2025大阪世博（大阪・関西万博）Women's Pavilion展館，由世博會與卡地亞攜手打造，旨在持續頌揚那些塑造未來的女性先驅，彰顯她們在推動全球進步、促進平等及引領新一代方面所發揮的舉足輕重的作用。

建築師永山祐子精心打造

由日本建築師永山祐子打造的Women’s Pavilion，外牆設計靈感源自「組木」（Kumiko），其如同一座橋樑，連接著傳統與現代。而這種獨特結構在2020杜拜世博初次亮相，如今經過精心改良，將在大阪再次閃耀登場。它不僅展現了卡地亞對精湛工藝的不懈追求，也體現了品牌對永續發展的堅定承諾。

巧妙融合幾何圖案與自然元素

Women’s Pavilion的展館設計，同時體現了永山祐子的設計理念：自然、人類與資源之間存在著緊密的聯繫，因此，展館周圍的樹木均來自於當地，世博會結束後，這些樹木也將被重新種植於大阪的山林之中，寓意著大自然的循環再生。另外，受傳統町家建築風格的啟發，Women’s Pavilion也巧妙地將幾何圖案與自然元素融為一體，營造出和諧交融的合作交流空間。

藝術家Es Devlin策劃沉浸式體驗

步入Women’s Pavilion，參觀者將踏上一段由知名藝術家兼全球藝術領袖埃斯‧德夫林（Es Devlin）精心策劃的沉浸式旅程。德夫林以其前瞻性的藝術視角，將世博會構想為「一系列獨特的樂器，其中每個展館都宛如一件樂器，而所傳遞的訊息將在全球舞台上產生超越六個月展期的深遠迴響」。在此理念的指引下，Women’s Pavilion旨在引領參觀者聆聽鼓舞人心的私人故事，激發他們的思考，進而將這段體驗與全球性議題緊密相連，藉此加深人們對性別平等的認知。

展覽還邀請參觀者獻出自己的名字，從而化身為整體敘事的一部分。此舉將名字所象徵的力量轉化為獨具一格而又包羅萬有的羅盤，反映出德夫林不斷演進的藝術實踐。在她的巧妙構想下，Women’s Pavilion將每一組參觀者轉化為「排練社群」，希望借助參與式互動引導人們轉變目標與觀點，共同應對困擾全人類的氣候與文明危機等急切挑戰。此沉浸式體驗巧妙地將個人參與融入集體行動的號召之中，讓Women’s Pavilion所傳遞的訊息超越時空界限。

女性藝術家共同編織的女性敘事

這種協作精神同樣深深植根於展館的沉浸式體驗之中，由一群傑出的藝術家攜手呈現。日本電影導演河瀨直美以其專業知識，為Women’s Pavilion的序幕影片注入非凡創意。法國女演員、導演及藝術家梅蘭妮‧洛宏（Mélanie Laurent）則透過引人入勝的肖像、雕塑、音景及虛擬實境作品，深刻探討了女性賦權的主題。

與洛宏攜手創作的千葉尋，其創新的葉綠素印相肖像作品為展館增添了獨特的藝術魅力。跨界藝術家森萬里子在上層空間中呈現了一件圍繞Women’s Pavilion團結與共同人性主題的作品。景觀設計師荻野壽也以永續花園演繹自然世界，引入彰顯日本四季更迭的本地植被，聚焦於自然之韻。著名時裝設計師阿部千登勢為Women’s Pavilion工作人員精心設計了性別共融的制服，巧妙融合和諧與現代的設計理念。

思想碰撞與交融的殿堂

在Women’s Pavilion的二樓，WA空間將化身為思想碰撞與交融的殿堂，為圍繞全球關鍵挑戰展開的對話、論壇和展覽提供平台。該空間將關注六大核心主題——大地母親、商業與科技、教育與政策、藝術與文化、慈善事業以及角色與身份，將邀請先鋒領袖、社會運動者及專家，共同探索解決現實世界難題的方式。

2025大阪世博「Women’s Pavilion」
展期：2025年4月13日至10月13日
更多資訊可至Women’s Pavilion女性主題展館官網查詢

_{資料提供｜Cartier、文字整理｜Adela Cheng}

興建於19世紀，位於德國南部的奧格斯堡國家劇院（Staatstheater Augsburg），這幢擁有百年歷史的老劇院正進行全面翻新與擴建工程；在德國建築事務所HENN操刀下，不僅要修復升級既有的「大劇院」外（Grosses Haus），同時也將新增「小劇院」（Kleines Haus）與服務設施中心等兩座新建築，並預計於2030年完工！

位於德國奧格斯堡中心，誕生於1878年的奧格斯堡國家劇院，是由維也納建築師Fellner與Helmer設計，長年以來都是當地重要的文化地標；然而在二戰期間，建築曾一度遭破壞毀損，之後在1950年代時重建外牆，從當時所保留下來的歷史結構，則在日後被列為城市建築遺產。

如今隨著劇院落成近150年之久，奧格斯堡國家劇院決定啟動修繕計畫，除了要升級大劇院的舞台設備與基礎設施，以符合當代劇場運作需求外，更要在保留新文藝復興風格的老建築前提下，融入全新的建築，讓歷史與當代並存。

串接老劇院風采的半透明玻璃建築

從建築競圖中脫穎而出的HENN，提出了創造一個融合傳統與現代、歷史與未來的文化場域計畫，使劇院不但能承載過去，也能持續孕育藝術與公共生活。全新的小劇院採用三角造型與簡約風格設計，在高度上與周邊歷史建築齊平，既不過度搶盡歷史建築風采，也有著嶄新的存在感。

團隊以半透明玻璃作為小劇院的主要建築語彙，玻璃外牆如同劇場帷幕般包覆於石材基座之上，其曲線汲取自大劇院外觀與劇場天花版的輪廓線條；而外牆玻璃材料皆是回收自當地玻璃製成，不僅回應環境永續，也讓建築在日夜之間呈現不同面貌，半透明樣式能讓光線自由穿透，白天時，使人能隱約窺見室內活動；入夜後，小劇院則轉化為一座由內向外發光的文化舞台。

室內空間則強調開放與流動感，小劇院的入口設於新舊建築之間的連接區域，經過設有咖啡廳、酒吧與衣帽間的寬敞大廳後，觀眾可沿著樓梯前往上層劇場，並在動線中感受不同樓層交織的空間視野。而作為服務中心的另一棟建築，則整合了餐廳、工作坊、排練空間與行政辦公室等功能，以維持劇院的日常運作。

整體而言，HENN以社會與環境永續為本次設計核心，不僅要延續劇院作為歷史地標的價值，也要讓其轉化為當代城市中的文化樞紐，續寫奧格斯堡的城市脈絡與未來發展，並成為市民參與文化生活的重要場域。

資料來源｜HENN

在1970年代的龐克氣息中誕生，紐約「New Museum」始終是城裡最前衛、反骨的藝術場景之一。這裡不像傳統美術館強調保存經典，更著眼於「捕捉當下」，透過最「著時」的當代藝術反映時代脈動和藝術趨勢。歷經擴建工程，這座曼哈頓下城藝術地標將於3/21正式重啟，原SANAA操刀的「錯位白盒」館舍，多了OMA設計的新館與其共生，不僅全館面積與容量翻倍，新設的中庭樓梯、公共廣場也讓藝術從白盒子延伸至城市街區，邀請更多人前來遇見那些尚未被體制關注、定義的未來藝術新星。

擁抱還未被體制看見的藝術靈魂

1970年代的紐約曼哈頓下城（Lower Manhattan），洋溢著反叛不羈的氣息，那時龐克文化正孵化，塗鴉逐漸攻佔城市角落，藝術家聚集於此追夢——New Museum正是在這樣的背景下誕生。1977年，曾任惠特尼美術館（Whitney Museum）策展人的Marcia Tucker，著手創辦New Museum，這是二戰後紐約首個專注於當代藝術的藝文機構。

「新藝術與新思想」貫穿New Museum收藏與策展核心，這源自Marcia Tucker對七〇年代紐約藝術圖景的長期觀察，她認為這座城市還需要一種全新類型的美術館，一個能夠放大當代藝術家之聲的空間，且它必須能夠涵納那些還未被體制所擁抱的創作——在當時，出自女性、酷兒、非裔、亞裔、拉美等社群的藝術實踐都在此列。

專注當下的藝術實驗室

New Museum最特別之處在於不特別強調「永久館藏」，館方不像傳統博物館致力於保存經典，而是將自家定義為「實驗室」，更專注於「現正發生」的藝術。不過，New Museum並非全無館藏，只是在選品時自有一套規範——以過去10年內的藝術作品為核心，這樣的收藏策略得以迅速反應時下的社會議題、藝術趨勢。

SANAA設計首座館舍，工業街區裡的「扭動白盒」

自1977年創立至今，New Museum從哈德遜街（Hudson Street）上小小的臨時空間、僅有3人的迷你團隊，逐步成長為紐約指標性當代藝術場館，且在城中擁有2座寬敞的實體展演空間。

館方首座建築位於紐約Bowery，由普立茲克建築獎得主SANAA妹島和世、西澤立衛操刀，於2007年落成。在這工業之粗獷、時尚與藝術之精緻交織的「拼接感」街區，SANAA利用6個白色方盒，垂直堆疊成建築外觀，這些盒子不僅大小不一，排列時邊線還沒對齊，因此有了看似扭轉、錯位的有趣視覺效果，打破周邊傳統公寓的制式沉悶；建築立面覆上質地粗糙的金屬網，而非精緻平滑的玻璃，既呼應Bowery的工業歷史，也藉前衛造型宣告曼哈頓下城將迎來一場文藝復興。

OMA操刀新館擴建，延續SANAA語彙、提升場館透明度

隨著品牌與場館規模擴大，New Museum展開擴建計畫，邀國際知名建築事務所OMA操刀，建築師Rem Koolhaas、重松象平領銜，在SANAA設計的原館舍旁，添上一座高7層樓、佔地達5,600平方公尺的新建築，將美術館總面積翻倍，以大幅提升日後承載展覽、公共活動、藝術家駐村等計畫的量能。

OMA並未更動原館舍標誌性的「堆疊白盒」外型，而是在新館建築外部，選用金屬與玻璃打造的立面，呼應SANAA原設計，保持New Museum兩期館舍外觀的一致性，同時藉玻璃的通透感提升場館的透明度，拉近美術館與社區的距離。

來到內部，OMA則透過「垂直擴展」的方式，增加場館空間。新建築與舊館2～4樓的既有展廳串連，兩邊天花板高度統一，藉此擴延展廳空間，也讓新舊兩館融為一體。另新設一座中庭樓梯，優化垂直向度的參訪動線，它不僅為藝術裝置提供新的展示空間，也讓觀者步行其上時，得以欣賞窗外街區景色。

除了展廳和觀展動線之外，其他設施也大幅調整——從地面層規模擴大的大廳、書店、美術館商店，到上層新設置的駐村藝術家工作室、論壇及表演場地，還有一間可容納約100人、以蔬食為主軸的新餐廳——共同將New Museum的機能形塑得更為多元且完整。再將視線轉往戶外，新館也包含了一座位於Bowery與王子街（Prince Street）交匯處的公共廣場，未來將展出藝術裝置，舉辦表演、公共活動等，將藝術對話從白盒子帶往流動街區。

隨時代脈動靈活調整的策展方針，2026怎麼做？

自創立以來，New Museum策展方針隨時代靈活調整，但始終不離「著眼當下」的核心精神。回望1970至1980年代，館方聚焦於具潛力、但尚未獲得關注的在世藝術家，除舉辦新銳藝術家個展，也策劃圍繞重要社會、政治議題展開的群展。

1990年代，館方打破僅展出在世藝術家之作的慣例，納入近期過世藝術家的作品，這是因1980年代美國愛滋病危機而啟動的新制；另也同步拓展策展視野，除持續挖掘新銳，更開始關注尚未在美國受矚目的重要國際藝術家。

開館至今近50年，New Museum挖掘許多現已聞名全球的當代藝術家，像是Jeff Koons、Richard Prince出道初期的大型個展都曾在此舉辦。

2026年重啟後，New Museum將加深實踐「公共教育」的力道，不僅邀請藝術家Azikiwe Mohammed專為兒童設計參訪指南，也為年輕觀眾專門設計語音導覽，每月開辦免費參觀的家庭日、青少年藝術創作活動，並邀請紐約公立學校免費參觀和參與導覽，透過一系列多角度切入的長期行動，強化博物館在城市教育中所扮演的角色。