臺北市立美術館（北美館）推出新展《洄鳴》，此為2021臺北美術獎首獎得主林彥君的全新創作計畫。林彥君常藉創作探索聲音與記憶之間的關係，透過聲響捕捉肉眼難以見得的幽微場域。

《洄道》靈感源自林彥君陪伴一隻蜻蜓度過生命末段的經驗，全作由聲響演出及空間裝置組成，捕捉了蜻蜓振翅時稍縱即逝的聲響，並疊加藝術家近期對夢境與萬物靈的感知，譜出生命的韻律。不妨踏入《洄鳴》做場白日夢，踏足生與息、睡與醒、寂與聲臨界的夢迴之境。

在墜落之間創造

林彥君現居臺北與柏林，目前生活與研究「墜落」的各種狀態——墜落於沈睡、墜落於夢醒、墜落於未知。藉由創作，她慢慢調頻至細微的存在與感知邊界的地帶，與萬物靈相遇學習。她的創作以空間裝置的形式呈現，其中包含雕塑、聲景、夢、表演與虛實故事，並著重於物質作品空間之外聲音與意識構造的虛空場域。

《洄鳴》重現蜻蜓徘徊生亡之間的生息韻律

《洄鳴》靈感來自林彥君舉辦共眠聆聽實驗時，陪伴一隻蜻蜓度過牠此生最後半天的經驗。當日午後，林彥君與共眠者在附近森林尋找夢中的溫室時與牠相遇，蜻蜓自此攀附在藝術家左手上，時而振翅變換姿勢，和她一起經歷自然環境裡的寂靜與微聲；直到午夜牠翅膀不再靈動，悄然離世。透過《夢鳴》，林彥君試圖捕捉記憶中蜻蜓振翅的聲響，以及生命的生息韻律。

《洄鳴》由兩件作品構成60分鐘為循環的旅程，包含聲音雕塑裝置《夢鳴》15分鐘的聲響演出，以及空間聲響裝置《洄道》45分鐘的敘事。《夢鳴》由16件音響驅動的翅型機械裝置與聲景組成，以錯落編排的聲波驅動翅膀結構拍動、發出振翅的微響，其中機械構造與藝術團隊「穀米」共同研發。

空間聲響裝置《洄道》則由林彥君與藝術家Gediminas Žygus共同創作，以曖昧朦朧的詩意語言探討隧道的存在形式，並尋覓現有知識體系的中介地帶。故事從在山洞躲雨的兩位陌生人展開，他們耳聞山中有個螺旋型隧道，走到中心處便能通往平行世界的海螺中，接著一直向外走，就能抵達夢之海洋。由於洞穴的迴聲異常悠遠，他們臆測此地即為隧道入口，並決定一探究竟；與此同時，自然之靈不停地穿梭在隧道與海螺之間，用耳語編織著山與海洋的傳說與記憶，在空間中盪漾。

《洄道》的敘事主要由聲響推進，藝術家在幽暗的長型空間，佈署12個音響組成的空間聲響系統，細緻地重現隧道環境的立體音場，帶領參與者循聲穿梭於不同時空維度的過渡地帶。作品的音場設計源自林彥君2023年赴柏林聲音研究機構「MONOM」駐村時，與機構團隊的合作成果；此作的創作元素也曾以30分鐘的聲響裝置與表演形式，在柏林同心圓結構的古蹟水塔Großer Wasserspeicher呈現，為德國跨領域藝術平台Creamcake主辦的系列展演活動之一。

藝術家座談1/11登場

2021年，林彥君以《氛塵：沉積於塵埃裡的聲景》獲臺北美術獎評審團推舉為當年度首獎，作品提取儲藏在塵埃中的環境聲景與空間記憶，包括人耳無法觸及的聲音與頻率；透過沉浸式音景，邀請觀眾經由聆聽塵埃開啟對環境的知覺與想像。近年她主要在歐洲活躍創作，2022年更獲英國當代藝術學會（Institute of Contemporary Arts，ICA）委託創作聲響展演，透過聲音探索醒睡之際的感知變化，以及「傾聽」如何促成知識生產。

北美館將於2025年1月11日（六）推出藝術家座談，由人類學家謝一誼主持，邀請本展藝術家林彥君，與藝術家東冬．侯溫，從夢、海、泛靈、多物種溝通等角度討論創作。有興趣者不妨至北美館官網了解更多。

洄鳴──林彥君個展

展期｜2024.12.14－2025.03.02

地點｜臺北市立美術館 地下樓E展覽室

激烈滾動的雲層、大街上跳著舞的藍裙姑娘、煙霧升起的荒蕪之境、男人靜靜佇立「森林湖泊」⋯⋯這些畫風和敘事各不相同，或幽靜、或湧動的影像，實則圍繞著同一主題——「風暴」。

2025百達攝影獎（Prix Pictet）決選作品展《風暴》巡迴來台，於台北藝術大學關渡美術館展出：12位參展攝影師以自然、政治、社會、環境為背景，帶來12種紀錄風暴的畫面敘事，共同轉動觀者透過天災、政治動亂、戰爭等事件，關注世界、思辨社會的齒輪。

從「永續」出發的攝影大獎

以「永續」為核心命題，瑞士百達集團（Pictet Group）於2008年創立「百達攝影獎（Prix Pictet）」，每屆皆選定一項與「永續」息息相關的主題，透過影像觸發人們對當代環境、社會問題的關注和思辨。回溯往年主題，2008年首屆以「水（Water）」為題旨，後續則關注「地球（Earth）」、「火（Fire）」、「人類（Human）」等面向，最近的2025年第11屆則聚焦「風暴（Storm）」。

有別於多數攝影獎採徵件報名制，百達攝影獎採「提名制」，由全球超過350位策展人、視覺藝術專家、評論家組成提名網絡，經提名、決選出12位入圍攝影師等階段，最終選出1名該年度大獎得主，授予10萬瑞士法朗獎金鼓勵並支持其創作。

風暴的多面性：醞釀、爆發、毀滅、再生

2025第11屆百達攝影獎以「風暴」為題，其指涉的不僅是氣象觀測中的自然現象，更延伸至一股席捲當代世界、無形卻持續重塑社會的巨大動能——從環境變遷、政局不安、經濟失衡，甚至數位時代下的集體社會焦慮，人類正處於日益動盪的時代，彷彿任何時候都將迎來下一場危機。

參展攝影師或捕捉了社會動盪之張力和影響、或紀錄了氣候災變下的流離失所，作品涵蓋社會、環境、政治等多重面向，可值得省思的是：「狼藉」之中映現的不只是毀滅和破壞，更蘊藏混亂之後轉變、重生、希望再起的可能。

百達攝影展《風暴》巡迴來台，12組作品亮點一次看

▌環境變遷下的風暴

本屆首獎得主阿爾弗雷多．賈爾（Alfredo Jaar），藉《終結》一作揭示美國猶他州大鹽湖的環境危機，這座「美國的死海」因過度開發而乾涸，被科學界警示為一觸即發的「環境核彈」。

湯姆・費希特（Tom Fecht）作品《螢光素⸺犬狼之間》聚焦於因全球暖化而瀕危的夜光生物，捕捉這些浮游生物在洶湧波浪中碰撞氧氣時，所散發出的奇幻螢光，夢幻畫面暗藏殘酷現實。

▌歷史中的風暴

瑪麗娜・卡內韋（Marina Caneve）回溯1966年重創義大利多羅米提山區的洪災，試圖勾勒出「未來災難」的輪廓，其作《是岩石還是雲？》像是一場「災前演習」。

新井卓（Takashi Arai）巡訪核歷史遺址創作《在百個太陽中燃燒》，他在日本、美國、馬紹爾群島拍攝數百張6x6釐米的銀版攝影，凝鍊出核能風暴的「微型紀念碑」。

▌政治社會風暴

貝拉勒・哈立德（Belal Khaled）的創作《手在訴說》始於他在加薩避難醫院外的帳篷生活，他拍攝了一雙雙刻滿傷痕、緊握生命的雙手，透過這些沈默的肢體語彙，講述那些言語無法極盡闡述的生存意志。

萊蒂西亞・范松（Laetitia Vançon）之作《致敖德薩》理念如其名，深深向烏克蘭城市敖德薩（Odesa）致敬。這座港口城市在俄烏戰爭期間，肩負重要的航運和戰略任務，展現了強大的韌性和反抗精神。

巴拉兹・加爾迪（Balazs Gardi）作品《風暴》紀錄了2021年美國國會大廈襲擊事件，當時美國國會正宣布2020美國總統大選結果，卻遭落選方支持者突破警方防線、闖進國會大廈。加爾迪直擊這場動亂，用鏡頭記錄了政治動盪中的風暴核心。

▌自然風暴

羅伯托・瓦爾卡亞（Roberto Huarcaya）與風暴「合作」，利用長達30公尺的感光紙，於亞馬遜河床藉4道閃電的瞬間曝光，捕捉大自然中棕櫚靜臥的壯麗魅影。

漢娜・莫迪（Hannah Modigh）的《颶風季》聚焦於美國路易斯安那州南部的日常，捕捉了那股風暴懸而未發的緊張感，以及潛藏在平靜表象下的不安、恐懼與集體憤怒。

卡米爾・西曼（Camille Seaman）記錄了震撼人心的「超大胞（Supercell）」雷暴，這類風暴能產生葡萄柚大小的冰雹與壯觀龍捲風，厚重雲層足以遮蔽天日，留下令人窒息的詭譎靜寂。

▌風暴後的溫情和希望

帕特里齊亞・澤拉諾（Patrizia Zelano）記錄她在2019年威尼斯大洪水期間，從水災中搶救出的百科全書、科學文獻與經典文學，試圖在洪水中保存人類文明的溫度。

博杜安・穆安達（Baudouin Mouanda）的作品則回溯2020年COVID-19疫情期間，剛果布拉柴維爾（Brazzaville）遭遇的洪災浩劫，並與災難倖存者展開共創計畫。

歷經倫敦V&A博物館、杜拜Ishara藝術基金會、東京東京都寫真美術館、蘇黎世Luma Westbau等地巡迴，百達攝影獎「風暴」主題決選作品正式抵達台北關渡美術館，即日起至6月14日，不妨到現場感受影像作品中風暴之震撼，及這些隨自然週期、人類行為、社會動盪而生的變動，是如何影響世界各地人們的日常生活。

大稻埕集結服裝、植栽、生活選品的複合式空間「裏 Ura.219」，正式啟動藝術計畫「URA.Gallery」，邀人們步入古香瀰漫、日式庭園為襯的寧謐空間，潛心探索工藝和藝術作品蘊藏的生活哲思。首發展覽邀東京品牌「TOUFU TOKYO」演繹，透過其代表作「再生盆栽」一系列由凋零盆栽轉化而成的工藝品，邀訪客在台北的古老街區，感受生命的雋永姿態。

裏 Ura.219：台北老城區裡的日式藝術庭園

「裏 Ura.219」隱身於大稻埕，由台灣服裝品牌「Professor E.」與陽明山古物植栽專門店「裏山」攜手打造，將服裝、植栽與生活家居融於一地，是許多潮流和生活玩家私藏的寶藏店鋪。呼應大稻埕古色，裏 Ura.219園區大量保留歷史建築原貌，藉天井引日光入內，精巧的榻榻米茶室散落古董家具，寧靜氛圍與窗外裏山策劃的日式庭園相映，自成一方幽謐天地，有著台北城難得的靜。

藝廊首展TOUFU TOKYO「再生盆栽」

近日裏 Ura.219再將觸角至藝術領域，啟動「URA.Gallery」藝廊計畫，首檔展覽邀請東京植栽工藝品牌「TOUFU TOKYO」擔綱主角，展出其代表作《RE BONSAI™》。此系列以「再生盆栽」為概念，將凋零盆栽轉化為「永生」的工藝擺件。

TOUFU TOKYO為已枯萎的植物移除土壤、修整枝條，並透過特殊的乾燥與保存技術，重構其比例與造型，讓原先需悉心照料的有機植物，蛻變為一種不需澆水、維護，也不受時間和生命限制的雋永物件。藉此，「再生盆栽」裝載的不是植物本身的生命狀態，而是盆景所象徵的文化精神；當人們看向這些盆栽，心中所想也從「養護」轉向「觀看」。

用工藝讓「消逝與再生」更具象可見

在TOUFU TOKYO創辦人鈴木良夫的觀點中，盆栽不只是園藝形式，而是一種關於時間、比例與空間關係的東方思考方式。對他而言，《RE BONSAI™》既不屬於傳統盆景，也不完全是一般的設計和工藝物件，而是一種對「消逝和再生」的表達和實踐。透過「再生盆栽」，他將盆景拆解、重構並轉譯，讓既有的文化符號，在當代生活中被重新理解和使用。

TOUFU TOKYO《RE BONSAI™》

展期｜2026.03.15－04.19

地點｜裏URA.219（台北市大同區迪化街一段219號）

開放時間｜11:00 – 19:00，每週一、二公休