 13 屆金音創作獎主持，持續以真誠、幽默的對話與魔性笑聲，打造和聽眾的共鳴與連結。

_{文｜張瑋涵　攝影｜好映像工作室_林家賢}

更多精彩內容請見 La Vie 2025/7月號《Olafur Eliasson藝術特輯》

東京美術館21_21 DESIGN SIGHT「そのとき、どうする？展 –防災のこれからを見渡す–（What If? BOSAI: The Next Disaster）」新展，從「災害到底是什麼」的角度出發，將過去地震、水災等天災的數據視覺化，同時介紹防災相關產品、因災害而誕生的各式專案等內容，帶領人們重新審視自然災害。

自然災害何時何地會發生，沒有人能夠準確預測。有些人平時備有防災包，也有些人可能盡量不去多想。然而，身處在被稱為「災害大國」的日本，其實無法完全與災害無關。因而誕生的「そのとき、どうする？展 –防災のこれからを見渡す–（編輯暫譯：那個時候，該怎麼辦？展 － 展望防災的未來 －）」企劃展，由在東京、仙台、倫敦設有據點的WOW視覺設計工作室策劃，以「提問」為主軸，提供觀者從自己的視角反思防災與災害。

10個提問引領人們思考災害

展場散布著10個提問，像是：所謂「安全的地方」在哪裡？到底需要準備多少才是充分的備災？如果聯絡不上重要的人，該怎麼辦？該如何事先準備？對你而言，度過災後生活必須具備的是什麼？支撐我們生活的，究竟是什麼？⋯⋯。人們能一邊欣賞展品，一邊思考若發生災害，自己會如何面對與準備；觀眾也能透過此次展覽的特設網站，使用手機傳送關於這10個問題的答案，部分回答也將作為影像作品在現場展示。

如果「那個時候」到來⋯⋯

WOW工作室提到，「在這次以『防災』為主題的展覽中，我們不單單只是傳遞災害的知識與防災技術，更將焦點放在人們如何面對天災時的意識與心態。防災從來不是某一個人可以獨自背負的責任，它關乎自己，也關乎家人、朋友、同事，甚至是周遭素未謀面的人。而別人是如何看待『那個時候』並做準備的？我們希望透過這樣的視角，成為人們重新將防災視為自己課題的契機。」

展覽有哪些看點？

▸ 將天災視覺化呈現

透過將數據圖像化、以多樣的視覺描繪災害圖像，帶領人們回顧日本與世界上曾經歷過的各式災害，同時藉由視覺化呈現自然原貌與災害模擬，開啟更多的討論與思考。

展出單位、創作者：越村俊一、にゃんこそば、株式会社ヤマップ、パノラマティクス＋ Eukarya、日本経済新聞社 等

▸ 重新審視防災意識的裝置作品

此次展出的兩件全新體驗型裝置作品，將引領人們重新審視自己對防災與災害的準備與心態。

展出單位、創作者：柴田大平、siro ＋石川将也

▸ 防災的計畫、研究與產品

本區介紹因應天災時斷訊的嶄新研究、能迅速傳遞資訊的機制、災後如何持續照護生活與心靈的各種方式，以及把防災融入日常的概念等，透過不同階段的各式計畫與物件，帶領觀者看見防災的「現在」與「未來」。

展出單位、創作者：ゲヒルン株式会社、KDDI 株式会社、中嶌 健、WOTA 株式会社、坂茂建築設計＋ボランタリー・アーキテクツ・ネットワーク、日本郵便株式会社＋寺田倉庫株式会社、バリューブックス 等

▸ 「那個時候」之後的希望樣貌

有些畫作誕生自災害發生地的風土與人們，有些設計因震災而生、進而傳向世界，也有持續提醒我們「每天都可能有災害」的倡議，藉由這些連結災害與日常的創作，帶領我們看見「那個時候」之後的希望。

展出單位、創作者：トラフ建築設計事務所＋石巻工房、福島民報社、佐竹真紀子 等

▸ 自然與自身的相處之道

從樹木生態系與人類共存的防災方式，到作為保護自身最後一道防線的「衣服」等，引領人們從有別於都市防災機制的角度，重新思考守護我們的各種可能。

展出單位、創作者：津村耕佑、veig

「そのとき、どうする？展 –防災のこれからを見渡す–」"What If? BOSAI: The Next Disaster"
展期：2025年7月4日–11月3日
展場：21_21 DESIGN SIGHT Gallery 1 & 2
休館日：週三（9月23日開館）
開館時間：10:00−19:00（18:30為最後入場時間）

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