2024台北當代藝術博覽會新銳創作者聚焦！搶先認識吳美琪、多田圭佑與Bianca Nemelc三位年輕藝術家

2024台北當代藝術博覽會（Taipei Dangdai）將於5月10～12日登場，這次在眾多畫廊間，搶先認識吳美琪、多田圭佑與Bianca Nemelc這3位值得注目的年輕藝術家。他們皆專注於平面的藝術創作，挑戰其中的極限與可能。

吳美琪｜亞紀畫廊

在攝影的嬉戲中尋找自由

蒐集是吳美琪的生活，喜愛的閃亮東西與顏色則化為她的攝影作品。在2016年起創作的靜物攝影三部曲《XXY》、《XYX》和《YXX》中，她嬉玩虛實、光影與時間，重塑出虛構的幻象世界。

其實她先學了繪畫，後來才著迷攝影對空間、時間的操縱。搭建起場景、以複合媒材拼貼後再拍攝下來，東西不見，退後了只留畫面，作品就回到攝影本身那最純粹的moment。「我想要解構觀點，破除一些刻板印象和框架，去除每個物件本身的意義後，它們在畫面中都可以是等價、一樣的。」她想透過攝影追尋現實中難獲的自由。

蒐集、重構再拍下，是她嘗試掌控事物的過程，她自《Love Love Love 戀物癖》起拍攝愛戀對象泰勒的身體特寫，2021年的《野餐》個展與攝影書則是這場關係變質、別離後的幻想野餐，手與腿的局部影像被肢解，感情不再，只剩照片與拼貼。

2023年白晝之夜《手術房派對》則是面對自體免疫病痛時對恐懼的轉化，她想像人體細胞不斷更新，這誕生（born）跟重生（reborn）的過程正是生命的循環。今（2024）年初剛結束的廈門集美．阿爾勒國際攝影季發現獎展覽《禮物Baby's Baby》則梳理她至今的作品。

攝影的可能性正像俄羅斯娃娃般遞迴，她說明，「不同空間、物件進行循環的自我複製、演變、分裂、重組，就跟生生不息的生命一 樣。」中文展名「禮物」的意涵正巧對應著她的《潘朵拉的盒子》系列，創作期間她問朋友：「關於你生命／生存的元素是什麼？」、「你目前人生的希望／絕望各占多少％？」盒子裡的物件正象徵生命的不同元素，世界正是未拆開的盲盒，無論其中是醜惡或是希望的禮物。

在2022年的《x+羅Miró》系列中，她感受到被攝影媒材框限，首次在作品中融入電繪，其中〈故事三：它復活了IT'S ALIVE〉拍的是科學怪人的故事，「他是人造人，我好像在圖造圖，可以一直賦予它們新的生命。」與8bit.t.d八位元紡織合作的《造像計畫》中，她的影像被重新編為織品，語彙進一步模糊。

而這次在台北當代展出的《Love, Double Love》是與飾品設計師友人mEltEd potato的共同創作，將她自拍的身體與融化般的飾品結合，在台北當代的影像派對中，作品也將被轉印在絲巾和配件上，與觀眾來場穿搭互動。

「從以前到現在，我的作品環繞在各個關係的變化上，虛實並存的樣貌，從中探索更多的可能性。」她影像中不同時期相遇的物件，正也映射出愛的元素，如《XYX》中媽媽送她的南部家鄉水果、《野餐》中湧動的不安，以及如今《Love, Double Love》中「我是不是真的需要很多的愛，才可以好好安撫我自己」的提問。而近年多專注靜物的她，想如大學時期般回歸人像拍攝，尤其是人體，「身體是很厲害的容器，每個人的身體都很有魅力，我想要記錄下來。」

吳美琪

1989年生於台南，畢業於高雄大學。以彩色靜物攝影為創作基調，交織靜物、棚拍、抽象、圖像文化、科學實驗等，生產關於色彩、光線、物件迭代、空間分割的圖像，重要個展包括2019年台北亞紀畫廊《YXX-The Flares》、2020年台北朋丁《野餐》、2023年廈門集美．阿爾勒國際攝影季《禮物Baby's Baby》等。

多田圭佑｜MAKI Gallery

在虛擬與現實的邊際探尋存在

多田圭佑在年少時代對電玩遊戲、網路、塑膠模型充滿熱情。大學時他嘗試過各色媒材，也曾在雕塑家工作室協助打造主題遊樂園的遊樂設備、廣告布景、電影道具等。

那為何仍選擇投身繪畫？「對我來說，繪畫是一種非常模糊的媒介，它既是一個實質存在的實體，又能是個非無質性的圖像。繪畫這種雙重性存在的形式，非常適合我創作的理念。」他在虛擬世界中體驗到的「真實」成為《trace》系列的靈感，「這種『真實感』來自表面紋理、重力和材料成分的組合，這與電影場景製作的過程，同時使用逼真的電腦特效（CGI）和實際特效，有很多共同之處。它們不是現實的替代品，某些方面可能有些缺陷，其他則可能誇大。」創作《trace》系列便是為了捕捉這一現象，其中便應用了3D建模的可複製性。

這次參加台北當代，多田圭佑將帶來《trace/dimension》及《残欠の絵画》系列新作。《残欠の絵画》系列乍看彷彿歐洲經典風景畫，實則是藝術家參考遊戲畫面入畫的成果。「靈感來自我一次玩電玩遊戲時睡著的經驗，⋯⋯當我第二天早上醒來，看著整夜都開著的螢幕，遊戲仍然和我入睡前一樣，景色和時間沒有任何變化，讓我意識到虛擬空間中無限的時間性和現實世界中有限時間性之間的鮮明對比，我著迷於這種並存的反差。」他說明，所有圖像本身都是永恆的實體，但它們在物質上會隨時間而衰變。再加上他欣賞古典繪畫時受到畫作老化的啟發，他將虛構時間（人工老化技法）應用在虛擬風景之上，「我相信我可以表現出一種既不屬於存在，也不屬於不存在的閾值狀態。」

他同時在進行多項系列創作——共同處是對存在意義的興趣，這個主題在2023《Phantom Emotion》、《Rhizomed Material》兩個個展中延續。

其中《Phantom Emotion》以《残欠の絵画》系列為展覽核心，「我試圖將我在駕駛虛擬飛機時所觀察到不斷變化的景色，與觀看藝術的經驗聯繫起來。」《Rhizomed Material》則專注在《trace》系列，「畢竟在該展覽之前，《trace》系列已經逐漸演變成包含更廣泛的主題，所以當時我打算展示這漸次延展的過程。」隨著科技與電子設備的進步，多田圭佑觀察到，「人們大部分時間都處於某種虛擬空間中，這些經驗將來可能會更多與我們的身體相互連結，存在定義將變得更模糊。」

他解釋，自己正好經歷從1990～2000年代所謂「實體時代」向「數位時代」過度的時期，因此特別著迷介於兩者之間的存在。談到近期創作動向，他對製作裝置、錄像作品深感興趣，甚至已經完成一個錄像作品的原型。

「雖然我的藝術興趣和創作主題沒太大變化，但我越來越想創作更大型的作品。我有一些涉及操縱整個空間的創作想法，類似我從前為主題遊樂園做的特效工作，希望在不久後能讓這些想法化為現實。」

多田圭佑

1986年出生於日本愛知縣，2010 年、2012年分別獲得愛知大學藝術學 士、碩士學位，專攻油畫。被電玩遊 戲和虛擬世界所帶來的感官體驗所吸 引，畫作探索現實與虛構之間模糊的 界限，透過非傳統的技術探究存在與 不存在之間的衝突，為繪畫媒介帶來新維度。 

Bianca Nemelc｜Hashimoto Contemporary

歡欣的棕色大地之歌

Bianca Nemelc成長於美國紐約，身上流淌源自加勒比海多明尼加、南美洲蘇利南和亞洲印尼的血液，家族史仿若移民史詩。人的背景可以如此歧異複雜，構成了深淺不一的膚色色譜，不只有「黑」能形容，因此她說自己肌膚為棕色，並將此揮灑為畫中豐饒的棕色女性軀體。

兒時，她的祖母熱衷口述故事與文化。記錄下這些成為創作原點，她自然而然拿起畫筆自學繪畫，是對家族的敬意，也是她表達的語言，「我總以新鮮眼光來處理我的創作，像孩子一樣透過色彩和想像，去認識還不了解的地方，同時我心中也在創造。」筆下繽紛歡愉的熱帶地景是Bianca對於先祖故土的追尋，家族與歷史的敘事也啟發她對自然的興趣，「雖然我一直生活在城市中，但兒時就住在哈德遜河邊，這是我許多成長回憶的背景。」

水的元素成為她與自然聯繫的象徵，反覆出現畫中。2021年受《國家地理》雜誌委託，她前往南極探查並創作《Austral Summer》系列。對這片渺無人煙的大陸她卻不感到陌生，「大自然的美好在於我們正是自然的一部分，聯繫不曾中斷，如果你足夠仔細觀察，便能在任何地方找到熟悉感，即使在最寒冷之處。」畫中的棕色女體融入白雪覆蓋的地景，像是夏季雪稍融、露出土壤的綿延山脈；還有紅色瀑布，飽含鐵礦物的水流冒出冰層氧化而成為紅色，「它讓我看見這片景觀是多麼具有生命力。」

《SEA, I'M AWAKE》又是一場新的冒險與覺醒，棕色肌膚、其下的粉紅肉體與海浪彼此交融，「語言迫使人們將女性身體與大自然分開思考，但這是不可能的，因為人的存在就是自然本身，而我一直在挖掘這點。」身體與地景化作靈動的曲線、模糊了分際，彷彿歌頌大地與女性的深刻聯繫。

這次在台北當代展出的《唱一朵美麗的花》（Sing A Lovely Flower），是場人類干預與大自然力量的複雜糾纏。Bianca提到「花園」的概念令她著迷，其中一幅〈The Garden Keeper〉來自祖父在園圃中照顧美洲豹幼崽的故事。

野性生物在人為控制的空間找到了庇護，但這不可能永遠繼續下去——這成為她畫中的隱喻，美洲豹被雙手和山巒般的乳房撫育。「整個系列中，我探索如何讓大自然存在於畫中，如何讓女性的身體以她自適的方式存在。我始終在抵抗人們對於棕色身體有限的想像，並創造安全的空間讓她們盡情綻放。」

畫中的大自然是伊甸園，擺脫現實世界對深色皮膚、對女性身體的所有性化與預設，在此人能以最脆弱的方式存在，能恣意放鬆、活出自己。她漸次踏訪故土與世界各地，新的植物、動物和情境與筆下的棕色軀體不間斷發生新的相遇，擴展了她創作的心靈世界，Bianca也好奇自己還將走向何方。

Bianca Nemelc

具象畫家，其作品探討女性型態與自然世界的相互聯繫。出生成長在紐約市，作品靈感來自於她對自身身分的探索旅程，並以棕色調的色彩建構人物去致敬她的文化傳統。她畫作中的世界受熱帶和加勒比海地區景色所啟發，她的家人來自那裡，而她的根源也回溯於那片土地。透過作品，強調自然與女性身體之間美麗而共生的關係。

_{文｜吳哲夫  
攝影提供｜Arito Nishiki、Takahiro Wada
圖片提供｜吳美琪、Hashimoto Contemporary、MAKI Gallery}

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身為義大利品牌Max Mara旗下國際獎項「Max Mara女性藝術獎（Max Mara Art Prize for Women）」最新出爐的第10屆優勝得主，印尼藝術家Dian Suci將緊接展開為期6個月的義大利巡迴駐村計畫，後攜完成作品回鄉舉辦個展。隨本篇認識這位以工藝探問父權體制等多重社會議題的單親媽媽藝術家、其身分與創作願景關聯性的複雜脈絡，並綜觀Max Mara女性藝術獎設獎宗旨和未來系統性發展目標。

旨在支持與推廣全球女性藝術家，創立於2005年、至今兩年一度舉辦（除第8屆2019-2022年因疫情延展為3年）的Max Mara女性藝術獎，近期方由Max Mara品牌、藝術獎策展人暨評審團主席Cecilia Alemani，偕同義大利當代藝術館Collezione Maramotti及首個巡迴展合作夥伴印尼努桑塔拉現當代藝術博物館（Museum MACAN）正式宣布2025-2027年度優勝者為印尼藝術家Dian Suci。

Dian Suci除能獨得Collezione Maramotti針對她向評審團提出之計畫量身訂製的6個月駐村機會，還可挾此經歷於2027年夏季回返印尼雅加達，進駐努桑塔拉現當代藝術博物館舉行個展，再於同年秋季移師坐落義大利北部城市雷焦艾米利亞（Reggio Emilia）的Collezione Maramotti展出，作品且為該館所收藏。

5位印尼出身入圍者，由策展人X藝術家共同評選最終得主

適逢第61屆威尼斯國際美術雙年展開幕，第10屆Max Mara女性藝術獎日前甫在策展人暨評審團主席Cecilia Alemani領銜（註）下，自同屬評審團一員的Collezione Maramotti館長Sara Piccinini、努桑塔拉現當代藝術博物館館長Venus Lau，以及Max Mara與Collezione Maramotti家族代表Elia Maramotti手中揭曉得獎名單：Dian Suci與Betty Adii、Dzikra Afifah、Ipeh Nur、Mira Rizki共5位藝術家於決選中競逐優勝榮譽，最終從中脫穎而出。

註：評審團成員除策展人Cecilia Alemani和兩位藝術館館長Sara Piccinini、Venus Lau外，尚包括另名策展人Amanda Ariawan、另名藝廊經營者Megan Arlin，以及藝術家Melati Suryodarmo和收藏家Evelyn Halim。

是藝術家也是單親媽媽

——Dian Suci從自身經驗出發，用工藝談父權等多重議題

1985年出生於印尼克布門，Dian Suci現居日惹工作生活。憑藉對空間構圖的極高敏銳度，她擅用繪畫、錄像、雕塑、裝置等多種媒材；其交織家庭敘事與國家權力的作品，從身為單親媽媽的日常經驗出發，申論法西斯主義、威權主義、資本主義及父權體制和女性政治家庭化議題。此次奪得Max Mara女性藝術獎的創作計畫《Crafting Spirit: Cultural Dialogues in Heritage and Practice》欲透過印尼與義大利的比較研究，探討宗教工藝傳統與資本主義系統碰撞後產生的影響；而後並預計以祭祀物件與富宗教意象的手工製作為核心，調查信仰究竟在當代文化情境裡遭到何等剝削——然即便身處充斥不公與壓迫的體系，靈性是否能、或言該怎麼樣能作為一種文化韌性延續下去？

Dian Suci將工藝視為「活的檔案庫」，不僅見證國家的傳統與記憶，甚是文化、社會與經濟轉型的寫照。其願景深植印尼文化，延伸靈性概念自純粹的宗教領域，至人類藉由基於身體的細緻重複動作，為難以言表之物賦予意義的維度。《Crafting Spirit》系列新作意在重新追溯信仰、關懷與儀式感如何體現於身體姿態與體力勞動上，進而叩問信仰與工藝的交織態勢，尤其受利潤與全球化力量侵蝕下，神聖性如何轉化為具體的物質存在。

依循特定領域專家指導，她將透過研究、實地考察與工作室創作，摸索在大量生產與商品化進程中，淌於雙手與材料間那股靜謐的精神流動；亦將與宗教團體、大學教授、工匠及其他藝術家展開對話，由他們引導她深化研究，乃至助她掌握打造全新作品所需的技術能力。

4階段駐村計畫巡迴義大利城市

第1階段駐村計畫預定前往有「義大利綠色心臟」之稱的翁布里亞大區內城市阿西西，在被公認承載方濟各精神（Franciscanism）的聖城，體驗當地僧侶生活方式，同時審視宗教信仰及其商業化發展間存在的矛盾。第2階段則至羅馬參與聖彼得大教堂（St Peter's Basilica）的特別彌撒，針對其中的象徵意義與隱含寓意進行分析。第3階段轉而安排在普利亞大區雷契省首府雷契，經由專為她設計的培訓計畫，深度沉浸紙漿藝術歷史。最後階段將落腳佛羅倫斯，琢磨「蛋彩畫（Egg Tempera）」技術演變，兼習古老手工編織技能，從而擴展該技能在教會背景下的應用知識。

Dian Suci說明自身創作計畫《Crafting Spirit》發想自女性工匠的生活故事和勞動中所蘊含的身體記憶，「她們的工作往往徘徊在虔誠奉獻與維持生計當中。」對於此次獲獎她榮幸地說，「這份肯定為我提供擴展研究的契機，讓我在印尼與義大利之間尋求對話，且向那些將精神性封存於創造者體內的傳統與儀式學習。我帶著感激之心接下這個機會，承諾將傾聽、鑽研，並轉化這些際遇為藝術形式，致敬人類勞動的親密性和文化延續的深度。」

搭建通往世界的橋樑，巡迴首展落地雅加達首座當代藝術館

繼過去20年來與倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）的成功合作後，2025-2027年度起Max Mara女性藝術獎將轉為巡迴形式以拓展地理版圖；本屆率先攜手成立於2017年的印尼首座當代藝術博物館努桑塔拉現當代藝術博物館，開啟嶄新篇章，此後每兩年登陸世界各地不同城市。革新後的首屆獎項邀來紐約公共藝術計畫High Line Art總監暨首席策展人Cecilia Alemani，由其沿襲Max Mara品牌精神，為每屆獎項指定不同國家與機構為焦點，通過更系統化且具結構性的方式，支持新銳及中生代女性藝術家的創作發展。

作為當地重要文化機構，努桑塔拉現當代藝術博物館致力藉由展覽與互動式公共計畫，呈現在地及國際跨領域藝術家創作。Museum MACAN館長Venus Lau對外表示，在Max Mara女性藝術獎首次於亞洲和印尼亮相之際，能與品牌及義大利當代藝術館Collezione Maramotti合作，館方深感榮幸。「作為國際藝術界放大女性聲音的領先平台，此獎項在形塑當代藝術論述及拓展女性藝術家發展機會等面向上扮演關鍵角色，我們自豪能參與這項倡議，促進跨越本屆活動框架的文化交流。此獎項提供為期6個月的義大利藝術環境駐村計畫，讓獲獎者得以進行深度研究、拓展人脈網絡，並發展在地尚未普及的工作方式；其影響力不僅在獲選藝術家（身上），更將強化印尼整體藝術生態系對女性藝術家的支持，激發關乎視角的全新對談，將印尼女性藝術家的創作實踐置於更平等的全球對話之中。」

不懈培育創意多樣性

自創設以來，Max Mara女性藝術獎始終保有鮮明特色與核心目標，如今再闢國際行動範疇、觸及相異文化版圖，以期豐富獎項傳承，持續成為推動女性藝術家獲得真正平等的重要力量，無疑更為新一代藝術家提供靈感與正向榜樣。

2026.06.12更新：英國藝術家大衛·霍克尼（David Hockney）於6月11日在家中安詳離世，享壽88歲。這位最具影響力且備受愛戴的藝術家，同時也是1960年代普普藝術運動的領軍人物之一。2018年，他的一幅泳池系列畫作在拍賣會上以將近7,000萬英鎊的價格成交，創下了當時在世藝術家的最高拍賣紀錄。

池畔迷情的藝術創作

明媚的加州陽光，波光粼粼的泳池，在遠方翠綠的青山襯托下，一位俊秀的青年站在池畔⋯⋯這是英國藝術大師大衛霍克尼David Hockney的知名作品《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》（Portrait of an artist：pool with two figures，1972），以描繪肖像、泳池與同志情慾出名的他，雖已超過八十歲，卻未曾停下創作的腳步。

事實上，Hockney早期的作品並非如中後期般色彩鮮豔，而是充滿叛逆與抽象主義的視覺風格，對自己同志身分的宣揚，以及爭取世界認同的渴望，而在同志尚未合法的時空背景下，更應證Hockney作為藝術家的熱情與不凡傲骨。

David Hockney的故鄉位於英國東北約克郡，在那裡，與怡人的加州不同，陽光是生活的奢侈品。在1964年Hockney親自踏上美國國土前，對加州的印象完全來自傳播媒體，尤其是他所蒐集的《身體影像畫報》，也因此，美國成為性與自由的代名詞，並成為驅動他出走的動力。

初登上加州的Hockney，這片乘載他無數憧憬與情感投射的夢想之地，很快就深深滲透他的骨髓，從其作畫風格的變化便可發現──明亮的陽光也一併照進他的畫作中。受此影響，Hockney對同性愛侶的情感，也絲毫不遮掩地搬上檯面，成就至今仍廣受歡迎的一系列泳池畫作：《Peter getting out of Nicks pool, 1966》、《A Bigger Splash,1967》等。

而繼《藝術家肖像畫：游泳池畔的兩個人》在2018年於紐約佳士得拍賣以9030萬美元（約新台幣27.4億）天價成交，一度成為史上最貴的在世藝術家。Hockney另一代表作《水花》（Splash ）則成為2020倫敦蘇富比當代藝術晚拍上，以2311萬英鎊（近9億台幣）高價成交，成為其作品第三高拍賣價的作品 。

其風格鮮明的創作，多年來也深深影響各界，像是金獎電影《樂來越愛你》（La La Land）裡眾人歡唱標舞的泳池橋段，其靈感便是汲取自盛名的泳池系列創作，陽光、藍天和派對，這些洛杉磯追夢之人每天所會遇見的場景，在導演達米恩查澤雷（Damien Chazelle）與美術指導大衛沃思科（David Wasco）調理下，將象徵享樂主義的泳池派對，活靈活現地藉由大銀幕重現，至於為什麼情有獨鍾泳池？「泳池派對是洛杉磯的代名詞。」大衛沃思科說道。

除了廣為人知的泳池畫作品外，肖像畫一直是Hockney主要的創作主題，對象從自己、雙親到友人，透過其溫潤鮮豔的色調呈現，或隨興雜揉的筆觸，都精準地具現了畫中人物的情感與個性，效果甚至更勝攝影一籌。

談到攝影，不可不提Hockney於1980年代開始的攝影拼貼創作，運用嶄新媒材再次詮釋作畫的不同面向。他堅稱，攝影於反映現實永遠不及繪畫，人們以為按下快門的瞬間便捕捉了真實，然而卻忽略時間的流動與情緒的作用，因此，透過後續的藝術再造，將照片昇華成畫作，才更貼近人們所感受的現實。

David Hockney對新媒材的嘗試並未止於攝影，近年來他更跨足電繪領域，用iPad持續創作，挑戰實體畫布無法呈現的手法與效果。即使邁入高齡，他對藝術的熱情只會持續增加，並且持續至倒下的一刻為止。

原文刊載於2018-08-23