2024台北當代藝術博覽會（Taipei Dangdai）將於5月10～12日登場，這次在眾多畫廊間，搶先認識吳美琪、多田圭佑與Bianca Nemelc這3位值得注目的年輕藝術家。他們皆專注於平面的藝術創作，挑戰其中的極限與可能。

吳美琪｜亞紀畫廊

在攝影的嬉戲中尋找自由

蒐集是吳美琪的生活，喜愛的閃亮東西與顏色則化為她的攝影作品。在2016年起創作的靜物攝影三部曲《XXY》、《XYX》和《YXX》中，她嬉玩虛實、光影與時間，重塑出虛構的幻象世界。

其實她先學了繪畫，後來才著迷攝影對空間、時間的操縱。搭建起場景、以複合媒材拼貼後再拍攝下來，東西不見，退後了只留畫面，作品就回到攝影本身那最純粹的moment。「我想要解構觀點，破除一些刻板印象和框架，去除每個物件本身的意義後，它們在畫面中都可以是等價、一樣的。」她想透過攝影追尋現實中難獲的自由。

蒐集、重構再拍下，是她嘗試掌控事物的過程，她自《Love Love Love 戀物癖》起拍攝愛戀對象泰勒的身體特寫，2021年的《野餐》個展與攝影書則是這場關係變質、別離後的幻想野餐，手與腿的局部影像被肢解，感情不再，只剩照片與拼貼。

2023年白晝之夜《手術房派對》則是面對自體免疫病痛時對恐懼的轉化，她想像人體細胞不斷更新，這誕生（born）跟重生（reborn）的過程正是生命的循環。今（2024）年初剛結束的廈門集美．阿爾勒國際攝影季發現獎展覽《禮物Baby's Baby》則梳理她至今的作品。

攝影的可能性正像俄羅斯娃娃般遞迴，她說明，「不同空間、物件進行循環的自我複製、演變、分裂、重組，就跟生生不息的生命一 樣。」中文展名「禮物」的意涵正巧對應著她的《潘朵拉的盒子》系列，創作期間她問朋友：「關於你生命／生存的元素是什麼？」、「你目前人生的希望／絕望各占多少％？」盒子裡的物件正象徵生命的不同元素，世界正是未拆開的盲盒，無論其中是醜惡或是希望的禮物。

在2022年的《x+羅Miró》系列中，她感受到被攝影媒材框限，首次在作品中融入電繪，其中〈故事三：它復活了IT'S ALIVE〉拍的是科學怪人的故事，「他是人造人，我好像在圖造圖，可以一直賦予它們新的生命。」與8bit.t.d八位元紡織合作的《造像計畫》中，她的影像被重新編為織品，語彙進一步模糊。

而這次在台北當代展出的《Love, Double Love》是與飾品設計師友人mEltEd potato的共同創作，將她自拍的身體與融化般的飾品結合，在台北當代的影像派對中，作品也將被轉印在絲巾和配件上，與觀眾來場穿搭互動。

「從以前到現在，我的作品環繞在各個關係的變化上，虛實並存的樣貌，從中探索更多的可能性。」她影像中不同時期相遇的物件，正也映射出愛的元素，如《XYX》中媽媽送她的南部家鄉水果、《野餐》中湧動的不安，以及如今《Love, Double Love》中「我是不是真的需要很多的愛，才可以好好安撫我自己」的提問。而近年多專注靜物的她，想如大學時期般回歸人像拍攝，尤其是人體，「身體是很厲害的容器，每個人的身體都很有魅力，我想要記錄下來。」

吳美琪

1989年生於台南，畢業於高雄大學。以彩色靜物攝影為創作基調，交織靜物、棚拍、抽象、圖像文化、科學實驗等，生產關於色彩、光線、物件迭代、空間分割的圖像，重要個展包括2019年台北亞紀畫廊《YXX-The Flares》、2020年台北朋丁《野餐》、2023年廈門集美．阿爾勒國際攝影季《禮物Baby's Baby》等。

多田圭佑｜MAKI Gallery

在虛擬與現實的邊際探尋存在

多田圭佑在年少時代對電玩遊戲、網路、塑膠模型充滿熱情。大學時他嘗試過各色媒材，也曾在雕塑家工作室協助打造主題遊樂園的遊樂設備、廣告布景、電影道具等。

那為何仍選擇投身繪畫？「對我來說，繪畫是一種非常模糊的媒介，它既是一個實質存在的實體，又能是個非無質性的圖像。繪畫這種雙重性存在的形式，非常適合我創作的理念。」他在虛擬世界中體驗到的「真實」成為《trace》系列的靈感，「這種『真實感』來自表面紋理、重力和材料成分的組合，這與電影場景製作的過程，同時使用逼真的電腦特效（CGI）和實際特效，有很多共同之處。它們不是現實的替代品，某些方面可能有些缺陷，其他則可能誇大。」創作《trace》系列便是為了捕捉這一現象，其中便應用了3D建模的可複製性。

這次參加台北當代，多田圭佑將帶來《trace/dimension》及《残欠の絵画》系列新作。《残欠の絵画》系列乍看彷彿歐洲經典風景畫，實則是藝術家參考遊戲畫面入畫的成果。「靈感來自我一次玩電玩遊戲時睡著的經驗，⋯⋯當我第二天早上醒來，看著整夜都開著的螢幕，遊戲仍然和我入睡前一樣，景色和時間沒有任何變化，讓我意識到虛擬空間中無限的時間性和現實世界中有限時間性之間的鮮明對比，我著迷於這種並存的反差。」他說明，所有圖像本身都是永恆的實體，但它們在物質上會隨時間而衰變。再加上他欣賞古典繪畫時受到畫作老化的啟發，他將虛構時間（人工老化技法）應用在虛擬風景之上，「我相信我可以表現出一種既不屬於存在，也不屬於不存在的閾值狀態。」

他同時在進行多項系列創作——共同處是對存在意義的興趣，這個主題在2023《Phantom Emotion》、《Rhizomed Material》兩個個展中延續。

其中《Phantom Emotion》以《残欠の絵画》系列為展覽核心，「我試圖將我在駕駛虛擬飛機時所觀察到不斷變化的景色，與觀看藝術的經驗聯繫起來。」《Rhizomed Material》則專注在《trace》系列，「畢竟在該展覽之前，《trace》系列已經逐漸演變成包含更廣泛的主題，所以當時我打算展示這漸次延展的過程。」隨著科技與電子設備的進步，多田圭佑觀察到，「人們大部分時間都處於某種虛擬空間中，這些經驗將來可能會更多與我們的身體相互連結，存在定義將變得更模糊。」

他解釋，自己正好經歷從1990～2000年代所謂「實體時代」向「數位時代」過度的時期，因此特別著迷介於兩者之間的存在。談到近期創作動向，他對製作裝置、錄像作品深感興趣，甚至已經完成一個錄像作品的原型。

「雖然我的藝術興趣和創作主題沒太大變化，但我越來越想創作更大型的作品。我有一些涉及操縱整個空間的創作想法，類似我從前為主題遊樂園做的特效工作，希望在不久後能讓這些想法化為現實。」

多田圭佑

1986年出生於日本愛知縣，2010 年、2012年分別獲得愛知大學藝術學 士、碩士學位，專攻油畫。被電玩遊 戲和虛擬世界所帶來的感官體驗所吸 引，畫作探索現實與虛構之間模糊的 界限，透過非傳統的技術探究存在與 不存在之間的衝突，為繪畫媒介帶來新維度。 

Bianca Nemelc｜Hashimoto Contemporary

歡欣的棕色大地之歌

Bianca Nemelc成長於美國紐約，身上流淌源自加勒比海多明尼加、南美洲蘇利南和亞洲印尼的血液，家族史仿若移民史詩。人的背景可以如此歧異複雜，構成了深淺不一的膚色色譜，不只有「黑」能形容，因此她說自己肌膚為棕色，並將此揮灑為畫中豐饒的棕色女性軀體。

兒時，她的祖母熱衷口述故事與文化。記錄下這些成為創作原點，她自然而然拿起畫筆自學繪畫，是對家族的敬意，也是她表達的語言，「我總以新鮮眼光來處理我的創作，像孩子一樣透過色彩和想像，去認識還不了解的地方，同時我心中也在創造。」筆下繽紛歡愉的熱帶地景是Bianca對於先祖故土的追尋，家族與歷史的敘事也啟發她對自然的興趣，「雖然我一直生活在城市中，但兒時就住在哈德遜河邊，這是我許多成長回憶的背景。」

水的元素成為她與自然聯繫的象徵，反覆出現畫中。2021年受《國家地理》雜誌委託，她前往南極探查並創作《Austral Summer》系列。對這片渺無人煙的大陸她卻不感到陌生，「大自然的美好在於我們正是自然的一部分，聯繫不曾中斷，如果你足夠仔細觀察，便能在任何地方找到熟悉感，即使在最寒冷之處。」畫中的棕色女體融入白雪覆蓋的地景，像是夏季雪稍融、露出土壤的綿延山脈；還有紅色瀑布，飽含鐵礦物的水流冒出冰層氧化而成為紅色，「它讓我看見這片景觀是多麼具有生命力。」

《SEA, I'M AWAKE》又是一場新的冒險與覺醒，棕色肌膚、其下的粉紅肉體與海浪彼此交融，「語言迫使人們將女性身體與大自然分開思考，但這是不可能的，因為人的存在就是自然本身，而我一直在挖掘這點。」身體與地景化作靈動的曲線、模糊了分際，彷彿歌頌大地與女性的深刻聯繫。

這次在台北當代展出的《唱一朵美麗的花》（Sing A Lovely Flower），是場人類干預與大自然力量的複雜糾纏。Bianca提到「花園」的概念令她著迷，其中一幅〈The Garden Keeper〉來自祖父在園圃中照顧美洲豹幼崽的故事。

野性生物在人為控制的空間找到了庇護，但這不可能永遠繼續下去——這成為她畫中的隱喻，美洲豹被雙手和山巒般的乳房撫育。「整個系列中，我探索如何讓大自然存在於畫中，如何讓女性的身體以她自適的方式存在。我始終在抵抗人們對於棕色身體有限的想像，並創造安全的空間讓她們盡情綻放。」

畫中的大自然是伊甸園，擺脫現實世界對深色皮膚、對女性身體的所有性化與預設，在此人能以最脆弱的方式存在，能恣意放鬆、活出自己。她漸次踏訪故土與世界各地，新的植物、動物和情境與筆下的棕色軀體不間斷發生新的相遇，擴展了她創作的心靈世界，Bianca也好奇自己還將走向何方。

Bianca Nemelc

具象畫家，其作品探討女性型態與自然世界的相互聯繫。出生成長在紐約市，作品靈感來自於她對自身身分的探索旅程，並以棕色調的色彩建構人物去致敬她的文化傳統。她畫作中的世界受熱帶和加勒比海地區景色所啟發，她的家人來自那裡，而她的根源也回溯於那片土地。透過作品，強調自然與女性身體之間美麗而共生的關係。

_{文｜吳哲夫  
攝影提供｜Arito Nishiki、Takahiro Wada
圖片提供｜吳美琪、Hashimoto Contemporary、MAKI Gallery}

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如果你是一隻蜘蛛，會如何感受這世界？你可以在展中親手撥弄絲線。托馬斯．薩拉切諾（Tomás Saraceno）在新北市美術館個展《共織宇宙》（Interwoven）開幕之際，分享他的「親蛛症」、他對「大氣世」的暢想，與對人們共創力量的信心。

➣本文選自La Vie 2026／4月號《貓的居家空間指南》，更多精彩內容請點此

蜘蛛網，對 Tomás Saraceno 而言是充滿無限可能的生物建築。2006 年，他在工作室成立蜘蛛學部門，開始與各地的生物學家合作，利用 3D 掃描技術記錄、研究不同物種的蜘蛛如何織網。儘管過了那麼多年，還有太多事情令他感到驚奇， 就像 2024 年在印尼發現、最後以他命名的蜘蛛「Heteropoda saracenoi」。他笑說這些蜘蛛都算是他的「親戚」，「我從來沒見過牠，但我好想去拜訪牠。也許我應該邀請牠來展覽，跟我其他的家人一起。至於牠是『她』、『他』還是『它』——這會是個驚喜。」

作為蜘蛛的一份子

最令 Tomás Saraceno 著迷的發現之一，是蜘蛛網不只是精美建築，更像是外延出蜘蛛本體的神經系統。多數織網蜘蛛幾乎沒有視覺，而是透過絲線的震動來感知世界。約莫 2012 年，他將更多關注投注在「聲響」之上。這次展覽中，部分裝置使用震動器產生低至 6 赫茲的聲響，而人耳捕捉極限最低只到 20 赫茲。「人聽不見，但感受得到震動。」他說明，自己所做的，正是將那些聽不見的蜘蛛世界，透過視覺、觸覺等感官加以具象化，使觀眾得以體察。

「這代表我們在嘗試進入其他物種的『感知宇宙』（Umwelt），這是德國動物學家 Jakob von Uexküll 提出的概念。每一種動物都根據自己的感官，建構出屬於自己的現實。我們現在嘗試做的，就是去感知『我們之外還有其他世界』的那種感覺。」

走在〈關注之網〉、〈如何將宇宙陷入蛛網？〉作品間，暗室中瑩瑩發光的蛛網仿若星系，伴隨低沉轟鳴，我們彷彿身在奧祕的宇宙之中，與之共振。〈算法．韻律〉的巨大黑色蛛網則爬滿整個高挑白色展間，人們能像蜘蛛一樣撥弄絲線、探索空間，對應不同預設演算法產生樂音。作品首展於 2019 年的德國，早在當今 AI 爆發之前，Tomás Saraceno 便想挑戰人們對數位程式的既有思考。

「當我們在建立這些數位演算法的時候，它們往往非常狹隘，是為了某一種特定型態的人類而設計的：白人、父權、異性戀。所有這些預設分類，讓演算法只為特定群體服務。」透過震動與身體共鳴，我們得以體驗蜘蛛獨特的感知方式，在撥弄與共奏之間感受與他人的關係張力。數位演算法與自然規律之間的邊界，也在此悄然模糊了。

屬於所有人的「大氣世」

童年經歷阿根廷「骯髒戰爭」（Dirty War，1976～1983）的政治動盪， Tomás Saraceno 曾隨父母流亡義大利，令他從此敏感於棲居的根本，以及地緣政治強加於人的「邊界」。最初他投身建築，著迷於結構張力，卻也意識到實體建築受限於地權等枷鎖。他分享學建築時，Bernard Rudofsky 著作《沒有建築師的建築》（Architecture Without Architects）對他影響很大。「那是一種鄉土、無名建築。它沒有那些分類，建築是如此深深地嵌入在生命之網裡，以至於它根本不是一門學科。」

他排拒石材的霸權，就像金字塔透過高牆展現紀念性的力量， 用來建立階級、信仰體系與宗教，而現代人則用混凝土、石頭、鋼鐵建造城市；他嚮往另一種無名建築，更融入風土，如同隨游牧民族遷徙的帳篷，經使用後便腐朽、回歸生命的循環之中。「我不是說我們要回到過去，但我們可以找到更好的、更平衡的方式。」

Tomás Saraceno 轉向了藝術。更精確地說，對他而言各領域之間不該存在藩籬。比蜘蛛系列更早，他關注起無形的空氣，因為空氣屬於所有人、充滿想像的可能。受建築激進派（如Archigram）、Yona Friedman「空中城市」（Spatial City）、Buckminster Fuller「Cloud Nine」空中棲地等概念啟發，他想探索空氣與重力的邊界，2002 年開始發展《雲城市》系列，充氣泡沫模型懸浮在空中，設想未來人們棲居雲端之上。

在「熱力學的想像」展間中，更多富有重量感的雕塑懸浮起來了，他藉此將熱能的作用視覺化、實體化。他說：

「有時候我們需要特別去想像：空氣在流動嗎？空氣太難被感受到，太無形了。你感受不到地球正在以 1.5 度、甚至 2 度的幅度暖化。這讓人們更容易理解：就是這麼微小的溫度差距，便可能改變地球上絕大多數生命的處境。」

多年來，他也發展出結合冥想與感官調頻（Attunement）的工作坊，參與者重新專注感受吸氣、吐氣，這件生物如此自然而然的事。「你深吸一口氣，然後一切都不一樣了。你對自己更有覺察，因而理解更多。」

讓我們一同編織生命的絲網

在 Tomás Saraceno 所倡議的「大氣世」（Aerocene）願景中，他進一步勾勒不依賴化石燃料的未來。自 2007 年起推展的〈太陽能飛行博物館〉，由回收塑膠袋製成熱氣球，並試圖僅靠太陽熱能、大氣浮力升空，至今已成為跨越 30 多國的接力計畫，今年 2 月的工作坊，也將台灣回收的塑膠袋與前站首爾的作品縫合在一起。他深信共同參與的力量，「我的很多作品都是屬於所有人的，它們不是我的作品。像這件作品我們都參與其中，我們都擁有它。想法就在那裡，每個人都可以做、都可以建造，都能感受到自己在貢獻某件超越自身的事情。」

從 2017 年起，Tomás Saraceno 關注阿根廷北部大鹽沼及瓜亞塔約克湖（Laguna de Guayatayoc）地區鋰礦開採造成的環境危害。綠能源風潮下、被稱為「白色石油」的鋰，是電動車電池與能源儲存系統的重要材料，而每開採 1 公噸鋰礦便消耗 200 萬公升的地下水。不過他強調：

「水是很大的議題，但應該停止把它稱為『資源』。它不是一個可以被探索、被占有、被商品化的『資源』。你不會這樣對待你的親人，我不會說我女兒、蜘蛛是種『資源』，他們都是我的家人。」

錄像〈與帕查一同飛入大氣世〉便記錄下當地原住民的抗爭，以及他們一同施放熱氣球，挑戰零燃料、載人飛行世界紀錄的創舉。今年年底，他與 11 個原住民社群攜手打造的地景裝置〈Sanctuary of Water〉也即將落成。5 幢大小不一的鹽結構半圓觀景台，倒映水面形成了完整的圓，呼應安第斯宇宙觀，宣告在此為「水之聖域」。

他說明，「這些族群總是在為其他世代做事，非常掛念那些教導過他們的祖父母，也為未來世代付出很多。他們在這時代的存在本身，以及不把過去、現在、未來切割開來，這種看待時間的方式非常美麗。」他認為，不同的文化、不同的理解方式，是人們持續學習的機會。

有趣的是，現在鋰電池也成為 AI 產業的能源驅動力，而台灣更是當今 AI 與半導體產業鏈的關鍵角色之一，生產晶片過程同樣耗用大量能源與水源。在從展間外廊蔓延至展內的壁畫〈公平雲朵〉中，Tomás Saraceno 邀請新北市多所學校與地方社群，一起繪製雲朵圖樣、想像水循環，與遠在阿根廷守護水資源的人們悄然相連。他說，「我們還來得及去思考這件事，去達到這種團結。也許你心裡的問題是：台灣人跟阿根廷的鋰礦有什麼關係？聽著，目前只有一個地球，沒有 B 星球。」

談到這次在台個展，他命名為《Interwoven》，中文則翻譯為《共織宇宙》。他解釋：

「現在，生命的絲網只被一部分人編織著。其他人失去了自己的絲線，他們試圖找到連結，卻沒有人在乎。這是一個願望、一個希望、一個渴望，希望生命的絲網，能夠由更多的人一起來編織。」

托馬斯．薩拉切諾（Tomás Saraceno） 

阿根廷藝術家，現居柏林。畢業於布宜諾斯艾利斯大學建築系與威尼斯建築大學（IUAV），並於法蘭克福國立造型藝術學院（Städelschule）深造。2005年於柏林創立工作室，創作跨越不同尺度與物種界線，從蜘蛛絲線的微觀振動到漂浮雕塑的空氣靜力學，探索人類、蜘蛛與大氣環境的共生關係。重要計畫包括： 推動無化石燃料飛行的「大氣世基金會」（Aerocene Foundation，2015∼）；以及與馬克斯普朗克研究院等機構合作的「Arachnophilia」（2018∼），研究成果發表於《自然》與《美國國家科學院院刊》。展覽遍及紐約大都會博物館（2012）、巴黎東京宮（2018）、倫敦蛇形畫廊（2023）等重要機構，作品由MoMA、柏林國家美術館等機構典藏。 

托馬斯．薩拉切諾：共織宇宙
日期｜2026.03.21–2026.09.06
地點｜新北市美術館6A、6B展間

更多資訊可至官網查詢

_{文｜吳哲夫　口譯｜錢佳緯
圖片提供｜各單位}

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／4月號《貓的居家空間指南》

2026年巴塞爾藝術展香港展會（Art Basel Hong Kong）將於3月27日至29日展開。La Vie精選3位穩步邁入中堅世代的焦點藝術家，展現他們如何以更成熟語彙解構我們習以為常的生活。現居洛杉磯的藝術家Tala Madani，以她筆下最具代表性的角色「Shit Mom」銳利地譏諷社會對女性與母職的荒謬想像，在怪誕且幽默的視覺語彙中，精準勾勒出當代女性那份充滿張力且疲憊的生存群像。

_{巴塞爾行前準備看更多：
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身兼女性與母親雙重身分，藝術家Tala Madani近年深有感悟。拿起畫筆，她戲謔且銳利，撕開了當代生活中關於女性、科技與社會期待的層層假面。針對Madani何以在當前藝壇備受矚目，Pilar Corrias藝廊（Pilar Corrias）團隊精準指出：「她質疑了那些我們視為理所當然的事物，將觀眾從舒適圈中拉了出來。她的作品透過怪誕、幽默且犀利的視覺語言，挑戰了性別、權力與表現形式的傳統規範。」

以「Shit Mom」撕開聖母畫作的純潔光環

近年，Madani筆下最具代表性的角色「Shit Mom」——一個完全由糞便構成、形態流動且汙穢的人物，誕生於極其私密的肉身經驗。2019年，在第2個孩子出生後，她發現自己難以在藝術史上那些神聖純潔、充滿母愛光輝的傳統母嬰畫作中尋得共鳴。對她而言，母職的現實並非總是潔白無瑕，而是充滿了疲憊、汙穢與失控。

她轉而以棕色油彩繪出「Shit Mom」，直接投射了母職現實中的混亂，藉此反擊社會對女性身體與母職必須保持潔淨、受控且道德完好的期盼。Pilar Corrias藝廊團隊補充：「Shit Mom反覆出現在Madani的作品中；這個角色挑戰了社會對女性那種難以企及的期待。我們能從她在攀爬時的掙扎、崩潰的瞬間，甚至是帶著快意從樓梯扶手溜下來的模樣中看見這點。」

以黑色幽默翻轉女性的生存張力

在近期個展《Daughter B.W.A.S.M.》（意為Born Without A Shit Mom）中，Madani進一步將這份母職觀察延伸至科技語境。她參考了Francis Picabia在1916年將機器女性化的經典畫作，將追求極致精準的AI機器女兒與「Shit Mom」並置。這種對比揭示了當代社會的一個弔詭現象：我們對AI機器人那種「後人類式完美軀殼」的期盼，竟與父母投射在孩子身上的完美期望如出一轍。在追求精密算法的數位時代裡，母職中那份不可控的脆弱顯得如此格格不入，卻又無比真實。

此次來到巴塞爾藝術展香港展會（Art Basel Hong Kong）的畫作〈Shit Mom Ascending a Staircase (Motion Study)〉，展現了她對藝術史脈絡的熟稔與翻轉。作品向攝影先驅Eadweard Muybridge的動態研究致敬，讓Shit Mom笨拙地模仿女性優雅姿態，卻在移動中不斷失足崩解。而動畫作品《S.M. Ascends》則反轉了藝術史中「裸女下樓」的經典軌跡，讓角色在無止境的樓梯中，進行薛西弗斯式且徒勞的攀爬。

Pilar Corrias藝廊團隊分析：「反覆出現的樓梯符號致敬了藝術史的脈絡——從Marcel Duchamp、Gerhard Richter到Eadweard Muybridge的動態研究；同時，這也反映了一種當代焦慮，隱喻著對抱負、進步與不斷攀升之壓力的追求。然而，在Madani手中，連這種『向上攀升』都變得不穩定且充滿不安，甚至帶有一種黑色幽默。」透過這些作品，Madani精確勾勒出當代女性在追求社會理想與回歸肉身本能之間，那種充滿張力、疲憊且略帶荒謬的生存樣貌。

Tala Madani

1981年生於伊朗德黑蘭，現居美國洛杉磯。擁有耶魯大學藝術學院繪畫與版畫碩士學位。其創作以繪畫與動畫為主，常以充滿黑色幽默與怪誕感的筆觸，解構權力結構、男性特質及當代社會的集體行為。作品風格遊走於具象與抽象之間，展現出高度的敘事張力。曾於洛杉磯當代藝術博物館（MOCA）、倫敦白教堂美術館（Whitechapel Gallery）及斯德哥爾摩現代美術館舉辦個展。作品亦被紐約現代藝術博物館（MoMA）、古根漢美術館及泰特現代藝術館等重要機構收藏。

2026《Art Basel Hong Kong》

地點｜香港會議展覽中心（香港灣仔博覽道1號）

時間｜
貴賓預展（憑邀出席）
3月25日（三）12:00-20:00
3月26日（四）12:00-20:00
3月27日（五）12:00-14:00
3月28日（六）12:00-14:00
3月29日（日）11:00-12:00

開幕之夜
3月26日（四）16:00-20:00

公眾開放日
3月27日（五）14:00-20:00
3月28日（六）14:00-20:00
3月29日（日）12:00-18:00

＊參展藝術家及藝廊的完整名單：artbasel.com/hongkong/encounters

_{文｜吳哲夫　圖片提供｜各單位}

_{＊ 編按：本文原載於《La Vie》2026年3月號，網路版經編輯部重新整編與擴充}

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／3月號《平衡的設計哲思》