透過不同印刷工藝的試驗，把創作提升至與眾不同也更具實驗性的高度，讓印刷品與觀者產生深入對話。平面設計師洪彰聯與九水印刷創辦人游大緯多年來的密切合作，展現了設計與印刷在文化表達和創意實現中的重要性，這次La Vie步入洪彰聯的工作室，聽他們暢談對印刷及出版的個人觀點、彼此合作的點滴，感受印刷在設計產業中所面臨的挑戰及其魅力之所在。

採訪當天，我們坐在洪彰聯工作室的水泥地板上，他和游大緯正在細數兩人曾經克服過的有趣案例。像白紙印樣「要不要來我家看貓？」，在某些不經意的角度下，彷彿正被一道炙熱的視線緊盯不放，隱隱約約還能看到一隻貓⋯⋯。這個隱形階調設定是基於每一張白色紙張的特性、白墨與透明油墨的細微差異，再運用網點與影像分色修調圖像，後端印刷製版時於亮部使用打底墨（油墨顏色為透明）、暗部使用白色油墨，進行白成一片的透明試驗，埋一點點觀看印樣工具的趣味性。

另一正、反封面使用兩塊壓克力呈現的「小恐龍桌曆」，則以羅紗紙漆黑198g/m²前後裱貼連結封面（正、反網印黑），並將照片重新處理燙黑（圖面為細線），內頁新浪潮G系列VG-FS 151g/m²短邊做糊頭裝訂，照片印兩個UV特色黑，月曆則是印黑與上油。一般照片印刷於紙上，中間調的細節會比較平，不及螢幕所看，因而再加一個版增加照片暗部調性，借此提高中間調的細節呈現。

紙是載體，也是工具

洪彰聯和游大緯正式合作的起點，是因受恆成紙業之邀，攜手完成「 な（hen-na）｜志村健Ken Shimura海報設計印製工事」而展開的。他們以無塗美術紙艾若薇挑戰「直壓疊印」印刷技法，在同一塊區塊上，透過重複返回印刷機印刷，輪流讓網點與滿版當底色，並在上面直壓疊印不同數值的網點或滿版色，大膽用已知實驗未知，才有了這張數次特色疊印的海報。

「紙張是工具，而非僅僅一個載體。」洪彰聯認為紙張的選擇必須與作品的目標相輔相成，不僅是形式上的搭配，更是創作概念的延伸。他認為，紙張的質感、紋路曾帶給他創作靈感，但經過多年的實務經驗，紙張的角色逐漸從「驚豔」變為「基礎」的一 部分。

他表示：「設計過程中，紙張與印刷的選擇是必然的考量，它們像工具一樣被整合進設計中，為了實現作品所需的視覺和觸感效果，而非因為某一種紙張特別而重新規劃設計。」洪彰聯強調紙張並非單純的創作素材，而是根據案型需求，設計師從中挑選最適合的類型，為作品增添層次和風格。然而，紙張對他是否具有特殊意義或魅力？他笑言：「一開始可能會被紙張的觸感和紋路吸引，但隨著工作越深入，它逐漸成為設計流程中自然的一環。」

洪彰聯從小在父親經營的招牌工廠中成長，這段經歷深深影響了他的設計視角。他回憶道：「我們家的招牌製作就像量身訂做，師傅依客戶需求創作，但細節多由師傅自由發揮。」這種 「創作者主導」的工作模式， 培養了他對設計的獨特見解， 逐漸意識到實體材料與創作間的緊密聯繫，尤其是紙張在傳遞質感和細節上的可能性。「這種對材質的敏感，促使我在設計中時常考量印刷與紙張如何達到最佳效果。」

如何實現印刷先決的設計？

洪彰聯與游大緯從2019年開始合作，他們的默契建立於共同探索印刷技術與效果的基礎 上。游大緯分享：「與設計師合作時，印務有時像翻譯，需將設計的想法轉化為印刷語言，再與師傅溝通執行。」這段合作，讓兩人形成了無須過多溝通也能理解彼此需求的工作模式。洪彰聯則補充，設計與印刷的合作中，需要一種「回推」的思維，「設計師再有經驗，也不如印刷師傅熟悉實際的技術細節。因此，我們通常會根據印刷的可能性調整設計，以確保最後的效果接近預期。」

從恆成「Ian Curtis 海報設計」中，可以看到洪彰聯設定的海報模組，將設計圖稿簡略分成背景、人物與加工3大區塊，也就是把6張映畫壓紋紙區分為金、銀兩組（背景油墨顏色），人物全使用單色黑一起印刷，最後再處理加工區塊的部分。

游大緯則指出，通常在設計圖稿確定後會先做測試，有些原本想像中感覺可能會不錯的效果， 實際上機打樣後並不一定合適，與其說是標準，倒不如說實際測試後，要看整體視覺呈現效果微調。「還有加工的難易程度是其次，最難的是一些沒人會注意到的小細節，像是對準、邊角俐不俐落等，像我就覺得紙張的黑字燙得太好，完全沒人發現它是燙的。」

另外，地下電音俱樂部Pawnshop當鋪每月的program issue，也是他們玩得淋漓盡致的舞台，無論是各式材質、印刷技法、想都沒想過的組合，在兩人的實驗精神下化為令人耳目一新的精彩成品。2022年1月選定晨紙黑115 g/m²為基底，開兩版實驗銀墨在不同濃度設定下的印刷效果，橫線波浪及部分文字以較濃油墨印製，忠實反映油墨的光澤度及印後仍清晰可見的紙面纖維。設計方面，線條角度經過縝密計算，需以一 定距離觀賞，方能辨識出隱身其中的「酸」、「辣」二字。

游大緯並不諱言，許多案子中，洪彰聯對極端效果的追求，為他的工作帶來不少挑戰。「他常常提出一些看似不可能的要求，比如在極細的紙張上進行多層加工，或者使用不易處理的材料。」他想起，曾有一次為了在透明壓克力與紙張間印刷圖案，不得不進行多次測試，甚至差點燒壞機器。即使如此，他們始終認為這種挑戰值得。「每一次成功的實驗，不僅是對設計的突破，也是對印刷技術的重新定義。」游大緯表示。

在談到台灣與日本印刷文化的不同時，游大緯分享了他的經驗：「日本印刷產業分工極為細緻，每個流程都有專責人員，細節處理非常到位。」然而，他認為這種高度規範化有時反而限制了創新，「台灣則更靈活，許多設計與印刷的創新，源於設計師和印刷師傅間直接的對話和合作。」這種台灣式的靈活，讓洪彰聯與游大緯得以嘗試各種特殊加工與效果。例如，他們曾使用不同網點設計，實現層次分明的黑白效果；也曾在透明材質上進行多層次的印刷，產生獨特視覺效果。「我們願意一起實驗，從失敗中找到更好的方法，這也是合作的一大樂趣。」

這麼看來，洪彰聯與游大緯的合作，是一種設計與印刷的共生模式。他們經常從效果回推設計，再從設計中探索更多的可能性。「我們像是印刷工廠裡的製作部門，共同討論、試驗，甚至願意冒高風險去挑戰新的技術。」某次設計中使用到不同材質的紙張，每種材質的印刷效果各異，為此他們與印刷師傅反覆討論，頻繁調整。

「這種過程雖然繁瑣，但最終的效果令人滿意。」游大緯更多地從技術層面支援洪彰聯的創意實現，「彰聯會為了想怎麼印而去設計，讓設計變得更加有趣。」他認為設計師對「美與醜」的標準十分主觀，但無可否認，兩人皆深受印刷過程中的技術挑戰所吸引，這種對技術細節的重視，使洪彰聯成為一個對印刷製程更瞭若指掌的設計師。

兩人也觀察到，材質的多樣性和加工技術的進步，使設計師有更多表現空間。游大緯指出：「近年來，設計師對紙張本質的重視遠超過對圖像的依賴。他們希望透過材質的選擇與加工技術，強化作品的質感與個性。」洪彰聯則認為，台灣的設計與印刷發展，還需要對美學的成熟度有更多關注。「我們市場對美學的接受度還不夠，但這需要時間與更多創作去累積。」也許，透過設計師與印刷產業的緊密合作，未來會有更多既能呈現美學，又具開創性的風格作品問世。

同時，當印刷量變少了，是否也意味著可以做得更精緻？游大緯認為，在資源有限的情況下，設計師必須發揮更大的創意去應對不同的挑戰。然而，洪彰聯坦言，台灣市場規模的局限仍然是一大阻礙。「台灣的設計產業很難支持設計師專注於創作，大多數人需要靠商業案來補貼收入。」

他以日本為例，說明了成熟市場對設計產業的支持，「日本的小眾文化有足夠的市場撐起專業設計的需求，設計師不僅限於商業服務，還能成為文化的推動者。」在台灣，這樣的支持並不普遍。洪彰聯提到：「台灣的設計師幾乎無法依靠藝文類設計支撐生活，甚至買房置產，這是現實，也很務實。這不僅是市場規模的問題，還涉及對設計價值的認識。」

洪彰聯的作品以印刷效果和材質的運用見長，他不僅專注於設計本身，還深入研究印刷的技術細節，與印刷師傅保持密切合作。如同前面所提， 日本的印刷過程中每一環節都有專員負責，從紙張細節介紹、分色製版以及版面調整等，層層環節使日本的印刷成品極其精緻。

然而在台灣，設計師往往需要「包山包海」，從概念到製作都親自參與。洪彰聯和游大緯這樣綿密的合作默契，不僅從印刷中找到靈感，印刷也從設計中延伸了 更多的可能性，而設計與印刷的結合，最迷人的地方在於「實驗性」。兩人皆認為，「失敗並不可怕，因為它往往是創新的起點。

每一次成功的實驗，都是對技術極限的重新定義，也是對設計價值的再探索。」多年來的搭檔關係，展現了設計與印刷如何在創意中彼此依存、相輔相成，不僅超越了傳統的職業分工，更啟發了對材料、技術的重新認識。

洪彰聯

台中豐原人，設計融合複雜的印刷工藝突破框架，使用繁體中文進行複雜、自由、大膽的設計。作品包括《新活水》、《電影欣賞》雜誌設計、Korner、Pawnshop等視覺設計。曾獲2019年第43屆金鼎獎雜誌類設計獎、2020年台北國際書展金蝶獎書籍設計金獎，2023年入選「AGI 國際平面設計聯盟」。IG@hungchanglien

_{文｜張瑋涵　攝影｜趙豫中　圖片提供｜恆成紙業}

更多精彩內容請見 La Vie 2024/12月號《紙上策展術》

從街頭海報到包裝設計，近年來越來越多視覺設計作品，以饒富巧思的圖像和深刻的設計思考，令人耳目一新！近日揭曉的2025臺北設計獎「視覺傳達設計類」得獎作品，更展現設計如何連結文化記憶與生活體驗，以精準的視覺語言，牽動廣泛的共鳴。

不只凝聚地方情感，也顛覆刻板印象

像是由日本設計團隊Lightsdesign奪下2025臺北設計獎「視覺傳達設計類」金獎的作品「Jingisukan Anbe」，便是以設計重塑地方情感的案例。在此作品中，設計師為岩手縣備受喜愛的老字號烤羊肉餐廳進行空間與視覺重塑。其中全新標誌以視覺化的「羊」為主題，象徵家人與朋友相聚的溫暖情境，羊背上騰起的煙霧也呼應日本傳統中以「不祥之物」為符號，藉此驅厄避邪的文化脈絡。而在包裝上，最引人注目的則是瓶身那八幅以家庭聚會為主題的插圖，透過插畫家中山真一的筆觸，延伸出品牌獨有的「家常風景」，在新舊交會間，以簡潔卻飽滿的敘事，凝聚地方餐廳的情感價值。

至於銀獎則是由香港設計團隊Studio Noux操刀的 「Radiant Eateries: Hong Kong Restaurant Neon Sign Drawings」。作品以書籍梳理霓虹招牌的歷史與工藝，書中收錄的218份手稿更以八色印刷，並加入螢光油墨，讓讀者在昏暗環境下，也能透過書中附上的小電筒照射，模擬霓虹燈點亮時的光線跳動。這種充滿互動性與巧思的設計，讓作品不僅是一本設計書，更保留即將消逝的城市光景。

而由波蘭設計師Marcin Markowski操刀的作品「Poets' Poznań festival」則獲得銅獎肯定。在此，設計師以「藍舌頭惡魔」為核心概念，突破大眾對對詩歌節的既定想像，也凸顯詩人作為挑戰規範、啟發思辨的叛逆者角色，讓詩歌節跳脫文學型活動常見的溫和氣質，轉而呈現自由、獨立與不受拘束的精神。

以設計拓展想像，也捕捉城市能量

同樣由波蘭設計師操刀的作品「Stand Art 3D / visual identity」則獲得ICoD 特別獎。在此，波蘭設計師Wojciech Janicki為名為「Stand Art 3D」的展覽活動設計系列海報，多張作品相互補充卻又各自獨立，整體視覺既成功回應展覽主題，更以富有層次的圖像探索藝術邊界。

今年評審團推薦獎則頒給由OUT OF OFFICE｜外也企画社設計師張櫻馨、梁巨璟操刀的 「美味◯［美味圈］：2023台灣設計展在新北 FOOD IN CIRCLE」。作品從新北的街頭飲食文化出發，把廟埕、夜市、辦桌、塑膠椅與彩球等日常風景化為強烈、多層次的視覺語彙，展現城市的親切與多元；色彩計畫更大膽以桃紅色系象徵台式餐桌特有的草莽魅力，完美捕捉新北飲食文化的活力。

回顧2025臺北設計獎視覺傳達設計類得獎作品，不難發現設計師如何以色彩、形象與敘事，在地方記憶與現代美學之間建立橋梁，甚至顛覆人們對既定活動的想像。即便作品風格各異，卻都展現了讓訊息被看見、被感受、被記住的核心力量。

臺北市政府產業發展局廣告

_{文字 | 郭慧  圖片提供 | 臺北市政府產業發展局}

繼聶永真的OK蹦藥盒、劉悅德的酷兒變裝包、葉忠宜的能量補給飲後，何婉君及其團隊Houth為馬戲專門誌《Do Circus》2025年秋季新刊再度賦予視覺驚喜——巨大帳蓬被壓縮進「微波爆米花」包裝裡，鹹甜參半的新遊牧滋味將在你閱讀的同時層層迸發。不過爆米花與馬戲究竟有何關聯？本文3點詳解獵奇裝幀下，各樣設計背後令人動容的故事。

「真正的馬戲，從來不是用看的，而是用身體去理解的。《Do Circus》改版後的每一期，都以紙本為舞台，把讀者拉進一次『需要動手、也需要動身體』的閱讀現場。」La Vie台灣創意力100雙年獎「創意視覺」類別評選視覺傳達領域具突破性美學之作品，本屆關注到馬戲專門誌《Do Circus》改版以來3季刊物對平面載體的極限翻玩，最終由評審共同選為10大獲獎設計。不僅僅從內容上推廣馬戲藝術，《Do Circus》至今不斷超越既定認知、挑戰裝幀框架，將馬戲舞台上下的汗與淚「裝入」實物中，再具體化攤開於大眾眼前。

文字節選自La Vie雜誌2025台灣創意力100《秩序重啟Order Reset》

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改版一週年，回顧3組設計

《Do Circus》自2024年夏季號改版，永真急制Workshop設計師聶永真、陳聖智操刀首期裝幀，創作出「OK蹦藥盒」撫慰馬戲演員的肉身傷痕（此作入圍2025金點設計獎年度最佳設計獎）；冬季號接著找到AGI國際平面設計聯盟新晉會員劉悅德，透過「酷兒變裝包」探察流動的性別光譜。2025年春季號則由葉忠宜打造隨開即飲的「能量補給飲」，致敬極限運動員的屏息瞬間。

>> 回顧「酷兒變裝包」：劉悅德設計《Do Cricus》新刊！雜誌化身「變裝包」，視覺、印刷細節呼應馬戲及酷兒文化

>> 回顧「能量補給飲」：是你手裡那包in果凍？葉忠宜操刀《Do Circus》春季號：「勇氣口味」能量飲挑戰極限馬戲，鋁箔、吸嘴翻玩裝幀框架

最新發行的秋季號〈POP UP! BIG TOP——馬戲帳蓬與新遊牧〉邀請擅長視覺敘事的Houth團隊，將雜誌偽裝成一包超商常見的微波爆米花。整體設計提取並轉化傳統馬戲帳篷的經典紅黃條紋為放射狀曲線，既扣合爆米花蘊含的高能和慶典鬧騰印象，亦帶來恰如馬戲帳篷總在城市空地上一夜之間蹦起的視覺衝擊；左側讓人聯想到口味標示的「The New Nomad（新遊牧者）」字樣同時揭示馬戲藝術所承載的苦樂、流汗付出的鹹與歡快收成的甜交疊而成的滋味。以下3大亮點帶你詳加了解《Do Circus》新刊包裝及內含兩冊巧思。

【亮點#01】從1980年代美國超市找靈感，用通俗語言包裹深刻議題

與劉悅德同於2024年入列AGI國際平面設計聯盟的何婉君及其團隊Houth，向來以敏銳的色彩感知與幾何構圖著稱。這回他們將目光投向1980、90年代的美國超市，藉鮮豔底色與浮誇線條形塑美式復古風格，高飽和的色彩搭配甚體現普普藝術（Pop Art）精神。挪用消費符號之餘，且添附數張帶有超市特價標籤趣味的螢光色標語貼紙，進一步拼貼出更富張力的外包裝：「Freedom on the Move」、「Gather, Dream, Defy」、「Made of Canvas, Labor, and Sweat」等字樣，彷彿紛紛憑「Cheap Chic（廉價高級）」姿態在貨架上喧嘩，誘使讀者主動伸手撕開包裝，深究被包裹於糖霜中的真實成分。

【亮點#02】對照表象與真實：翻過華麗正面，揭開艱辛背面

爆米花構想除包藏「甜中帶鹹、鹹中有甜」的難言滋味，更捕捉爆米花（Popcorn）與快閃（Pop-up）源於同一英文動詞的極端特質：看似瞬間膨脹，實為一顆顆堅硬玉米粒經高溫與壓力試煉，方才造就鬆軟形狀——這正彰顯馬戲用沉重肉身撐起所有輕盈翻躍的本質，Houth故汲取玉米粒爆開成爆米花（扁平到立體）的型態變化，比喻馬戲帳篷搭建及其內上演節目「表象／真實」難易有異的誕生過程。

大眾往往只見馬戲團「膨脹後」的華麗瞬間，同玉米粒炸裂時一般神奇、快速、充滿娛樂性。然若包裝正面是平時呈現給觀眾的華麗，那麼背面便是與業內人士共鳴的血淚。還原微波爆米花外袋常註記的「放入微波爐、加熱兩分鐘、取出搖一搖」資訊，此刊簡化龐雜搭帳工程為「拆封與展開」、「錨定、裝備與升起」、「確認隱形結構」3步驟，其背後涵蓋的密集勞動卻難計數。

再往下查找，令人心中一揪一笑的細節還穿插於成分表：沒有反式脂肪，只有帆布、柱子、繩子、汗水與勞動（Sweat & Labor）、夢想與異議（Dreams & Dissent）。

【亮點#03】A、B兩冊承載馬戲幕後故事

外袋以環保芬蘭紙仿造市售實物的防油紙，並通過印刷盡可能重現獨特質地。分別代表帳篷一體兩面的A、B兩冊內頁則選用內斂的灰色調紙張，意味當包裝被撕開、色彩與聲響退去，即醞釀出慢而深的閱讀節奏。

A冊封面為帳篷俯視圖，扭曲線條暗示帆布在狂風暴雨中被拉扯的狀態，裝幀方式也以彈簧繩呼應帳篷固定繩；內容拆解夢工廠辛酸血汗，對照馬戲的現實肌理。B冊封面則為滿版爆米花點綴慶典標誌性星星；內容聚焦全球馬戲圈精彩作品，領讀者品嚐新時代游牧者所呈獻真實而豐富的滋味。

風險與驚喜同時發生

馬戲帳篷既輕盈，也沉重；既開放，又帶有限制。它數天內搭起、一天內消失，最終只留下空地的痕跡。在高度城市化的今天，如果劇場象徵制度化的固定建築，那麼帳篷的臨時性便是反身提醒：空間不必然屬於權力或資本，它可以是短暫、共享，且可隨時重新配置的。這讓我們重新思考表演如何發生，進而直面根本問題——誰能進入？誰被排除？誰承擔風險？誰又在其中找到新的自由？

《Do Circus》新刊將馬戲帳篷（Big Top）置於核心，因它不只是馬戲演出的容器，更訴說著關於流動、共融與永續的寓言。

▼ 內容搶先看

馬戲專門誌《Do Circus》秋季號〈POP UP! BIG TOP——馬戲帳蓬與新遊牧〉

• 售價：NT$299（數量有限，售完即止）

>> 更多資訊可至Do Circus官方社群瀏覽。