專訪Zaha Hadid建築事務所總監Sara Klomps：「作為女性，我們已將困難視為常態」

由已故傳奇設計師Zaha Hadid創立的建築事務所Zaha Hadid Architects，在全球各地創造了無數令人嘆為觀止的傑作，不斷超越人們對於建築的想像。這次，我們有幸採訪了事務所總監Sara Klomps，與她暢談在Zaha Hadid Architects中度過的二十五載職涯、如何巧妙讓建築融合當地文化語彙及地景，以及作為業界少數性別代表的經驗分享。

入行超過25年，見證Zaha Hadid Architect茁壯成長

在Zaha Hadid Architect（簡稱ZHA）工作超過25年的Sara，見證ZHA從一個小工作室成長為如今擁有近500名員工的事務所。多年來，她參與過的專案不計其數，包含義大利國立二十一世紀藝術博物館（MAXXI Museum）、2012倫敦奧運水上運動中心（London Aquatics Centre）、目前正在建設中的伊拉克中央銀行（Central Bank of Iraq），以及最新落成的香港商務大樓「The Henderson」等，她以高階領導者的身份帶領團隊完成各種開發項目，將一度被認為不可能實行的設計提案實踐落地。

走遍世界各地，如何讓建築融入城市地景？

ZHA的作品遍佈全球各地，每個專案都必須針對當地背景、文化、功能需求以及技術來設計，才能讓建築無縫融入城市風景。Sara以即將在2024年秋季啟用的「The Henderson」舉例，指出在設計初期，團隊便注意到鄰近的香港公園和遮打花園，在這座繁忙的都市中，是十分重要且少見的一片綠意。為回應這片自然美景，「The Henderson」以含苞待放的洋紫荊為發想，模擬花苞的結構和層次，開啟與週遭環境的對話。

與大多數建築不同的是，「The Henderson」建築本身被架高，空下來的地面層延伸週遭綠意，種植樹木與花草，作為公共空間使用；曲面玻璃帷幕將室內與室外連成一線，打造現代都市與寧靜自然的獨特結合。除了地面層外，位於22樓的空中花園也提供豐富綠意和休閒空間，供企業租戶使用。

視覺風格不同，不代表建築語彙不同

「The Henderson」的弧形設計，是東方與西方、傳統與現代、幾何與流線的平衡，和該地區普遍方正的建築景觀形成對比，藉此展示香港的複雜性與多樣性。落成以來，許多民眾覺得「The Henderson」與外觀俐落的中銀大廈比鄰，顯得不協調而突兀，Sara反倒認為：「在建築語言的表達上，它們其實是相似的——因為它們都與城市中常見的典型建築有所區別。」正如Zaha Hadid曾說過：「構成整體美學的並非建築本身，而是建築之間的空間。」充分說明了Sara與團隊在設計時所追求的平衡與多元性。

“It's not the buildings, but the spaces between the buildings that make the composition.” —Zaha Hadid

包容多元、海納創意能量，才能有所突破

對於有著如此豐富歷練的Sara，我們也很好奇，作為一名女性建築師，在至今仍是男性主導的產業裡，是什麼樣的感受？Sara形容，「作為女性，我們常無法意識到自己所面臨的困難——因為我們早已習慣這些困難，並視之為常態。」她表示自己「很幸運」，身處在一個非常多元化的團隊，而Zaha Hadid本人在世時也十分鼓勵、認可每一位員工的貢獻。

Sara也透露，多元化的團隊和包容性的領導力，在建築領域中是非常寶貴的資產，因為不同的創意能量和思考方式，才能造就具有突破、創新力的作品；工作過程中總會有挑戰，但這些經歷也是成長的一部分，最重要的是「不要向他人的看法妥協」。

“ I believe we women do not see many of the hurdles we are being faced with because we are used to it and consider them to be normal.” —Sara Klomps

後Zaha Hadid時代的ZHA團隊

待在建築產業的二十多年來，Sara也注意到社會不斷變化對於業界的影響：「無論是看事情的角度，還是業主的需求，都隨著世代不同而有所改變。作為建築師，我們的責任是保持自我成長，才能滿足、甚至超越人們對建築的期望。」在後Zaha Hadid時代，ZHA持續擁抱創新思想與技術，以培育下一代優秀建築師與城市規劃師為己任、不斷超越自我為目標，致力藉由建築的力量，讓世界更接近理想的未來。

日系眼鏡品牌JINS與英國海澤維克工作室（Heatherwick Studio）跨界聯名，透過「以人為本」的設計理念，將常以直線輪廓示人的眼鏡，轉化成有如水波流動般的曲線，並從大自然各種液態景緻中汲取6大色彩，打造出獨具特色的設計眼鏡！

向來被稱作設計鬼才的海澤維克（Thomas Heatherwick），作品橫跨多個領域，從建築、都市規劃、產品與家具設計、時尚精品等，都能看見他充滿玩心又具實驗性的設計風格。如今，他首度進軍眼鏡市場，攜手日系品牌JINS，推出「JINS × Heatherwick Studio」 聯名眼鏡系列（JINS流動美學系列）。

以Liquid為靈感，打造流動曲線、揉合大自然色彩的設計眼鏡

若你對海澤維克的作品不陌生，那一定能想得到這款聯名眼鏡顯然不會走傳統路線，而是符合他一直以來秉持嶄新、原創，以及符合人本的特色。本次「JINS × Heatherwick Studio」以「Liquid」為核心概念，靈感源自水面波紋與大自然起伏蕩漾流動姿態 。

相較於傳統眼鏡多以工業製品的精準與對稱為設計基礎，海澤維克工作室將液體流動的柔軟瞬間轉化為鏡框線條，透過不對稱的輪廓、如水波般起伏的鏡腳細節，讓眼鏡不再只是修飾臉型的配件，而是一件能自然貼合臉部，襯托配戴者個性的日常物件。

海澤維克工作室執行合夥人Stuart Wood表示：「眼鏡訴說著配戴者的自我，是極為私人又親近的存在。然而現今的鏡框設計往往過於單一，難以貼近個人的獨特個性。比起冰冷的工業製品，我們更追求宛如受自然之力洗禮、自然形塑而成的『有機形態』。」 而每當戴上它時，配戴者都能遇見更有質感、更特別的自己。

在款式設計上，「JINS × Heatherwick Studio」共推出樹脂膠框與鈦金屬鏡框兩大類型。樹脂膠框款以具份量感的框型呈現液體般的流動曲線，包含Grey Mist水面晨霧、Amber Stone琥珀、Stream Fern水生植物與Obsidian Black黑曜石等色彩，分別呼應薄霧浮於水面、琥珀樹脂的溫潤深度、清澈溪流下的水生植物，以及火山岩與深邃溪谷的沉靜光澤。

鈦金屬款則以更輕盈俐落的線條展現另一種液態質感，包括Polished Titanium亮面拋光鈦金屬與 Brushed Titanium霧面髮絲鈦金屬，前者如波光粼粼的水面或熔融金屬般映照光影，後者則透過細緻拉絲處理，呈現如微波蕩漾的水面。 

「JINS × Heatherwick Studio」已於5月14日正式上市，若想體驗戴上設計大師操刀的眼鏡是什麼感受，也不妨親自走進門市試戴。

資料來源｜JINS

黎巴嫩建築師Lina Ghotmeh，近年躍升為全球最受矚目的建築師之一，《時代》雜誌不僅將她選入2025年「次世代百大影響力人物」（TIME100 Next），更是該榜單當年唯一入選的建築師；全球最大規模文化翻新案之一的大英博物館西側展廳群（Western Range），也由她拿下國際競圖。她親身分享，如何透過「未來考古學」（Archaeology of the Future），從研究、材料探索與田野調查出發，與建築的過去和未來展開對話。

➣本文選自La Vie 2026／4月號《貓的居家空間指南》，更多精彩內容請點此

曾經，Lina Ghotmeh立志成為考古學家。成長於黎巴嫩內戰末尾的貝魯特，戰後市中心四處進行著大規模考古挖掘，腓尼基、羅馬、鄂圖曼等不同文明的斷層，就這樣赤裸攤開在她眼前。「那是一座被破壊與重建一層層刻印的『開放考古現場』，激起了我對考古學的興趣，也讓我開始把每一塊基地都視為被環境塑造、由故事層疊堆積而成的『古羊皮重寫書卷』（palimpsest）。」然而，她不只想發掘過去，更著迷於以建築定義未來的力量。貝魯特美國大學（American University of Beirut，AUB）跨學科的環境讓她自由探索；她日後所謂「未來考古學」的概念，也在此緩慢成形——一讓建築既錨定於當地環境與歷史痕跡之上，又能清晰指向未來願景。

「我把建築理解為一種傾聽：傾聽土地、傾聽歷史，傾聽那些看不見的敘事。」

畢業後，她前往法國巴黎深造。其後，她受邀任職於Ateliers Jean Nouvel，被派駐倫敦與Nouvel / Foster + Partners合作Walbrook Square大型開發案，共事的皆是世界頂尖團隊。「那是充滿啟發的時期，讓我更加確信『作夢』的重要性，以及不斷拓展建築邊界的必要。」然而，她也意識到這並非自己想走的路。

建築無法抹平創痕，但給予力量

2005年，愛沙尼亞國家博物館（2006～2016）的競圖公告令Lina Ghotmeh眼睛一亮，內心湧起一股強烈想要參與的衝動。她回憶道：「那時愛沙尼亞剛加入歐盟，帶著動盪的歷史記憶，這在很多層面上都跟我自己的成長經驗產生了共鳴，而基地本身也留有那段歷史的痕跡。」她深受吸引，邀請當時的兩位同事田根剛與Dan Dorell一起投件。3人暢想將建物延伸至Tartu的前蘇聯軍用跑道上，使一段複雜的民族歷史轉化為向未來升起的斜坡，大膽的設計贏下了博物館競圖。那一年是2006年，她才26歲，便決心與夥伴創立合夥事務所「DGT.」（Dorell Ghotmeh Tane / Architects）。

歷經漫長的10年，愛沙尼亞國家博物館在2016年正式完工。3人也決定各自獨立，Lina Ghotmeh隨即在巴黎成立了同名事務所Lina Ghotmeh－Architecture（LG－A）。她的下一個計畫集合住宅「Stone Garden」（2011～2020）帶她回到了貝魯特。施工末尾，2020年貝魯特港口發生驚世大爆炸，建物倖存下來，也在當年順利完工。無論戰爭或意外，都是巨大的破壞力量，她坦言：

「建築無法抹除創傷，但它能給予尊嚴與延續感，給人一個得以共同喘息的空間。它也能成為一種媒介，讓情感透過實體的形式被訴說出來。」

Lina Ghotmeh擁抱起貝魯特的廢墟記憶與集體創痛。「這個計畫不是要掩蓋傷痕，而是去吸收它們，將記憶轉化為實體。」粗糙的大地色混凝土外牆由工匠手工刻畫出波紋，如同農人在一片垂直的土地上耕作，也引人聯想起這國家多舛的命運；其上雕鑿出巨大的窗口，回應著曾烙印 在城市肌膚上的彈孔，使建築通透迎向外界，也成了居民種植植物的窗台與生活所在。「公共性，本身就出自於大方的姿態。立面、門檻、花園、陰影，每一處細節都可以成為與人連結的方式。在脆弱的處境裡，建築必須謹慎，甚至近乎靜默，卻又不能置身事外。」她認為，住宅不該是私密、孤立的存在，空間有責任與周遭公共環境對話，訴說自身的歷史與存在，並成為城市的一份子。

慢下來，由手工材質重探萬物的聯繫

在這個追求速成的時代，Lina Ghotmeh反而注重勞力密集的手工藝。她不諱言自己對材質的迷戀，「我深受那些承載著場所、時間與自然的材質吸引，那些會老化、會呼吸、會記錄下人手觸摸過的痕跡的材質。」如同她的事務所參考諾曼第地區的製磚傳統，培訓當地匠人以50萬塊手工磚親手砌起愛馬仕皮革工坊「Precise Acts」（2019～2023）。「當我們花時間去建造，同時也在培養對環境的自覺、關懷與情感。這些，在今日都是我們迫切需要的。」這不僅讓作品深深紮根於地方文史之上，整個建造過程也訴說著建築最根本的精神：協力製造，一起把東西蓋起來。

在永續建築的浪潮下，低碳的木構已成為當代顯學。愛馬仕皮革工坊便採用磚木混合結構，Lina Ghotmeh也在蛇形藝廊（Serpentine Gallery）《À table》（2022～2023）及2025大阪世界博覽會巴林館，嘗試了輕量化的混合結構，提出可重複組裝的模組化設計。尤其是巴林館，結合了柳杉原木框架與輕量化外層，所有構件如今正被重新利用於在日本推行的另一個計畫。原木榫接的應用本是日本的強項，LG－A 特別回應當地傳統並發起挑戰，與在地承包商攜手突破工法。一如在Stone Garden中，他們與工匠並肩從抹灰工藝中共同研發出新工法，為立面妝點紋飾，讓匠人真正進入建築的設計過程。

「在一個痴迷於速度的時代，工藝成了一種人文的行動，是對生命的讚歌。慢下來，才能讓關懷、精準與意義真正滲入其中。」

當今，愈來愈多建築師從根植在地歷史與傳統的風土智慧中尋找突破口。對此，Lina Ghotmeh表示：「風土的智慧往往是低科技的，懂得因應氣候、善用有限的資源，卻為我們的未來提供了珍貴的啟示，但這並不代表要拒絕科技。」她補充，有意識地運用AI等科技工具，能使設計思考更為敏銳、能力更加精進。實際上，近年她也投入全新低碳、生質材料（bio- sourced materials）的開發之中。「這同時來自道德關懷與對詩意的追求。永續不是一種限制，而是發明的泉源。生質材料帶來了新的美學、新的構築方式，以及建築與自然之間重新建立的關係。」

從歷史的斷層之中，想像建築的未來

2025年，LG—A贏得備受矚目的大英博物館西側展廳群（2025～）翻新計畫，幅度涵蓋全館展廳空間1/3。這是自1820年代以來規模最大的改建，引入自然光、創造「呼吸空間」，並強化節能手段。此外，她長年研究石材，發現30～40%的石材因不夠完美而淪為廢料；貝魯特大爆炸後滿目的瓦礫與破壞痕跡，更促使她思索如何將碎石重新織入城市景觀。她結合木模組結構，將施工產生的廢石重新加工為博物館展廳新牆面，既減輕歷史建築的承重負擔、貫徹她對材料循環的一貫堅持，更隱喻博物館歷史疊層的拆解與重組。「這個空間揭示了世界的緊密相連，讓館藏彼此對話，讓故事跨越時間與地理緩緩展開。我們希望創造能夠鼓勵對話的環境，讓展覽空間激發交流，讓材質喚醒感官。」

近年，她與阿拉伯世界的合作日益深厚。她正為卡達操刀威尼斯雙年展卡達館的永久建築（2025～），延續她對石材的關注，並結合手工玻璃的運用，構築在綠園城堡展區（Giardini）的基地上如石造瀑布般從地面升起，與威尼斯從水面浮現的姿態相互映照，也象徵數千年前自海中誕生的卡達。她分享：「在整段觀展旅程中，建築將不斷轉換人的視角、開啟新的視野，最終在一座開闊的屋頂露台達到高潮。站在那裡，人們俯瞰周遭環境，與地景建立起全新的關係。」

透過「未來考古學」，Lina Ghotmeh逐層溯源歷史斷層，以此構想未來。問道她最渴望創造的建築是什麼模樣，她說：「一種開放而多元的建築，能夠包容所有的生命，帶來喜悅、促進對話，在形式與材料上富有表現力，既能引人沉思，也能讓人相互靠近。空間應當是友善的、慷慨的，讓人自由穿流其中。」她相信，那會是一座充滿生命力的建築。

Lina Ghotmeh

黎巴嫩建築師，現居巴黎。畢業於貝魯特美國大學與巴黎École Spéciale d'Architecture（ESA）。2016年創立同名事務所Lina Ghotmeh — Architecture，提倡「未來考古學 」，主張建築應是土地記憶與未來永續的深度縫合。重要作品包括愛沙尼亞國家博物館（2016）、貝魯特Stone Garden（2020）、諾曼第Hermès Workshops（2023）、倫敦蛇形藝廊《À table》（2023）、2025大阪世界博覽會巴林館（2025）等；進行中包括大英博物館（Western Range galleries）翻新計畫、威尼斯雙年展卡達館等。

更多精彩內容，請見 La Vie 2026／4月號《貓的居家空間指南》

_{文｜吳哲夫
攝影｜David Levene、Iwan Baan、Takuji Shimmura　圖片提供｜Lina Ghotmeh — Architecture}