位在泰國的安西拉漁村，在海洋污染與人口外移的雙重壓力下，漁村的養殖漁業逐漸走向沒落。然而，善於挖掘泰國在地設計脈絡的建築事務所 CHAT Architects 和村民們，共創海上餐桌——牡蠣養殖竹鷹架廊亭 (Angsila Oyster Scaffolding Pavilion) ，重新為這個傳統漁村注入新的生命力。打造從海洋到餐桌的生態旅行、帶動在地觀光收入之外，也建立了下一代村民的在地文化認同，甚至獲得 2023 年金點設計獎年度最佳設計，讓安西村與海洋環境議題站上世界的舞台。

距離曼谷一個半小時車程的春武里府安西拉漁村，村民普遍以漁撈、養魚漁業為生。然而，面對全球暖化，以及村落附近工廠與家用廢水直接排入河道、匯聚到安西拉海灣的海洋生態污染問題，使得漁獲量減少，漁民賴以為生的收入也逐年下降。同時，傳統漁村也面臨青壯年人口外移，因為他們看不見漁業與自己在家鄉的未來，而選擇離開。

這些都是 CHAT Architects 主持建築師 Chat Chuenrudeemol 在漁村裡聽見居民的擔憂。從一開始，Chat 接到春武里府地產開發商的邀請，到當地做國土計畫的前期研究，在 2018 年他便搬去安西拉村駐地研究。即使最後計畫並未實際推行，但他和村長的家人、村民一起生活、用餐，認識漁民、養殖戶，學習在海上討生活、體驗他們的生活型態，更了解開發商業主與村民的家鄉「安西拉」。

他發現，漁村除了面臨到環境生態、人口外移的問題之外，還有產業議題。漁民一早捕撈的漁獲，經由中盤商賣到市區消費者手中，卻因為中盤商的儲藏不當、海產變質，當消費者吃到口中的劣質海鮮後，反過頭來怪罪漁民欺騙。Chat 想著「有沒有機會改變漁業的供應鏈制度？如何讓消費者買到新鮮的海產？甚至是有機會讓他們最新鮮的牡蠣？」。

看著安西拉外海上像牙籤一般的牡蠣養殖架，Chat 想到可以在地取材，運用漁民平時搭建蚵架的技藝，在海上打造餐桌，邀請消費者直接來享用最新鮮的海產。安西拉牡蠣棚架有兩層的設計，下層牡蠣養殖棚、垂掛著蚵串，上層則是開放廚房與餐桌，遊客搭著小船離岸、來到這裡享用最新鮮的產地直送牡蠣，又或是作為當地漁民的釣魚平台或是休憩平台。

Chat 表示，「安西拉牡蠣廊亭的搭建，不是來自建築師精妙的設計，而是採用村民既有的在地智慧」。以當地居民為首，建築師作為溝通與潤滑的角色，並讓朱拉隆功大學設計與建築國際學程學生一起協助，從鄰近地區訂來的竹子，以人力踩跳的方式將竹子插入海床裡，無需使用電鑽等現代器材。而竹子之間的結構連接，則用附近汽車製造廠淘汰的座椅安全帶，既防水防鹽、又堅韌。

在竹子搭成的平台，還會看見用於綑綁與固定蚵串的紅線。最後，用電商平台及可買到的農業資材塑膠布，搭成遮陽的簡易屋頂，並選用與墨綠色海洋形成對比的紅色，讓遠觀的人一看就能產生鮮明的印象。而遮陽棚隨著微風的陣陣吹拂，與海面的波光粼粼相應，夕陽落下時，漁民和遊客一起坐在棚架上看著落日餘暉，享受當前美景。

在這個海洋餐桌裡，有開放廚房、但沒有儲藏食材的冰箱，而是漁民直接到海裡去補撈最新鮮的牡蠣。當漁民親自講解捕魚與養殖經歷時，遊客能更了解牡蠣與漁業產業的現狀，也因為要吃下肚的牡蠣正是孕育自眼前這片海洋，讓人們享受美食的同時，更加意識到海洋環境保護的重要性。

在去年金點設計獎頒獎典禮上，Chat 的頒獎致謝辭裡說到，「安西拉牡蠣養殖竹鷹架廊亭，代表建築不一定只是『建築』——其實也可以是崇尚生態和漁業生活的生活基礎設施，並且這項作品獲得台灣金點獎的同時，讓全世界看見更多的重要在地議題」。

產地直送的海洋餐桌的生態旅遊體驗，Chat 將在地漁業、工藝與生活文化，以及大環境的海洋與產業議題結合，將消費者轉換成在第一線的參與者，並且讓漁民成為敘事的主體，甚至重新讓村民對於自己的漁村產生認同。

過去安西拉的村長常常覺得漁業會在這一代結束，也不希望自己的女兒來從事漁業，然而在安西拉牡蠣廊亭計畫後，村長女兒也成為行動者，去思考要怎麼讓自己的家鄉、漁業產業鏈變得更好，未來他們還計畫紀錄安西拉漁村的在地食譜，並且開發相關應用程式解決漁貨產銷的問題。

撰文｜王賢慈

興建於19世紀，位於德國南部的奧格斯堡國家劇院（Staatstheater Augsburg），這幢擁有百年歷史的老劇院正進行全面翻新與擴建工程；在德國建築事務所HENN操刀下，不僅要修復升級既有的「大劇院」外（Grosses Haus），同時也將新增「小劇院」（Kleines Haus）與服務設施中心等兩座新建築，並預計於2030年完工！

位於德國奧格斯堡中心，誕生於1878年的奧格斯堡國家劇院，是由維也納建築師Fellner與Helmer設計，長年以來都是當地重要的文化地標；然而在二戰期間，建築曾一度遭破壞毀損，之後在1950年代時重建外牆，從當時所保留下來的歷史結構，則在日後被列為城市建築遺產。

如今隨著劇院落成近150年之久，奧格斯堡國家劇院決定啟動修繕計畫，除了要升級大劇院的舞台設備與基礎設施，以符合當代劇場運作需求外，更要在保留新文藝復興風格的老建築前提下，融入全新的建築，讓歷史與當代並存。

串接老劇院風采的半透明玻璃建築

從建築競圖中脫穎而出的HENN，提出了創造一個融合傳統與現代、歷史與未來的文化場域計畫，使劇院不但能承載過去，也能持續孕育藝術與公共生活。全新的小劇院採用三角造型與簡約風格設計，在高度上與周邊歷史建築齊平，既不過度搶盡歷史建築風采，也有著嶄新的存在感。

團隊以半透明玻璃作為小劇院的主要建築語彙，玻璃外牆如同劇場帷幕般包覆於石材基座之上，其曲線汲取自大劇院外觀與劇場天花版的輪廓線條；而外牆玻璃材料皆是回收自當地玻璃製成，不僅回應環境永續，也讓建築在日夜之間呈現不同面貌，半透明樣式能讓光線自由穿透，白天時，使人能隱約窺見室內活動；入夜後，小劇院則轉化為一座由內向外發光的文化舞台。

室內空間則強調開放與流動感，小劇院的入口設於新舊建築之間的連接區域，經過設有咖啡廳、酒吧與衣帽間的寬敞大廳後，觀眾可沿著樓梯前往上層劇場，並在動線中感受不同樓層交織的空間視野。而作為服務中心的另一棟建築，則整合了餐廳、工作坊、排練空間與行政辦公室等功能，以維持劇院的日常運作。

整體而言，HENN以社會與環境永續為本次設計核心，不僅要延續劇院作為歷史地標的價值，也要讓其轉化為當代城市中的文化樞紐，續寫奧格斯堡的城市脈絡與未來發展，並成為市民參與文化生活的重要場域。

資料來源｜HENN

在1970年代的龐克氣息中誕生，紐約「New Museum」始終是城裡最前衛、反骨的藝術場景之一。這裡不像傳統美術館強調保存經典，更著眼於「捕捉當下」，透過最「著時」的當代藝術反映時代脈動和藝術趨勢。歷經擴建工程，這座曼哈頓下城藝術地標將於3/21正式重啟，原SANAA操刀的「錯位白盒」館舍，多了OMA設計的新館與其共生，不僅全館面積與容量翻倍，新設的中庭樓梯、公共廣場也讓藝術從白盒子延伸至城市街區，邀請更多人前來遇見那些尚未被體制關注、定義的未來藝術新星。

擁抱還未被體制看見的藝術靈魂

1970年代的紐約曼哈頓下城（Lower Manhattan），洋溢著反叛不羈的氣息，那時龐克文化正孵化，塗鴉逐漸攻佔城市角落，藝術家聚集於此追夢——New Museum正是在這樣的背景下誕生。1977年，曾任惠特尼美術館（Whitney Museum）策展人的Marcia Tucker，著手創辦New Museum，這是二戰後紐約首個專注於當代藝術的藝文機構。

「新藝術與新思想」貫穿New Museum收藏與策展核心，這源自Marcia Tucker對七〇年代紐約藝術圖景的長期觀察，她認為這座城市還需要一種全新類型的美術館，一個能夠放大當代藝術家之聲的空間，且它必須能夠涵納那些還未被體制所擁抱的創作——在當時，出自女性、酷兒、非裔、亞裔、拉美等社群的藝術實踐都在此列。

專注當下的藝術實驗室

New Museum最特別之處在於不特別強調「永久館藏」，館方不像傳統博物館致力於保存經典，而是將自家定義為「實驗室」，更專注於「現正發生」的藝術。不過，New Museum並非全無館藏，只是在選品時自有一套規範——以過去10年內的藝術作品為核心，這樣的收藏策略得以迅速反應時下的社會議題、藝術趨勢。

SANAA設計首座館舍，工業街區裡的「扭動白盒」

自1977年創立至今，New Museum從哈德遜街（Hudson Street）上小小的臨時空間、僅有3人的迷你團隊，逐步成長為紐約指標性當代藝術場館，且在城中擁有2座寬敞的實體展演空間。

館方首座建築位於紐約Bowery，由普立茲克建築獎得主SANAA妹島和世、西澤立衛操刀，於2007年落成。在這工業之粗獷、時尚與藝術之精緻交織的「拼接感」街區，SANAA利用6個白色方盒，垂直堆疊成建築外觀，這些盒子不僅大小不一，排列時邊線還沒對齊，因此有了看似扭轉、錯位的有趣視覺效果，打破周邊傳統公寓的制式沉悶；建築立面覆上質地粗糙的金屬網，而非精緻平滑的玻璃，既呼應Bowery的工業歷史，也藉前衛造型宣告曼哈頓下城將迎來一場文藝復興。

OMA操刀新館擴建，延續SANAA語彙、提升場館透明度

隨著品牌與場館規模擴大，New Museum展開擴建計畫，邀國際知名建築事務所OMA操刀，建築師Rem Koolhaas、重松象平領銜，在SANAA設計的原館舍旁，添上一座高7層樓、佔地達5,600平方公尺的新建築，將美術館總面積翻倍，以大幅提升日後承載展覽、公共活動、藝術家駐村等計畫的量能。

OMA並未更動原館舍標誌性的「堆疊白盒」外型，而是在新館建築外部，選用金屬與玻璃打造的立面，呼應SANAA原設計，保持New Museum兩期館舍外觀的一致性，同時藉玻璃的通透感提升場館的透明度，拉近美術館與社區的距離。

來到內部，OMA則透過「垂直擴展」的方式，增加場館空間。新建築與舊館2～4樓的既有展廳串連，兩邊天花板高度統一，藉此擴延展廳空間，也讓新舊兩館融為一體。另新設一座中庭樓梯，優化垂直向度的參訪動線，它不僅為藝術裝置提供新的展示空間，也讓觀者步行其上時，得以欣賞窗外街區景色。

除了展廳和觀展動線之外，其他設施也大幅調整——從地面層規模擴大的大廳、書店、美術館商店，到上層新設置的駐村藝術家工作室、論壇及表演場地，還有一間可容納約100人、以蔬食為主軸的新餐廳——共同將New Museum的機能形塑得更為多元且完整。再將視線轉往戶外，新館也包含了一座位於Bowery與王子街（Prince Street）交匯處的公共廣場，未來將展出藝術裝置，舉辦表演、公共活動等，將藝術對話從白盒子帶往流動街區。

隨時代脈動靈活調整的策展方針，2026怎麼做？

自創立以來，New Museum策展方針隨時代靈活調整，但始終不離「著眼當下」的核心精神。回望1970至1980年代，館方聚焦於具潛力、但尚未獲得關注的在世藝術家，除舉辦新銳藝術家個展，也策劃圍繞重要社會、政治議題展開的群展。

1990年代，館方打破僅展出在世藝術家之作的慣例，納入近期過世藝術家的作品，這是因1980年代美國愛滋病危機而啟動的新制；另也同步拓展策展視野，除持續挖掘新銳，更開始關注尚未在美國受矚目的重要國際藝術家。

開館至今近50年，New Museum挖掘許多現已聞名全球的當代藝術家，像是Jeff Koons、Richard Prince出道初期的大型個展都曾在此舉辦。

2026年重啟後，New Museum將加深實踐「公共教育」的力道，不僅邀請藝術家Azikiwe Mohammed專為兒童設計參訪指南，也為年輕觀眾專門設計語音導覽，每月開辦免費參觀的家庭日、青少年藝術創作活動，並邀請紐約公立學校免費參觀和參與導覽，透過一系列多角度切入的長期行動，強化博物館在城市教育中所扮演的角色。