台電舉辦的全新藝術祭品牌「黃金盛典藝術祭」，於 8/10至10/5在金瓜石展開。首屆由策展人山冶計畫林怡華策劃，以「夢十夜」為策展主題，並邀請14組國內外藝術家，從地方文史、祭儀信仰、地質環境與風物傳說，共同創造出前所未有的觀展經驗。

黃金盛典藝術祭開展

台電近幾年積極推行公共藝術，而金水地區有許多台電轄下重要的歷史古蹟場域，包含水湳洞選煉廠、金瓜石神社、太子賓館等，都是台電的努力修復與串連的目標，此次其以「黃金盛典」作為全新藝術品牌，由林怡華擔任策展人，邀集台灣、日本、美國、澳洲、英國共14組國內外藝術家參與創作，於「水湳洞區」、「勸濟堂區」、「黃博區」以及「地質公園區」4個展區展出。

以「夢十夜」為主題

而本屆主題「夢十夜」引自日本作家夏目漱石離奇難解的短篇著作，希望將山作為夢的載體，讓觀展途徑成為一場遊夢的旅程。林怡華分享，這是一個非典型的藝術祭。從多重感官的角度、作品呈現的媒介與形式、觀展者與作品的關係等層面「製造跳脫常規的非常經驗」，相信觀眾能領略到策展與藝術創作過程中意圖跳脫框架、揚棄尋常的突破與野心。

推出藝術縱走登高路線

而作為位在黃金山城的藝術祭，此次黃金盛典也與健行筆記合作，規劃3條「金瓜石藝術縱走」登高路線：「太子賓館線」、「茶壺山線」以及勇腳挑戰行程「半屏山線」，只要打開健行筆記APP，收集任一條路線的限定寶石，獲得限定的藝術祭冰棒，每月前30名完成3條路線，還可以獲得由台電退役變電箱製成的「金瓜石無耳茶壺山徽章」1個。策展單位也特別與展區有129年歷史的勸濟堂合作，延伸轉譯具有百年歷史的百草丹傳統，為藝術祭特製展期限定「黃金百草石」，民眾可至勸濟堂祈福，求得可隨身佩帶的黃金百草石，讓帝君庇佑身心平安健康。

回應「夢十夜」的策展主題，藝術祭與手工床墊品牌「眠豆腐」合作，結合台電退役木橫擔製作床架，邀請民眾在一起躺在金瓜石做夢；更與「遠東泡泡冰Ｘ元家企業」合作打造藝術冰車，販售藝術祭限定冰品，在炎炎夏日與大家一起作一個甜蜜又清涼的夢。

打造限定感官體驗

另外，藝術祭也邀請鴻梅文創擔任飲食統籌，以「夢的味道」為題，與「甜蜜屋」、「非書店」、「瀑布隔壁」、「寬哥的關於咖啡」、「散散步咖酒館」、「金礦晶食堂」、「CHLIV New Taipei Jiufen」、「野事」等在地店家合作，推出黃金盛典限定主題內容，歡迎大家前往探索，用味覺創造出屬於自己的藝術五感體驗。

黃金盛典藝術祭作品

1、《夜視 Night Vision》｜柯迪・科布 Cody COBB（美國 USA）
藝術家夜探水湳洞漁港及茶壺山間，紀錄自礦脈發現至水湳洞選煉廠關閉後遺留下的礦業人文和自然歷史。岩石和遺址中的礦物與有機物的螢光幽微地在紫外線照射下呈現，近代遺跡已逐漸在濃密的植被下被遺忘，有關繁榮和艱苦過往的記憶卻仍然迴盪。紀錄的過程中偶有山羌的吠聲打斷寂靜的夜晚，熟悉的世界轉變成一個清醒的夢境。

作品地點：水湳洞區｜水湳洞停車場公車亭

2、《群鳥喃喃 Murmuration 》｜詹姆士・塔普斯科特 James TAPSCOTT（澳洲 Australia）
澳洲藝術家詹姆士‧塔普斯科特全新創作的作品《群鳥喃喃》，在金瓜石現地創作時做出與有別於其他地方的結晶體，結合在地鳥類翅膀及洞穴結晶，潛藏並轉化了人文、生態、產業等多面向議題。

作品地點：水湳洞區｜金水基地

3、《綠、黃與粉紅 Green, Yellow and Pink》｜安．維羅尼卡．詹森斯 Ann Veronica JANSSENS（英格蘭 England）
本件為《霧》的室內版新作。空間充滿濃厚而透著混合了自然及人造光源的迷霧。同時，天窗和日光燈管也都以彩色金屬薄網包覆，讓穿透霧氣的光也染上色彩。入口處是萊姆綠，過度區為淺綠色，漸變至中央的黃色，漸層至橙色後而粉紅色。觀眾在踏入展間後，會發現自己沉浸在一片非物質性的抽象彩色迷霧中，而所有時空標記皆消失無蹤。_{（本作品由RC基金會支持）}

作品地點：水湳洞區｜金水基地

4、《鑲嵌空間  Spatial Inlay Structure : Triangular Trolly》｜玉山拓郎  Takuro TAMAYAMA（日本 Japan）
藝術家善於透過作品玩轉觀者感知空間的尺度，本次作品取材自無極索道天間車，以現成物卻令人感到陌生的姿態嵌入並分割建築空間，在傾斜與水平間保有穩定中的不穩定感；室外天光滲入色彩纏繞的空間，如同流動的泥土和海水混合，在山與海之間模糊了區域自身的物質性。

作品地點：水湳洞區｜金水基地

5、《七個故事、雕塑與採金人 Seven Tales, Sculptures, and Gold Seekers》｜吳思嶔  WU Sih-Chin（台灣 Taiwan）
藝術家以金瓜石為文本書寫了七則故事，並就故事內容衍生出七件黃金翻鑄的雕塑，將其藏匿於金瓜石區域。觀眾能透過故事中隱喻的線索，相應的金瓜石的人、事、地、物，來找到並擁有黃金雕塑。除了回應金瓜石的採金歷史，藝術家更試圖在敘事中提供某種超現實的經驗，以思考過去如何在當下的情境成為象徵、成為意義、成為神話。

作品地點：全區移動

6、《車內河谷  Valley in the Minibus》｜李奧森  LEE Val（台灣 Taiwan）
李奧森的《車內河谷》創造了一個流動性的空間，反被動為主動，隨機挑選願意參與的民眾進入巴士，共同詮釋出了夢境中無定向、無定性、無定時的特性，以流動、非典型、難以定義的參與觀看形式，映照出夢境的輪廓。

作品地點：全區移動（表演日可於金水基地領取乘車券，開放索取時間為11:00～15:00）
表演日期：8/11(日)、08/31(六)、09/01(日)、09/14(六)、09/15(日)、09/28(六)、09/29(日) 

7、《夢的迴旋 The Spiraling Dreams》｜陳豪毅Akac Orat （台灣 Taiwan）
生於卑南、成年後生活在阿美部落的陳豪毅帶來作品《夢的迴旋》，看似傳統大型藝術裝置，但其實希望觀者感受的是山、海、帶來遠古訊息的植物、祖先們、與夢迴傳統獵場之間神秘又迷離的意識。

作品地點：勸濟堂區｜報時山觀景台

8、《鑽孔石  Drill Holes on Rock》｜何彥諺  HO Yen-Yen（台灣 Taiwan）
風鑽機留下鑽了孔的大石塊，孔洞內有些冒出了草、有些成為小型生物棲居之地，礦業歷史遺構隨著時間與日常生活結合，在自然中留下隱蔽的線索。藝術家觀察這類帶有人為加工痕跡的自然物及和地景融合的人造物，與聲音藝術家合作，從聲學角度探索材質、造型和空間。走入隧道內，水滴與物發生偶然的共振，成為時間經過的註記。

作品地點：勸濟堂區｜停車場隧道

9、 《The Nature of Education》 ｜田中圭介  Keisuke TANAKA（日本 Japan）
日本藝術家田中圭介（Keisuke TANAKA）的這件作品，交錯運用百年古物及現地台電退役的電桿木橫擔雕刻，以昭和時期的課桌椅、收音機、時鐘，與榕樹和蟬聲等歷史記憶元素片段，回望戰爭與和平，交織成一個如同時空穿越的幻夢空間。

作品地點：黃博區｜太子賓館

10-1、《無極 Endless》｜王煜松  WANG Yu-Song（台灣 Taiwan）
地底屬於另一個世界，礦石被移走，留下疤痕般的坑道，空掉的缺口，溜進了絲絲的光與無盡的黑暗、稀薄的空氣、地壓的共振聲、四次元主義中的時間，洞穴預言中虛與實的狀態⋯⋯將屬於這片土地的「地球」取出，地底是天空，裡又是外，虛也是實，球影中留下了無盡的世界；一個不相同又相融相連的世界；一個連通各個時空的通風口。

作品地點：黃博區｜太子賓館外草地

10-2、《無極－金瓜石們的口述歷史 Endless－The Oral Histories of Jinguashi》王煜松  WANG Yu-Song（台灣 Taiwan）
身為一個藝術節的藝術家，不小心以駐村的狀態捲進了這塊土地。藝術節，像是季風，每年吹來一陣，來了又去，去了又來。而我像是一個早期的淘金客，原以為是短暫的停留，卻不禁對此地留下眷戀。此次為了做一個裝置作品，一個遙想過去現在未來的模型裝置，卻意外的挖到更多關於這片土地的故事。此刻淘的不是黃金，而是文化礦。

作品地點：水湳洞區｜金水基地

11、《茲有夢如是 Reverie》 ｜澤拓  Hiraki SAWA（日本 Japan）
本件作品以受夏目漱石《夢十夜》中〈第一夜〉啟發的錄像展開，探索這些夢的持續存在，及它們如何成為可觸及的體驗。現實有多真實？夢到什麼程度，才能只算是個夢？若一切都是夢，作夢的人又是誰？
「我曾有這樣一個夢」——藝術家將如實描繪人們對欲望的執著、對夢想的虔誠，和等待某件事出現的意念。

作品地點：黃博區｜二連棟

12、《白蟻綁票案 The Termite Kidnapping》｜張徐展 ZHANG XU zhan（台灣 Taiwan）
從白蟻啃咬纜線造成山城大停電的新聞事件做為靈感，透過實拍錄像扮裝與紙漿空間裝置以非人的昆蟲視角，詮釋廢墟裡鮮少被重視的昆蟲住民的聲音與微觀的情境，闡述人為環境與自然之間的共存關係。

作品地點：黃博區｜八角亭旁房舍

13、《山伏獸 Mountain Monster》｜曾令理  TSENG Ling-Li（台灣 Taiwan）
若隱若現間想像無盡蔓延，是巨獸的背脊又或是模糊中的自我的投射，是一個清醒的夢境。來自遠古大地的石片夾雜著各種靈魂的碎片，記載著大地的紋理與力量，山伏獸在層層堆砌之中誕生，石片的紋理隨著水氣忽淺忽深，隨著霧氣在不同的時刻看見不同的樣態，該是靜止又彷彿是緩慢的移動，與金瓜石一起呼吸著等候前來踏查的人們。

作品地點：地質公園區 | 古道叉路空地

14、《重返再現 Return to Representation》 ｜豪華朗機工 LuxuryLogico（台灣 Taiwan）
作品以「重返再現」為概念，引導觀眾親身探索礦場全貌，透過聲音裝置重現坑道挖掘經驗，表達對過去的記憶追尋，引發對消逝的山頭的思考。每一聲敲擊都似一個故事的開端，彷彿在黑暗中尋找繁華的光景，探索金礦或煤礦的慾望，震盪出礦工的辛勞、大地的哀傷和文化的傳承，嘗試引起人們對金瓜石的過往和歷史背後的情感回響。

作品地點：地質公園區｜本山礦場（亙古劇場）

2024 黃金盛典藝術祭
地點：新北瑞芳．金瓜石．水湳洞
時間：08/10～10/05，每週二至週日10:30～17:00（週一休展）
備註：藝術祭在水湳洞的金水基地（洞頂路361號）、勸濟堂停車場及黃金博物館遊客中心前設有服務站。多場假日免費作品導覽行程，名額有限，可點此報名
更多資訊可至官網查詢

_{資料提供｜黃金盛典  文字整理｜Adela Cheng}

在多數人的記憶裡，博物館總與白晝綁定，早晨開館、沿著展櫃靜靜移動、閱讀標示、保持安靜。但當夜幕低垂，空間氛圍悄然轉換，是否也能讓我們重新定義「博物館」的可能性？第四屆《館前一號所》，即是以這樣的想像展開。

位於臺中的國立自然科學博物館一夜限定的實驗場域中，三項亮點活動—劇場演出《恐龍重生》、角色導覽《躺平木乃伊》，以及一年可限定進入的複刻北宋水運儀象臺裝置《水運登頂》，不只是主題節目，更各自承載不同的觀展節奏與身體參與方式。觀眾不單走進展場，更是踏入情境、扮演角色，或親歷機械運作的結構現場；以一場重新佈局的文化設計，從敘事順序到感官觸發，打開夜間的博物館，成為一種新的觀看與感受格式。

夜間不是延長，而是轉換—三大亮點活動構築文化節奏

「我們想打破大家對『博物館＝嚴肅學習的地方』的印象」國立自然科學博物館館長黃文山如此定義《館前一號所》的核心概念。他強調，文化場域的角色應隨時間流轉而生成多重樣貌：「夜間開放是一種新的空間使用方式，讓大家用不同的節奏重新認識博物館。」他接著說：「博物館本身就有一種魔法，只要你願意踏進來，不需要任何知識背景，也不一定要帶走什麼知識，只要『來』，就能開啟你心中的那個魔法盒。」

本屆活動透過三張獨立票券，對應三條感官動線，構築一場限定三小時的沉浸式城市夜行。首先登場的《恐龍出沒》，從燈光投影下的骨架，到恐龍穿梭人群的瞬間，就抓住各方目光，引領觀眾一路由恐龍廳，進入「必可飛」劇場的《恐龍重生》沉浸式展演；打破傳統觀展框架，在劇場氛圍釋放空間張力，也讓知識與想像以更流動的方式發生。接著，《躺平木乃伊》透過塔羅與角色扮演，抹去導覽員與觀眾的界線，將古文明轉化為互動敘事。最後，《水運登頂》限定開放的天文裝置「水運儀象臺」，觀眾得以親自登梯、俯瞰、探索，在移動中體驗知識的立體感。

這三大亮點活動，構成《館前一號所》的核心動線，也讓夜色成為文化節奏的背景：觀眾跳脫觀看者，成為穿越劇情、參與展演的主體，於黑夜中展開屬於自己的博物館體驗敘事。

科技、解謎與導覽的沉浸感官設計

除了三大主軸外，今年活動亦安排四項關鍵節點，進一步拉開觀眾的感知層次。首先，《實境解謎 × XR互動體驗》透過行前下載 App，讓觀眾在展場內完成特定觀察任務，將科普知識與解謎遊戲交織為一場具參與感的科技探險；另一側，《萬物之森搜救隊》則將 XR 擴增實境融入任務，營造出具節奏與故事線的沉浸情境，讓展演從平面資訊跳脫至多面向的互動。

「我們發現觀眾在夜晚的參與方式更開放，互動比預期還要積極。」活動主要負責人之一、科博館營運典藏與資訊組主任蔡雪玲這麼說道，「無論是實境解謎還是 XR 搜救隊，我們都不希望只是單向灌輸，而是打造可以主動選擇的參與場域。」她也提到，像策展人夜間導覽這樣的經驗設計，反而更需要調整語氣與節奏：「語調要更像對話，少一點輸出，讓觀眾感覺自己是在被陪伴，而不是上課。」

最後，《恐龍派對》呈現了另一種感官參與形式，觀眾得以自由穿著、化身不同角色，在燈光與音樂中盡情徜徉展廳，在節奏感強烈的重拍間，於空間與身體之間找回主動權。

夜間博物館，能不能是城市文化生活的一部分？

除了上述的主題設計外，現場其實還有更多活動點綴整場夜行：從「防災職人公仔拍照盒」、易經卜卦與魔術方塊等互動攤位，到橢圓型廣場的夜間市集與音樂演出，以及社群展品投稿與限時拍照任務……這些看似零散的活動，實則構成了一種流動式參與節奏，讓每個觀眾能根據自身興趣，完成一場獨特的「夜間策展」。

在黃文山館長眼中，本次三項亮點設計不僅讓空間敘事更具延展性，也成功轉化觀展方式，讓觀眾在感官與知識之間找到新的接點。 「我們希望這不是特定時段的活動，長期打開文化空間的一種可能性。」他補充道。

無論是否走進劇場或登上水運儀象臺，《館前一號所》真正想打造的，是一種關於文化共感與時間解放的全新想像。

_{文 | 邵瀠萱    圖片攝影 | 李明宜}

2025京都ACK藝術博覽會於11月14～16日登場，La Vie編輯直擊現場，從主展場國立京都國際會館，到寺廟等京都市內衛星展區，帶看本屆展出亮點與有趣的策展方式，以及藝術如何透過不同形式融入城市。

11月的日本藝術場景熱鬧的。東京藝術週（ART WEEK TOKYO）率先於11月5～9日登場，以非定點的展出形式，串聯並打開東京全城的藝術場域。緊接著京都藝術博覽會（Art Collaboration Kyoto，ACK）於11月14～16日展開，核心緊扣「合作」，兩大代表性展區：「Gallery Collaborations」規定日本藝廊須與海外藝廊組隊策展同一展位、「Kyoto Meetings」將展會呈現方式與京都文化結合，加乘藝廊與藝廊之間、京都與國際之間的交流，成為藝博會中的獨特存在。

2025年邁入第5屆的ACK，共有來自19個國家與地區的72間畫廊，其中25家為首次參展，可謂至今規模最大且國際多元性最高的一屆。講者陣容也相當豪華，包括今年在臺北市立美術館舉辦巡迴展《你的好奇旅程》的藝術家Olafur Eliasson、TeamLab創辦人猪子寿之、2025大阪世博女性館和Panasonic館建築師永山祐子等人皆親臨現場。值得注意的是，ACK自2022年獲得「保稅展覽」資格，讓國際參展單位得以免除需於銷售前課徵的10%消費稅，而今年也依舊維持此形式。

強調合作的ACK，今年首度攜手曼谷文化機構「Bangkok Kunsthalle」，推出獎助金計畫「Bangkok Collaborate Kyoto Fellowship」，最終由墨西哥藝廊「kurimanzutto」的王水（WangShui）、日本藝廊「Anomaly」的玉山拓郎獲選。兩位除了能獲得金援支持，還將前往曼谷駐村並舉辦展覽。評審團表示，評選標準是希望能尋找與Bangkok Kunsthalle和ACK理念相符的藝術家——具備實驗性、療癒，以及對文化系統的重新想像。而王水的作品結合了影像、演算程序和電影語彙，將科技與精神性以近乎儀式感的方式融合並呈現；玉山拓郎則能將經常被忽視的空間，轉化為令人意想不到的多重感官世界。

在2025年的此刻，ACK以「2050—凝視未來」（2050—Gaze Toward the Future）作為企劃主題，一方面回顧了這個世紀前1/4的歷程，也從此開始思索下一個1/4的世界樣貌。以下盤整今年展出亮點，看藝術與京都激盪出了哪些火花？

① 京都式的展場氛圍

藝博會的氛圍很大一部分由展場定調，有別於一般方正的白色間隔，ACK邀請建築師周防貴之操刀會場設計，運用原木牆拼接成一格格木製展間，各展位不規矩的位置設置，走逛其中，宛如置身於京都的迷宮巷弄間。許多展位也將作品擺放方式結合木格展間，看各藝廊怎麼和木格展間互動，也成為逛展的樂趣之一。

主展場國立京都國際會館的建築亦相當值得一看，這座於1966年開館的建築，由師從日本建築巨擘丹下健三的大谷幸夫設計，室內設計則由劍持勇操刀，可謂日本近代建築的重要作品。11月的ACK展期也正值楓葉季，在1樓展場觀展之餘，也相當推薦到2樓眺望國立京都國際會館周遭景緻，可見紅色楓葉與綠意、建築交織。

② Gallery Collaborations藝廊如何合作？

本屆「Gallery Collaborations」展區，共有29間日本畫廊與30間國際畫廊共同合作展出。其中，代理非洲藝術家的東京藝廊「space Un」，聯手奈及利雅首都阿布加藝廊「Retro Africa」，展出多位非洲藝術家作品，探討物質與身分、動態與靜止之間的關係。日本老字號畫廊「思文閣」，與在聖保羅、布魯塞爾、紐約、巴黎皆有據點的「Mendes Wood DM」合作，呈現拉丁美洲藝術家與日本戰後抽象與前衛書法的創作交流。

東京的「Taka Ishii Gallery」則攜手維也納的「Galerie Martin Janda」，呈現墨西哥藝術家Mario García Torres與斯洛伐克藝術家Roman Ondak的雙人展。其中擅長重構日常物件的Roman Ondak，其大型樓梯裝置〈Leap〉在展間相當吸睛。

東京藝廊「Mitochu Koeki Co.」和倫敦藝廊「Annely Juda Fine Art」的合作相當有趣，前者帶來4位日本女性陶藝家稲崎栄利子、波多野亜耶、服部真紀子、Aizawa Rie的作品，後者則帶來繪畫大師David Hockney於2021年以iPad創作的《20 Flowers》系列作品，呈現一場媒材迥異的展出。而David Hockney的3件作品，也各自以1,500～3,000萬日圓的高價出售。

③ Kyoto Meetings亮點藝廊聚焦

今年共有13間日本及國際藝廊參與「Kyoto Meetings」。墨西哥藝廊「kurimanzutto」帶來王水個展，展出多件以水墨與油彩在鋁板上作畫的作品，方正的畫框中，可見道道強勁而抽象的筆觸。且在預展日結束時，展位已有75%的作品售出，每件作品的成交價落在30,000～55,000美元間。

來自釜山的「Johyun Gallery」也相當值得一看，展出了李培（Lee Bae）、金澤相（Kim Taek Sang）、李光鎬（Lee Kwang-Ho）與墨西哥藝術家Bosco Sodi的作品。展間同時呈現了4位藝術家迥異的媒材特性：炭墨的焦痕、水的沉積色調、超寫實的形象、土質顏料的觸感，引人探索物質與感知的全新維度。

京都本地的「KANEGAE」則用藝術回應環境與社會問題：當鹿肉進入市場後，鹿皮與鹿骨因難以處理而被丟棄。因此KANEGAE開啟了藝術計畫，由藝術家將鹿角與鹿骨轉化為雕塑與陶藝，並從鹿皮提煉出用於繪畫的黏合劑。但他們注意到，光憑藝術無法提供實質解方，因此今年ACK，KANEGAE聯手時尚品牌「T.T」，用鹿皮製作外套與鞋子，試圖開啟新的商業可能。另外也推薦造訪KANEGAE位在大徳寺總門的藝廊，細品工藝的多重面貌。

④ 公共藝術不可錯過

會場除了各藝廊的展位，更有策展人Martin Germann、木村こころ（Kimura Kokoro）策劃的「公共計畫」（Public Program），以「共生：藝術與我們共同生活的世界」（Symbiosis: Art and Common Grounds）為題，邀請10位日本與海外藝術家，在會場內外各處展出作品。會場外可見德國－越南藝術家Phung-Tien Phan的裝置〈ersatzteile〉，將寶特瓶、燈具、收音機等日常可見的工業物件錯置組合，煙霧也不時冒出，隱喻對社會身分的真實性的質疑。

場內亦可見日本藝術家木村友紀翻玩日常物件，作品〈Des Treize〉讓透明球形機器人緩緩穿梭展間，基於數據運算的運動軌跡，會隨著機器人和環境的物理條件差異而慢慢偏離預設，呼應木村友紀長期關注的「物質與非物質存在」之間的關係。

日本藝術家遠藤利克的大型裝置〈Void–Blackening〉，將木、鐵、水泥、焦油炙燒成一顆偌大球形，延續藝術家一貫擅長轉化空間感受的紀念性雕塑脈絡，讓國立京都國際會館一角添上靜謐與神祕氣息。

⑤ 在寺廟遇見藝術

有趣的是，ACK也將展覽延伸到京都市內的寺廟、文化機構等，看藝術家們如何讓作品與空間、歷史互動，也成為到京都看展的獨特樂趣。兩足院由在紐約、洛杉磯擁有據點的藝廊「David Kordansky」，帶來日本藝術家日下翅央（Shio Kusaka）、美國藝術家Jonas Wood夫妻檔的雙人展。日下翅央的陶藝呈現了寺廟內部空間一角的景色，David Kordansky的繪畫則融入寺廟窗景，其筆觸亦呼應了日下翅央的陶藝紋理。

由「Kiang Malingue」代理的美國藝術家Carrie Yamaoka，則於曼殊院展開首次日本個展《Inside Out / Outside In》。在曼殊院這個室內禁止攝影隱密古蹟，Carrie Yamaoka的作品也靜靜隱身寺廟各處，讓旅人如解謎般探索，不斷轉換遠／近、外／內的視線欣賞作品。部分作品甚至直接暴露於自然環境中，隨著天氣、光線、時間的變化，作品將與空間、觀眾交織出不同變化，讓每一次的造訪，都是此刻僅有的體驗。

廣誠院則有倫敦藝廊「Sadie Coles HQ」舉辦的義大利藝術家Isabella Ducrot個展《Incongruous》，這也是這位1931年出生的藝術家，自1990年以來於日本的首次展覽。此次展出了《Bella Terra》與《Incongruous》2大以紙材創作的系列：前者意指「美麗之地」，透過樹木、水面、月亮3個基本元素，以自然的不斷嬗遞，隱喻生命的韻律；後者則展出於2樓，以花瓶、茶壺、桌子等家庭元素為核心。當日光從窗戶穿透紙面，作品也與窗外楓葉景致一同映入眼簾，亦巧妙回應了藝術家對自然與生命規律的叩問。

Art Collaboration Kyoto
時間：2025.11.14～16
地點：國立京都國際會館（ICC Kyoto）
＊2026年確定將於11.7～9舉辦！

_{文、攝影｜張以潔
圖片提供｜各單位}